Flower Travellin´Band-Satori (1971)

Flower Travellin´Band fue una extraña banda japonesa que hacían un rock psicodélico con influencias del hard rock de finales de los 60. Fundados por el percusionista Yuya Uchida, ya había formado la banda Yuya Uchida and The Flowers en 1968 e incluso había publicado un álbum titulado “Challenge!”, un disco en donde la banda hacia versiones de grupos de la época como, Jefferson Airplane, Cream o Jimi Hendrix. Ya en 1970 y bajo el nombre definitivo de Flower Travellin´Band publican su primer trabajo “Anywhere”, que igualmente contenía versiones, esta vez de artistas como Black Sabbath, King Crimson o The Animals. Un año después llegaría su mejor obra, el alucinante “Satori”, en donde las influencias de Led Zeppelin, Black Sabbath, Uriah Heep o Deep Purple se verían refrendadas de manera apabullante.
Sin embargo lo que les hacia diferentes con sus grupos coetáneos era su transcripción exótico-espiritual que engrandecieron su glosario de psico-progresismo con una contundencia expresiva que supera a gran parte a los grupos punteros del heavy metal de aquellos años.
La banda por entonces estaba formada por Joe Yamanaka como vocalista, el guitarrista Hideki Ishima, Jun Kozuki como bajista y el batería Joji Wada.
Dividido en cinco partes “Satori”, es un álbum oscuro pero la vez descomunal, con unas guitarras poderosas y una sección rítmica demoledora. Un álbum memorable de principio a fin y que tuvo continuidad en el siguiente “Made in Japan” de 1972 con el que consiguieron la repercusión suficiente y definitiva para girar junto a los Emerson, Lake and Palmer o Jeff Beck Group.

Grateful Dead-Europe´72 (1972)

Grateful Dead han sido elevados a la categoría de mitos por la sociedad estadounidense, ellos son una leyenda y únicos como exponentes de las jam bands, su filosofía de vida y en particular su música les han hecho tremendamente populares en todos los Estados Unidos hasta hoy en día, hasta el punto de que las camisetas con el mítico logo del grupo sea la mas vendida de la historia (hace algunos años se estimo en mas de 70 millones, la mayoría de ellas en Norteamérica).
Con una discográfica asombrosa, en donde solo Frank Zappa puede compararse a lo extenso de su catalogo, los Grateful Dead fueron evolucionado con diferentes experimentaciones durante sus diferentes etapas. Desde la psicodélica, hasta el folk y el country pasando por periplos de jazz, blues y rock e incluso por sonidos mas complejos y progresivos.
Ya a principios de los 70 sus obras "Workingman's Dead" y "American Beauty", (ambos de 1970, quinto y sexto álbum cronológicos), habían supuesto un cambio radical en su sonido, derivándose hacia el folk rock y, apartando en parte su sonido más psicodélico de sus trabajos anteriores.
Estos dos álbumes fueron seguidos por varios años de giras mundiales donde exploraron esta nueva faceta manteniendo en vivo su lado psicodélico y sus interminables conciertos, que perfectamente podían superar las tres horas interrumpidas.
A finales de 1972 se publico el álbum triple "Europe ´72", grabado en diferentes conciertos de la gira europea y donde y como es habitual, la banda se expande salvajemente con blues vibrantes como "Cumberland Blues", jam blues psicodélicos "Truckin", cautivadores temas "Morning Dew", antológicos rock "I Know You Rider”, temas country "Tennessee Jed" o irresistibles jams rock "Brown Eyed Woman" y "Ramble On Rose".
Este mastodóntico registro obtuvo un éxito sin precedentes tratándose de un triple álbum, con una ventas que superaron los dos millones de copias solo en el mercado norteamericano, sin contar las ventas alrededor del mundo. "Europe ´72", es uno de los grandes shows en vivo de la música rock, magnífico tanto por su sonido como por todo lo que esta mítica banda hacia en el escenario, con actuaciones soberbias, sublimes e impecables.

Poobah-Let Me In (1972)

Poobah fueron una banda de hard rock norteamericanos que son completamente desconocidos en Europa, pero que sin embargo son una leyenda en los Estados Unidos, en donde su poderoso estilo hizo furor en la década de los setenta. Fundada en 1972 en Parkersburg, Virginia, por el guitarrista Jim Gustafson, con la ayuda del bajista Phil Jones, los cuales agregaron al batería Glenn Wiseman  conformando este power trío, todos ellos eran estudiantes de la escuela secundaria. A los pocos meses, Poobah entraría en los estudios de grabación para sentar las bases de lo que se convertiría en uno de los álbumes por excelencia del hard rock norteamericano "Let Me In" (1972), con el que se inició un frenesí del rock 'n' roll que vería su continuación en una serie de grandes discos hasta casi nuestros días. Fusionando elementos psicodélicos de los primeros tiempos de Cream, con la pesadez de las guitarras distorsionadas de Black Sabbath, el álbum debut de Poobah pronto se convertiría en legendario, al igual que las heroicas guitarras de Jim Gustafson, y con ello la banda comenzó su ascenso constante hasta llegar al estatus de banda de culto.
Un álbum que comienza con la arrolladora "Mr.Destroyer", un tema que nos transporta a los primeros álbumes de la banda de Tony Iommi y Ozzy Osbourne, la vena psicodélica la encontramos en "Enjoy What You Have", con una atmósfera realmente fascinante, "Live To Work" y "Let Me In", son poderosos hard rock y la extensa progresiva "Make a Man Outta You" y la visceral "Upside Down Highway", muestra la versatilidad del grupo.
La fuerza de este "Let Me In" y los posteriores e incendiarios shows en vivo de Poobah, les llevaron a conseguir abrir muchos conciertos para bandas como Canned Heat, Judas Priest, Alice Cooper, ZZ Top o Foghat.

Joe Walsh-But Seriously, Folks... (1978)

En el año 1978 Joe Walsh tenia tras de si una carrera musical meteórica e impresionante, primero con The James Gang con quien grabaría cuatro formidables álbumes, luego con su proyecto Barnstorm publicando dos muy buenos discos, y luego publicando los álbumes en solitario "So What" y "You Can't Argue with Sick Mind", hasta que en 1976 se uniría a The Eagles sustituyendo a Bernie Leadon y grabando el fabuloso "Hotel California".
Dos años después de este fantástico trabajo, Walsh reanudaría su carrera en solitario paralelamente a The Eagles, lanzando el sensacional álbum "But Seriously Folks".
En este tercer trabajo todos los temas son brillantes y contagiosos, desde el alegre "Over and Over" hasta el irónico "Life's Been Good", pasando por piezas geniales como "Indian Summer" o el atmosférico "Theme from Boat Weirdos", incluso se permitió dejar fuera un soberbio tema como "In the City", que un año después será incluido en el siguiente álbum de The Eagles "The Long Run".
Sin duda una de las mejores discos de uno de los grandes músicos norteamericanos de la década de los 70 y una pequeña obra maestra del rock americano.

Beggar´s Opera-Act One (1970)

Fundada a finales de la década de los sesenta en Glasgow, Beggar´s Opera fueron una importantísima banda de rock progresivo de los años 70. Formados alrededor del guitarrista Ricky Gardnier, su primera formación comprendía al teclista Alan Park, al baterista Raymond Wilson, al bajista Gordon Sellar y al vocalista Martin Griffiths.
Durante algún tiempo dieron conciertos por toda Escocia con material propio y versiones, hasta que firman un contrato con el sello Vértigo, quienes les producen su primer álbum “Act One” publicado en 1970. El estilo de Beggars Opera en este primer álbum es mucho más dinámico y rápido que en los posteriores, y también mucho más influenciado por la música clásica, hasta el punto que decidieron incluir fragmentos de muchas piezas clásicas (obertura de “William Tell” de Rossini o “In the Hall of the Mountain King” de Grieg, entre otros) en las dos pistas largas del álbum, “Raymonds Road” y “Light Cavalry” destaca la personalidad vocal Martin Griffiths. Temas totalmente dominados por las melodías de órgano del virtuoso Alan Park, destacando también los solos de guitarra vertiginosos y potentes de Ricky Gardiner. El sonido de Beggar´s Opera a veces recuerdan a los Deep Purple de la misma época. Por otro lado se observa que esta banda fue sin duda una de las principales influencias de los progresivos irlandeses Fruupp.

Joe Satriani-Flying In A Blue Dream (1989)

"Flying in a Blue Dream" fue el tercer álbum del virtuoso guitarrista Joe Satriani publicado en 1989, un trabajo que tenía una expectativa inusual en el momento de su publicación, al ser el primero donde ponía su voz para cantar en algunos de los temas del disco.
A diferencia de su antecesor "Surfing With The Alien", Satriani presentó composiciones mucho más elaboradas, con una evolución experimental progresiva, así como una duración mucho mayor que en los dos trabajos anteriores en los que apenas superaban los 35 minutos.
Con este disco Satriani volvería a ser nominado a los premios Grammy además de lograr grandes ventas en el mercado americano.
Un álbum lleno de exploraciones de diferentes estilos, desde tremendos ejercicios instrumentales como "Flying in a Blue Dream" o "The Mystical Potato Head Groove Thing", hasta cautivadoras melodías "I Believe", pasando por temas hard rock "Ride" o experimentaciones de guitarra como "The Forgotten (Parte 2)" y "The Bells Of Lal (Parte 2)".

Funkadelic-Maggot Brain (1971)

Junto a Parliament, Funkadelic fueron los máximos exponentes de la fusión entre rock psicodélico, el funk y el soul, una síntesis fascinante que Jimi Hendrix llevaría a la cúspide creativa y que músicos como George Clinton explotaron hasta límites insospechados. Fundada originalmente en 1964 por George Clinton con músicos de la banda del Parlamient. Su concepto innovador se canalizó a través de las dos bandas mencionadas.
Mientras Parliament hacía un funk más suave basado en el rhythm and blues y los arreglos de cuerda y viento, Funkadelic practicaba un funk rock experimental, con potentes guitarras fuzz influenciadas por Jimi Hendrix, con sonidos ásperos y crudos tomados de las bandas del hard rock de Detroit.
"Maggot Brain" sería el título de su tercer y definitivo álbum publicado en 1971, un disco imprescindible en la historia del funk rock psicodélico y que influiría decisivamente en cientos de artistas posteriores. Su tema estrella es precisamente el que da título al disco, una epopeya de diez minutos donde su fantástico guitarrista Eddie Hazel, desarrollando un impresionante solo de guitarra, aparentemente bajo los efectos de alucinógenos como el LSD. El resto del disco no se queda atrás con temas cautivadores como "Super Stupid", "Hit It And Quit It" o "Wars of Armageddon", esta última un sorprendente jam que cierra esta obra maestra del funk rock.

Rush-Grace Under Pressure (1984)

En 1984 Rush publicaron su décimo álbum titulado “Grace Under Pressure”, para el cual dejaron de trabajar con Terry Brown como productor, quien había firmado gran parte de la producción de los discos anteriores, para este encontraron al experto Steve Lilywhite, ingeniero habitual de U2, pero la negativa de este a ultima hora obligó a que el disco fuera producido por ellos mismos con la ayuda de Peter Henderson.
Si bien el grupo mantiene la calidad incuestionable de sus composiciones, el álbum refleja una época en que muchos de los seguidores más antiguos se alejaron debido al aumento del sonido de los sintetizadores en detrimento de las guitarras rock.
"Grace Under Pressure" incluye brillantes canciones como "Distant Early Warning" y "The Enemy Within", una canción con ritmo ska que es parte de la serie “Fear" o la interesante "Afterimage".
Sin embargo es el tema "Red Sector A", la cual hace referencia a un campo de concentración y está inspirada en los recuerdos de Geddy Lee sobre las historias que le contaban sus padres, judíos supervivientes de uno de estos campos, el momento cumbre del álbum.
Como curiosidad el título del disco tiene relación con las distintas canciones, ya que casi todas tienen como tema central, situaciones en que el ser humano se siente bajo presión y su reacción a la misma.
El disco culmina con una de esas canciones que nunca han entrado a formar parte de su repertorio de clásicos a pesar de merecerlo, como es la formidable y progresiva "Between The Wheels".

Iron Maiden-Somewhere In Time (1986)

Tras la gira mundial de apoyo al disco "Powerslave", Iron Maiden ya había alcanzado parte de su inmortalidad gracias a dicho álbum y al posterior doble en directo, grabado durante el "World Slavery Tour", el formidable "Live After Death".
Con el listón muy alto, el grupo se dirigió sin demora a las Bahamas para grabar su sexto disco, con Martin Birch como productor.
Desde su publicación “Somewhere In Time” se convirtió en uno de sus trabajos mas importantes, empezando por su asombrosa portada del habitual diseñador Derek Riggs, que nos dejó un Eddie convertido en Cyborg en medio de una gran ciudad, clara alegoría del cambio tecnológico que Iron Maiden mostraba en este trabajo, debido en parte al uso de bajos y guitarras sintetizadas. Una portada que en alta resolución muestra infinidad de detalles relacionados con la historia de la banda como un cartel de Acacia Avenue, el Long Beach Arena, el Rainbow Theatre, el pub Ruskin Arms, un reloj que marca las 11:58 pm, un cine que proyecta “Live After Death”, “Ícaro” cayendo en llamas desde el cielo, un letrero de neón con el “Ojo de Horus”, la barra “Aces High” y mucho más detalles.
Desde la inicial y progresiva "Caught Somewhere In Time", hasta la épica "Alejandro Magno", en referencia a la vida y obra de Alejandro Magno, pasando por himnos como "Wasted Years", la también progresiva "The Loneliness of the Long Distance Runner ", el rock arena" Heaven Can Wait" o el vertiginoso "Sea Of Madness", componen un disco espectacular, contundente y apoteósico.

Focus-Moving Waves (1971)

El segundo álbum de Focus "Moving Waves", encarna la síntoma indudable de que la banda había alcanzado su propia madurez musical, luego de un debut atractivo pero aún inmaduro como fue "In and Out of Focus" y una serie de idas y venidas que ocurrieron en el seno de la banda entre finales del año 1970 y principios de 1971. Con la incorporación del guitarrista Jan Akkerman y la entrada del baterista Pierre Van Der Linden, Focus canalizó por fin su dirección musical.
A partir de aquí, las obras de Thijs Van Leer y Jan Akkerman se beneficiaron enormemente de la peculiar vibración e instinto creativo que Van Der Linden mostró con su enorme estilo de percusión.
El tema de apertura de esta obra magistral comenzó con 'Hocus Pocus', un icónico prodigio de rock ardiente combinado con una humorística letra: no es de extrañar que sea una de las piezas más conocidas de Focus, la solemne 'Le Clocharde', la tristeza contenida de 'Janis' y la atmósfera etérea del tema homónimo nos muestran directamente la faceta más formalmente elegante de la visión musical de Focus.
Esta misma elegancia irresistible se reitera en 'Focus 2', un hermoso tema de jazz, y lo mejor está en la inmensa suite "Eruption", que ocupa los 23 minutos de la cara B del vinilo original. Concebido a partir de una idea de Van Leer, el conjunto se desempeña maravillosamente a través de secciones y sub-secciones sucesivas con una instrumentación asombrosa. Esta suite cierra de manera grandiosa y monumental un álbum verdaderamente formidable.

“Moving Waves” es una de las obras maestras definitivas de la música progresiva.

Janis Joplin-Pearl (1971)

Janis Joplin es una de las cantantes de blues y rock más importantes de la historia, considerada por muchos la artista de rock femenina más influyente que ha existido y que murió prematuramente a los veintisiete años por una sobredosis de heroína, convirtiendo este hecho en uno de los acontecimientos mas importantes de la historia de la música popular.
Con solo cuatro álbumes, Janis Joplin alcanzaría el estatus de diva del rock, su tormentosa vida le dio la capacidad de llegar a lo más profundo de cada canción, contando cada historia con su voz y acercar ese sentimiento al público.
Sus constantes viajes al San Francisco hippy de la época le proporcionaron la energía suficiente y el punto de locura necesario para mezclar su esencia negra con la energía del rock.
En varias ocasiones llegó a preguntar lo que le pasaría a su vida cuando no fuera la número uno y no fuera una estrella, y ciertamente no tuvo tiempo de enterarse, el 4 de octubre de 1970, fue encontrada muerta en una habitación de un hotel en Los Ángeles.
Janis había roto algún tiempo atrás su colaboración con su banda Big Brother & The Holding Company, sus tiempos felices en San Francisco habían terminado y pasaba su tiempo más borracha que sobria, se peleaba constantemente con sus músicos en el estudio y su vida era solo física, con una falta de control mental y emocional.
Antes de su fallecimiento Janis Joplin se encontraba inmersa en la grabación de su nuevo disco "Pearl", el cual aún estaba por terminar, finalmente fue publicado con el material ya grabado y en el momento de su lanzamiento tuvo un éxito abrumador.
¿Qué podría salir de tal estado físico y emocional? ¿Qué grabación saldría del resultado de una vida tan convulsa? "Pearl" fue un disco aterrador, doloroso, desgarrado y al mismo tiempo magnífico.
Janis Joplin había logrado después de su muerte hacer su mejor y más completo trabajo, canciones como "Me and Bobby McGee", "Trust me", "A Woman left Lonely" o "Cry Baby", mostraban la más absoluta tristeza sin dejar de mostrar su lado más salvaje e indomable.
Y es que Janis logró en este asombroso álbum, equilibrar su fuerza original y el dominio de la técnica con un estado emocional muy acentuado.

Carole King-Tapestry (1971)

Carole King ya era una afamada compositora de éxitos para otros artistas cuando publicó su obra cumbre "Tapestry" en 1971.
Durante los años 60 Carole King junto a su marido y también compositor Gerry Goffin compuso innumerables éxitos para otros artistas como Bobby Vee, The Monkees, The Drifters, Aretha Franklin o James Taylor entre muchos otros.
Sin embargo cuando se lanzó a su carrera en solitario, pasó desapercibido con su primer disco "The Writer", de poca fortuna y no sería con su siguiente álbum "Tapestry" cuando conocería las mieles del éxito con más de 25 millones de discos vendidos hasta la fecha, lo que da una idea de la calidad de este magnífico trabajo.
Para este segundo lanzamiento, Carole recuperaría tres de las canciones que le había regalado a otros artistas como "Will You Love Me Tomorrow", un éxito interpretado por The Shirelles, "(You Make me Feel) Like a Natural Woman", que fue otro éxito en la voz de Aretha Franklin y "You're Got A friend", todo un número uno mundial cantado por James Taylor.
Todas estas joyas y otras nuevas composiciones como "It's Too Late" o "Feel The Earth Move", elevaron un disco que se convertiría en toda una obra maestra indiscutible de la música de cantautores.

Shadow King-Shadow King (1991)

Lou Gramm abandonaría Foreigner después de su álbum "Inside Information"(1987) para dedicarse a su carrera en solitario, una carrera que había empezado ese mismo año con la publicación de su álbum debut "Ready or Not", con el que consiguió un notable éxito tanto el Lp como los sencillos "Midnight Blue" y "Ready Or Not".

Varios años después tendría continuación con su segundo larga duración "Long Hard Look", que aunque no tuvo el mismo recibimiento comercial que el anterior, se mantuvo a un alto nivel.
En 1991 Lou Gramm formaría Shadow King, una especie de superbanda en donde contaba con el batería de Kiss, Kevin Valetine, el bajista Bruce Turgon, y el guitarrista Vivian Campbell que había colaborado entre otros en la banda de Dio.
En el año 1991 publicaron su único disco, titulado al igual que la banda, que se convirtió en uno de los mejores trabajos de rock melódico de los años 90. Con un repertorio basado en medios tiempos como las sobresalientes "Once Upon A Time", "Don´t Even Know I´m Alive" o "This Heart Of Stone", donde las melodías vocales cautivan a la primera escucha, y que se alternan con potentes temas de hard rock "What Would It Take" o "Anytime, Anywhere" o sublimes baladas como "Russia", que conforman uno de los discos esenciales del rock melódico. 

Slade-Slade Alive! (1972)

Slade dio tres memorables conciertos entre el 19 y el 21 de octubre de 1971 en el Picadilly Circus de Londres de los cuales se extrajeron uno de los mas salvajes directos que se recuerdan "Slade Alive!". Con un repertorio cargado de versiones y temas propios, la banda de Wolverhampton dejaron una sobredosis de gran rock´n´roll visceral y adictivo.
Ya desde la inicial "Hear Me Calling" de los Ten Years After vislumbramos por donde van los tiros con una potente y incendiara versión, en "Darling Be Home Soon" de Lovin´ Spoonful, la banda sabe también bajarse de los desenfrenos y hacer una sosegada versión muy melódica, mientras ""Get Down and Get with It" el grupo lleva la versión de Bobby Marchan a su peculiar boogie rock.
Para finalizar las versiones "Born to be wild" de los Steppenwolf, es el tema mas caótico del álbum, en una explosión de hard rock desenfrenado. De los temas propios destaca "In Like a Shot from my Gun", con ese ritmo contagioso característico de Slade, al igual que "Know Who You Are", finalizando con la rock´n´roll "Keep on Rocking", logrando con este soberbio directo una segunda posición en las listas británicas en los UK Albums Charts.

Captain Marryat-Captain Marryat (1974)

Otra de las muchas bandas perdidas en el camino del infinito Universo rock, fueron Captain Marryat, banda escocesa que tuvo el lastre de no haber nacido en Inglaterra.
Formados por el batería Jimmy Rorrison, el bajista Hugh Finnegan, el guitarrista Ian McEleny, el teclista Allen Bryce y el vocalista Tommy Hendry, comenzaron su andadura en su Glasgow natal. En 1974 publican un Lp con una tirada inicial de 250 copias bajo el sello independiente Thor Records. Durante sus conciertos estos discos se ponían a la venta en la entrada, conciertos por cierto en donde solían telonear a grupos como Nazareth o Alex Harvey Band. Con un estilo que iba desde el hard rock hasta el progresivo épico, y deudores de bandas como los primeros Deep Purple o Uriah Heep, Captain Marryat  lograron hacer un Lp tan memorable como antológico, "Songwriter´s Lament" es un espectacular tema progresivo en donde el órgano toma el protagonismo secundado por los acordes de guitarra y una sección rítmica poderosa, "Dance of Thor" en cambio es liderado por las notas de una guitarra hiriente y afilada secundada por el frenético ritmo de la banda, mientras la inicial y épica "Blindness" con un crescendo entre el órgano y guitarra nos recuerdan a los mencionados Uriah Heep.
Sin embargo es la extensa "It Happened to Me", el tema mas emblemático de este debut que demuestra el rock progresivo que esta efímera banda sabían hacer.
Actualmente este desaparecido álbum es cotizado a precios desorbitados, llegando algunos melómanos a pagar la increíble cifra de tres mil libras esterlinas por una de sus copias.

Jeff Beck, Tim Bogert & Carmine Appice-Beck, Bogert & Appice (1973)

En 1973 Jeff Beck dio por terminada su aventura con la Jeff Beck Group, desmantelando la formación e iniciando otro proyecto a modo de un poderoso trío junto a Carmine Appice y Tim Bogert, una de las mejores secciones rítmicas de la época, con los que grabara el álbum homónimo "Beck, Bogert & Appice", un magnífico disco que fue criticado por algunos por su producción "menor" y también por no haber incluido a un buen vocalista. Nadie duda que este disco con Rod Stewart o incluso con Bobby Tench (sus dos vocalistas en la Jeff Beck Group), posiblemente hubieran ganado muchos más enteros, pero Beck no quiso darle demasiado protagonismo a las voces en este álbum, y decidió prescindir de ellos.
En cualquier caso, este disco fue la confirmación de la enorme calidad de los tres magníficos músicos, con un trabajo memorable en donde demuestran una gran compenetración entre ellos, y un gran feeling tanto en el plano de composición como en el instrumental. Temas como la blues rock "Black Cat Moan", la poderosa "Lady", el contundente rock "Why Should I Care About You Now" o las funk "Lose Myself With You" y "Superstition", dejan claro la enorme calidad del álbum. Sin embargo, para aquellos que cuestionaron la parte vocal, la banda demuestra en “Oh To Love You", "Sweet Sweet Surrender" o el magnífico "I'm So Proud", la suficiencia justa para demostrarles que estaban muy equivocados.

Henry Paul Band-Grey Ghost (1979)

Henry Paul Band es una de las bandas de culto del rock sureño que publico una serie de grandes álbumes entre el periodo comprendido de 1979 y 1982. Fundado por el ex guitarrista de los Outlaws, Henry Paul, el resto estaba formado por los guitarras Jim Fish y Bill Crain, el bajo Wally Dentz, el batería Bill Hoffman y el percusionista Joe Lala. En 1979 hicieron su debut bajo el sello Atlantic Records con el álbum "Grey Ghost", un trabajo repleto de clásicos del southern rock como "So Long", "Cross Fire", "Follin", "Lonely Dreamer" o el impresionante "Grey Ghost", un soberbio tema que recuerdan a las épicas "Free Bird" de Lynyrd Skynyrd o "Green Grass And High Tides" de los Outlaws y que fue escrita en memoria de Ronnie Van Zant.
Posteriormente grabarían tres álbumes más, hasta que Henry Paul volvería a integrarse en los Outlaws para el álbum "Soldiers of Fortune" de 1986.

Tony Banks-A Curious Feeling (1979)

En 1978 la banda británica Genesis se tomo una largo descanso después del album "And Then There Were Three", entre otros motivos estaban por medio los problemas de Phil Collins en su matrimonio y las ansias de Mike Rutherford y Tony Banks de completar algunos proyectos en solitario.
Así mientras Phil Collins estaba totalmente fuera de juego, Mike Rutherford se dedico a componer y grabar su álbum debut "Smallcreep´s Day" que aparecería en 1980, y Tony Banks por su parte haría lo mismo con su álbum "A Curious Feeling" que seria publicado en 1979.
Tony Banks siempre fue el integrante de Genesis menos exitoso artísticamente, manteniéndose a la sombra continuamente y el mas retraído de todos, sus mejores contribuciones a nivel compositivo con Genesis llegarían después del álbum "The Lamb Lies Down on Broadway", con la autoría de joyas como "A Trick of The Tail", "One For The Vine", "Afterglow", "Undertown", "Burning Rope", "Many too Many" o "The Lady Lies". Son precisamente las cuatro ultimas pertenecientes al "And Then There Were Three", el trabajo donde mas protagonismo tuvo, y al mismo tiempo en donde habían mas composiciones suyas.
Por lo tanto no es de extrañar que "A Curious Feeling" tenga un sabor a ese disco, con grandes orquestaciones a partir de su arsenal de teclados y la potente batería de Chester Thompson.
Para este trabajo Banks confecciono un disco conceptual basado en la historia del hombre y su paulatina perdida de cordura. Para el rol de vocalista Banks acudió a Kim Beacon, que gracias al dramatismo de su voz fue el cantante idóneo para dar consistencia a esta obra.
En un álbum donde cualquiera de sus temas son destacables, sin embargo son la dramática "Lucky Me" o las progresivas "Forever Morning", "You", "Somebody Else´s Dream" o “The Waters of Lethe", las que le acercaban al sonido característico de su banda madre.

Roger Glover-The Butterfly Ball and the Grasshopper's Feast (1974)

A principios de 1974 las relaciones en el seno de Deep Purple estaban en un punto muerto, en donde las tensiones internas terminaron por la salida de Roger Glover, invitado a ello por el irascible Ritchie Blackmore, siendo sustituido por el bajista Glenn Hughes.
A partir de aquí Glover se dedicaría a producir algunos trabajos de bandas como Nazareth, Judas Priest o Rory Gallagher entre otros además de seguir su carrera en solitario.
Ese mismo año 1974 Jon Lord el teclista de los Purple estaba trabajando en una obra basada en un libro infantil ilustrado de Willliam Plomer del siglo XVIII, para ello invita a Roger Glover asumiendo plenamente las tareas de producción, en lo que debería haber sido originalmente un álbum en solitario de su amigo Jon Lord.
Sin embargo una serie de contratiempos impidieron al propio Lord dedicarse y continuar con el proyecto, y Glover no se lo pensó dos veces y además de producir, seria el principal compositor de este disco conceptual a modo de opera rock, y también se convertiría en el director general de dicho proyecto.
"Butterfly Ball And The Grashopper´s Feast" es un doble álbum grabado a modo de opera rock, todas las canciones llevan la firma del Roger Glover, tres de las cuales fueron junto a Eddie Hardin, antiguo cantante y teclista de los Spencer Davis Group, y en otras dos aparecen como coautores Ronnie James Dio y Mickey Lee Soule, teclista de ELF, por entonces la banda de Dio.
El ex bajista de Purple estaba entusiasmado con esta iniciativa, que estaba ganando mucha relevancia, por lo que no tardo en llamar a una inmensa tropa de grandes músicos para que colaborarán en la grabación final del álbum. Entre otros muchos acudieron a la llamada sus ex-compañeros en Deep Purple: Ian Gillan, Tony Ashton, David Coverdale, Jon Lord, además de Ronnie James Dio, Ray Fenwick, Eddie Jobson, John Lawton, o Glenn Hughes. También contaría con algunos actores y cantantes de la escena musical de Londres. "Butterfly Ball…" es una obra agradable, muy cohesionada, y a diferencia de la critica de la época que la considero hermética e irregular, el resultado es una obra bien estructurada musicalmente con complejos arreglos y grandes instrumentaciones. Su principal atractivo reside en su faceta psicodélica con guiños al progresivo que incluso tiende una mano al pop.
Al año siguiente Roger Glover lograría llevar el espectáculo a Londres para presentar la obra en vivo, con la presencia de algunos de los músicos que intervinieron en las grabaciones de estudio, incluso participaría Ian Gillan que fue llamado apresuradamente por que el cantante oficial Dio el cual cancelo a ultima hora su actuación…debido a las presiones de su nuevo jefe, Ritchie Blackmore, (Dio acababa de entrar a formar parte de los Rainbow), quien le prohibió tajantemente participar en el espectáculo.

Cactus-One Way...Or Another (1971)

Surgidos de las cenizas de los inconmensurables Vanilla Fudge, Cactus fue para muchos la mejor respuesta norteamericana a Led Zeppelin, y aunque ellos tenían muchos argumentos para ello, lo cierto es que el poder y la energía de Tim Bogert, Carmine Appice, Rusty Day y Jim McCarty era un rock menos pulido y mas visceral que las huestes de Page y Plant.
Después de un primer álbum sorprendente en donde sobresalían temas como "Parchman Farm" o "Feel So Good", llegaría su segunda y mejor obra "One Way…Or Another" publicado en 1971. Para este álbum seria el famoso Eddie Kramer quien les guiara en la producción del disco, y su labor se nota en la progresiva "One Way…", otros temas como "Rock´N´Roll Children" es pura dinamita en la guitarra de McCarty, mientras "Long Tall Sally" es un boogie rock contenido con un ritmo melódicamente adictivo.
Pero la banda también muestra su versatilidad y su vena psicodélica con la hipnótica "Feel So Bad", o la zeppeliana "Hometown Bust".
Cactus no tuvo mucha mas continuidad, después de dos aceptables álbumes posteriores, terminarían disolviéndose a finales de 1972, cuando Jeff Beck llamaría a Bogert y Appice para constituir el trío Beck, Bogert & Appice con los que grabarían dos estupendos trabajos pero mas enfocados a los sonidos del blues rock.

Count Basie & The Mills Brothers-"The Board Of Directors" (1968)

Count Basie fue pianista y director de muchas de las mas famosas big bands durante cincuenta años, es probablemente el músico más asociado a la música swing y al movimiento del jazz tradicional.
Sus padres eran músicos y recibió lecciones de ellos, (especialmente de su madre) y de otros pianistas populares como Fats Waller. Durante un tiempo, tocó como acompañamiento para películas mudas. Más tarde, en Kansas, se unió al grupo de Walter Page llamado "Blue Devils". Basie dejó la banda a principios de 1928 para tocar con otras orquestas, incluida la dirigida por Bennie Moten. Tras su muerte en 1935, Basie trabajó durante un tiempo como solista antes de formar su propia orquesta con algunos de los músicos de la anterior, entre ellos el saxo Lester Young.
La banda de Basie tocaba en un sórdido lugar llamado Reno Club. Las bebidas costaban 15 centavos, las hamburguesas 5 centavos y los músicos ganaban solo 15 dólares a la semana por siete noches de trabajo. Al igual que ocurrió con Billie Holiday, fue el cazatalentos y promotor John Hammond quien los vio en una actuación en el local y los recomendó a varios agentes y compañías discográficas. Su primera grabación fue en la Decca Records en enero de 1937. Su grabación "One O'Clock Jump" se convirtió en su primera canción en las listas de éxitos en septiembre de 1937, más tarde después de convertirse en su canción más popular, fue incluida en el Salón de la Fama de los Grammy.
El regreso de Basie a Nueva York tuvo lugar en 1938 en el club Famous Door, donde obtuvieron un gran éxito. En el invierno de ese año, "Stop Beatin 'Round the Mulberry Bush" cantada por Rushing, entró en el Top Ten de éxitos. A principios de la década de 1940 realizó una extensa gira por el país, que duró hasta que ingresó los Estados Unidos en la Segunda Guerra Mundial en diciembre de 1941, tras lo cual sus giras se redujeron drásticamente.
Durante su estancia en la costa oeste participó con su orquesta en cinco películas, todas realizadas en 1943. Tuvo numerosos éxitos musicales tanto en el campo del jazz como en el rhythm and blues: "I Didn't Know About You", "Red Bank Blues","Rusty Dusty Blues", “Jimmy's Blues" y "Blue Skies".
A finales de la década de los 40 disolvió su orquesta en un contexto de decadencia generalizada de las big bands y se decantó por un tiempo por bandas mas reducidas. En 1952, sin embargo volvió a formar una big band con miras a realizar una gira por todo el mundo dos años mas tarde en 1954, precisamente el mismo año en que se uniría el cantante Joe Williams (que estaría con él hasta 1960).
Con Williams publicó en 1955 uno de sus títulos más reconocidos, “Count Basie Swings - Joe Williams Sings”, del cual la canción "Every Day (I Have the Blues)" obtendría un éxito formidable alcanzando las posiciones más altas en las listas y entrando en el Salón de la Fama y un Grammy. Su versión instrumental de "April in Paris" también fue un gran éxito en 1956. Entre finales de la década de 1950 y principios de la de 1960, ganó varios premios y nominaciones al Grammy. En 1962, Basie firmó con la nueva compañía de Frank Sinatra, Reprise Records y grabó con él “Sinatra-Basie”, que entró en la lista Top Five a principios de 1963.
Todos estos éxitos populares mantuvieron a Basie alejado del jazz durante la década de 1960. Sin embargo, al final de la misma retomó el género con diferentes álbumes con cantantes como Ella Fitzgerald ("Ella y Basie", 1963); de nuevo Sinatra ("It Might As Well Be Swing", 1964); Sammy Davis, Jr. ("Our Shining Hour", 1965); los hermanos Mills ("The Board of Directors", 1968); o Jackie Wilson ("Manufacturers fo Soul", 1968). De todas estas obras destaca "Count Basie & The Mills Bothers / The Board of Directors" considerada una obra de culto, joya del jazz y el swing y una obra maestra absoluta del jazz.

Peter Gabriel-III (1980)

Después de abandonar Genesis, Peter Gabriel se tomo varios años de descanso alejado del mundo musical, buscando nuevas fronteras y alicientes que le volvieran a entusiasmar para emprender su futura carrera en solitario. Optaría por una faceta alejada del sonido de rock progresivo de su banda madre, con sonidos mas experimentales y creativos sin sacrificar el lado comercial en sus cuatro primeros trabajos, todos ellos esenciales para su reconocimiento publico y los consabidos éxitos en las listas de ventas.
Peter Gabriel III, fue publicado en 1980, y como su nombre ya deja entrever, fue su tercer trabajo y el mejor de todos los discos publicados por los componentes de Genesis en solitario. Para esta ocasión Gabriel contó con la colaboración de Phil Collins, Kate Bush, Robert Fripp, David Rhodes, Larry Fast, Paul Weller, Dick Morrisey, Tony Levin, Jerry Marotta entre otros, además de la producción de Steve Lillywhite.
Con este plantel de lujo, Gabriel realizo su mejor obra, perfecta de principio a fin, en donde desde la inquietante "Intruder" hasta la política "Biko", son creaciones tan sublimes como antológicas. Pero Gabriel también sabe derivarse hacia sonidos mas melódicos y comerciales como las impresionantes "I Don´t Remember", "Games Without Frontiers" o "Not One Of Us", mientras los sonidos mas experimentales de "No Self Control", la melancólica y épica a partes iguales "Family Snapshot" o la mas convencional "And Through The Wire", conforman un soberbio trabajo de plena madurez compositiva de este genial músico intemporal.

Rush-Power Windows (1985)

"Power Windows" significaría uno de los mejores discos de Rush de la década de los ochenta, muy valorado tanto por la critica como por los fans del grupo y también seria el primer trabajo con el productor Peter Collins. Publicado en  1985 y quizás influenciados por este hecho, el álbum incluye más teclados y sintetizadores a su sonido característico.
Además Neil Peart añade a su set de percusión habitual, la batería electrónica, lo que le abre nuevas posibilidades en su trabajo y esto se nota a lo largo de todo el disco. Pero sobre todo se aprecia al final, en el ritmo de la fantástica "Mystic rythms", donde uno llega a preguntarse si este hombre es realmente humano. La respuesta llega cuando lo ves en directo interpretar dicho tema, y reproducir la secuencia de percusión de manera perfecta, la versión original del álbum.
Sin embargo quizás se sigue echando en falta una mayor presencia de Alex Lifeson y sus guitarras. Su aportación queda en una mera presencia testimonial, no solo por lo poco que aparece en el disco, sino porque cuando lo hace, es a base de dar a su guitarra un sonido que en nada se parece a una guitarra de rock convencional.
El álbum se inicia con "Big money" y "Grand designs", y a partir de ese momento la calidad de las canciones va creciendo de forma gradualmente espectacular con "Manhattan project", sobre el proyecto que dio lugar a la primera bomba atómica y "Marathon" sobre esta carrera sobrehumana contra uno mismo.
Continúa el disco con "Territories" y los problemas que trae el nacionalismo a la humanidad y con "Middletown dreams", continuación de la temática del "Subdivisions", en cuanto al tratar el tema del ser humano atrapado en una realidad y una rutina que le oprime y su intento de escapar aunque sea sólo soñando.
El álbum se cierra con "Emotion detector" y las dificultades de convivir en sociedad y relacionarnos con los demás de forma natural y con la mencionada "Mystic rythms".

Fruupp-Future Legends (1973)

Influenciados por el rock progresivo, junto a la originalidad de Frank Zappa con acercamientos a la música clásica, al folk británico, con bastantes dosis de lirismo y sensibilidad, Frupp fueron una banda que aglutinaron en cuatro grandes álbumes, el extraordinario talento de sus dos líderes, el virtuoso y electrizante guitarrista Vincent McCusker y el teclista Stephen Houston, completando esta formación el bajista y voz Peter Farrelly y el batería Martin Foye.
Todos sus álbumes rebozaron brillantez, grandes desarrollos instrumentales y al mismo tiempo complejos arreglos. Su primer disco “Future Legends” (1973), es el mas portentoso de los cuatro que esta banda publicaría, alternando momentos de frenesí con partes bucólicas y mas ambientales.
El álbum al completo es una verdadera antología de rock progresivo, como "Decisión" con un comienzo muy beatle que finaliza en una explosión de catarsis sonora y unos riffs alucinantes por parte de McCusker, mientras "As Day Breaks With Dawn", es su contrapunto con una sosegada melodía y que al igual que la anterior finaliza de manera explosiva.
“Graveyard” muestra las excelencias instrumentales en un clímax que van subiendo de tono progresivamente en un largo desarrollo con continuos cambios rítmicos, culminando este soberbio álbum con "Song For a Thought", un extenso tema que se encuadra perfectamente dentro de los parámetros del rock progresivo mas clásico.

Nazareth-Snakes ´N´Ladders (1989)

A finales de la década de los ochenta, muchos ya consideraban a la mítica banda escocesa Nazareth como un gigante dinosaurio.

Ellos habían protagonizado memorables momentos del hard rock de los setenta, habían sobrevivido exitosamente a la era punk, la new wave y los sonidos de los años 80, habían caído al pozo del olvido y habían vuelto a renacer en varias ocasiones, por lo tanto llegados a este punto estaban curados de espantos.
En 1989 Nazareth venia de hacer un álbum que los había puesto en órbita después de algunos fracasos, como fue su enorme "Cinema", por lo que volvieron a probar fortuna con un nuevo trabajo titulado "Snakes´n´Ladders".
Para este nuevo disco la banda endurece su inconfundible estilo, en parte producto de las decisiones de su productor Joey Balin, y en donde ya desde el primer corte "We Are Animals" se puede observar, aunque en la línea del característico sonido "Nazareth", de igual manera temas como "Trouble" o "See You" See Me", confirman esa tendencia, ambas de gran intensidad, fuerza y poderío. La elegante "Lady Luck" o la comercial "The Key", pese a ser grandes composiciones están demasiadas sobre producidas debido a los excesivos arreglos habituales de los años ochenta, mientras la atmosférica y adictiva "Hang On to A Dream", deja entrever un sonido derivado al metal pop muy de moda en aquellos años, en contra son la rock "Donna-Get Off That Crack" y "Back to School", las que mantienen un nivel muy aceptable la puntuación final de este interesante álbum.

Deep Purple-Come Taste The Band (1975)

Despreciado por muchos y venerado por otros, "Come Taste The Band" fue el décimo trabajo de Deep Purple publicado en 1975, y el único álbum en donde aparece la formación conocida como “Mark IV” (Hughes, Coverdale, Paice, Lord y Tommy Bolin).
También fue el primero en donde ya no estaba Ritchie Blackmore, sin duda el alma de los Purple con permiso de Jon Lord y de Roger Glover cuando este aún pertenecía a la banda, y también el ultimo de los Purple en la década de los 70.

Ya no volverían a publicar material nuevo hasta nueve años después con "Perfect Strangers" en 1984.
Así las cosas este álbum tiene muchas connotaciones especiales, para empezar el binomio Coverdale-Hughes vería reforzado su estilo soul funk con un nuevo miembro que no le hacia ascos a este acercamiento estilístico como era Tommy Bolin, alejado del clasicismo barroco de su líder Blackmore, por otro esa misma falta de liderazgo hacia presagiar que esta formación no seria muy duradera, como así ocurrió y por ultimo el alejamiento de sus fans mas puristas que habían empezado a cuestionar los nuevos horizontes musicales con el anterior "Stormbringer", que aquí se vería mucho mas refrendado.
Siendo objetivos y observando desde la distancia que dan los 40 años de su publicación, "Come Taste The Band" no es ninguna obra maestra, pero ni muchos menos tampoco es un álbum despreciable, sencillamente es un trabajo muy meritorio y aceptable viniendo de quien viene, es obvio que si lo hubieran grabado cualquier otra banda, ahora hablaríamos de un soberbio álbum de rock.
"Comes Taste The Band" contiene momentos de enorme calidad como la inicial "Comin´Home" alegre y divertida, con un Bolin magistral a la guitarra, la funk "Lady Luck", la bluesy "Dealer", en donde ya podemos intuir el sonido que en algunos años tomaría prestado Whitesnake, mientras en "Gettin´Tighter" y "Love Child" se intuye lejanamente el sonido Purple clásico, la semi progresiva "This Time Around/ Owed To G" es uno de los puntos cumbres del álbum, que culmina con la grandiosa "You Keep on Moving" en donde la banda al completo esta en un gran estado de gracia.
En definitiva un buen álbum grabado con una gran formación que fue injustamente infravalorada por parte de sus fans y que significaría el broche de oro de la época dorada de los majestuosos Deep Purple.

Steve Miller Band-Greatest Hits 1974-1978 (1978)

Steve Miller es uno de los grandes músicos norteamericanos, que durante los años sesenta estuvo tocando con clásicos del blues como "Howlin´Wolf" o "Muddy Waters" en Chicago.
En 1966 Steve Miller se instaló en San Francisco atraído por el emergente movimiento hippy y ese mismo año formaría la Steve Miller Band.
Steve Miller tenía un talento muy completo, con una técnica depurada y un gran conocimiento en las raíces de la música norteamericana, por lo que tenía la calidad suficiente para convertirse en una de las figuras del momento.
Tras unos discos de gran clase que no consiguieron el éxito deseado, en 1973 sin embargo lograría su primer éxito con el disco "The Joker", al que le seguirían tres años más tarde otros éxitos masivos como "Fly Like an Eagle" o "Book of Dreams".
Estos tres últimos trabajos contienen algunas de las canciones más reconocidas en la historia de la música rock como "Take The Money and Run", "Rock´n Me", "Fly Like An Eagle", "Jet Airliner", "Jungle Love", o "Swingtown".

Todos ellos aparecerían en el recopilatorio "Greatest Hits 1974-1978", que en 1978 Capitol Records editó aprovechando el gran momento de forma de la banda.
Este disco se convertiría en uno de los recopilatorios más vendidos de la historia, con más de 17 millones de copias en todo el mundo, gracias a una magistral colección de temas emblemáticos.

Taste-On The Boards (1970)

Rory Gallagher siempre fue considerado por sus colegas y músicos contemporáneos, como el emblema de la honestidad y la pureza, por su capacidad de no ceder a las exigencias de las compañías discográficas. Por ninguna razón habría abandonado jamás sus jeans descoloridos, sus guitarras maltrechas y sus habituales camisas a cuadros, emblemas todos ellos ricos en significados profesionales y humanos para el, como la voluntad de no olvidar sus raíces humildes y la honestidad de fondo de todos los guitarristas de blues.
Nacido en Cork en 1949, Gallagher comenzó a muy temprana edad a rasgar la guitarra y con 15 años ya tenia su propia banda de blues rock. Después de tocar en algunas de las mejores bandas irlandesas como The Fontana Showband, en 1966 forma su primera banda profesional, llamada Taste con los que grabaría cuatro fabulosos álbumes y llenaron algunas de las paginas de oro del rock, como su soberbia actuación en el Festival de la Isla de Wight de 1970.
Pero Taste mas que una verdadera banda, era una especie de mini organización musical al servicio de Rory Gallagher, que con frecuencia relegaba a sus dos compañeros, el bajista Charlie McCraken y el batería John Wilson al papel de meros acompañantes.
"On The Boards" fue el segundo álbum de este power trio, publicado en 1970, supuso el mejor trabajo, en donde se muestra el enorme talento de Gallagher con el manejo de la guitarra. La poderosa "What´s Going On" es la carta de presentación de este álbum, a la que siguen la blues pausada "Railway and Gun", la acelerada rock blues "It´s Happened Before, It´ll Happen Again" o la sensacional "If I Don´t Sing I´ll Cry".
Con este lanzamiento y la posterior actuación en el ya citado Festival de la Isla de Wight, Taste entraron de lleno en los anales de la música rock.

John Campbell-One Believer (1991)

John Campbell fue uno de los bluesman más desconocidos y quien sin embargo publicó varios de los mejores y más impresionantes discos de blues clásico de los noventa.
Curtido en garitos, clubs y salas de blues y jazz, Campbell se fue labrando una reputación en diferentes ciudades del sur norteamericano. Su primer disco data de 1975, el cual pasó completamente desapercibido. Frustrado decide volver a seguir tocando en clubes de Texas y Nueva Orleans, y a mediados de los ochenta se mudaría a Nueva York, incorporándose a la animada escena blues de la ciudad de los rascacielos.
En 1988 el guitarrista Ronnie Earl le brinda su ayuda y le produce su segundo álbum "A Man And His Blues", con el que se daría a conocer mas ampliamente, y una nominación para los premios W.C. Handy, y de paso se gano el interés del sello Elektra, con quien le firma un contrato y le publica su siguiente trabajo "One Believer" en 1991.
Con un estilo de blues acústico fusionado con country-blues y blues-rural, Campbell dota a sus canciones de letras tristes, desamores, bares de carretera y temas de la América profunda.
“One Believer” está lleno de blues emocionantes con mucha fuerza y sentimientos; "Devil in My Closet", "Wild Streak", "Tiny Coffin", "World of problem" o el magnífico "Voodoo Edge".
Dos años más tarde y siguiendo un patrón de continuidad, publica "Howlin Mercy" que contiene una apasionante versión de la canción de Led Zeppelin "When The Leaves Breaks" que gana mucha notoriedad.
Más tarde se unió a Buddy Guy durante varios años para realizar una gira por los Estados Unidos, pero en 1993 murió de un infarto a los 41 años, su muerte le impidió convertirse en una leyenda del blues con el tiempo, justo cuando sus últimos trabajos comenzaban a tener un gran éxito en los circuitos internacionales del blues.

Camel-A Live Record (1978)

"A Live Record" es un doble álbum en vivo considerado una obra maestra indiscutible del rock progresivo.

A pesar de que Camel siempre estuvieron a la sombra de sus contemporaneos progresistas (Pink Floyd, Genesis, Yes o Jethro Tull), tuvieron el mérito de haberse sabido mantener durante casi 4 décadas como una banda de culto entre los amantes del rock progresivo.
"A Live Record" fue lanzado cuando  Camel ya contaba con cinco trabajos de estudio de muy alta calidad, algunos de ellos como "Mirage" (1974), "The Snow Goose" (1975) o "Moonmadness" (1976) verdaderas obras maestras.
El repertorio incluido en este disco está repleto de temas pertenecientes a todos ellos, desde "Lady Fantasy" hasta "Rhayader", pasando por "Flight of the Snow Goose" y "Song Within a Song". Este trabajo representa lo mejor de tres giras diferentes.
También aquí podemos apreciar la formación de la banda más clásica y la más exitosa en acción, con la inclusión de Richard Sinclair y Mel Collins, todos interpretando grandes clásicos del grupo, con un alto rendimiento y mucha química grupal, como por ejemplo la mejor versión de "The Snow Goose", versiones insuperables de "Lunar Sea", "Lady Fantasy" y "Never Let Go", pero también otros clásicos inmortales del álbum "Moonmadness".
Aparecen grabaciones cronológicas de la gira "Mirage" en 1974, y de la gira "Rain Dances" en 1977 en el primer disco del álbum. El segundo está dedicado a la presentación completa del álbum conceptual, "The Snow Goose", durante la gira del año 1975.
Este es realmente un disco imprescindible para cualquier fanático del rock progresivo.

Angel-Live Without A Net (1980)

Formada a mediados de los 70 en Washington, Angel es una de las bandas más desconocidas entre el público en general, pero que sin embargo es considerada por la crítica como la primera banda que hizo AOR en el mundo. Nunca tuvieron la suerte ni el reconocimiento que disfrutaron otras bandas contemporáneas como Boston, Journey, Kansas o Foreigner, a pesar de su indudable calidad, dejando algunos discos memorables como el directo "Live Without A Net" publicado en 1980, que es uno de las obras antológicas del AOR.
Con influencias que van desde el rock progresivo de los 70, hasta grupos como Kiss, con un sonido fresco, contagioso, divertido y sobre todo comercialmente enfocado al gran público.

Sus miembros fundadores fueron el guitarrista Punky Meadows y el bajista Mickie Jones, que junto al teclista Gregg Giuffria, el batería Barry Brandt y el vocalista Frank DiMino y fueron descubiertos por Gene Simmons de Kiss, quien les proporciono un contrato con el sello Casablanca, el mismo de su banda.
Para cuando publicaron "Live Without A Net", la Angel ya tenia cinco álbumes de estudio con algún éxito destacable como los hits "Don't Leave Me Lonely" o "Ain't Gonna Eat Out My Heart Anymore”, ambos con una notable presencia en las FM norteamericanas.
Este directo contiene magníficas canciones como "Don't Leave Me Lonely", "Over And Over" o "Anyway You Want It", haciendo de este trabajo un fiel y perfecto reflejo de lo que es el AOR de alta calidad.

Blue Cheer-Vincebus Eruptum (1968)

Blue Cheer es una banda icónica de hard rock y rock psicodélico que en 1968 lanzó su incendiario álbum debut "Vincebus Eruptum". Este power trío estaba formado por el bajista y voz Dickie Peterson, el guitarrista Leigh Stephens y el batería Paul Whaley, y se habían formado en California a mediados de 1966. Durante su época de mayor esplendor esta banda actuó en numerosos festivales y conciertos al lado de las mejores bandas de la época como Cream, The Doors, Jeff Beck, Janis Joplin, Jimi Hendrix o Pink Floyd entre otras muchas. “Vincebus Eruptum” fue su álbum debut, un disco con un estilo de guitarra de sonido muy sucio, con mucha energía y crudeza en todas sus canciones, desde la magistral versión de Eddie Cochran "Summertime Blues", hasta la hipnótica psicodélica "Rock Me Baby" pasando por el blues rock "Parchment Farm" o "Out Of Focus ", y terminando con la visceral" Second Time Around ".

A pesar de la innegable calidad de Blue Cheer, las continuas comparaciones con Cream terminaron pasándoles factura al no sonar tan elegantes como la banda de Eric Clapton, Ginger Baker y Jack Bruce.

Aún así, estuvieron activos hasta 1971, para luego reunirse cada cierto tiempo hasta que en el 2007 publicaron su último trabajo, el meritorio "What Doesn't Kill You ...".

Albert King-Live At Montreux (1977)

Albert King es uno de los más grandes bluesmen de la historia, un musico imprescindible en los años sesenta y setenta, participando en todo tipo de conciertos y festivales, colaborando con grupos como The Doors y con artistas de la talla del mítico bluesman texano Stevie Ray Vaughan o con Gary Moore, aportando su estilo único y peculiar.

Albert King era zurdo y tocaba su guitarra Gibson Flying-V al revés como Jimi Hendrix, también con las cuerdas, es decir no invirtió el orden del encordado, algo que tenía un doble mérito, porque producía un sonido distintivo e inconfundible y una vez que llegaba a los oídos del público, se volvía inolvidable. 

En 1977 se publicó uno de sus mejores shows en vivo "Live at Montreux", comenzando con "Watermelon Man", compuesto por Herbie Hancock, tema que usaba regularmente como inicio en sus conciertos dada su pasión por el jazz. Continúa con otros que tienen cierto aire funky, como el pletórico "Blues at Sunrise" o el excelente "Stormy Monday", la mayoría de los cuales son de larga duración y muestran su innegable virtuosismo.

El clímax llega al interpretar el conocido "As the years go passing" del irlandes Rory Gallagher, de esplendorosa factura y al que se une para terminar este fabuloso directo con el maravilloso blues “I'll play the blues for you".

Sandrose-Sandrose (1972)

Para muchos críticos y fans, la primera y única obra del grupo francés Sandrose es una de las joyas ocultas del progresivo europeo, una obra que es codiciada por los coleccionistas y que hoy, además de su difícil localización, es un disco con un valor bastante elevado entre los melómanos. Sandrose fue una gran banda francesa de rock progresivo, formada en 1971 por el guitarrista Jean Pierre Alarcen. Los otros miembros de la banda eran Christian Clairefond al bajo, Michel Jullien a la batería y Henri Garella a los teclados y Mellotrón. Las voces fueron proporcionadas por la poderosa vocalista Rose Podwojny cantando con letras en inglés.

Su único álbum titulado homónimamente como la banda fue publicado en 1972 y en él podemos escuchar unos hermosos diálogos entre la majestuosa guitarra y los espléndidos sonidos de teclado, con un estilo versátil y complejos fragmentos con excelentes melodías iluminadas por una voz potente pero a la vez sutil.

Con un inicio arrollador como la acelerada con cambios rítmicos “Vision”, la banda demostraba su talento compositivo y con la extensa "Undergroundsession" ya mostraba como su nombre indica, las posibilidades instrumentales de la banda, un tema progresivo en donde una frenética guitarra eléctrica es secundada por unos insinuados teclados, y que nos recuerdan a los Camel más sinfónicos, mientras en "To Take Him Away", dejaban claro sus influencias genesianas con un soberbio trabajo de mellotrón y la estupenda voz de Rose Podwojny, finalizando con la instrumental progresiva "Metakara" un tema con complejos arreglos muy cercanos al jazz.

Simon and Garfunkel-The Concert In Central Park (1982)

El 19 de septiembre de 1981, Simon y Garfunkel se reencontraron once años después de su ruptura como dúo, para ofrecer un concierto gratuito en el Central Park de Nueva York, ante más de 500.000 personas. Los preparativos de este concierto masivo estuvieron plagados de múltiples inconvenientes, por un lado las presiones de las discográficas de cada artista, y por otro el ego de ambos, que finalmente llegaron a un acuerdo amistoso, no sin antes haberse celebrado varias reuniones tensas entre los managers y los propios Paul Simon y Art Garfunkel.

Cuando llegó el día, ambos subieron al escenario y empezaron con un repertorio donde dieron un repaso de lo más exitoso de la carrera del dúo, dejando a un lado las malas relaciones que existían entre ambos.

Temas como "Mrs Robinson", "The Sound Of Silence", "Bridge Over The Troubled Water", "Homeward Bound", "America", "Scarborough Fair"o "The Boxer" sonaron impecables y hermosas, respaldados por la banda habitual de Paul Simon, que la puso como condición inapelable para actuar en este concierto.

Además, el dúo interpretó algunas versiones de canciones de otros artistas como "Wake Up Little Susie" de los Everly Brothers o un emocionante "Heart In New York" de Gallagher and Lyle cantada por Art Garfunkel de manera sublime.

También hubo momentos para algunas canciones de los repertorios solistas de ambos, por ejemplo Paul Simon (acompañado en la voz por el propio Garfunkel), interpretó "American Tune", "Me and Julio Down by the Schoolyard" o la rítmica "Late in the Evening", aunque sería la extraordinaria "April Come She Will" una de las grandes actuaciones de la noche. Por su parte, Garfunkel hace alarde de su prodigioso talento en un arrollador "April Come She Will" que fue muy aplaudido.

Varios días después la cadena norteamericana HBO transmitió el concierto a todo el país y se reservó los derechos para su distribución en video al resto de países a nivel mundial. Posteriormente, en 1982 se publicaría el álbum doble con buena parte del concierto, obteniendo unas ventas que superarían los 4 millones de copias en todo el mundo.

El Concierto en Central Park es considerado uno de los conciertos más famosos y masivos en la historia de un solo artista, que curiosamente sería superado diez años después en el mismo lugar por el propio Paul Simon en solitario, reuniendo a más de 750 mil personas en su famoso "Concert In The Park".

Sly & The Family Stone-Stand (1969)

Sly and The Family Stone fue la primera banda de color de la costa oeste americana. Ellos serian aceptados masivamente tanto por sus grabaciones, como por el tremendo éxito personal acontecido en el festival de Woodstock en 1969, a pesar de sus abundantes connotaciones raciales y políticas y el reto que suponía el desenfado y la tremenda agresividad de Sly Stone.
La carrera de Sly Stone se remonta a los primeros años de los sesenta cuando forma su primera banda The Stoner´s para en 1968 configurar lo que finalmente seria Sly and The Family Stone.
La aparición de Sly and The Family Stone es fulgurante, su música bautizada como Psychodelic Soul, junto a una explosiva descarga rítmica y comercial tiene una clara ideología racial que la destaca por encima de otros valores.
Su mencionado triunfo en Woodstock es sin duda la mas clara prueba de su aceptación masiva. Esta banda estaba formada siete miembros, de los cuales tres eran hermanos del propio Sly, Rose, Vaetta y Freddie Stone, teclados, voces y guitarra respectivamente, además de Jerry Martini (saxo), Cynthia Robinson (trompeta), Larry Graham (bajo), y Gregg Errico (batería). En el destacan  cuatro vocalistas principales, a todos ellos habría que sumarles un grupo de coristas llamadas "The Little Sister", sin embargo Errico y Martini, eran los dos únicos músicos de raza blanca de la banda.
Con semejante tropa de componentes de voces y instrumentos, no era de extrañar la sensación que producía la banda entonces.
En 1969 llegaría el cuarto álbum de la banda, "Stand", el cual consagra definitivamente a Sly & The Family Stone, un disco con una inmejorable fusión de soul, funk, rock, jazz y la psicodélica imperante. Aquí mostraron la calidad necesaria para que de inmediato fueran invitados ese mismo año al mencionado Woodstock.
"Stand" es un perfecto equilibrio entre soberbios ritmos funk con coros gospel, con la temática anti-racial como estandarte: "Don´t Call Me Nigger, Whitney", o la groove "I Want to take you Higher", que fue uno de los temas mas excitantes que hicieron furor en Woodstock, mientras la funk "Sing a Simple son" muestra el virtuosismo de Larry Graham con el bajo.
La versión de "Sex Machine" es sin duda el momento cumbre del álbum, un torbellino de funk experimental de 14 minutos en donde toda la banda tiene su momento de lucidez.
A partir de aquí, el éxito y el estilo sociopolítico de su soul les pasaría factura, relacionado con el consumo de drogas por parte de algunos de sus miembros, o llegando a formar parte de los famosos "Black Panthers" (Panteras Negras) quienes empezaron a tomar decisiones en el seno de la banda como expulsar a los músicos blancos entre otras cuestiones raciales.