Boston-Corporate America (2002)

Tuvieron que pasar ocho largos años para que Tom Scholz volviera a reflotar a los míticos Boston con un nuevo album, después de su anterior "Walk On". Atrás quedaban sus espectaculares cuatro primeros trabajos, dos de ellos, “Boston” (1976) y “Don´t Look Back” (1978), considerados dos de las obras cumbres del rock melódico. Para este quinto álbum regresaba el vocalista original Brad Delp, luego de su ausencia en el anterior “Walk On”, también aquí participara el vocalista del mencionado álbum, Fran Cosmo que seguía como miembro oficial de la banda, contribuyendo en los coros y como voz principal en algunos de los temas. Además Scholz había incorporado a la guitarrista Kimberly Dahme y al también guitarra Anthony Cosmo, mientras Gary Phil (guitarra y teclados), David Sikes (bajo) y Curly Smith (batería), cerraban la formación principal de Boston. Este nuevo trabajo titulado “Corporate America”, se muestra en gran parte del mismo el inconfundible estilo clásico de Boston, pero con un sonido orientado hacia el hard rock comercial, en donde las melódicas guitarras y las adictivas e irresistibles voces, son el denominador común del repertorio.  
Un disco que comienza con “I Had A Good Time”, la canción que sin duda más suena al Boston clásico, tiene un estilo similar al tema “I Think I Like It” del “Third Stage”, con un trabajo de las guitarras asombroso y que se convirtió en uno de los temas mas interpretados en vivo a partir de aquí. Con el siguiente tema, “Stare Out Your Window”, la banda baja una marcha, con ese estilo acústico entre el country rock y los sonidos sureños. Mientras “Corporate America” es el tema mas oscuro y siniestro del con unas excelentes armonías de guitarra que nos recuerdan al magnifico tema “Higher Power” de años atrás.
“With You” por su parte es el contrapunto a este ultimo tema, una aterciopelada balada en donde Kimberly muestra sus dotes como buena cantante de country-rock, el resto sigue una línea parecida a los primeros temas del álbum, empezando por la añeja “Someone”, un claro guiño al pasado, o la espectacular “Turn It Off”, para acabar con los medios tiempos “Cryin”, “Didn´t Mean To Fall In Love” y “Livin´For You”, temas que aunque mantienen un nivel muy aceptable, le restan cierta cohesión final a un disco que pese a ello mantiene muy vivo el sentimiento Boston, muchos años después de su enorme y antológico debut.

Barclay James Harvest-Live (1974)

En 1974 se publicaba el primer y tal vez el mejor disco en directo de la Barclay James Harvest, “Live”, grabado durante la gira promocional del  álbum "Everyone Is Everybody Else”, en el Theatre Royal de Londres durante los días 29 y 30 de junio. Para entonces el grupo británico ya había publicado cinco magníficos trabajos, por lo que el repertorio aquí comprende parte de todas sus obras publicadas hasta entonces. Grabado en la época mas progresiva y sinfónica de la banda, aquí muestran una total conjunción con una impecable instrumentación por parte de John Lees (guitarra y voz), Les Holroyd (bajo, voz y guitarra rítmica), Mel Pritchard (batería) y Stuart “Wolly” Wolstenholme (teclados), mostrando todos ellos un alto grado de virtuosismo, demostrando con ello el por que en aquella época eran consideradas una de las grandes bandas del rock progresivo mundial. Un repertorio cargado de sublimes temas como la exquisita “Galadriel”, la magna “Mockinbird”, la rock “Crazy City”, la majestuosa “Summer Soldier” o la impresionante “Medicine Man”. El resto de temas son fielmente interpretadas como sus versiones en estudio lo que no le resta ni un ápice a este soberbio doble en directo de una banda infravalorada en Gran Bretaña, pero de enorme éxito mediático en el resto de Europa.  En los siguientes años volvieron a repetir los lanzamientos en directo, como el también doble en directo “Live Tapes” (1977), el cual contiene un repertorio basado en la época 1974-1977, años mas tarde se publicaría el directo “A Concert For The People (Berlin” (1982), uno de sus álbumes mas exitosos comercialmente, y ya casi a finales de la década de los ochenta aparecería otro directo “Glasnost”, con el cual cerraban la mejor época de esta formidable banda británica.

Morningstar-Morningstar (1978)

Morningstar fueron una efímera banda norteamericana que con sus dos únicos álbumes lograron el status de banda de culto en Estados Unidos a finales de los 70. Surgidos en Kansas, durante algunos años lograron una considerable legión de seguidores, hecho este que no pasaría inadvertido para el sello CBS, los cuales aprovechando la fama del grupo, les ofrece un contrato para grabar varios álbumes. Morningstar estaba compuesto por el batería Greg Harris, el bajista Greg Lech, y los guitarristas Jerry Chambers, Michael Edmunds y Rick Bacus, este ultimo también se encargaba de los teclados y prácticamente todos ellos eran vocalistas.
En 1978 publicaron su álbum debut titulado homónimamente, en donde muestran un estilo emparentado con las bandas de pomp rock de la época como Styx, Angel o Shooting Star, pero con un enfoque mucho mas rock, con un gran predominio de las guitarras, grandes voces melódicas y teclados pomposos. Temas como las AOR “Premeditated Rendezvous” o “Too Much To Lose” contrastan con las mas complejas “Through The Night” o “Sady Lady”, mientras en el lado mas hard rock aparecen en “Turn Out  All The Lights” o “Sweet Georgia Peach”. Un año después aparecería “Venus” un álbum en donde mostraban un sonido mucho mas sofisticado y pulido, y una mejor producción, sin embargo y aún así la música grabada en este segundo lanzamiento no esta exenta de comercialidad como lo demuestran las sobresalientes “Angel”, “Never Meant To Be”, “Rosie” o “Let Me Dream”. Sin embargo pese a que ambos álbumes tuvieron una buena acogida comercial, con unas ventas bastantes aceptables, la CBS mas enfocada en otras bandas de su discográfica mas exitosas como Journey o Reo Speedwagon entre otras, dejaría de prestarles su apoyo, provocando esto ultimo que se disolvieran a principios de los 80, dejando tras de si dos grandes ejemplos del mejor pomp rock americano de los 70.

Paul Rodgers-The Royal Sessions (2014)

En el año 2014 Paul Rodgers regresaba con un disco de versiones después de sus álbumes tributos del blues con los tremendos “Muddy Water Blues” y “The Hendrix Set” ambos publicados en 1993. Sin embargo esta vez además de algunos temas de blues también hay versiones de clásicos del soul, todos ellos elegidos personalmente por el propio Rodgers. Para esta grabación, el ex vocalista de Free, Bad Company o The Firm, se rodeo de una legión de músicos que en su momento grabaron las versiones originales que aquí aparecen, como el bajista Leroy Hodges, el teclista Charles Hodges o el batería Steve Potts entre otros muchos. Grabado en directo en el estudio de Royal Studios en Memphis, Rodgers consigue con ello un sonido potente y ardoroso, lo cual engrandece este fenomenal álbum de versiones. Temas como “Born Under A Bad Sign” de Booker T. Jones, “Down Don´t Bother Me” de Albert King”, “I Can´t Stand The Rain” de Ann Pebbles o “I´Ve Bee Loving You Too Long” de Otis Redding son interpretados por la voz excelente de un Paul Rodgers en pleno estado de gracia, demostrando con ello que los años no han logrado pasar factura a uno de los grandes mitos de la música rock.

Chris Youlden-Citychild (1974)

Chris Youlden fue mas conocido por su faceta como vocalista de la mejor época de la banda de blues rock Savoy Brown, que por su propia carrera en solitario. Este cantante se caracterizo por tener una estupenda voz y un consumado compositor, como quedo demostrado en sus años con la mencionada banda británica. Con ellos facturo álbumes de gran calibre como “Getting To The Point” (1968), “Blue Matter” (1969), “A Step Further” (1969) y “Raw Sienna” (1970), sin duda las mejores obras de Savoy Brown.
Sin embargo después de este ultimo disco y debido a su descontento con la orientación musical que la banda estaba tomando y las continuas y agotadoras giras, decide abandonar el mundo de la música durante varios años. En 1973 reaparecería inesperadamente debutando con su primer álbum en solitario, “Nowhere Road” publicado por la London Records (curiosamente el mismo sello que su ex banda), en donde lo mas llamativo era su total alejamiento de los sonidos de blues rock de su banda madre, enfocando las composiciones hacia un estilo mas funk con base de blues como “Chink Of Sanity” y “Mama Don´t Talk So Loud”, la  destacada “One October Day” o la resplandeciente “Cryin´In The Road”. Sin embargo este enorme álbum no obtuvo la respuesta deseada por parte del publico, por lo que pasa totalmente desapercibido. Un año después regresaría con “Citychild”, un álbum autoproducido, el cual obtiene una recepción parecida a su primer disco, y que posee un repertorio mucho mas ecléctico con temas de claro acento de blues rock muy cercanos al estilo de Savoy Brown como “Little Cog In A Big Wheel”, “Love And Pain” y “It Ain´t For Real” o cercanos al funk blues como las sorprendentes “Born and Raised In The City” o “Keep Yoy Lamp It”, mientras la inquietante “Spare Change” pone la nota rockera a este gran disco.

Krokus-Headhunter (1983)

Tuvieron que pasar ocho años y innumerables cambios de formación para que la banda suiza Krokus tuviera el reconocimiento y el éxito masivo dentro del panorama del heavy metal y el hard rock mundial. Si en sus primeros discos la banda se movía por terrenos pantanosos que navegaban entre el rock con influencias progresivas y el hard rock, seria a partir de 1980 con los álbumes “Metal Rendez-Vous”, “Hardware” (1981) y sobre todo “One Vice At A Time” de varios años después, cuando lograrían su gloria y su época de mayor creatividad. Para entonces la banda tenia un nuevo vocalista, Marc Storace, quien fue un pilar fundamental en el cambio de estilo de la banda. En 1983 llegaba “Headhunter”, el séptimo trabajo de los suizos, en donde además de Storace se encontraban los guitarristas Fernando Von Arb y Mark Kohler, el bajista Chris Von Rohr y el baterista Steve Pace, una formación casi totalmente diferente a la que grabaría su debut “Krokus” en 1976, con la salvedad de Von Rohr, el único miembro fundador que aún permanecía en la banda.
En “Headhunter”, Krokus mostraba un estilo heredero del mejor heavy metal de los 80, con un sonido que los emparentaba con bandas como Judas Priest como queda demostrado en la inicial y acelerada “Headhunter” o en la rítmica “Ready To Burn”, mientras el hard rock al mas puro estilo de la banda australiana AC/DC, estaban presentes en “Stayed And All Night” y “Stand and Be Counted”, por otro lado “Screaming In The Night” es el momento cumbre con una soberbia composición entre la power ballad y el hard rock con tintes épicos y progresivos. Este álbum junto con los mencionados “Metal Rendez-Vous”, “Hardware” y “One Vice At Time”, los colocaron en la cúspide del heavy metal mundial, con un gran impacto mediático en Europa y los Estados Unidos durante mediados la primera mitad de la década de los ochenta.

Blind Faith-Blind Faith (1969)

En el verano de 1969 aún coleaba la sorprendente noticia de la disolución de una de las mas formidables bandas de todos los tiempos como fueron Cream, justo por aquel entonces el mundo vio nacer otra de las mas impresionantes formaciones que existieron; Blind Faith, o lo que es los mismo una reunión de cuatro súper estrellas que provenían de tres bandas legendarias como eran los propios Cream, Traffic y Family. Ellos eran Eric Clapton, Steve Winwood, Ric Grech y Ginger Baker. Para la presentación de esta nueva banda, debutaron en un concierto gratuito en el Hyde Park de Londres el 7 de Junio de 1969, ante mas de cien mil jóvenes ansiosos de admirar semejante plantel de rutilantes estrellas juntas, en lo que con el tiempo se convirtió en uno de los conciertos mas memorables de la historia.
Sin embargo esta constelación de grandes músicos con sus respectivos egos no podía durar mucho juntos, como así sucedió, pese a publicar un álbum prodigioso y ofrecer unos conciertos delirantes, también pronto mostró el carácter incompatible de estas cuatro leyendas, todas ellas líderes absolutos de sus respectiva ex bandas.
Y aunque fue demasiado sorprendente para los ojos y los oídos de miles de fans, lo cierto es que durante el tiempo que esta super banda estuvo activa, fueron la sensación mundial manteniéndolos en lo mas alto con unos asombrosos conciertos por media Europa y los Estados Unidos. Era mas que evidente pese a todo que nunca hubo ninguna adaptación ni fusión estilística, ya que cada músico trato de imponer sus ideas al resto en el único testimonio grabado que dejaron, en donde tres de los temas están firmados por Winwood, mientras Clapton y Baker se quedan en dos, para finalizar completándolo con una versión del tema de Buddy Holly “Well All Right”. De los seis temas que componen su único legado son las composiciones de Winwood las mas destacadas, empezando por el blues rock “Had To Cry Today”, un claro ejemplo de las excelencias de las individualidades de cada miembro del grupo, mientras “Can´t Find My Way Home”, mostraba el enorme talento de Clapton con la guitarra acústica en uno de los momentos mas ricos del álbum. La rock “Presence of Lord” la única composición de Clapton, pone la nota psicodélica, y por su parte Baker firma “Do What You Like”, una excelsa y larga jam para la improvisación y el talento de los cuatro componentes con sus respectivos instrumentos. Pero esta considerable fusión de estilos, sin una cohesión musical clara y concisa, fue junto a la personalidad de los cuatro músicos, la efímera duración de la carrera de Blind Faith, que sin embargo se ganaría un lugar privilegiado en la historia del rock por méritos propios, por un lado por su excelente repertorio, por las estrellas que lo componían y también y todo hay que decirlo, por su tremenda y polémica portada que daría mucho que hablar en aquella época.

Van Morrison-Too Long In Exile (1993)

Durante cinco décadas Van Morrison se ha distinguido por una respetable carrera repleta de trabajos admirables, que lo han convertido en uno de los iconos de la música popular. Sus brillantes excursiones por los sonidos del folk, el rock, el rhythm and blues y el jazz le han caracterizado por lograr un estilo inconfundible y único.
Ya desde sus inicios al frente de los míticos Them, Van Morrison mostraría su faceta de compositor y excepcional cantante, sin embargo al mismo tiempo se fue labrando una reputación de personaje distante y enigmático.
Desde su primer álbum en solitario “Blowin´Your Mind!” de 1967, Morrison dejo claro su estilo inconstante y variopinto, desde sus incursiones al folk mas intrínseco hasta esa amalgama de estilos gospel, blues y soul que lo encumbraron con obras maestras como el soberbio “Astral Weeks”, de un año mas tarde. En 1993 Van Morrison publicaba su vigésimo segundo álbum “Too Long In Exile”, un exquisito repaso a casi todos los estilos que durante años fueron la banda sonora de su vida, pero en donde los sonidos del jazz y el blues son los que predominan en los surcos de este trabajo. El irresistible rhythm and blues “Blues Lonely Avenue” es el comienzo perfecto para un disco que se convertiría en uno de sus mayores logros a nivel comercial y compositivo. El resto es un viaje extraordinario por sonidos sublimes como el blues “Big Time Operators”, la jazzistica “Close Enough for Jazz”, la admirable “I´ll Take Care Of You” o su revisión del clásico de los Them “Gloria”, esta vez con la ayuda inconmensurable de un rejuvenecido John Lee Hooker a la guitarra.

Men At Work-Business As Usual (1981)

A principio de la década de los ochenta y en plena explosión punk y de la música new wave, una banda llamada Men At Work lograría ser el contrapunto perfecto con su original estilo en donde mezclaban el pop rock poco pretencioso con sonidos caribeños como el reggae y aderezado con unas letras humorísticas. “Business As Usual” fue el álbum debut de esta banda australiana en donde mostraban su faceta comercial con un estilo heredero de los británicos The Police, pero con un acento mucho mas comercial y el cual se convirtió en una de las grandes sensaciones de aquel año gracias en parte al tema “Who Can It Be Now”, radiado por las emisoras de medio mundo casi hasta la saciedad. Sin embargo en este primer álbum no solo destacaba la mencionada canción, además se encontraban una colección de temas adictivos e irresistibles como la humorística “Down Under”, la pausada “People Just Love To Play”, la acelerada “Helpless Automaton” o la pop rock “Touching The Untochables”. El resultado comercial de este álbum fue un rotundo éxito a nivel mundial, llegando a cotas realmente asombrosas con unas ventas que superaron los quince millones de copias vendidas y numerosos números uno en mas de una docena de países.

Jeff Beck-With The Jan Hammer Group Live (1977)

En su tercera incursión en el terreno del jazz rock, Jeff Beck lograría su mejor obra, mejorando al complejo y técnico “Wired” y al jazz fusión “Blow By Blow”, sin que ello  suponga menospreciar estos dos magníficos trabajos del guitarrista británico.
Grabado en vivo, en este álbum Jeff Beck logra recrear un jazz rock mas convencional en una onda entre Weather Report y Return To Forever, pero con bastante mas accesibilidad y alejados de los clichés predeterminados sobre el genero.
Grabado durante el tour posterior al álbum “Wired”, en esta ocasión Jeff Beck prescindió de sus colaboradores Max Middleton y Narada Michael Walden y reclutaría a otro de los grandes del jazz rock de la época como Jan Hammer, el cual había participado en las sesiones de grabación del mencionado “Wired”. Esta banda compuesta por el batería Tony Smith, el bajista Fernando Saunders y el violinista Steve Kindler, junto a Beck (guitarra) y Hammer (teclados y sintetizadores), se embarcaron en un tour mundial con mas de cien conciertos durante gran parte de 1976 y 1977, y esta grabación es un fiel reflejo de lo que hacían en esa gira. Desde la inicial y apoteósica “Freeway Jam”, pasando por las funky jazz “Earth (Still Our Only Home)”, “She´s Woman” y “Full Moon Boogie”, hasta la jazz progresiva “Darkness / Earth In Search Of A sun” o la jazz rock “Scatterbrain”.

Mike Oldfield-The Songs of Distant Earth (1994)

Tras dos discos que fueron vapuleados por la prensa y por sus fans, “Heaven's Open” y "Tubular Bells II ”, en 1994 Mike Oldfield acepta la propuesta del director de la Warner Robert Dickins para componer un álbum basado en la ciencia ficción y en este caso en particular, tomar como base la novela del escritor Arthur C.Clarke “Las canciones de la Tierra distante”. Ya antes Mike Oldfield había introducido en el anterior y mencionado “Tubular Bells II”, un pequeño fragmento de una novela de Clarke llamada “Sentinel”, mas tarde incluso esta se utilizaría como base a Stanley Kubrick para su obra “2001 Una Odisea en el Espacio”. Sin embargo la música contenida en este álbum combina algunos pasajes del libro con otros que no pertenecen a dicha obra, y aunque logra una cierta homogeneidad musical en el resultado final, con un trabajo en muchas partes realmente soberbio, también es cierto que fue criticado por algunos sectores por su abundante exceso de la electrónica. Y es que para ello Oldfield apostaría por sonidos construidos a base de teclados, samplers pregrabados y computadoras, los cuales tiene gran parte del predominio en la música aquí grabada, pero sin dejar de lado sus habituales sonidos de guitarras y ese toque tan sutil con su estilo inconfundible.
El álbum al completo esta estructurado a modo de inmensa suite con cascadas de teclados etéreos y melodías atractivas, todo ello espolvoreado con unas guitarras transparentes interpretadas de manera sobresaliente. Finalmente aunque la recepción inicial del fue algo fría por parte de los fans, con el tiempo se convertiría en una de las obras mas importantes del músico británico, al mismo tiempo que uno de sus álbumes mas exitosos comercialmente.

Roger Hodgson-Open The Door (2000)

Después del álbum “Hai Hai” de 1987, Roger Hodgson se retiro durante muchos años alejado de la música, por un lado debido a un desafortunado accidente en el cual se fracturo ambas ambas muñecas y por otro, para reconsiderar su rumbo musical a seguir después de ese álbum. Ya casi a finales de los 90 ofrecería una serie de conciertos que se verían reflejados en su disco en directo “Rites of Passage” publicado en 1997, en donde combinaba temas de su carrera en solitario con otros grandes éxitos de su ex banda Supertramp. Este larguísimo descanso se vería interrumpido en el año 2000 con el lanzamiento de su tercer trabajo y a la postre el ultimo hasta la fecha, “Open The Door” en donde Hodgson vuelve a invocar la herencia de Supertramp, con unos grandes y bellos arreglos y precisas melodías, con acercamientos a la música celta y algunas inquietudes mas experimentales. Para este álbum Hodgson contaría con una legión de colaboradores entre los que estaban Alan Simón, Gerry Conway o Trevor Rabin, y fue producido por el propio Hodgson junto al mencionado Simón. Las influencias de su ex banda son tan elocuentes que durante gran parte del álbum el músico recurre a los sonidos inconfundibles de Supertramp como ocurre en la inicial “Along Came Mary” con esos adornos maravillosos que aducen al monumental “Fool´s Overture”, aquí Roger muestra su máxima expresión melódica, mientras los ecos a “School” están en la adictiva “Showdown”, por otro lado, piezas como “Hungry” es uno de los temas mas accesibles y comerciales conduciéndonos a los sonidos irresistibles de “It´s Rainning Again”, todo ello sin olvidarse de su faceta mas épica y progresiva, la cual se manifiesta con la mas compleja y fascinante “Death And A Zoo” o con la dramática y hipnótica “Say Goodbye”. “Open The Door” significo el regreso del Hodgson mas melancólico y genuino, volviendo a crear un álbum que resuena a Supertramp por los cuatro costados y que despejaría las dudas que había dejado después de su traspié con “Hai Hai”.

Ozric Tentacles-Jurassic Shift (1993)

Ozric Tentacles tienen tras de si una extensa discografía repleta de obras monumentales y brillantes, en todas ellas hay soberbias demostraciones de rock progresivo, jazz fusión, hard y heavy rock, pinceladas de la música electrónica e incluso sonidos cercanos a la new age. “Jurassic Shift” publicado en 1993 fue el cuarto trabajo de estudio de esta banda británica, el cual esta impregnado de teclados atmosféricos, guitarras punzantes y pasajes instrumentales dinámicos, una sección rítmica contundente y precisa y unos asombrosos desarrollos espaciales y complejos. Sin embargo aquí también hay cabida para los sonidos orientales y exóticos, lo que contribuye a realzar el ya de por si estilo inconfundible de Ozric Tentacles. Un álbum en el que no un hay un solo momento de fisura, todo encaja a la perfección, lo que lleva al oyente a uno de los viajes musicales mas alucinantes y emocionantes que existen. Y si bien es cierto que podemos encontrar otras muchas bandas que son quizás mas creativas e influyentes que ellos, ninguna ofrece esta elaboradísima mezcla de sonidos y inspiración como queda demostrado en la electrónica ambiental progresiva “Sunhair, el space rock “Stretchy”, la esotérica “Feng Shui”, la oriental “Half Light In Thillai” o la atmosférica “Jurassic Shift”. Ozric Tentacles son muy a menudo criticados por los mas puristas al progresivo por hacer y sonar siempre muy parecidos, y si bien es cierto que de alguna manera no les falta razón, también lo es el que ellos nunca repiten las mismas estructuras musicales en cada tema de cada uno de sus álbumes, combinando una gran cantidad de estilos y una perfecta ejecución instrumental que los convierte en únicos.

ZZ Top-Eliminator (1983)

Hasta principios de la década de los ochenta, el trío tejano de rock sureño ZZ Top, ya habían publicado una enorme serie de discos exitosos, aún así la banda compuesta por Billy Gibbons (guitarra y voz), Dusty Hill (bajo y voz) y Frank Beard (batería), quisieron un mayor protagonismo y este hecho les llevarían a realizar uno de los cambios mas significativos musicalmente que se recuerdan en la historia de la música rock. Hasta la publicación de su álbum “El Loco” de 1981, ZZTop habían lanzado seis discos de hard rock blues sureño, casi todos ellos clásicos del genero como “First Album”, (1971) “Tres Hombres” (1973) “Fandango” (1975) o “Deguello” (1979). Pero seria justo después del mencionado “El Loco”, cuando la banda quiso experimentar con los sonidos electrónicos y los sintetizadores tan de moda en la década de los ochenta. Así en 1983, aparecería su siguiente trabajo “Eliminator”, en el cual su rock polvoriento impregnado de blues y boogie rock se combinaba con sonidos mas electrónicos y bailables. Este álbum contenía exquisitos ejemplos de su hard rock-dance con composiciones tan atractivas e irresistibles como “Gimme All Your Lovin´”, “Legs”, “Sharp Dressed Man”, las contundentes “Got Me Under Pressure” y “Dirty Dog” o las mas melódicas y reposadas “Tv Dinners” y “I Need You Tonight” y como era habitual en sus obras anteriores, con gran hincapié en sus letras enfocadas a los coches clásicos y las modelos despampanantes. Todo ello se vería refrendado con soberbias ventas alrededor del mundo, con mas de 15 millones de copias, en parte también debido a la cadena MTV y la soberbia producción de Bill Ham.

Wishbone Ash-New England (1976)

En muchas ocasiones la saturación de bandas, albumes, estilos, sonidos... etc, han sido la causa por la cual muchos grandes discos hayan pasado desapercibidos y así seguramente ocurriría con “New England”, la séptima obra de Wishbone Ash. Consolidados con una formación estable desde 1974, cuando lanzaron su quinto álbum “There´s The Rub”, Wishbone Ash había experimentado ciertos cambios musicales, dejando atrás los experimentos progresivos y las influencias folk por sonidos mas contundentes y vigorosos, con dosis mas comerciales y canciones pegadizas, que sin embargo no les dieron el fruto deseado, en parte lastrados por el enorme álbum “Argus”, su trabajo mas progresivo y su mayor hito comercial. Intentando volver a esos sonidos, “New England” es un híbrido entre esos dos estilos, por un lado mantienen las dulces armonías pegadizas y los fusionan con el estilo mas clásico de Wishbone Ash. Potentes piezas como “Runaway”, preciosas melodías como “( In All Of My Dreams) You Rescue Me” o “Lonely Island”, contundentes temas que se acercan al hard rock como “Mother Of Pearl” o “Runaway” o la sobresaliente “Outward Bound”, son el resultado final de un excelente álbum, mostrando en todas ellas el estilo inconfundible de la banda con las soberbias interpretaciones a doble guitarra a cargo de la dupla formada por Andy Powell y Laurie Wisefield.

Free-Fire And Water (1970)

Free fueron una de las mas grandes bandas del blues rock británico de todos los tiempos, compuesta por cuatro leyendas, empezando por uno de los grandes vocalistas de la historia como es Paul Rodgers, siguiendo por el genial guitarrista Paul Kossoff, el bajista Andy Fraser y el batería Simón Kirke. Esta formidable formación grabaría cinco fantásticos álbumes en estudio y un directo en cinco años, antes de que la formación se disolviera y diera origen a otra mítica banda como fueron Bad Company. “Fire And Water” fue el tercer álbum, lanzado en 1970, en donde culminan las experiencias mostradas en sus dos primeras obras, con un disco espectacular y sobrio de hard blues rock. En "Fire And Water", Free muestran un estilo mas consistente y nítido, olvidando las experimentaciones pasadas, logrando con ello su mayor creatividad con una serie de temas antológicos. Aquí también aparece su tema mas famoso, el que ha pasado a la historia como uno de los himnos de la música rock “All Right Now”, además de las blues rock “Fire And Water”, “Mr Big”, “Heavy Load” o “Remember”, todas ellas repletas de feeling, contundencia y sobriedad, las cuales convirtieron a este disco en uno de los esenciales de la década de los setenta y uno de los mas emblemáticos del blues rock.

Genesis-...And Then There Were Three... (1978)

"...And Then There Were Three ...", es el álbum de Genesis que se encuentra en lo que podríamos llamar tierra de nadie y es que para los seguidores más puristas del grupo es despreciable por alejarse del sinfonismo de las obras anteriores, y al mismo tiempo es también menospreciado por los fans de la banda post Gabriel y mas comercial por considerarlo demasiado complejo y sofisticado.

Pero sin embargo y pese a todo ello, es uno de los álbumes mas completos del grupo ingles. Si ya con las salidas de Peter Gabriel primero y Steve Hackett mas tarde, casi todos vaticinaban el final de la banda, lo cierto es que con este nuevo disco los tres miembros restantes demostraron tener la suficiente capacidad, talento y autosuficiencia para seguir adelante con un proyecto el cual a partir de aquí tendría sus años de mayor éxito comercial. El resultado fue un álbum de gran atractivo, debido a la enorme capacidad virtuosa del resto de la banda. Ya desde el irónico y punzante titulo “Y luego solo quedaron tres” mostraban las intenciones de Phil Collins, Tony Banks y Mike Rutherford de proseguir con el grupo a pesar de la pérdida los mencionados Gabriel y Hackett. "And Then There Were Three", esta combinado con momentos asemejados a la época anterior, con más importancia del factor instrumental y una estructura más compleja, junto con temas de estructuras más sencillas como "Many too Many" o “Follow You, Follow Me", uno de sus grandes éxitos y primer vestigio de la comercialidad posterior. Temas como el dinámico y complejo "Down and Out", el profundamente melancólico "Undertown", el progresivo "Burning Rope", el rítmico y atmosférico "Deep in the Motherlode", el hermoso y melancólico "Many too Many", o el ambicioso "The Lady Lies", nos dejan un disco realmente excelente pese a que las críticas de los viejos y nuevos fans tuvieron en su contra, aunque con el tiempo esta joya infravalorada ha sido reconocida como se merece.

Metallica-Metallica (1991)

Para muchos de los fans mas ortodoxos de Metallica, su álbum “Metallica” o también denominado “Black Album”, es su trabajo mas polémico y controvertido, pero al mismo tiempo es su obra cumbre. Pero para entender un poco esta controversia, habría que retroceder unos años, y es que después de la muerte de Cliff Burton la banda fichaba a un nuevo bajista, Jason Newsted y con el grabarían el barroco y espeso, a la vez que mas complejo, “...And Justice For All” , en donde ya se intuían cambios significativos con respecto a los álbumes anteriores, repletos de enérgicos de sonidos de thrash metal visceral y aplastante. En ese nuevo álbum la banda mostraba una cara mas sobria y oscura, al mismo tiempo que incluso su imagen mostraba una mayor madurez, olvidando el aire juvenil que hasta esos momentos imperaba en el grupo. Pero si el estilo del grupo había variado desde “Master of Puppets” (1986) hasta el mencionado “...And Justice For All” (1988), con el siguiente trabajo publicado en 1991, hubo un cambio totalmente radical, hasta el punto de que como comentábamos al principio, fue el motivo del rechazo por parte de sus fans mas puristas. Para esta grabación la banda contrataría al productor especialista en sonidos mas ampulosos y comerciales Bob Rock (algo que ya de por si en aquella época no gusto para nada a sus fans), grabado en los estudios californianos de One On One Recording, el proceso de grabación duraría nada mas y nada menos que nueve meses, y es que la minuciosidad de Bob Rock era casi maniática. Finalmente fue publicado a mediados de agosto del mismo año y a la semana de su lanzamiento ya se habían vendido la friolera de 500 mil copias solo en los Estados Unidos (a mediados del 2018 se habían contabilizado mas de 30 millones de copias vendidas a nivel mundial), además obtuvo numerosos números unos alrededor del mundo, con 70 discos de platino. Todas estas abrumadoras cifras son producto de un álbum tan sensacional como tremendamente irrebatible, en donde la cumbre creativa de la banda alcanzo su cenit absoluto. Un set list descomunal que comenzaba con uno de los riffs mas famosos de la historia del heavy metal como es el de los acordes iniciales de “Enter Sandman”, un poderoso tema de heavy rock comercial y adictivo. La pesada “Sad Bad True”, y la agresiva “Holier Than Thou” dan paso a la primera balada de la banda en toda su historia “The Unforgiven”, un espectacular y mágico tema, mientras en la dramática y exótica “Wherever I May Roam” vuelven a poner la directa con un tema arrollador. Por otro lado “Don´t Tread On Me” y “Through The Never” muestran su nueva faceta con un heavy metal agresivo y gancho comercial. Después del segundo momento de relajamiento a cargo de la extraordinaria balada “Nothing Else Matters”, la banda vuelve a poner la marcha rápida con la venenosa “Of Wolf And Man”, las espesas y arrolladoras “The God That Failed” y “My Friend Of Misery” o la acelerada y demoledora “The Struggle Within”. Con este álbum la banda entraría en el Olimpo del rock por la puerta grande y aún hoy en día esta magna obra sigue siendo una pieza fundamental del metal y del rock en general.  

The Doobie Brothers-Minute By Minute (1978)

Durante sus primeros años de carrera, The Doobie Brothers se movieron por diferentes estilos e influencias como el rock, el R&B, el rock sureño, el country y el folk, pero sobre todo con un sonido basado en las poderosas guitarras, las cuales eran el denominador común de su inconfundible estilo, con la dupla Tom Johnston y Patrick Simmons, dos formidables guitarristas que se diferenciaban por su impetuoso estilo, acompañados por una efectiva base rítmica. Durante este primer periodo facturan álbumes exitosos de tremendo rock como "The Captain and Me" (1973) o “Stampede” (1975). después de este ultimo uno de sus máximos baluartes como era Johnson, empieza a perder protagonismo en favor del nuevo cantante Michael McDonald, quien se convierte en parte fundamental del cambio estilístico de la banda hacia derroteros mas comerciales. Ya desde el primer álbum con el nuevo cantante, supone el acercamiento a sonidos mas sofisticados, muy cercanos al jazz y al soul con pinceladas funkys. Por entonces la formación de la banda distaba mucho de la original de sus primeros años, además de McDonald también había entrado el guitarrista Jeff "Skink" Baxter, acompañando a Simmons y Johnston y al igual que el cantante, ambos procedían de los Steely Dan, igualmente la nueva sección rítmica estaba compuesta por el batería John Hartman y el bajista Keith Knudsen. Esta nueva formación publicaría el brillante "Takin´ It To The Streets" (1976), en el cual ya se encuentran los alicientes que mas tarde los harían incluso mas exitosos, y que tendrían continuación en el aún mas jazzistico "Livin´On The Fault Line" de un año después. Pero no seria hasta 1978 con el monumental "Minute By Minute", en el cual ya no interviene Tom Johnston, cuando The Doobie Brothers cambian radicalmente de estilo, con un sonido impregnado completamente de soul, funk y Rhythm and Blues, y en donde los teclados cobran mucho mayor protagonismo en detrimento de las guitarras con un resultado apoteósico. Las ricas armonías vocales, las letras ingeniosas y punzantes y las melodías pegadizas, se apoderan de la mayoría de temas aquí exhibidos, como queda demostrado en la melódica e irresistible "What A Fool Believes", todo un hit numero uno en las listas de éxitos, la jazzistica "Minute By Minute", o las pegadizas "Open Your Eyes" y "How Do The Fools Survive". Sin embargo no abandonan su lado mas rock con la gloriosa "Don´t Stop To Watch The Wheels", mientras las restantes mantienen el nivel bastante alto como la country instrumental "Streamer Lane Breakdown" o la festiva "Dependin´On You".
El cambio tan radical de estilo le valió a The Doobie Brothers su primer numero uno en álbumes, con un triple disco de platino por sus enormes ventas y tres premios Grammy.

Van Halen-1984 (1984)

“1984” supuso el mayor éxito comercial de Van Halen y al mismo tiempo su canto del cisne, sin embargo, también seria el álbum que mas dificultades de elaboración tuvo y el que dividiría el pensamiento musical de varios de sus integrantes.
Después de cinco discos de hard rock trepidante y enérgico, Eddie Van Halen quiso ampliar los horizontes musicales, dotando al estilo de Van Halen de los exuberantes tonos de los teclados y sintetizadores, algo que por otro lado no era del agrado del cantante David Lee Roth. Esta discrepancia de criterios desembocaría que el cantante decidiría abandonar la banda para seguir su carrera en solitario después de la gira posterior a este disco.
Grabado durante gran parte del año 1983 en California, en este nuevo álbum Eddie Van Halen consigue su obra cenit y el total liderazgo, además de participar en todas las composiciones, prácticamente hace de todo, para empezar su guitarra sigue siendo sobresaliente con esos riffs y solos portentosos, prueba y explora los sonidos de los sintetizadores encajándolos soberbiamente en el poderoso hard rock adictivo de la banda, por su parte la base rítmica compuesta por el batería Alex Van Halen y el bajista Michael Anthony sigue siendo contundente, integrándose de manera inteligente en la parte esencial del sonido final.
Todo ello esta enmarcado en “Jump”, un hard rock tremendamente comercial e irresistible, o las hard rock mas puras pero igualmente comerciales “Panama”, “Top Jimmy” y “Drop Dead Legs”, en cambio en “Hot For Teacher” la banda muestra su vertiente mas heavy metal con un tema portentoso, finalizando con las potentes y mas accesibles “I´ll Wait” o “House Of Pain”. La posterior recepción del álbum superaría al exitoso debut de la banda, superando con creces los quince millones de copias vendidas a nivel mundial.

Paul McCartney & Wings-Band On The Run (1973)

Paul McCartney es sin duda el mas exitoso de los cuatro ex componentes de The Beatles, uno de los grandes talentos y pieza fundamental de la música del siglo 20. Su carrera en solitario ha abarcado casi todos los géneros musicales y en todos ellos siempre ha triunfado con sus grandes composiciones y su estilo inconfundible de pop y rock comercial e irresistible, publicando casi la treintena de álbumes, muchos de ellos considerados obras maestras de la música rock. Sin embargo ninguno de ellos ha podido supera su quinto álbum “Band On The Run”, publicado en 1973 y que firmaría junto a su banda Wings, la cual estaba formada por Linda McCartney (teclados y voz) y Denny Laine (guitarra y voz), y varios músicos de apoyo que colaborarían en la grabación de este álbum, Ginger Baker (batería y percusión), Howie Casey (saxofón), y Tony Visconti (arreglos), además del propio Paul que se encargaría de las guitarras, batería, teclados, bajo y voz.
En este quinto disco, Paul McCartney imprime a la música una armonía impecable entre las melodías y la imaginación, que junto a una exquisita producción lo convierten en su obra cumbre definitiva.
Desde la clásica que da titulo al álbum, un himno generacional de la música pop rock, hasta la acústica “Bluebird”, se van sucediendo una serie de canciones inmortales como la surrealista “Jet”, la contundente “Helen Wheels”, la rock “Let Me Roll It”, la dinámica “Nineteen Hundred And Eight Five” o la extraordinaria “Picasso´s Last Words (Drink To Me)".

Mike Oldfield-Exposed (1979)

“Exposed” fue el único álbum en vivo de Mike Oldfield hasta finales de la década de los noventa, momento en el cual fue publicado “The Art In Heaven Concert”. Grabado durante la gira posterior al álbum “Incantations”, el set list de “Exposed” fue extraído de diferentes conciertos por varias ciudades europeas durante los meses de marzo y abril de 1979. Para dicha gira Mike Oldfield recurriría a un nutrido grupo de músicos de apoyo, con el que quiso plasmar un sonido lo mas fielmente posible a la música original, todo ello con el fin de no requerir de partes pregrabadas en el estudio de grabación. Entre otros, en dicha banda se encontraban el bajista Pekka Pohjola, los guitarristas Nico Ramsden y Phil Beer, el batería Pierre Moerlen, los percusionistas Mike Frye y Benoit Moerlen, los teclistas Pete Lemer y Tim Cross o la cantante Maddy Prior. Además a todos ellos habría que sumarle una sección de cuerda compuesta por una veintena de músicos, un amplísimo coro con una docena de cantantes y media docena de flautistas y trompetistas, la gran mayoría de ellos, integrantes de la orquesta de David Bedford, quien además de dirigirla, también se encargaba de las percusiones.
Para estos conciertos, Oldfield modificaba sutilmente los temas originales, otorgándoles un sonido mas vigoroso y jovial, como ocurre con la fantástica suite “Incantations” y sus cuatro partes diferenciadas. Asimismo la versión de “Tubular Bells” sufre diferentes arreglos, con un sonido mas cercano al rock con respecto a la versión mas minimalista del álbum original, con un resultado cuanto menos sorprendente, mientras para el final se reservan el tema “Guilty”, una soberbia pieza ajena a las dos obras mencionadas y que fue lanzada como single poco antes de comenzar la gira, en donde la banda al completo alcanza el apogeo instrumental de manera sublime.

Uriah Heep-Look At Yourself (1971)

Antes de publicar su tercera obra, Uriah Heep ya habían manufacturado dos excelentes álbumes, el germinal y en cierta medida hard rock experimental “...Very´Eavy...Very´Umble...” y el mas complejo y progresivo “Salisbury”, por lo que su nuevo álbum fue el resultado del equilibrio de ambas publicaciones. En “Look at Yourself” la banda compuesta por los geniales Ken Hensley (teclados), Mick Box (guitarra) y David Byron (voz), secundados por el bajista Paul Newton y el batería Iain Clark dejaban claro su propuesta musical con un trabajo repleto de temas intensos de hard rock y rock progresivo. El set list de este álbum se inicia con la trepidante y progresiva “Look at Yourself”, mientras “I Wanna Be Free” es un poderoso hard rock con predominio de dobles guitarras, la fascinante y épica “July Morning” es el momento cumbre del álbum, una composición excitante y mágica. El resto la componen la hard rock “Tears In My Eyes”, la operística “Shadows Of Griel”, la balada con aires soul “What Should Be Done” y la rock´n´roll “Love Machine”. Con este disco Uriah Heep continuaba su época de mayor creatividad y esplendor que tendría continuación con los antológicos “Demons and Wizards” y “The Magician´s Birthday”.

Saga-Saga (1978)

Formados en 1977, Saga es una de las bandas de rock mas importantes que han surgido en Canadá, que con un estilo de gran predominio de teclados, unas contundentes guitarras rock y grandes armonías vocales, tuvieron durante gran parte de la década de los ochenta, un gran predominio dentro del panorama del AOR con influencias progresivas.
Formados alrededor del núcleo comprendido por Jim Crichton (bajo, teclados y guitarras) y Michael Sadler (vocalista, guitarra, bajo, teclados y batería), se unieron al guitarrista Ian Crichton, al batería Steve Negus y al teclista Peter Rochon, y lograrían un sorprendente éxito gracias a su primer álbum homónimo, “Saga” en 1978, publicado por el sello Polydor.
Este primer álbum contenía todos los alicientes antes mencionados y seria la antesala del estilo que algunos años después bandas como Asia llevarían a la cúspide de manera brillante y exitosa. Ya en este debut aparecen algunos de sus temas clásicos como “Humble Stance”, “Ice Nice”, “Will It Be You”, “How Long” o “Perfectionist”, todas ellas parte esencial de sus conciertos en los años posteriores. En lo sucesivo aparecerían sus obras mas exitosas como “Silent Knight” (1980), “Worlds Apàrt” (1981) o "Heads of Tales” (1983).

The Groundhogs-Split (1971)

Con el paso de los años la figura del guitarrista Tony McPhee y sus Groundhogs ha sido olvidado por el publico mayoritario, solo valorado y reconocido por un "reducido" grupo de publico especializado en la música rock. Sin embargo tanto el genial guitarrista como su banda tienen un lugar privilegiado dentro de la historia, con algunas obras que están escritas con letras de oro. En 1971 fue publicado su cuarto álbum “Split”, aclamado tanto por la critica como por el publico y al mismo tiempo su obra cumbre.
Producido por el afamado Martin Birch, fue publicado bajo el sello Liberty y grabado en los estudios londinenses De Lane Lea a finales de 1970.
La primera parte de este álbum esta dividida en cuatro partes dentro de un mismo y extenso tema, “Slipt” en donde McPhee da una soberbia lección de sus dotes como guitarrista, repleto de efectos y incendiarios solos interminables, con mucho dinamismo que desembocan en un jam blues psicodélico y lisérgico, todo ello acompañado por la contundente y poderosa sección rítmica formada por el bajista Peter Cruikshank y el batería Ken Pustelnik. Para la segunda cara la banda se reservan su mejor tema o por lo menos el mas famoso de su carrera, la genial y rítmica “Cherry Red”, a la que le sigue la instrumental “Junkman” o la proto blues “Groundhog”. Gracias al gran éxito que tuvieron con este álbum, fueron los elegidos para telonear a The Rolling Stones en su gira del “Sticky Fingers”, para un año después publicar el ultimo gran álbum “Who Will Save The World”, y a partir de aquí su fama iría decreciendo paulatinamente, a pesar que estuvieron activos hasta casi el final de la década de los noventa publicando regularmente trabajos de escaso impacto mediático, aunque de gran nivel instrumental, pero alejados de sus primeras y fundamentales obras de finales de los sesenta y principios de los setenta.

The Waterboys-Fisherman´s Blues (1988)

The Waterboys siempre se han caracterizado por ser una banda bastante ecléctica, ellos han navegado entre los sonidos folk, acercamientos al dramatismo de la new wave o el rock de los noventa.
Su líder Mike Scott quiso dar otra vuelta de tuerca a su estilo después del aclamado y soberbio “This Is The Sea” de 1985 y para ello se mudaría a Irlanda en donde crearía un estudio de grabación para realizar su nuevo álbum “Fisherman´s Blues”. Para esta nueva grabación, Scott se rodeo de un gran elenco de músicos irlandeses y escoceses como el trompetista Roddy Lorimer, el bajista Trevor Hutchinson, el violinista Steve Wickham, el batería Kevin Wilkinson o el acordeonista Mártin O´Connor entre otros muchos mas, creando con todos ellos un álbum que dividió a sus fans mas ortodoxos por la enorme influencia del folk irlandés y escocés que imprimió. Sin embargo “Fisherman´s Blues” reafirmaría a The Waterboys y de paso volvía a darle a la música irlandesa una gran notoriedad popularizando este genero mas allá de los sonidos celtas de la new age y el folk tradicional puro, además de obtener grandes ventas y favorables criticas. “Fisherman´s Blues” esta compuesto por sobrias composiciones de folk rock atemporal con dosis de épica y misticismo como la gloriosa “Fisherman´s Blues” un lejano guiño a Bob Dylan, la hermosa balada “Strange Boat”, la folk “And A Bang On The Ear”, la pausada folky “Has Anybody Here Seen Hank?”, la rítmica “We Will Not Be Lovers” o la contundente y poderosa “World Party”.

The Alan Parsons Project-Eve (1979)

El cuarto álbum de The Alan Parsons Project continuo con la dinámica de sus anteriores y conceptuales trabajos. Esta vez el dúo Parsons-Woolfson dirigen sus ideas hacia el mundo de las mujeres y su papel relevante ante la supremacía del hombre.
Considerado como un álbum transitorio, destaca notoriamente por la participación de varias vocalistas femeninas como Lesley Duncan y Clare Torry, mientras el resto de músicos fueron prácticamente los habituales del proyecto desde sus orígenes con Andrew Powell, David Paton, Stuart Elliott, Ian Bairnson, Duncan Mackay, Chris Rainbow, Lenny Zakatek y Dave Townsend.
Sin embargo pese al carácter conceptual del álbum, musicalmente se abandonan las estructuras progresivas y sinfónicas por una línea mas convencional con sonidos mucho mas pop y previsibles, aún así el dúo lograba otro magnifico disco, que aunque sin llegar a las excelencias de sus tres anteriores obras, mantenía la credibilidad de The Alan Parsons Project intacta. Temas como el instrumental "Lucifer", uno de los mayores logros del proyecto, la irresistible balada "You Won't Be There", la espectacular "Damned If I Do", las comerciales y adictivas "Winding Me Up" y "I Rather Be A Man" o la rítmica “You Lie Down With Dogs”, completan un trabajo desde un punto de vista comercial extraordinario, superando con creces el millón de copias vendidas a nivel mundial.

Iron Maiden-Seventh Son Of A Seventh Son (1988)

Este seria el séptimo álbum de Iron Maiden y el primero en ser escrito a modo conceptual, si bien es cierto que en todos sus entregas anteriores hay referencias a épicas batallas que se han sucedido durante toda la historia y relatos históricos que de alguna manera le han dado el "aura" de obras conceptuales, sin embargo nunca de manera tan cohesionada como en este álbum. Musicalmente en "Seventh Son Of A Seventh Son”, el grupo sigue la línea del anterior “Somewhere In Time”, agregando sintetizadores y desarrollos progresivos, elementos que son los idóneos para el concepto aquí tratado. Basado en las leyendas de la Europa del Este, relata canción a canción un tramo de la vida de un vidente; el séptimo hijo de un séptimo hijo, que obtendrá grandes facultades psíquicas. El álbum en si es un completo ejercicio de heavy metal progresivo y épico, en parte debido a los mencionados sintetizadores, que dotan al contundente y poderoso estilo del grupo, mucha diversidad con predominio de largos pasajes instrumentales sin dejar de lado las melodías. El álbum es un trepidante viaje antológico como la inicial y melódica “Moonchild”, la comercial “Can I Play With Madness”, la asequible “The Evil That Men Do”, la asombrosa y alucinante “Seventh Son Of A Seventh Son”, la dinámica “The Prophecy” y las soberbias “The Clairvoyant” y “Only The Good Die Young”, convirtiéndolo en uno de los favoritos de sus fans y uno de sus trabajos mas exitosos comercialmente, con varios millones de copias vendidas a nivel mundial.

Judas Priest-British Steel (1980)

En 1980 Judas Priest publicaban “British Steel” su sexto álbum, el cual venia precedido del polémico pero soberbio directo “Unleashed In The East” de un año antes. Para este nuevo álbum la banda contaría con un nuevo batería, Dave Holland, que ocuparía el puesto dejado por Les Binks, el resto estaba formado por la alineación mas exitosa y clásica de Judas Priest, Ron Halford (voz), Ian Hill (bajo) y los guitarristas K.K. Downing y Glenn Tipton. “British Steel” esta considerado por muchos, como el inicio del llamado NWOBHM, o lo que es lo mismo la New Wave Of British Heavy Metal, un termino que el periodista Geoff Barton definió para diferenciar las bandas británicas del heavy metal de finales de los setenta. Con este álbum Judas Priest conseguía definitivamente el éxito a nivel mundial, con una impresionante colección de temas trepidantes y poderosos como “Rapid Fire”, “Metal Gods” o “Steeler” los cuales estaban mas cercanos al speed metal que al heavy metal clásico, mientras las contundentes pero al mismo tiempo adictivas “Breaking The Law” o “Living After Midnight”, son el contrapunto perfecto entre el heavy rock con riffs efectivos y la comercialidad, como quedaría demostrado con sus enormes ventas a nivel mundial.

Rush-Hemispheres (1978)

“Hemispheres” es una de las obras maestras absolutas del rock progresivo, un álbum repleto de virtuosismo, en donde el poderosos trío compuesto por Alex Lifeson, Geddy Lee y Neil Peart se vuelven casi pretenciosos con sus impecables dotes instrumentales y la asombrosa técnica de cada uno de ellos,

que convierten el resultado final de este álbum en un ejercicio de rock progresivo abrumador y antológico. Desde la inicial y vigorosa “Cygnus X-1”, con veinte minutos de epopeya de hard progresivo, en donde la mencionada técnica instrumental de los miembros del grupo son sencillamente asombrosas, hasta la épica y fantástica instrumental “Hemispheres”, pasando por la hard rock “Circumstances” y la dinámica “The Trees”, culminando un trabajo excepcional y la enésima obra de arte del grupo canadiense.

Weather Report-Black Market (1976)

En 1975 Joe Zawinul reformaría casi por completo su Weather Report, dando entrada a cinco miembros prácticamente al mismo tiempo, que unidos a los fijos Wayne Shorter, Alphonso Johnson y el propio Zawinul, conformaban una nueva alineación. Estos nuevos integrantes fueron Jaco Pastoruis (bajo), los baterías Narada Michael Walden y Chester Thompson, y los  percusionistas Alex Acuña y Don Alias. Con esta formación se grabaría el sexto álbum de Weather Report, “Black Market”, que se diferencia de los anteriores trabajos por contener una música mas asequible y abierta, distanciándose y poniendo tierra de por medio de las complejas experimentaciones de los discos anteriores. También es donde se introducen de lleno elementos étnicos con un predominio de las percusiones y sonidos exóticos. Vigorosas pero accesibles piezas como la melódica “Cannonball”, la atmosférica “Gibraltar”, las complejas “Three Clowns” y “Elegant People” o las mas aceleradas y rítmicas “Barbary Coast” y “Herandnu”, convierten a este disco en uno de los favoritos de los fans al jazz rock y junto al siguiente “Heavy Weather”, las dos grandes obras de Weather Report.

Miles Davis-Bitches Brew (1970)

“Bitches Brew” fue uno de los primeros álbumes del genero del jazz rock en donde Miles Davis de manera diversificada utilizaría los instrumentos eléctricos y la configuración del ritmo y la cadencia del rock para crearlo.
Miles Davis ya había comenzado a encajar esos elementos eléctricos a su música en su álbum anterior “In A Silent Way” de un año antes, por lo que sus ansias de explorar ese terreno ya no era novedoso para este genial trompetista.
En esta ocasión Davis utilizaría una banda casi totalmente eléctrica, empezando por los pianistas Joe Zawinul, Chick Corea y Larry Young, el guitarrista John McLaughlin, los bajistas Dave Holland y Harvey Brooks, los baterías Lenny White y Jack DeJohnette o el saxofonista Wayne Shorter entre otros grandes músicos. A pesar de este descomunal ejercito de grandes talentos, “Bitches Brew” es un álbum de intrincada absorción musical, debido a su compleja estructura y la inusual sección rítmica, compuesta por varios bajistas, varios baterías y tres pianistas tocando al unísono, este hecho dificultaba la accesibilidad al oyente medio.
Sin embargo y a diferencia del mencionado y atmosférico “In A Silent Way”, aquí Miles Davis parece buscar mas la formula de la experimentación con sutiles ritmos funk y desarrollos vanguardistas. Aún así el el álbum es vibrante y piezas como “Pharoah´s Dance”, ”Sanctuary”, “Miles Runs The Voodoo Down” o “Spanish Key”, le dan mucho carácter a este trabajo tan esencial, en donde la emotiva trompeta de Miles Davis proporciona el protagonismo de manera perspicaz sin desmerecer el trabajo de los demás músicos involucrados, que muestran su enorme ingenio sin llegar al abuso individual. Sin duda toda una obra maestra del jazz y uno de los 500 mejores álbumes de la historia de la música.

Robin Trower-Twice Removed From Yesterday (1973)

A principios de los 70, Robin Trower abandona Procol Harum y funda la banda Jude de escaso impacto mediático, por lo que después de disolverla decide continuar su carrera en solitario para lo cual se rodea del batería Reg Isidore y el cantante y bajista James Dewar grabando su primer e impresionante álbum “Twice Removed From Yesterday”, publicado en 1973 bajo el sello británico Chrysalis. Repleto de temas de enérgicos blues rock en donde sobresale la enorme guitarra de Trower, considerado por aquellos años el  Hendrix blanco, este álbum es una sucesión de composiciones magistrales como la rock “I Can´t Stand It” la refinada y tranquila “Daydrem”, la hipnótica y poderosa “ I Can´t Wait Much Longer”, la blues psicodélica “Hannah”, la boogie rock “Rock Me Baby” o la tierna “Ballerina”.

Fleetwood Mac-Mirage (1982)

Después de dos obras maestras como fueron “Rumours” y “Tusk”, Fleetwood Mac regresaron con su siguiente álbum “Mirage” en el cual mostraban su lado mas amable, producto sin duda de las cicatrices cerradas de los tumultuosos desenlaces de las parejas Buckingham-Nicks y John y Christine McVie. También supuso en cierta medida la continuación musical del anterior “Tusk” con soberbias piezas melódicas, demostrando el impresionante talento de sus principales compositores como eran Lindsey Buckingham, Stevie Nicks y Christine McVie, como queda demostrado en las adictivas “Hold Me”, “Gypsy” y “Love In Store”. El resto igualmente esta a una gran altura con piezas del calibre “Only Over You” una hermosa balada escrita por McVie, o las brillantes “Can´t Go Back” y “Oh Diane” ambas firmadas por el guitarrista, sin dejar de mencionar la irresistible y melódica “Straight Back” de Stevie Nicks. Pese a que el álbum lograría alcanzar el numero uno en los Estados Unidos con varios discos de platino y puestos muy altos en numerosos países, ni siquiera rozaría las asombrosas cifras de los antecesores trabajos de la banda.

Return To Forever-Romantic Warrior (1976)

El álbum que encumbraría definitivamente a Return to Forever seria sin duda "Romantic Warrior", el primer trabajo en donde el grupo liderado por Chick Corea acerca su estilo hacia el rock, los sonidos electrónicos y la épica progresiva, también es donde la formación compuesta por Chick Corea, Lenny White, Stanley Clarke y Al DiMeola se convierte en la clásica y mas famosa de todas las que esta banda tuvo en toda su carrera.
Aquí Chick Corea dota la música con un ritmo mas acelerado con grandes interacciones de bajo y guitarra, mezclado con los interludios de piano y teclados que cobran una dimensión sinfónica en muchos momentos del álbum. Desde la homónima y épica "Romantic Warrior", hasta la grandiosa "Duel Of The Jester And The Tyrant”, la banda consigue una sensacional combinación de jazz rock con elementos funk y progresivos como ocurre en la trepidante "Medieval Overture" o la funk "Majestic Dance". "Romantic Warrior" permanece como una de las obras cumbres del jazz rock, un trabajo que junto a obras emblemáticas de Miles Davis, Weather Report o la Mashavishnu Orchestra, son parte de la historia del jazz y documentos imprescindibles de la música contemporánea.

Trapeze-Medusa (1970)

Formados en 1969, Trapeze pertenece a ese grupo de bandas que pese a la indudable calidad de sus componentes, todos ellos futuras figuras dentro del panorama del hard rock, no tuvieron la suerte necesaria, eclipsados por un nutrido grupo de bandas con las que tuvieron que competir y que si lograron una mayor gloria.
Compuesta por Glenn Hughes (bajo, piano y voz), Mel Galley (guitarra y voz) y Dave Holland (batería), en 1970 tuvieron el beneplácito de John Lodge, bajista de The Moody Blues, quien les consigue un contrato con el sub sello Threshold, creado por los propios Moody Blues para sus lanzamientos discográficos. En el mismo año de 1970 publicarían sus dos primeros álbumes, ambos bajo la producción del propio Lodge, siendo el segundo “Medusa”, su obra cumbre, con una mejor producción y un estilo mas definido que el debut. En este segundo álbum, Trapeze muestra su faceta hard rock con influencias blues y soul. Temas de potente hard rock como “Jury” o “Your Love Is Alright”, blues rock como “Black Could” o piezas con grandes influencias de soul como la homónima “Medusa” o “Your Love Is Alright”, dejaron constancia de la enorme calidad de esta banda que tuvieron un gran reconocimiento por sus explosivos directos en aquellos años. No seria hasta dos años después cuando publicaron su tercer álbum “You Are The Music...We´re Just The Band”, en donde suavizaron su sonido hacia un estilo mas melódico y comercial, pero al igual que sus dos primeras obras no obtendría la atención del publico.
Para el siguiente “Hot Wire”, publicado en 1974, ya no contarían con Glenn Hughes, quien había abandonado para ingresar en Deep Purple sustituyendo a Roger Glover. En este cuarto álbum y pese a endurecer de nuevo su estilo, siguieron pasando desapercibidos, y después de varios álbumes mas, en los que volverían a contar con Hughes, la banda se desintegraría, para poco tiempo después producirse la entrada de Holland en los Judas Priest y Galley haría lo mismo en los Whitesnake de David Coverdale.

Humble Pie-Perfomance Rockin´The Fillmore (1971)

“Perfomance Rockin´The Fillmore” de Humble Pie, es otro de los grandes dobles en directo de la historia, en donde la banda formada por Marriot, Frampton, Ridley y Shirley dan un antológico repaso a algunos temas legendarios del blues y del rock, con su estilo inconfundible y su fusión con el soul y elementos del hard rock
Los temas de este doble álbum fueron extraídos de los conciertos ofrecidos por esta colosal banda durante los días 28 y 29 de mayo de 1971 en el Fillmore East de New York, durante la gira promocionando el álbum “Rock On” publicado meses antes.
Sin embargo aquí solo aparece un tema perteneciente al mencionado álbum, el resto esta compuesto por versiones de clásicos del blues y del rock de los años 60.
Este ardiente álbum comienza con la poderosa “Four Day Creep”, a la que le sigue el legendario tema original de Willie Dixon “I´m Ready”, por su parte el momento mas hard rock se encuentra en el único tema original del grupo, "Stone Cold Fever". La segunda cara del primer vinilo esta totalmente compuesta por la extensa e incendiaria “I Walk On Gilded Splinters”, con cerca de 25 minutos de apoteósicos riffs y solos de guitarra. En otro memorable momento se encuentra el extenso blues pesado “Rollin´Stone”, original de Muddy Waters, mientras la ultima cara es para la soul “Hallelujah I Love Her So”, original de Ray Charles, y la visceral y explosiva “I Don´t Need No Doctor”.

Jefferson Starship-Freedom At Point Zero (1979)

El quinto álbum de Jefferson Starship “Freedom At Point Zero”, fue publicado con numerosas novedades con respecto a su anterior “Earth”, por un lado habían abandonado la banda los cantantes Grace Slick y Marty Balin, la primera de manera momentánea, además del batería John Barbata, siendo sustituidos por el cantante Mickey Thomas y el ex batería de Journey, Aynsley Dunbar. Por otro lado la banda dejaba en manos de un productor externo los controles en el estudio prescindiendo del habitual Larry Cox y contratando al prestigioso Ron Nevison, quien ya había trabajado para grandes artistas como Kiss, Thin Lizzy, Meat Loaf, Grand Funk o Led Zeppelin entre otros muchos. Todos estos cambios se verían claramente reflejados en este nuevo álbum, para empezar su sonido se vuelca hacia un estilo descaradamente AOR, en donde la prodigiosa voz de Thomas y la adictiva de Paul Kantner son reforzadas por el doblamiento de los coros con un resultado sobresaliente. Además de ello, el protagonismo de los guitarristas Kantner y Chaquico cobran mucha mas relevancia como se demuestra en pletóricas canciones como la inicial “Jane”, la épica y espectacular “Awakening”, la AOR “Things To Come” o en la poderosa “Girl With The Hungry Eyes”, mientras las irresistibles “Rock Music” y “Freedom At Point Zero”, o la delicada y soberbia “Fading Lady Light”, demostraron que la banda podría seguir facturando grandes álbumes al margen de sus grandes pilares como eran Slick y Balin.

Santana-Moonflower (1977)

“Moonflower” es el segundo álbum en vivo de Carlos Santana, fue publicado en cierta medida por la Columbia para paliar que el primer directo "Lotus", un triple álbum lanzado en 1974, solo fuera comercializado para el mercado japonés y no seria hasta muchos años después, cuando se reeditaría finalmente para el resto del mundo. Sin embargo "Moonflower" no solo contenía interpretaciones en vivo, además se intercalaban con una serie de nuevos temas grabados en estudio. Mientras los temas en directo fueron extraídos de la gira europea posterior al álbum "Festival" en 1976, los temas de estudio fueron grabados en los estudios de la Columbia en San Francisco en 1977. Esta extraña mezcla de temas en vivo y en estudio es una excitante fusión de ritmos latinos, blues, rock y jazz con versiones extendidas a modo de jams y solos instrumentales por parte de los integrantes de la banda. Una banda de apoyo que estaba compuesta por Tom Coster (teclados), Greg Walker (voces), Pablo Tellez (bajo y voces), David Margen (bajo), Graham Lear (batería), los percusionistas Raul Rekow, José “Chepito” Areas y Pete Escovedo y el teclista Tommy Coster, además de Carlos Santana (guitarra, voz y percusión). Las pistas en vivo se reparten en temas clásicos de sus primeros álbumes, como "Carnaval", "Let The Children Play", "Black Magic Woman/Gypsy Queen", "Dance Sister Dance", "Europa (Earth´s Cry Heaven´s Smile" o "Soul Sacrifice". En cuanto al repertorio del nuevo material destacan la frenética jazz rock "El Morocco", la Rhythm & Blues "Transcendance", la contundente "Savor/Toussaint L´Overture" o la melódica y romántica "Flor D´Luna". “Moonflower”, con una de las portadas mas famosas del rock, alcanzaría la certificación de doble platino y mas de tres millones de copias vendidas a nivel mundial, algo que Santana ya no volvería a repetir hasta muchos años después con su álbum "Supernatural"

Kansas-Two For The Show (1978)

En la cima de la popularidad, Kansas lanzaba su primer álbum en directo, el doble “Two For The Show”, que venia precedido de su obra maestra “Point Of Know Return” de un año antes, por lo que todo lo publicado aquí pertenece a la gira posterior a ese álbum. Los temas aquí escogidos fueron grabados entre el The Palladium de Nueva York, el Pine Knob Music Theatre de Michigan y el Merriweather Pavillion de Maryland entre mediados de 1977 y principios de 1978 y fue publicado casi a finales de ese mismo año.
En este soberbio directo, Kansas muestra su faceta de plena brillantez instrumental, con ese rock progresivo con cierta pomposidad heredero de los grupos británicos del rock sinfónico, fusionado con elementos del rock americano como el blues, el country e incluso el bluegrass. Con una sección rítmica poderosa como son el batería Phil Ehart y el bajista Dave Hope, dos enormes guitarristas, Rich Williams y Kerry Livgren, el violinista y cantante Robby Steinhardt y el vocalista y teclados Steve Walsh, el grupo va desgranando  lo mejor de su repertorio haciendo un repaso no solo al mencionado álbum “Point Of Know Return” sino también a sus cuatro álbumes anteriores “Kansas”, “Song For America”, “Masque” y “Leftoverture”. Desde la enorme y magnifica suite “Magnus Opus” en donde cada miembro de la banda tiene su espacio para el lucimiento instrumental, hasta sus mayores hits comerciales como “Carry On Wayward Son”, “Dust In The Wind”, “Point Of Know Return” o “Song For America”, pasando por las épicas y progresivas “Excerpt From Lamplight Symphony”, “Incomudro-Hymn To The Atman” y “Mysteries And Mayhem”, o las soberbias rock “The Wall”, “Icarus-Bone On Wings Of Steel” o “Closet Chronicles”, Kansas demuestran el por que fueron considerados la mejor banda del rock progresivo norteamericana de la historia. Siguiendo la estela de su antecesor, este doble álbum lograría el éxito inmediato con un disco de platino y unas ventas que superaron con creces los dos millones de copias a nivel mundial.