Steely Dan-Gaucho (1980)

"Gaucho" fue el séptimo y ultimo trabajo de la primera etapa de Steely Dan. Cuando se compara con su álbum debut publicado ocho años antes ("Can´t Buy a Thrill"), puede resultar difícil de creer que los mismos dos músicos (Walter Becker y Donald Fagen), tuvieran tanta creatividad musical con unas letras inteligentes, un sonido sedoso, tonos de tiempo musicales complejos y brillantes, acompañados de unas voces tormentosas, y todo ello envuelto en un sonido emparentado con el jazz rock mas sofisticado y bajo unas sesiones de grabación tan impecables como meticulosas.
Para este "Gaucho", el dúo Fagen-Becker, volvían a contar con una amplísima legión de colaboradores, tan larga que necesitaríamos seis o siete líneas para enumerarlos a todos, pero entre los que podríamos destacar a Mark Knopfler, Hiram Bullock, Tom Scott, Larry Carlton, Michael McDonald, Steve Khan, Patti Austin, Joe Sample, Randy, Michael Brecker o David Sanborn…y así hasta casi medio centenar de grandes figuras del jazz, el blues y el rock norteamericano.
Con este trabajo Donald Fagen y Walter Becker conseguirían el pináculo de la auto evolución estilística, sin perder una sola gota de inspiración por parte de todos y cada uno de los miembros de su gigantesca y colosal reunión de músicos para esta legendaria grabación.
Un álbum que al completo se nos antoja imprescindible con temas brillantemente elaborados y ejecutados como "Babylon Sisters", "Hey Nineteen", "Glamour Profession", "Gaucho", "Time Out Of Mind" o "My Rival".
Como ya había ocurrido con todos sus predecesores, "Gaucho" volvería a colocar a Steely Dan en la cúspide del jazz rock y obtendrían su segundo Grammy consecutivo a la mejor grabación en estudio.

Loverboy-Get Lucky (1981)

Loverboy fueron una de las bandas mas exitosas e inspiradas de principios de los ochenta, que en apenas cuatro años lograron tres álbumes multimillonarios enfocados al rock melódico orientado a las FM.
Esta banda canadiense se había formado en la ciudad de Calgary en 1979 por Paul Dean guitarrista y Mike Reno vocalista, a los que se les unirían el batería Matt Frenette, el teclista Doug Johnson y el bajista Scott Smith.
Con un buen contrato bajo el brazo gracias a la Columbia Records, lanzaron el homónimo “Loverboy”, el cual contiene los hits “The Kid Is Hot Tonite” y “Turn Me Loose” dos clásicos de las emisoras FM y del rock orientado hacia adultos.
Este debut los encumbra logrando media docena de discos de platino.
Sin embargo seria con su segundo álbum “Get Lucky”, cuando lograrían el estrellato definitivo gracias a su excelente hard rock mezclado con unas originales líneas de sintetizador, unas voces arrebatadoras y una exquisita producción.
Parte de este mérito estaba en el impresionante plantel de ingenieros y productores, entre los que estaban Bob Rock, Mike Fraser, George Marino y Bruce Fairbairn.
“Get Lucky” contiene una irresistible colección de canciones como la pegadiza “Working For The Weekend”, atractivos medios tiempos, “When It´s Over” y “Gangs In The Street”, temas puramente hard rock “Emotional” y “Lucky Ones” o canciones con gancho AOR como “Jump” y “Take Me To The Top”.
“Get Lucky” se convirtió en un clásico imprescindible del AOR y a la vez una de las obras del genero mas exitosas con siete discos de platino y cinco millones de copias vendidas solo en el mercado norteamericano.

Free-Heartbreaker (1973)

“Heartbreaker” seria el séptimo y ultimo álbum de Free, una de las bandas mas apoteósicas del blues rock de principios de los 70, compuesta por cuatro sobresalientes músicos que dejaron tras de si memorables discos como “Fire and Water” (1970), “Free At Last” (1972) o el mencionado que hoy nos ocupa aquí.
Para cuando la banda entraría en los estudios de la Islands Records en Londres a finales de 1972, ya no estaba entre sus filas el bajista Andy Fraser, quien había abandona justo después del anterior “Free at Last” por desavenencias con el guitarrista Paul Kossoff.
Su puesto seria ocupado por Tetsu Yamauchi, además de ello la banda se vería ampliada con el teclista John “Rabbit” Bundrik y contarían con las colaboraciones del percusionista de Traffic, Rebop Kwaku Baah y del guitarrista W.G. Walden, el cual toma el protagonismo en muchos momentos del disco en detrimento de un apático y cada vez mas enganchado a las drogas Paul Kossoff.
La majestuosa rock “Wishing Well” abre este descomunal trabajo con unos riffs evocadores por parte de Kossoff, en una línea parecida continúan la blues rock “Come Together In The Morning” y la pletórica “Heartbreaker”.
El resto muestra a una banda cargada de emoción y gran feeling con cortes celestiales de blues rock como "Muddy Water", “Easy On My Soul” o “Seven Angels”, los cuales cierran un álbum que no podría tener un epitafio mas acertado para la inmortal despedida de esta fabulosa banda británica.

Blue Oyster Cult-Curse Of The Hidden Mirror (2001)

Tras tres años de sequía discográfica, en el año 2001 los neoyorkinos Blue Oyster Cult lanzaron su decimocuarto trabajo, un álbum que precedía a "Heaven Forbid", en el cual muestran un tono más ligero pero claramente orientado al metal que hacían en los años 70. En aquel año la Blue Oyster Cult aún estaba compuesta por tres de sus miembros fundadores, Eric Bloom (voz y guitarra), Buck Dharma (guitarra y voz) y el teclista Allen Lanier, mientras que cerraban la formación el baterista Bobby Rondinelli y el bajista Danny Miranda. "Curse Of The Hidden Mirror" contiene memorables momentos como el rock pesado "Showtime", las hard rock "The Old Gods Return" y "Eye Of the Hurricane", la dinámica "Pocket", la heavy metal "One Step Ahead of the Devil" o la semi progresiva "Dance On Stilts". Sin llegar creativamente a sus obras cumbres de los años 70, este "Curse Of The Hidden Mirror" es otro de los magníficos registros de esta legendaria banda norteamericana.

Cream-Goodbye (1969)

Publicado como colofón a su espectacular trayectoria, el trío compuesto por Eric Clapton, Jack Bruce y Ginger Baker lanzaron su cuarto y ultimo trabajo a mediados de 1969, titulado irónicamente “Goodbye”, el cual contiene seis temas divididos entre directos y en estudio, los tres primeros grabados en el Fórum de Los Ángeles el 19 de octubre de 1968 y los tres restantes en los estudios IBC de Londres varias semanas antes.
El álbum comienza con las versiones en directo y se inicia con la enérgica y pegajosa “I´m So Glad”, nueve minutos de puro tour de forcé en donde cada uno de los músicos muestra sus excelencias instrumentales, a la que le siguen la blues rock “Politician” y la rudimentaria y cruda bluesy “Sitting On Top Of The World".
Mientras en los temas de estudio, cada uno de los integrantes aportan los restantes, por un lado “Badge”, una canción coescrita por Eric Clapton y George Harrison, y en la cual resuenan sutiles toques Beatle, y por otra la extravagante “Doing That Scrapyard Thing” de Bruce y la vibrante y dramática “What a Bringdown” de Baker, todas ellas con un mismo patrón estilístico, las habituales líneas psicodélicas de la banda.
Para cuando se publico el álbum, Cream ya estaban disueltos, por  lo que en cierto modo fue un ultimo esfuerzo comercial por parte de la Polydor Records, la cual acertaría plenamente ya que vendería cerca del millón de copias a nivel mundial.

R.E.M.-Out Of Time (1991)

R.E.M paso de ser una banda con un moderado reconocimiento en los circuitos subterráneos del pop rock, al éxito mundial y abanderados del rock alternativo, y para lograrlo tuvieron la insistencia y el duro trabajo durante sus tres primeros años en el mundo de la música.
Formados en Georgia en 1980 por Michael Stipe y Peter Buck, pronto se les unirían Mike Mills y Bill Berry, los cuales giraron durante casi dos años por los Estados Unidos moldeando su estilo y alcanzando la experiencia necesaria.
Después de un contrato con I.R.S. Records publicaron su primer larga duración “Murmur” (1983), logrando una gran aceptación en los circuitos alternativos y en las Universidades norteamericanas.
En los siguientes años la banda publicaría tres álbumes mas en donde van puliendo su estilo hasta que en 1991 y bajo el sello Warner lanzan su séptimo álbum “Out Of Time”, que los catapulta al éxito masivo gracias al hit “Losing My Religion” y a una serie de canciones eclécticas, dinámicas y elegantes.
Entre todos ellos destacan las estupendas e irresistibles “Radio Song”, “Country Feedback”, “Half A World Away”, “Shiny Happy People”, “Low” o “Near Wild Heaven”, impulsándolo al primer puesto en las listas de éxitos a ambos lados del Atlántico y consiguiendo unas asombrosas ventas con mas de 17 millones de copias a nivel mundial.

Rory Gallagher-Irish Tour ´74 (1974)

Un critico musical llego a decir en una ocasión que “Irish Tour ´74“ no era simplemente un directo mas, era la cumbre del rock en manos de un artista que jamás nos debería haber dejado.
Esta afirmación es lo mas exacto que podríamos decir de uno de los directos mas salvajes, pasionales, enérgicos y de gran virtuosismo que se hayan hecho.
Grabado durante una gira por sus adoradas tierras irlandesas, Rory Gallagher demostraba el porque fue uno de los grandes guitarristas de la historia, un elegido por los dioses, un músico honesto repleto de bondad y sencillez que dejo su talento por medio mundo asombrando a propios y extraños por su entrega en cada concierto que actúo.
Para esta gira, el guitarrista irlandés contaría con su formación mas clásica, con Gerry McAvoy (bajo), Rod DeAth (batería) y Lou Martin (teclados) y durante la hora que dura aproximadamente este doble álbum no deja indiferente a nadie con su salvaje repertorio cargado de feeling y contundente blues y rock.
Desde la inicial y espectacular  “Cradle Rock”, hasta la impresionante “Who´s That Coming?”, pasando por las enérgicas “As The Crows Flies”, “Tattoo´d Lady”, “Walk on Hot Coals” o la épica “A Million Miles Away”, Rory Gallagher deja bien claro como debería sonar cualquier banda de blues rock que se precie.
Con mas de dos millones de copias vendidas y elegido uno de los mejores álbumes en directo, este “Irish Tour ´74”, es una obra indispensable en la historia de la música rock.

Hydra-Rock The World (1977)

Hydra fueron otra interesante y olvidada banda norteamericana que pertenecen a ese grupo que están encuadradas en la segunda división del southern rock americano.
Fundada en Georgia a principios de los 70 por el guitarrista y voz Wayne Bruce, el guitarrista Spencer Kirkpatrick y el batería Steve Pace. En el transcurso de sus primeros años, la banda tuvo una continua sucesión de bajistas entre los que figuraron Trip Burgess y Orville Davis.
Durante esos años la banda se labraría una gran reputación en sus apabullantes directos actuando en los circuitos de clubs y salas de conciertos de todo el estado de Atlanta, un hecho que no pasaría desapercibido para los directivos de la Capricorn Records quienes les contratan y con quienes lanzan su primer álbum homónimo en 1974.
En ese debut Hydra demuestra su estilo polvoriento del rock sureño con la energía del heavy rock, un estilo que será suavizado en el segundo álbum "Land of Money", al incluir los productores de la Capricorn de manera unilateral una sección de metales y teclados y derivar el estilo sureño hacia sonidos sutiles de soul y jazz.
Después de este segundo trabajo la banda se reconvierte en trío con Kirkptarick, Bruce y Pace y publican "Rock The World", a la postre su ultimo álbum y su mejor obra.
La mayoría de temas en el incluidos tiene el clásico sabor sureño de los 70, con unas potentes guitarras, unas melódicas y pegadizas voces y un poderoso ritmo hard rock.
Temas como la frenética "Shame", la contundente "Wating Time", la country rock "To The Willowed" o las atractivas southern “Feel Like Running” y “Rock The World”, conforman un atrayente álbum del exclusivo género de los Estados del sur de Norteamérica.

Glass Harp-Synergy (1971)

Originarios de Ohio, Glass Harp fueron un power trío de rock clásico que alternaron los sonidos melódicos del folk con interacciones al jam hard rock inspirados en otras bandas legendarias como The Jimi Hendrix Experience o Cream.
Este trío estaba formado por el guitarrista Phil Keaggy, el batería John Sferra y el bajista Steve Markulin, los cuales lograrían que en 1970 la MCA Records les financiara su primer álbum bajo la subsidiaria Decca Records.
El buen recibimiento comercial de este primer álbum les llevaría abrir conciertos para bandas punteras como Grand Funk Railroad, Traffic, Humble Pie o The Kinks en tierras norteamericanas.
En 1971 la banda publica se segundo álbum “Synergy”, en donde muestran un repertorio aún mas contundente con las hard rock “One Day At a Time” y “Never Is a long Time”, dos claros cortes en donde Keaggy muestra sus excelentes dotes guitarrísticas.
El resto esta conformado por la malhumorada “Song Of Hope”, la acústica “The Answer” y la rítmica y alegre “Mountains”, las cuales contrastan con la psicodélica “Just Always” y la pausada “Child of the Universe”, dando por finalizado un álbum atractivo y que captura como bien dice su titulo la perfecta unión de sus tres miembros en su mejor momento artístico.
Al año siguiente lanzarían el epitafio “It Makes Me Glad”, en el cual suavizaban su estilo hacia derroteros mas previsibles, para posteriormente cada uno de los integrantes seguir por diferentes caminos artísticos, siendo Keaggy quien lograra una carrera mas prolífica derivando su estilo hacia el rock cristiano y publicando medio centenar de álbumes, algunos de ellos nominados a los premios Grammy y considerado uno de los mejores guitarristas del siglo XX.

Talking Heads-Remain In Light (1980)

Talking Heads fueron una de las bandas mas vanguardistas y experimentales de finales de los 70 y gran parte de los 80. Liderados por el guitarrista David Byrne y con la fundamental y estimable colaboración de Brian Eno, realizaron algunos de los álbumes mas aclamados y definitorios del siglo XX.
Originarios de Long Island en New York, Talking Heads cerraba la formación con el batería Chris Frantz y la bajista Tina Weymouth, y junto a The Ramones, B-52´s y Blondie, fueron los abanderados del punk y el art pop neoyorkino de los años 70.
Después de publicar varios discos orientados a los sonidos extravagantes, al art pop vanguardista y el punk como “Talking Heads” (1977), “More Songs About Buildings and Food” (1978) y “Fear Of Music” (1979), la banda comenzaba la década de los 80 con su cuarto álbum "Remains In Light", en donde ampliarían la formación con el guitarrista Adrian Belew, contando nuevamente con la producción de Brian Eno, (el cual ademas se encargaba de los sintetizadores y otros instrumentos), el trompetista Jon Hassell y los percusionistas Robert Palmer, Jose Rossy y Nona Hendrix.
En "Remain In Light", las composiciones muestran una mezcla de ritmos africanos, art rock, sonidos electrónicos emparentados con la new wave, y la frenética energía del punk, todo ello con sutiles toques progresivos, evidenciado en los delicados arreglos y las fascinantes estructuras de todas sus canciones.

Cai-Noche Abierta (1980)

"Noche Abierta" es una de las joyas del movimiento progresivo andaluz, un álbum que contiene una sabia maestría musical, repleto de sensibilidad jazzistica, esencia flamenca y los sonidos atmosféricos del rock progresivo.
La banda que creo este soberbio trabajo eran la formación española originaria de Cádiz, Cai, fundada mediados de 1977 por el batería Diego Fopani, los guitarristas Jose Fernandez y Francisco Delgado, el teclista y voces Sebastian Dominguez y el bajista Jose Vélez.
Esta banda lanzaría tres álbumes entre los años 1978 y 1981, disolviéndose poco después del tercer y ultimo trabajo para volver a reformarse casi 25 años mas tarde, cuando volvieron a producir nuevo material que lanzaron en dos nuevos trabajos.
El moderado éxito de su álbum debut "Mas Alla de Nuestras Mentes Diminutas" (1978), les abriría el camino para fichar con una gran discográfica, la subsidiaria de la CBS Epic Records, con quienes publicaron este "Noche Abierta" en 1980.
El previsible potencial del primer álbum se hace realidad en esta continuación con un progresivo andaluz de primer nivel con sinfónicos y fuertes toques de fusión en todas las composiciones que se combinan con las interpretaciones virtuosas de todos sus integrantes.
Aires de jazz rock, sonidos cercanos al Canterbury o las atmósferas etéreas y progresivas están muy presentes en cortes como "Alegrías de Cai", "Extraña Seducción" o "La Roca del Diablo".
Este es sin duda alguna uno de los momentos cumbres del rock progresivo andaluz de todos los tiempos y toda una obra atemporal.

Magellan-Impending Ascension (1993)

Herederos del sonido vanguardista americano de los años 70 como Rush o Kansas, Magellan es una banda formada a mediados de los 80, considerada uno de los buques insignia de la segunda ola del rock progresivo mundial.
Formada por los hermanos Trent y Wayne Gardner, (teclados y guitarras respectivamente),  junto al bajista Hal Stringfellow publicaron su álbum debut “Hour Of Restoration” en 1991, en el cual presentaban una compleja suite titulada “Mana Carta”, un disco conceptual que versaba sobre la vieja Inglaterra, mezclando elementos del rock progresivo clásico con el metal de manera única y original.
Con “Impending Ascension”, su siguiente larga duración, Magellan siguieron en una línea continuista, aunque con una mejora en la dirección musical y un gran equilibrio sobre los arreglos, todo ello conjugado con un nivel aún mas refinado en sus habilidades instrumentales.
Sus grandes referencias aquí siguen siendo Kansas y las bandas británicas del progresivo sinfónico de los 70, añadiendo toques sutiles del neo progresivo fusionado con el metal, un factor que ampliaba su paleta de sonidos al infundir un aire moderno a su estilo sinfónico.
Son los extensos “Estadium Nacional”, “Waterfront Weirdos” y “Storms and Munity”, los que mejor definen ese peculiar estilo, mientras que la impactante instrumental “No Time For Words”, aunque en cierta medida podría sonar pretenciosa, es al mismo tiempo un signo manifiesto del enorme talento de los hermanos Gardner en el plano compositivo e instrumental.

Samson-Head On (1980)

Encuadrados bajo la bandera de la NWOBHM (New Wave Of British Heavy Metal), Samson fueron otra de las bandas pioneras del genero, la cual tiene aún mas relevancia por ser la formación en donde Bruce Dickinson demostraría su talento como vocalista antes de pertenecer a los grandiosos Iron Maiden.
Formada en 1977 por el guitarrista Paul Samson, el resto de la banda estaba compuesta por Chris Aylmer al bajo, Barry Graham “Thunderstick” a la batería y el mencionado Bruce Dickinson a la voz principal.
Después de un meritorio debut “Survivors” (1979), la banda publicaba un año después “Head On”, el cual esta considerada una de las piedras angulares del genero en donde combinaban perfectamente el heavy metal y el hard rock, destacando los poderosos riff del guitarrista Paul Samson y la tremenda voz de Dickinson.
Repleto de cortes de gran calidad como “Hammerhead”, “Too Close To Rock”, “Manwatcher” o “Hard Times”, este “Head On” es uno de esos álbumes que enganchan por su adictivo ritmo y sus pegadizas melodías.
Con este segundo trabajo la banda obtendría su mejor registro comercial, logrando un merecido top 30 en las listas británicas y unas ventas considerables en el Reino Unido.

Savatage-Gutter Ballet (1989)

Esta formidable banda norteamericana tuvo unos comienzos bastante titubeantes comercialmente a pesar de publicar una serie de discos muy interesantes enfocados al heavy metal progresivo.
Fundada por los hermanos Jon y Chris Oliva a finales de los setenta, tuvieron que esperar diez años para que su enorme calidad fuera reconocida gracias a su cuarto álbum “Hall Of The Mountain King” y al siguiente “Gutter Ballet”, donde las resonancias progresivas y unos efectivos arreglos fueron mas que patentes y notorios.
En este nueva entrega la banda se aventura adentrando su estilo en los sonidos mas complejos y elaborados con un repertorio cargado de estructuras progresivas sin dejar de lado su característico y glorioso heavy metal .
“Gutter Ballet” tiene entre sus surcos un arsenal de composiciones heroicas como la formidable que da titulo al álbum, la brillantísima “When The Crowd Are Gone”, la dinámica y deslumbrante “Of Rage Of War” o la desoladora “Hounds”.
Pese al enorme potencial y unas criticas muy favorables, el álbum no lograria superar comercialmente a su anterior obra en las listas, aunque sin embargo les abriría la puerta a cientos de miles de fans al metal progresivo alrededor del mundo y de paso se convirtieron en una de las bandas de culto mas apreciadas de la década de los ochenta.

Pendragon-The Masquerade Overture (1996)

Pendragon son unas de las bandas clásicas del llamado neo progresivo, que junto a Marillion, IQ, Pallas o Galahad, han sido la punta de lanza de un genero que esta derivado del rock progresivo tradicional de los 70.
Con obras tan interesantes como su debut "The Jewel"(1985) o los siguientes "Kowtow" (1988), "The World" (1991) y "The Window Of Life" (1993), la banda liderada por el guitarrista y cantante Nick Barrett, lograron su cenit creativo con su quinto álbum titulado "The Masquerade Overture", facturando un disco de excelente producción y una soberbia musicalidad.
Además de Barret, Pendragon esta formada por Clive Nolan (teclados), Peter Gee (bajo) y Fudge Smith (batería).
Compuesto por siete cortes, "The Masquerade Overture" este repleto de grandes capas de teclados sinfónicos y atmosféricos y a los melódicos y brillantes solos de guitarra, contribuyendo con todo ello a los enormes y sublimes momentos que nos retraen a los primeros Génesis por su estilo pastoral e instrumental y a los Pink Floyd mas espaciales como queda demostrado en las deliciosas "As Good As God" y "The Shadow".
Sin embargo son las emocionantes epopeyas "Masters Of Illusion" y "Guardian Of My Soul", los cortes mas destacados de un álbum que esta a la altura de obras magnas del estilo neo progresivo como son "Scrip For A Jester´s Tear" de Marillion, "The Wake" de IQ, o "The Sentinel" de Pallas.

Tool-Ænima (1996)

Esta banda creada en Los Ángeles a principios de los 90, son pioneras de la escena del metal progresivo tal y como la conocemos en la actualidad.
Formada por Maynard Keenan, Adam Jones, Paul D´Amour y Danny Carey, son mundialmente conocidos por su lírica inquietante y su estilo creativo novedoso.
Con un primer y elaborado disco titulado “Undertown”, aunque alejados de lo que estaría por llegar musicalmente, lograron captar la atención del mundo con una mezcla de sonidos alternativos, un tono sombrío y ciertas influencias progresivas.
Tres años mas tarde llegaría una de sus obras cumbre, "Aenima”, un álbum que recibiría grandes elogios y un paso adelante con respecto a su debut.
Aquí la banda logra alcanzar la perfección musical comenzando por su lírica repleta de espiritualidad e imágenes guiados por su carismático vocalista Maynard Keenan.
La música aquí se torna enrevesada al mismo tiempo que deslumbrante, con sonidos épicos de metal y vanguardia.
La compleja “Stinkfirst” es un claro síntoma de lo dicho anteriormente, mientras que la voluminosa “Eulogy”, la terrorífica “Aenema” o la extraordinaria “Third Eye” conforman una de las obras fundamentales de la música rock de la década de los 90.

Alice In Chains-Dirt (1992)

Alice in Chains fueron junto a Nirvana, Pearl Jam, Temple Of The Dog, Soundgarden y Stone Temple Pilots, los máximos abanderados del sonido Grunge, nacido en Seattle.
Fundada en esa ciudad en 1987 por Jerry Cantrell, Laney Staley, Mike Starr y Sean Kinney, su principal característica era su enérgico sonido muy cercano al heavy metal mas visceral y áspero, alejados de los sonidos alternativos, el garaje o el punk rock de sus coetáneos.
Con su segundo álbum “Dirt”, la banda alcanzaba la madurez necesaria para consolidar su estilo con un álbum medio conceptual sobre la temática del consumo de la heroína, una sustancia que era por entonces, la principal adicción de su cantante Laney Staley.
En este disco la banda muestra la furia y la violencia con tintes tenebrosos durante casi todo el álbum como se puede apreciar en los cortes “Rooster”, “Rain When I Die”, “Sickman”, “Dam That River” o “Them Bones”.
Sin embargo la banda también sabe conjugar esa tremenda furia con otros temas mas melódicos y serenos como “Down In A Hole”, o la oscura hard rock “Rooster”.
“Dirt” esta considerado una de las obras capitales del genero y al mismo tiempo uno de los discos del sonido de Seattle mas exitosos, logrando media docena de discos de platino y un sexto puesto en las listas del Billboard.

Golden Earring-Moontan (1973)

Nacidos a mediados de los 60 bajo la etiqueta del pop rock básico con elementos beat, Golden Earring es una de las mas importantes bandas holandesas de todos los tiempos, que con el pasar de los años irían evolucionando hacia un estilo de hard rock progresivo, y que durante gran parte de la década siguiente lanzaron una serie de trabajos que triunfaron a nivel mundial, los cuales están considerados hoy en día obras de culto dentro de la música rock .
En 1973 esta legendaria banda lanzaba su noveno álbum, “Moontan”, en el que además de consolidarse universalmente, se convirtió en su obra cumbre.
Esta progresión que ya venia cimentado con las anteriores obras “Golden Earring” (1970), “Seven Tears” (1971) y “Together” (1972), tiene sus frutos en “Moontan”, en donde además de la antológica canción “Radar Love”, todo un clásico inmortal de la música rock, contiene una sabia mezcla de hard rock, blues y sonidos progresivos con asombrosos desarrollos instrumentales.
Aparte de la mencionada “Radar Love”, aquí nos encontramos irresistibles cortes como la visceral y psicodélica “Candy´s Going Bad”, la progresiva “Are You Receiving Me”, o la hipnótica “The Vanilla Queen”, mientras que las melodías del pop rock con suntuosos arreglos aparecen en las meritorias “Suzy Lunacy” y “Just Like Vince Taylor”.
Un disco de oro, y cerca del millón de copias vendidas entre el LP y el single “Radar Love”, avalan este fenomenal álbum de los míticos Golden Earring.

Heart-Heart (1985)

Después de cinco álbumes sobresalientes, los cuales habían cosechado grandes éxitos y millones de copias vendidas alrededor del mundo, Heart habían lanzado dos nuevos trabajos que sucumbieron creativamente y fueron menospreciados por sus fans mas acérrimos, resintiendo la armonía hasta esos momentos exitosa de la banda.
Eso conllevaría a dos deserciones, por un lado abandonaría Michael DeRosier, sustituido por Denny Carmassi y por otro el bajista Steve Fossen, quien seria reemplazado por Mark Andes.

Varios años antes el guitarrista Roger Fisher también había abandonado la nave por discrepancias con el resto de integrantes.
Este hecho significaría que las hermanas Nancy y Ann Wilson lideraran junto al guitarrista Howard Leese los derroteros del grupo, imponiendo sus criterios y ideas sobre el estilo a seguir.
A partir de aquí la banda abandona el hard rock con ramalazos de folk rock y los sonidos zeppelianos y se adentran definitivamente en los terrenos del rock melódico.
Con estas nuevas ideas llegarían los fabulosos “Heart” (1985), “Bad Animals” (1987) y “Brigade” (1990).
Centrándonos en el primero de ellos, el cambio de estilo también se repercute en un nuevo look y un sonido mas cristalino, además de una producción impecable, logrando con todo ello un álbum magistral repleto de brillantes temas como  “Shell Shock”, “If Looks Could Kill”, “Nobody Home”, “These Dreams” o “Never”.
“Heart” lograría colarse en la primera posición de las listas norteamericanas, mas de seis millones de copias vendidas y una nominación al mejor álbum en los premios Grammy.

Howard Leese-Secret Weapon (2009)

La carrera del guitarrista y compositor norteamericano Howard Leese es tan productiva como exitosa, desde sus comienzos allá por finales de los 60 como líder de las bandas The Zoo y Mad Dog con los que publicaría los álbumes "The Zoo Presents Chocolate Moose” (1968) y "Down Of The Seventh Sun" (1969) respectivamente, pasando por su posterior participación como miembro de la famosa banda Heart, con los que conseguiría una brillantísima y exitosa carrera publicando media docena de algunos de los mejores y mas vendidos discos del rock melódico y el hard rock de los setenta y ochenta, o sus colaboraciones junto a otros artistas como Randy Meisner de The Eagles, Lita Ford, o Paul Rodgers.
Ya en el 2008 y después colaborar habitualmente con este ultimo y sus reformados Bad Company, decidió grabar su primer álbum en solitario para el cual contaría con la colaboración del propio Paul Rodgers, además de Joe Lynn Turner, Keith Emerson, Jimi Jamison o Keith St. John entre otros.
Con semejante plantel de músicos de altísimo nivel, Howard grabaría "Secret Weapon", todo un recital de buen rock en los que conjugan varios estilos que van desde los poderosos hard rock hasta cortes mas ligeros de folk rock o acercamientos al rock progresivo.
Desde la inicial y enérgica "Alive Again", Leese deja patente su impronta calidad compositora y de paso un claro guiño a su esplendido pasado junto a sus entrañables Heart con la voz del inconmensurable Joe Lynn Turner en un contundente hard rock adictivo. El rock americano de raíces esta presente en la sureña "Hot to Cold", la sinfónica e instrumental "33 West Street" es el momento mas progresivo del álbum en donde Keith Emerson comparte la dualidad instrumental con sus imponentes teclados con la poderosa guitarra de Leese. Mientras "Rada´s Theme" otro brillante tema instrumental, las melódicas e irresistibles “The South Summit” y "In These Eyes" o el blues rock "I´ve Been Leavin´ You", demuestran la enorme calidad de un disco sobresaliente de gran rock americano.

Riverside-Second Life Syndrome (2005)

Riverside esta considerada una de las bandas abanderas del rock progresivo del siglo 21, que con una serie de álbumes enfocados en los sonidos oscuros del metal y las atmósferas vanguardistas del space rock, se han labrado una impresionante reputación entre los prog heads actuales.
Con un primer y sorprendente trabajo publicado en el año 2003, “Out Of Myself”, en donde las influencias de los Pink Floyd mas sombríos eran mas que evidentes, Riverside volverían varios años después con otro monumental trabajo en donde derivarían su sonido hacia los derroteros del heavey metal progresivo.
Esta notable formación polaca constituida por Mariusz Duda (vocalista, bajo y guitarras acústicas), Piotr Grudziński (guitarra), Michał Łapaj (teclados) y Piotr Kozieradzki (batería y percusión), volverían a crear otro álbum concepto con este “Second Life Syndrome”, mostrando sobradamente la inspiración creativa de todos sus miembros.
Desde la inicial “Volte-face”, un pesada canción atmosférica, la banda muestra los complejos y pegadizos riff´s de guitarra habituales en el death metal como en “Dance With The Shadow”, fusiones mas convencionales con agradables y hermosos solos en cortes como “Conception You“ y “I Turn You Down” o temas progresivos al mas puro estilo de Porcupine Tree en “Artificial Smile”.

Lynyrd Skynyrd-Second Helping (1974)

1974 seria el año de la publicación de uno de los discos clásicos del southern rock, como fue el segundo álbum de los incombustibles Lynyrd Skynyrd, “Second Helping”, el cual además de contener una irresistible mezcla de enérgicos blues rock aderezados de la melodía del rock sureño y el poderoso hard rock, contenía el himno por excelencia del genero como es el inmortal “Sweet Home Alabama”.
Con una sección rítmica desbordante y demoledora compuesta por el trío de guitarristas Gary Rossington, Allen Collins y Ed King, sumado a la particularísima voz de Ronnie Van Zant, la banda originaria de Jacksonville confecciono un álbum espectacular.
Producido por el legendario Al Kooper, en este disco nos encontramos un repertorio cargado de feeling y maestría sureña, desde la mencionada “Sweet Home Alabama”, hasta la sorprendente versión de J.J.Cale “Call Me The Breeze”, pasando por joyas como las colosales blues rock “I Need You” y “The Ballad Of Curtis Loew”, o intensas y polvorientas canciones del genero sureño como “Working´For MCA”, “The Needle and The Spoon” y “Swamp Music”.
Con “Second Helping”, Lynyrd Skynyrd se subiría definitivamente al Olimpo de la música norteamericana, logrando varios discos de platino y una gran presencia en las listas de éxitos de su país.

Man-Man (1971)

La banda por excelencia galesa Man, fueron cuanto menos uno de esos casos curiosos dentro la música rock, ellos se alejaron de las propuestas del rock progresivo y el pop rock europeo de esos años para adentrarse en los sonidos mas americanos como la psicodelia, el acid rock, el blues o el country, sin dejar de lado totalmente el estilo progresivo britanico. Muestra de esa gran paridad de estilos esta mostrado en su tercer lanzamiento, "Man" lanzado en 1971, el cual se sumerge en los estilos anteriormente citados. Desde acercamientos al blues con "Romian", hasta el country con "Country Girl", el hipnotismo psicodélico "Would The Christians Wait Five Minutes", el rock mas clásico "Daughter of the Fireplace" o las experimentaciones progresivas como la extensa suite "Alchemist". Con esta tercera entrega la banda compuesta por Deke Leonard, Micky Jones, Ray Williams, Clive John y Terry Williams dejaban claro su rica propuesta tan ecléctica como igualmente sorprendente.

Magnum-Escape From The Shadow Garden (2014)

En el año 2014, Magnum lanzaba su décimo séptimo álbum, casi cuarenta años después desde la publicación de su debut en 1978.
Esta soberbia banda originaria de Birmingham, tiene detrás de si una de las carreras mas longevas y una de las discográficas mas extraordinarias dentro del panorama del hard rock.
Una banda que ha combinado perfectamente las melodías y el virtuosismo de sus integrantes con los diferentes estilos que han ido evolucionando a lo largo del tiempo, desde el rock progresivo de sus comienzos hasta el AOR de las décadas de los 80 y 90.
Con otra espectacular portada diseñada por Rodney Matthews, este “Escape From The Shadow Garden” esta repleto de cortes de hard rock melódico, sonidos pomposos y progresivos, grandes arreglos, una producción impecable, y unas composiciones memorables, en donde la voz de Bob Catley y los enormes riffs de Tony Clarkin parecen sobrevivir al tiempo.
Sólidos temas rock como “Live´Til You Die” o “Unwritter Sacrifice” conviven con las melódicas “Crying In The Rain”, la alegre “Too Many Clowns” o la sublime “Burning River”, las cuales conforman otro de los trascendentales discos de esta fundamental y mítica banda británica.

Caravan-In The Land Of Grey and Pink (1971)

Esta es una de las obras que representan fielmente el sonido de Canterbury por excelencia.
Y es que Caravan son una de las piezas transcendentales de ese género junto a otras como Soft Machine, Gong, National Health, o Hatfield and The North.
Sin embargo el estilo de Caravan a diferencia de todas ellas era mucho menos experimental y mas accesible al gran publico.
Aquí se encuentra el tema mas épico de Caravan, "Nine Feet Underground", veinte minutos de pura antología de jazz rock y sonidos psicodélicos, convirtiendo a este álbum en una obra maestra absoluta.
Los solos de los teclados erráticos de David Sinclair dominan toda la obra con su poderosa colección de elementos progresivos, jazzisticos y psicodélicos, mientras que el tono de voz de Hastings deja su lado mas pastoril, secundados de manera espléndida por los solos extendidos de Richard Sinclair al bajo y la batería jazz de Richard Coughlan.
Producido por el habitual productor de Genesis, David Hitchcock, este álbum injustamente nunca alcanzó ninguna posición destacable en las listas de éxitos del Reino Unido o Estados Unidos en su momento, hasta pasado algunos años cuando lograría la certificación oficial de disco de oro.
Para este tercer álbum, Pye Hastings pasaría a un segundo plano, después de componer la mayor parte del material de las dos primeras obras del grupo, “Caravan” (1968) y “If I Could Do It All Over Again, I´d Do It All Over You” (1970), en detrimento de una mayor colaboración en la composición de todos los integrantes.
Además de la mencionada “Nine Feet Underground”, el álbum contiene cortes meramente enmarcados en el pop psicodélico bastante melódico y dinámico como “Golf Girl”, “Love To Love You” y “Winter Wine”, las cuales aportan una gran personalidad integral al resultado final de manera sobresaliente.
 

Kokodril-Getting Up For The Morning (1972)

Kokodril fueron una banda suiza que surgieron a finales de la década de los 60, los cuales practicaban una adictiva mezcla de hard rock acido, blues pantanoso, toques progresivos y psicodélicos con acercamientos a los sonidos orientales e hindú.
Kokodril estaba formado por Walty Anselmo (guitarra, sitar y vocalista), Düde Dürst (batería), Mojo Weidili (harmónica, flauta y percusión), Hardy Hepp (violín y teclados) y Terry Stevens (bajo).
En sus dos primeras obras “Kokodril” (1969) y “Swamp” (1970), la banda se mueve por un estilo emparentado con el hard blues de bandas como la británica The Groundhogs pero con un plus progresivo.
Con el siguiente “An Invisible World Revealed” (1971), introducen sonidos mas complejos de blues y música psicodélica con un predominante Mellotron y en donde destaca la impresionante suite atmosférica "Oddyssey In Om".
“Getting Up For The Morning” publicado un año mas tarde muestra a una banda mas consolidada en los sonidos cercanos al krautrock por su amplia variedad de estilos underground que van desde jam blues “Schooldays”, hasta sonidos cercanos al motorik con la folk acida “Song No.2 (Thought Under Conditions)”, pasando por cortes exóticos como el interludio “Was There A Time”, contundentes blues polvorientos “Rabatz” o sonidos psicodélicos y progresivos “And I Know”.
Sin embargo la banda empezaría a mostrar cierto signo de agotamiento creativo con su siguiente lanzamiento “Sweat And Swim” (1973), el cual aún todavía mantiene una innegable creatividad como demuestran temas como el atmosférico y pinkflodyano “Daybreak”, la southern rock “All I Ever Wanted”, la space rock “Skylabd” o la blues rural “Two To Twelf”.
Algún tiempo después desaparecerían hasta casi cuarenta años mas tarde cuando en el 2013 algunos de sus miembros reflotarían la banda publicando varios álbumes en donde recuperan parte de la esencia original de Kokodril.

Sex-Sex (1970)

Lascivo, poderoso y crudo garaje blues rock es lo que la banda canadiense Sex mostraron durante una breve carrera en la cual apenas les dieron tiempo a publicar dos contundentes álbumes que hoy en día son muy cotizados por los aficionados al proto hard rock de los setenta.
Formados en Quebec alrededor de 1969 este power trío estaba compuesto por el bajista y cantante Robert Trépanier, el guitarrista Yves Rousseau y el batería Serge Gratton.
Su primer álbum publicado en 1970 tuvo cierta relevancia en los circuitos underground canadienses gracias a un trabajo repleto de una poderosa sección rítmica con una batería portentosa secundada por unas grandes líneas de bajo y una guitarra incendiaria.
En este primer disco sobresalían la hard rock “Scratch My Back” la jazz rock “Not Yet”, la bluesy “Doctor”, la zeppeliana “A Hard to Raper Her”, (este ultimo tema con un controvertido titulo si se publicara en hoy en día), la hard rock con influencias folkys “Come, Wake Up”, la rítmica hard blues “Night Symphony” o la blues psicodélica “Love Is A Game”.
Un año mas tarde se les uniría el flautista y saxo Pierre Ouellette, el cual ya había participado como músico invitado en este primer álbum y con el que publicarían el epitafio “The End of My Life”, antes de que se disolvieran definitivamente en 1972.

Prefab Sprout-Steve McQueen (1985)

Prefab Sprout pertenecieron a la amplia legión de grupos del pop británico surgida en la década de los ochenta, pero que a diferencia de la mayoría de ellos, enfrascados en un estilo comercial y mainstream dirigido principalmente a la gente joven, ellos derivaron su sonido hacia un pop sofisticado y mas orientado hacia los adultos.
Formados a finales de los 70 en Newcastle por los hermanos Paddy y Martin McAloon, su estilo ha siempre han sido considerado como pop inteligente, sofisticado y reflexivo, debido a la influencia de la vida rutinaria de la profunda Inglaterra, el romanticismo británico de la época Victoriana y el rock and roll americano de los años 50.
Junto a la teclista Wendy Smith publicaron su álbum debut "Swoon" en 1984, el cual ya mostraba su estilo original alejado de los sonidos new wave tan de moda en aquellos años.
Un año después publicaron su segundo trabajo y a la postre su mejor álbum, este "Steve McQueen", el cual lograba un disco de oro y grandes elogios por la prensa británica al catalogarlo como uno de los álbumes mas bellos y lúcidos de la década de los ochenta. Producido por el prestigioso musico y productor Thomas Dolby, la banda contaría además con la colaboración del ex guitarrisa de David Bowie, Kevin Amostrong, el saxofonista Mark Lockhart y el batería Neil Conti.
El pop distinguido, refinado y fascinante, es al mismo tiempo sentimental e intenso como queda patente en cortes tan impecables como "Goodbye Lucille #1", "When Love Breaks Down", “Bonny”, “Horsin´Around” o "Appetite".

Dixie Peach-Dixie Peach (1975)

Dixie Peach fueron otra de las olvidadas bandas de los 70, que pese a mostrar un gran southern rock y blues rock, desaparecieron por culpa de la indiferencia y la escasa promoción por parte de su sello discográfico.
Formada en Dayton, Ohio en 1972, su núcleo principal giraba alrededor del cantante y guitarrista Ira Stanley y el bajista Mike Rousculp "Roscoe", que junto al teclista Steve Williams, el batería Jerry Barnhart y el guitarra rítmica Tony Paulus se foguearon en diferentes zonas del Este de los Estados Unidos durante tres años, logrando una amplia legión de fans.
Este éxito les animaría a firmar un contrato con el sello Raintree Records y bajo la producción de Tom Weisser grabaron su álbum homónimo en 1975.
En este primer álbum, la banda no esconde sus influencias sureñas de bandas como The Allman Brothers, mostrando una brillante colección de canciones que navegan entre el rock polvoriento de las bandas del sur, aderezado con sonidos jazz, blues y hard rock.
Excitantes versiones están hermanadas con temas de cosecha propia, como la cover de Tal Mahal "Paint My MailBox Blue", un corte en donde sobresalen la dualidad de las poderosas guitarras o la brillante blues rock "Going Down", una versión de Don Nix, mientras el clásico de Ennio Morricone "The Good, The Bad & The Ugly" es interpretado en clave jam blues rock en donde se permiten incursionar en terrenos jazzisticos.
En cuanto a sus temas propios destacan la melódica "Out Of Money…Out Of Gas", un tema en donde dejan bien claro donde están sus raíces musicales, la funky con aroma groove "Keep on Waitin", la rítmica "(So) Take A Look Around", o la dinámica con toques jazzisticos "I´ll Be Gone".
Un álbum este que reboza de grandes melodías pegadizas y brillantes, y unas texturas de guitarras adictivas, con unos teclados siempre omnipresentes, en definitiva otra rara avis de los 70 que desgraciadamente paso totalmente desapercibida.
Después de la escasa repercusión del álbum, la banda desaparecería hasta casi 40 años después cuando volverían a reunirse para grabar un segundo larga duración titulado "Blues With Friends" (2013).

Museo Rosenbach-Zarathustra (1973)

“Zarathustra”, el único álbum de los italianos Museo Rosenbach, es una de las joyas del rock progresivo, una banda que obtuvieron por derecho propio la gloria gracias a este excelente disco basado en la teoría del súper hombre del filosofo, poeta y compositor alemán Friedrich Nietzche.
Fundada a principios de los 70 en la ciudad de Bordighera, al noroeste de Italia por el teclista Pit Corradi, el batería Giancarlo Golzi, el guitarrista Enzo Merogno, el bajista Alberto Moreno y el cantante Stefano Galifi.
Este singular álbum pese a contener la armonía y el lirismo típico del progresivo italiano, y debido al dinamismo de los teclados, le otorga un gran sentido sinfónico muy original.
Todo ello mas los interludios, las originales y expresivas voz en italiano y los pasajes de las guitarras convierten a este álbum en todo un clásico contemporáneo.
La épica canción que le da titulo es toda una epopeya alucinante dividida en cinco partes con diferentes atmósferas y musicalidad, coronada por rimbombantes sonidos de mellotron, una sección rítmica conjuntada y una instrumentación antológica.
El resto de cortes pese a no estar a la misma altura, se muestran ágiles y enérgicos, en donde los sonidos de órgano y unas sutiles guitarras cierran un álbum legendario y único en el rock progresivo.
 

Bull Angus-Bull Angus (1971)

Bull Angus fueron una banda de hard rock y blues psicodélico fundada en Poughkeepsie, Nueva York, a finales de la década de los sesenta.
Su formación estaba compuesta por los guitarristas Larry LaFalce y Dino Paolillo, Geno Charles (batería), Frankie Previte (voz, flauta y percusión), Ron Piccolo (teclados) y Lenny Vendetti (bajo).
En 1971 lograron obtener un contrato con la Mercury Records y bajo la producción de Vinniy Testa, grabaron su álbum debut el cual pasaría totalmente desapercibido debido a la escasa promoción de su discográfica.
Un año mas tarde publicaron “Free For All”, el cual seria el epitafio a la breve pero interesante carrera de esta desconocida banda norteamericana.
Con un estilo emparentado con Grand Funk Railroad, Groundhogs o Titanic y con ciertas similitudes a otras bandas como Uriah Heep o Deep Purple, su estilo estaba cargado de sonidos pesados de hard rock, blues, música psicodélica e inclinaciones progresivas.
Todos esos estilos están perfectamente representados en sus dos álbumes como demuestran la bluesy “Uncle Duggiés Fun Bus Ride”, la southern rock “Miss Casey”, las hard rock progresivas “A Time Like Ours” y “Pot Of God” o la folk rock “Cry”.
Con su segundo álbum la banda muestra una inclinación aún mas ambiciosa como ponen de manifiesto los cortes “Loving Till End”, en donde se acercan al folk progresivo, o la psicodélica “Train Woman Lee”.
Bull Angus esta considerada otra de esas bandas de culto, que pese a la enorme calidad de sus dos demoledores y soberbios álbumes, pasaron sin pena ni gloria por el muchas veces injusto mundo de la música rock y de paso se ha convertido en otra de las mas rebuscadas por los coleccionistas de vinilos y los fans al proto-prog y al hard rock de principios de los 70.

Camel-I Can See Your House From Here (1979)

Finalizando la década de los 70, el rock progresivo no pasaba por su mejor momento, otros estilos como la new wave, el punk, la música disco o el heavy metal estaban en pleno auge, por lo que muchas de las bandas punteras del genero sinfónico intentaron modernizar su estilo hacia los sonidos mas comerciales sin caer en la mediocridad y sin intentar perder un ápice su propia identidad.
Camel no seria la excepción a esa regla, la cual con su séptimo álbum “I Can See Your House From Here”, se reinventaron mezclando la comercialidad y el virtuosismo de manera rutilante.
Llegados a este punto la banda había sufrido diferentes cambios de formación, ya aquí no aparecen ni Pete Bardens ni Richard Sinclair, sustituidos por los teclistas, Kit Watkins y Jan Schelhaas y el bajista Colin Bass, mientras que los fijos Andy Latimer guitarra y Andy Ward batería, cerraban esta novedosa formación.
Producido por Rupert Hine, además contaría con la colaboración de otros músicos como el habitual Mel Collins al saxo o de Phil Collins en las percusiones.
Dejando atrás el jazz y los sonidos de Canterbury de antaño, las melodías aquí se tornan mas pegadizas con grandes estribillos muy adictivos, pero conservando los excelentes aportes de la guitarra de Latimer y los soberbios teclados de la dupla Watkins y Schelhaas.
Temas contagiosos como “Your Love Is Strange Tahn Mine” o “Neon Magic” contrastan con la trepidante “Wait”, con la mas compleja “Survival/Hymn to her” o con la extensa y progresiva “Ice”, esta ultima un claro guiño a su esplendoroso pasado.
El álbum pese a su gran diversidad y su atractivo contenido, supuso el rechazo de una gran parte de sus fans mas puristas al acusarles de venderse a los sonidos del soft pop comercial tan de moda en aquellos años finales de la década de los 70.

Exmagma-Goldball (1974)

Este power trio formado a principios de los setenta, estaba encuadrado dentro del genero Krautrock en su vertiente jazz rock progresivo, los cuales publicaron dos excitantes y explosivos álbumes antes de disolverse definitivamente a mediados de la misma década.
Formado por el teclista Thomas Balluff, el guitarra, bajo y saxo Fred Braceful y el batería Andy Goldner, dos alemanes y un afroamericano, grabaron su primer álbum homónimo en 1973.
En esta primera entrega, este poderoso power trío mostraba un experimental jazz rock impregnado de sonidos psicodélicos, sobresaliendo cortes como la arrebatadora “The First Tune” o la epopeya jam de 19 minutos “Tripping With Birds/ Kudu/ Horny”.
Un año mas tarde aparecería su segundo y ultimo álbum, este que nos ocupa, “Goldball”, un trabajo menos oscuro y mas accesible en donde continúan con ese jazz enérgico y experimental, pero introduciendo elementos del rock acido y sonidos atmosféricos como la épica “Marylin F.Kennedy”, improvisaciones de jazz y rock “Adventures With Long S.Tea” y “25 Two Seconds Before Sunrise” o cortes claramente vanguardistas como “Groove Tango Wolperaiso” y “Greetings to the Maroccan Farmers”.
 

The Rolling Stones-Flashpoint (1991)

En 1989 The Rolling Stones lanzaron el álbum "Steel Wheels", su decimonoveno registro y el ultimo bajo el sello de la Columbia Records/CBS.
Durante los siguientes meses la banda se embarcaría en la gira mundial llamada "Steel Wheels/Urban Jungle Tour" de la cual se realizarían un centenar de conciertos por medio mundo. De algunos de estos shows se extrajeron una serie de temas que fueron incluidos en el quinto disco en vivo del grupo; "Flashpoint", publicado en abril de 1991.
A diferencia de sus anteriores lanzamientos en vivo, este contiene varios temas en estudio, como la anti-bélica "Highwire" y la humorística "Sex Drive", dos canciones que habían sido descartadas para algunos de sus álbumes anteriores, además de varias más que no solían formar parte de su repertorio habitual en directo como la versión del tema de Willie Dixon "Little Red Rooster" o "Factory Girl".
El resto del repertorio lo componen un impresionante set list de clásicos de la banda como “(I Can´t Get No) Satisfaction”, “Paint it Black”, “Symphaty for the Devil”, “Brown Sugar”, “Jumpin´Jack Flash”, “Start Me Up”, o “Miss You”.
La recepción posterior del álbum lograría varios discos de oro y un millón de copias vendidas a nivel mundial.

Janne Schaffer-Earmeal (1978)

Jane Schaffer es un guitarrista sueco conocido por sus trabajos en los estudios de grabación para artistas como ABBA o Bob Marley y el cual ha logrado una reputada carrera en solitario publicando una serie de trabajos enfocados al jazz rock.
Desde su primer álbum publicado en 1973 "Janne Schaffer", este guitarrista ha logrado confeccionar una buena mezcla de influencias de rock y jazz en todos sus lanzamientos, con cautivadoras melodías, grandes instrumentaciones, y una diversidad de estilos que van desde el jazz fusión al soft rock.
En 1978 lanzaría su cuarto larga duración "Earmeal", en el que contaría con un plantel de lujo para su grabación, comenzando por los hermanos Porcaro, todos los cuales han contribuido con la banda Toto en un momento u otro a lo largo de la carrera de la mítica formación californiana.
Ellos son Jeff Porcaro, bateria, Steve Porcaro, teclados y Joe Porcaro, percusión, además de otros músicos destacados como el teclista de Brand X, Peter Robinson o el reconocido flautista sueco Björn J:Son Lindh.
"Earmeal" no se aleja del jazz-rock fusión de otros artistas mas mediáticos como Lee Ritenour o Larry Carlton, repleto de grandes habilidades guitarrísticas, paisajes atmosféricos y un exquisito gusto por unas composiciones pegadizas y brillantemente ejecutadas.

Oz Knozz-Ruff Mix (1975)

Otra de esas bandas desconocidas de corto recorrido fueron Oz Knozz, una efímera formación originaria de Houston, que publico un explosivo álbum de simple y explosivo hard rock muy original.
Su único trabajo titulado “Ruff Mix”, data de 1975 y en el esta olvidada banda tejana mostraba un estilo repleto de guitarras pesadas con efectos wah-wah, un órgano Hammond acentuado con Moogs y sintetizadores y unas voces expresivas como demuestran piezas como "For Pat", mientras la pesada blues rock “Second Time Blues", la progresiva instrumental "Doodley Squat #1" o la jazz rock "Doodley Squat #2", son todas ellas unas excitantes muestras del potencial de un álbum antológico y desconocido para el gran publico.

Este es otro de los discos codiciados por los coleccionistas de vinilos por su limitada edición original y del cual se pagan cantidades desorbitadas por una de sus escasas copias disponibles en la actualidad.

Rush-Fly By Night (1975)

"Fly By Night", es el primero de los dos lanzamientos que los canadienses Rush hicieron en 1975, el segundo álbum cronológico y el primero en presentar al batería y letrista principal Neil Peart, lo que en muchos sentidos lo convierte en el primer álbum "real" de la banda. Peart aportaría alusiones literarias, lirismo profundamente personal y filosófico, y una percusión dinámica y técnicamente virtuosa. Por otro lado la banda comenzó a introducir una musicalidad progresiva más sofisticada en sus canciones. La calidad de la producción mejora notablemente. El blues-hard-rock rudo del primer álbum se amplia con una paleta musical más variada de sonidos y estilos.
El álbum resultante está en la línea evolutiva que Rush fueron desarrollando a medida que fueron grabando sus siguientes trabajos. Aquí ya aparece la primera melodía épica de la banda, los ocho minutos y medio de "By-Tor & the Snow Dog", sus primeras odas al objetivismo clásico y celebración del individuo con la vanguardista "Anthem", su primer hit radial "Fly By Night", o alusiones a las narraciones y los entornos fantásticos de J.R.R. Tolkien, "Rivendell". Entre todas ellas aparecen resquicios de su pasado reciente con la hard rock "In The End", o la enérgica y solida "Beneath, Between & Behind".

"Fly By Night" esta considerado para muchos como el verdadero comienzo de trío canadiense, en el que empezaron a cimentar su legendaria carrera como una de las bandas mas importantes de la música rock del siglo 20.

Rare Earth-Ma (1973)

El sexto álbum de Rare Earth llegaba precedido de cuatro excelentes trabajos en estudio y un sensacional doble disco en directo, y se convirtió en otra de sus grandes obras gracias a un serie de canciones repletas de blues rock con reminiscencias de funk y soul.
"Ma" fue producido por uno de los productores de la escudería Motown como fue Norman Whitfield, quien a su vez fue coautor de algunos de los temas de álbum, el cual lo dotaría del sonido característico de las bandas negras del mítico sello de Detroit.
La formación de Rare Earth para este nuevo álbum distaba significativamente con respecto al de sus primeras obras, dicha formación estaba compuesta por Gil Bridges (saxo, flauta y voz), Peter Hoorebelke (batería y voces), Ray Monette (guitarra y voces), Mark Olson (teclados y voces), Pete Rivera (batería y voces) y Mike Urso (bajo y voces).
Los diecisiete minutos del repetitivo riff de guitarra de la psicodélica y excelsa “Ma” es el punto álgido de este álbum, un tema que contrasta con la hard rock zeppeliana “Hum Along and Dance”, el sentimiento soul-funk “Big John is My Name” y con la experimental “Come With Me”.
Pese a que no tuvo la misma repercusión mediática ni comercial que otras obras anteriores, “Ma” fue considerado uno de los discos de culto en el ámbito underground y con el tiempo se convirtió en uno de los álbumes mas populares de Rare Earth.
 

Keith Cross & Peter Cross-Bored Civilians (1972)

Al principio de los setenta, las influencias del sonido west coast de los hippies norteamericanos llegaba a Inglaterra, un estilo el cual seria una gran influencia para muchas bandas de británicas de la epoca.
Sin embargo el clima soleado, playero y surfista americano era una clara contradicción con la siempre lluviosa Gran Bretaña, por lo que la llamada "British West Coast" tenían un inequívoco tono tristón y melancólico, directamente conectados su clima, aunque su personalísimo folk contribuiría también a un tono algo mas sombrío y oscuro.
Una de esas bandas fueron el dúo Keith Cross & Peter Cross, dos hermanos que procedían de varias bandas como eran la progresiva T2 y Hookfoot, esta ultima la banda de acompañamiento de Elton John.
Después de componer una serie de canciones reclutan a varios músicos como los guitarristas Nick Lowe que precedía de Brinsley Schwartz y B.J. Cole ex-Cochise, además del saxofonista de Caravan Jimmy Hasting.
El único registro de esta unión fue el álbum "Bored Civilians", una de esas raras joyas muy cotizadas hoy en día debido a la conjunción del impresionante plantel de músicos y de su extraordinario contenido.
Cortes al mas puro estilo CSN o Seals & Crofts como "The Last Ocean Ride", temas folk rock aderezado de voces celestiales "Peace in the End", (esta ultima una revisión de un tema de los incomprendidos Fotheringay), canciones con una clara textura jam psicodélica "Story to a Friend", elegantes composiciones como "Loving You Takes So Long", "Pastels", "The Dead Salute" o "Bo Radley" o temas acústicos como la irresistible "Fly Home", conforman todas ellas un álbum de extraordinaria calidad.
Sin embargo poco después de la publicación la banda se separaría siguiendo cada uno de sus integrantes carreras independientes, dando así por acabada la efímera aventura de esta magnifica y olvidada banda.

Al Jarreau-Breakin´Away (1981)

Este extraordinario cantante de soul, pop y smooth jazz ha sido capaz de traspasar a lo largo de su trayectoria profesional todas las barreras musicales y llegar a un publico mayoritario gracias a su peculiar y preciosista técnica vocal. Curtido durante años en los night clubs de Los Ángeles, en 1975 un cazatalentos de la Warner lo descubre mientras actuaba e inmediatamente le propone un contrato, financiado su primer álbum lanzado algún tiempo mas tarde.
Este primer trabajo titulado "We Goy By", recibe grandes elogios tanto por la critica como por el publico, mostrando a un músico que pasaba con una facilidad pasmosa de un estilo a otro con total naturalidad, con una técnica la cual era capaz incluso de imitar a la perfección las guitarras y percusiones, con la calidez de su voz y sus alegres composiciones.
A partir de aquí la carrera de Al Jarreau obtiene una meteórica ascensión publicando una serie de álbumes que logran el beneplácito del gran publico como "Glow" (1976), "This Time" (1980) o "Breakin´Away" (1981).
Con este ultimo Jarreau logra su mayor éxito comercial y su mejor obra, una pequeña joya del mejor jazz-soul-pop, con un repertorio repleto de canciones encantadoras como la versión de Dave Brubeck "(Round, Round, Round) Blue Rondo á la Turk", la cautivadora "Breakin´Away", o la sensible pop "We´re In This Love Together".
Sin embargo gran parte del mérito de este álbum esta en la exquisita producción de Jay Graidon y en un plantel de músicos entre los que se encontraban George Duke, David Foster, Steve Lukather, Bill Champlin, Tom Scott o Jeff Porcaro entre otros afamados músicos de sesión de la costa oeste norteamericana.
Con el paso de tiempo Al Jarreau lograría obtener con sus posteriores álbumes nueve premios Grammy en las categorías de jazz, pop y rhythm and blues, convirtiéndose en el único artista en lograr semejante hazaña.

Hiro Yanagida-Hirocosmos (1973)

Hiro Yanagida fue un aventajado teclista que perteneció a las emblemáticas bandas niponas Food Brian y Love Live Life + One, con los que grabaría los interesantes "Bansan (Social Gathering)" (1970) y "Love Will Make A Better You" (1971), dos magníficos trabajos enfocados al space rock y la música psicodélica.
Una vez había abandonada esta ultima Hiro formaría su propia banda y lanzaría cinco álbumes, aunque ya antes de abandonar Love Live Life + One, había lanzado su primer álbum titulado "Milk Time" donde proponía un estilo no muy alejado del rock psicodélico basado en el sonido del órgano pesado, unas guitarras acidas y agresivas y la improvisación instrumental.
A este debut le seguirán los continuistas "Nanasai No Rohjin Tengoku" (1971), "Hiro" (1972), "Folk & Rock Best Collection-The World Of Hiro Yanagida" (1972) y "Hirocosmos" (1973), el cual fue su epilogo y obra cumbre.
En esta ultima entrega Hiro se adentra en sonidos mas jazzisticos como "Ode To Taurus", un claro corte de jazz-fusión progresivo, o "Breaking Sound-Barrier", otra excelente muestra de jazz rock.
Los sonidos del latín rock al mas puro estilo Santana están presentes en "Happy Cruise", mientras que la heredera a los sonidos Canterbury "Rockomotion", la progresiva "Uncertain Trip" y la atmosférica "Time For Reverie", completan un álbum adelantado a su tiempo, con un estilo cercano al jazz rock progresivo muy emparentado a las bandas británicas Caravan y Camel.