Out Of Focus-Wake Up! (1970)

El primer álbum de los germanos Out Of Focus es una de las mejores propuestas del krautrock psicodélico de principios de los setenta. Una banda que sobre los impulsos de un predominante órgano Hammond, una brillantísima flauta y los potentes riffs y solos de hard rock de su guitarrista, desarrollan una extraordinaria música que en comparación con sus siguientes propuestas mas jazzisticas mostrada en sus siguientes trabajos, da como resultado un meticuloso álbum enfocado en la experimentación vanguardista del rock alucinógeno y acido. Su formación estaba compuesta por Remigius Drechsler (guitarra), Hennes Hering (órgano Hammond), Moran Neumülle (voz y flauta), Klaus Spör (bajo) y Stefan Wisheu (batería). Desde la inicial "See How a White Negro Flies", muestran sus claras influencias lisérgicas. Esa explosiva combinación de sonidos se ven reflejadas en otros cortes como la enérgica "God Save The Queen, Cried Jesus", la improvisación controlada de "Hey John", la oscura y acida "No Name" o el fulminante jazz rock vanguardista "World´s End". Sin duda un maravilloso álbum de la mejor diversidad psicodélica creada en los primeros años 70.  

Grand Funk Railroad-E Pluribus Funk (1971)

En 1971 Grand Funk estaban en su época mas esplendorosa, su cuarto álbum "Survival", lanzado en abril de ese mismo año, los catapultaría como una de las formaciones mas incendiarias del rock norteamericano.

Siete meses después el trío formado Mark Farmer (guitarras, órgano y voz), Mel Schacher (bajo) y Don Brewer (batería) regresaban a los estudios Cleveland Company de la ciudad del mismo nombre para afrontar su quinto lanzamiento, este "E Pluribus Funk", que bajo la producción de Terry Knight continuaban su senda triunfante con otro antológico trabajo de enérgico hard rock.

Sin embargo en este nuevo disco ya se intuyen matices mas melódicos, bajando una marcha el pedal del acelerador con sus vertiginosas canciones.

Aquí aparece uno de los himnos de Grand Funk, la galopante "Footstompin´ Music", un corte que navega entre el hard rock y la psicodélica.

Como contrapunto a esta aparece la soul rock "People, Let´s Stop The War", un corte con clara alusión a la guerra del Vietnam, a esta la siguen la frenética con un ritmo funk "Upsetter", la pesada y contundente "I Come Tumblin´" o la oscura "Save The Land" que  junto a la épica con tintes progresivos "Loneliness" es el repertorio de un soberbio trabajo del mejor hard rock salido de los Estados Unidos en la década de los 70.

Isotope-Deep End (1975)

En 1975 la banda británica de jazz rock Isotope entregaba su tercera y ultima obra, un trabajo más comedido que sus dos predecesores, pero al mismo tiempo se convirtió en el más ecléctico y variado de toda su discografía. Si en el emocionante y progresivo "Illusion" del año anterior destacaba la predominante presencia del bajista de Soft Machine, Hugh Hooper y la del guitarrista Gary Boyle, dos musicos que impulsaron la obra hasta derroteros del pesado jazz rock, en esta entrega solo Boyle y el baterista Nigel Morris seguían al frente de la formación, en la que además también estaban Morris Pert, Frank Roberts, Dan Brown, Zoe Kronberger y Laurence Scott. La impresionante destreza instrumental de todos estos músicos (muchos de ellos podríamos fácilmente encuadrarlos como lideres en una categoría de los mas subestimados), conducen una serie de composiciones hacia un sonido mas jovial y alegre, con un tono ligeramente funk con ese jazz rock/fusión británico tan característico. Un repertorio que desde el inicio con la intermitente "Pipe Dream" repleto de piano eléctrico Fender Rhodes, la pausada fusión "Black Sand", la tronadora "Mr. M´s Picture", la funk rock "Crunch Cake" o la mini epopeya sugestiva "Deep End", conforman uno de los trabajos más cautivadores del jazz rock y fusión de la década de los 70.

Camel-Harbour Of Tears (1996)

Con su duodécimo álbum, “Harbour Of Tears”, Camel (en consecuencia su líder Andy Latimer) continuaría su empeño en crear obras conceptuales, esta vez enfocado en las experiencias de los inmigrantes irlandeses hacia Norteamérica a mediados del siglo diecinueve, en aquel oscuro periodo conocido como “La gran hambruna”. Siguiendo el hilo conductor de la historia enfocada en una familia irlandesa, el titulo del álbum hace referencia al puerto de aguas profundas enclavado en la ciudad de Cobh, en la costa sur de Irlanda. Mientras que prácticamente todas las letras del álbum fueron escritas por Susan Hoover, la esposa de Latimer, inspirándose en las experiencias de sus antepasados, un dato que aporta un añadido emocional a la obra, la música esta claramente influenciada por el folk irlandés y los sonidos celtas, que mezclados con el estilo inconfundible del rock progresivo de la banda, crea unas atmósferas hipnóticas y emocionales. La banda que grabaría esta obra estaba compuesta además de Andy Latimer (guitarras, voces, flautas y teclados), por Colin Bass( bajo), David Patton (bajo), Mae MacKenna (voces), John Xepoleas (batería) y los instrumentistas de cuerda y vientos, Anita Stoneham, Karen Bentley, Barry Phillips, John Burton y Neil Panton. Los tapices celtas impregnan la mayoría de los surcos del álbum, desde la inicial "Irish Air", hasta la emotiva "Harbours of Tears", pasando por la idílica "Eyes of Ireland", la nostálgica "End of the Day" o la preciosista "Running From Paradise". En el plano mas progresivo están la vibrante "Send Home The Slates", la compleja "Watching The Bobbins", la orquestal "Coming Of Age" o la extraordinaria y exuberante "The Hour Candle (A Song For My Father)". Con "Harbours Of Tears", Camel no solo rinde homenaje a una parte fundamental de la historia de la humanidad, si no también reivindica la capacidad del ser humano aguantar frente a las enormes dificultades que se le presenta, un contundente recordatorio el cual nos dice que en los momentos mas terribles, siempre hay un mínimo de esperanza para volver a vivir tiempos mejores.

Queen-A Kind Of Magic (1986)

A mediados de los ochenta Queen estaban en la cima de su carrera, pero de manera popular y no creativa, esta ultima faceta se había ido al garete después de sus primeros siete álbumes, por lo que en este punto se habían reconvertido en una banda de rock de masas y creadores de potenciales hits para las radios FM. Ya esta formula les había funcionado medianamente bien con el anterior álbum "The Works", pero aun así necesitaban un mayor revulsivo que los volviera a poner en el punto de mira de sus fans mas incondicionales. Con "A Kind Of Magic" esa idea funcionaria de manera aceptable confeccionando un trabajo en donde mezclaban la épica emocionante "Who Wants to Live Forever", el enérgico rock "One Vision" y "Gimme The Prize", el pop rock pegadizo "A Kind Of Magic", el soul lacrimógeno "One Year Of Love" o las típicas piezas con el sonido habitual de Queen "Pain Is Close to Pleasure" y "Friends Will Be Friends". En definitiva con "A Kind Of Magic", Queen por fin crearon una obra digna, y aunque muy distanciado de sus obras cumbres, es sin duda su mejor album desde “Jazz" de 1978. Pese a las criticas feroces de una gran parte de sus fans mas ortodoxos y de un sector de la prensa britanica, este supuso un soplo de aire fresco a la falta de creatividad que habían manifestado de manera alarmante en sus lanzamientos anteriores; "Flash Gordon", "Hot Space", y en menor medida el mencionado "The Works".

Morgan-Nova Solis (1972)

Nos encontramos ante uno de los cientos de casos que por problemas derivados por los intereses mediáticos de los sellos discográficos, una prometedora banda no obtiene la suficiente promoción y se ven abocados a pasar totalmente desapercibidos pese a su enorme calidad.

Este es el caso de Morgan, una efímera formación británica de space rock que bajo la subsidiaria italiana de la RCA publico un excelente álbum de rock progresivo atmosférico en 1972, con claras influencias de la música clásica.

Este combo estaba formado por el teclista Morgan Fisher, el bajista Robert Sapsed, el baterista Maurice Bacon y el guitarrista y voz Tim Staffell.

Su único lanzamiento fue este "Nova Solis" en el cual ya desde la preciosista portada del álbum nos adentran en los sonidos cósmicos impulsados por los múltiples teclados de Fisher, que secundados por una sección rítmica efectiva y contundente, esta compuesto por la enorme suite "Nova Suite", una epopeya progresiva en donde encontramos ecos al clásico "Jupiter" de la obra los Planetas de Gustav Holst, claros guiños a EL&P con el rock sinfónico "Alone" o la pastoral "War Games", repleto de Mellotrones, guitarras acústicas y la sedosa voz de Staffell.

Sample Vol.2 del Boletin Semanal Rock´n´Roll: The News

Ya esta disponible el volumen dos del Sample del Boletín Semanal Rock´n´Roll, que como el anterior es gratuito para todos los suscriptores del propio Boletín, en este nuevo volumen hemos hecho una extensa relación de lo más interesante acontecido en estos últimos tres años en cuanto a novedades discográficas se refiere, evidentemente no esta todo ya que seria imposible compilar todo lo editado en ese tiempo, pero si a nuestro entender parte de lo más interesante lanzado al mercado en ese tiempo.
El proceso de grabación nos ha llevado unos meses de intenso trabajo ( se hicieron entre una selección de 4000 canciones y unos 500 nuevos discos.)
En el cd podemos encontrar todos tipos de estilos que van desde el folk hasta el heavy, pasando por el jazz, el blues o el country, con mas de cien artistas y unas 140 canciones en formato MP3 para asi dar mucho mas cabida y extensión al sample.
Grupos y músicos como Bob Dylan, Chuck Loeb, Wishbone Ash, Larry Carlton, Watermelon Sim, Tom Waits...etc
Existe también una versión mucho más reducida en Audio Cd Estándar, para quienes no puedan o no quieran el sonido MP3 (aunque el proceso de grabación así como el resultado final es excelente, ya que se han usado equipos de alta gama para tal fin)
Este cd de audio normal es una compilación de ese otro en formato MP3.
Todos los temas han sido recopilados de los cd´s originales, tanto en sus versiones comerciales como en samples y cd´s de promoción enviados por las respectivas discográficas y sellos distribuidores, con el consabido permiso y copyright para su libre distribución..
Por lo tanto no debo deciros que el hacer negocio o utilizar dicho cd de manera ilegal podrá ser considerado un delito a la propiedad intelectual, se reserva solo para su uso domestico y personal.
Viendo la expectación que obtuvo el volumen anterior (se llegaron a distribuir mas de 200 ejemplares) esta vez hemos hecho acoplo de una cantidad mayor para satisfacer la posible demanda.
Quienes estén interesados podrán recoger una copia del cd en la siguiente dirección:
Francisco Gourie nº 34, Local nº 3
O llamando al 928386133 o al 697708117 (Miguel )
O podéis reservar vuestra copia indicándolo al email :

lifeson45@hotmail.com

Ya estamos trabajando en el volumen tres que estará dedicado a las reediciones de estos últimos años y que promete ser muy interesante, en donde tendrán cabida artistas de culto, como Jade Warrior Frupp, Paladin, John Martyn...etc

Chickenfoot-Chickenfoot (2009)

Chickenfoot son una super banda formada por cuatro de los mas grandes músicos del rock de las ultimas décadas como son Joe Satriani, Sammy Hagar, Chad Smith y Michael Anthony, la cual hizo su espectacular debut con un muy buen álbum de hard rock al mas puro estilo Led Zeppelin, pero en donde no faltan las típicas influencias de sus pasados mas recientes, desde ese toque funky cortesia de los Red Hot Chili Peppers (Chad Smith), el potente y melódico sonido de Van Halen (Sammy Hagar y Michael Anthony) y ese ritmo y técnica contagiosa de la guitarra de Joe Satriani, aunque aquí mucho mas volcado hacia los riff´s y la melodía rock, que a sus piruetas endiabladas a las que nos tiene acostumbrados.
Un álbum que tiene de todo un poco, pero que también resalta por una personalidad única y eso hoy en día en donde muchos nuevos grupos intentan emular a sus mayores, es ya signo de calidad.
El álbum comienza con “Avenida revolution” en donde Satriani hace de Eddie Van Halen con esos riff´s tan característicos en el, además de una portentosa sección rítmica abrumadora y un Sammy Hagar en plenas facultades vocales.
Seguimos con "Soap on a rope" que suena a los Zeppelin por los cuatro costados incluso a un Sammy Hagar emulando a Robert Plant y a Satriani haciendo lo mismo de Jimmy Page, quizás uno de los temas mejor logrados del álbum.

Entre el resto del repertorio destacan la divertida rock "Sexy Little Thing", y las meritorias hard rock "Turnin’ left", "Get it up" y "Future in the past". 

Maxophone-Maxophone (1975)

Considerada una banda italiana de culto, Maxophone nunca tuvieron el carisma mediático de Premiata Forneria Marconi, Banco Del Mutuo Soccorso, Le Orme o Osanna, por poner solo algunas de las mas populares bandas del progresivo italiano.

Con un estilo que navegaba entre el rock melódico combinado con elementos elaborados de vanguardia, sutiles toques de folk mediterráneo, jazz y música barroca, mostraban con todo ello un perfecto equilibrio musical y un refinado lirismo poético.

Esta formación originaria de Milán fundada en 1973, estaba compuesta por Alberto Ravasini (voz principal, guitarras y bajo), Roberto Giuliani (guitarra y teclados), Sergio Lattuada (teclados), Maurizio Bianchini (instrumentos de viento), Leonardo Schiavone (instrumentos de viento) y Sandro Lorenzetti (batería).

Su único álbum homónimo, fue publicado en 1975, en diferentes versiones, una original en italiano y otra versión en ingles para el mercado anglosajón.

Desde piezas con un marcado acento jazz fusion con elementos progresivos "C'e' un Paese Al Mondo", hasta vibrantes instrumentales "Fase", pasando por delicadas melodías barrocas "Al Mancato Compleanno Di Una Farfalla" o excelentes composiciones como "Mercanti Di Pazzie" y "Antiche Conclusioni Negre", conforman un álbum muy admirado por los seguidores al rock progresivo trasalpino.

Phil Collins-No Jacket Required (1985)

La década de los ochenta fue muy prolífica para Phil Collins. Además de su rol como miembro de Genesis, con los que publicaría con cierta frecuencia álbumes enfocados al pop sofisticado, bastante alejados del rock progresivo de la década anterior, al mismo tiempo también estaban sus continuas colaboraciones en multitud de trabajos para otros artistas, además de componer parte de algunas bandas sonoras y por ultimo, su propia carrera en solitario con varios discos de enorme éxito.
En 1985 llegaba su tercer álbum “No Jacket Required”, con el cual volvería a obtener un éxito arrollador y en donde como ya había sucedido en los dos anteriores, tuvo la colaboración de una pléyade de músicos de prestigio como Dayl Stuermer, Leland Sklar, Sting o Peter Gabriel entre otros.
“No Jacket Required” demostró su absoluto dominio de la faceta pop rock, como queda demostrado en baladas brillantes e irresistibles como “One More Night”, contundentes melodías como “Sussudio” o “Don´t Lose My Number”, cortes épicos como la emotiva “Take Me Home”, desenfadadas y frenéticas canciones pop “Only You Know And I Know”, atmosféricas insinuaciones progresivas, “Long Long Way To Go” o poderosos cortes pop rock como “I Don`t Wanna Know”.
El éxito absoluto de este tercer álbum ayudaría enormemente al siguiente trabajo de su banda madre “Invisible Touch”, cosechar un éxito sin precedentes muy similar a este.

Osibisa

Osibisa se formo en Londres con estudiantes africanos residentes en Inglaterra.
Su líder era el ghanes Teddy Osei percusionista, saxo y flauta que en 1970 crea el grupo junto con el batería Sol Amarfio, el guitarrista Wendell Richardson y su hermano, el trompeta Tontoh, todos ellos de su misma nacionalidad.
El grupo se completará con Loughty Lasisi Amao saxo (de Nigeria), Robert Bailey a los teclados (de Trinidad) y Spartacus R. Al bajo de Grenada. Con tres fulgurantes álbumes iniciales, Osibisa destacarán en el plano internacional entre 1971 y 1972. El colorismo de su puesta en escena (que reúne elementos tribales africanos) y la fuerza del rock, con un sonido comercial, y un mayor énfasis en la percusión, despiertan el interés del gran publico, esos álbumes son “Osibisa” (71), “Woyaya” (72) y “Heads” (72) y llegan a resultar unos éxitos absolutos, de hecho incluso llegan a obtener el favor del ilustrador británico Roger Dean (que ya trabajaba para el grupo Yes), para confeccionarles las portadas de sus discos, portadas futuristas pero con un marcado acento étnico y trivial que al gran publico le resultara futurista y místico, llegando incluso muchos a catalogarlos como afro-space rock.
En 1973, la banda empieza a tener los primeros cambios de formación y así también empieza poco a poco el declive comercial y de calidad de su trayectoria, aunque aun realizan buenos álbumes como la banda sonora de la película “Super fly T.N.T.” (73).
Mientras su discográfica edita el recopilatorio “Best of Osibisa” (74), uno de sus discos de mas éxito en el ámbito internacional, mas tarde debutan con el sello Warner con el LP “Happy children” (73), formando en el grupo sólo Osei, Tonito, Amarfio, Mandengue y Ayivor.
En “Osibirock” (74), vuelve a producirse nuevos cambios. Pero la sensación inicial ya ha pasado y el grupo entra en una etapa vulgar de continuidad comercial, explotando el colorismo africano mucho más que su primitiva y original calidad.
Después de dos LP’s con Warner, Osibisa ficha con el sello Bronze con “Welcome home” (75), álbum en el cual reaparece Richardson. En 1976, el álbum “Ojah awake” les devuelve cierto el éxito, especialmente por el single “Sunshine day”, que es top-20 en Inglaterra.
Sin embargo, la banda acaba desintegrándose tras un doble álbum grabado en vivo en el Royal Festival Hall, “Black magic night” (77), en el cual el percusionista Daku sustituye a Ayivor. Aunque Osibisa deja de existir, en 1980 Osei intentará volver a la carga, con Tonito, Amarfio, Daku y varios músicos más, presentándose sin éxito con el álbum “Mystic energy”. En 1982 editarían su álbum póstumo “African celebration”.
Osibisa pasara a la historia de los anales del rock como la mejor formación  nacida del continente africano, llegando a codearse con los grandes del genero anglosajón y europeo y obteniendo un apabullante éxito con sus primeras y alucinantes obras.

Three Dog Night

Three Dog Night fue el fruto de tres músicos de apenas éxito y de cuatro integrantes de otras tantas bandas con la misma suerte, ellos lograrían entre 1968 y 1975 vender la friolera de más de quince millones de discos, entre álbumes y singles.
Además una singularidad de esta increíble banda fue la de que nunca interpreto material de cosecha propia, si no temas de otros autores lo que hizo más meritoria su longevidad, con una conjunción vocal de tres solistas fuera de lo común dotándole a su música mucho poder y calidad.
Corey Wells, Danny Hutton y Chuck Negron reclutaron en 1968 a Mike All-sup, Jimmy Greenspoon, Floyd Sneed y a Joe Schermie, todos ellos provenientes de bandas como Family Scandar, The Vancouvers o Dyke and the Blazers.
Debutan con el single "Nobody", al que le sigue "Try a little Tenderness", pero no es hasta el tercero cuando consiguen el éxito con "One" tema de Harry Nilsson.
A partir de aquí temas como "Eli´s coming" de Laura Nyro o la canción "Easy to be hard" de la banda sonora Hair, se colocan el los primeros puestos de las listas éxitos y los convierte en la nueva sensación vocal de 1969.
Los siguientes años tendrán numerosos números uno con temas como "Celebrate man", "Mmame told me not to come" de Randy Newman, "One man band" de Leo Sayer, "Liar" de Russ Ballard, la mundialmente famosa "Joy to the World" de Axton o "Family Man" de Paul Williams entre otras muchas.
Pero no solo de singles vivió la banda, ya que editaron grandes álbumes como "Suitable for framing" (1969), "It ain´t easy" de 1970 o "Naturally" (1971), pero a partir de álbumes como "Hard Labour" de 1974 o "Dog style" de un año después el grupo entro en un declive progresivo que termino por disolverse no antes sin intentar reactivar el grupo con nuevas incorporaciones que nunca dieron resultado.
La banda se volvió a reunir en 1981 para grabar un Ep de escaso resultado, y han seguido unidos con innumerables cambios en su formación girando continuamente sobre todo por los Estados Unidos y Japón donde son muy venerados hasta nuestros días.
Three Dog Night nos ha dejado un legado que hoy en día se mantiene intacto como una de las mejores bandas de los años 70 aunque igualmente desconocida para el gran publico no norteamericano.

Beardfish-Sleeping In Traffic: Part One (2007)

Influencias de Frank Zappa, ritmos funk, una rítmica sección jazzistica y marcos de folk y vanguardismo a raudales, es lo que Beardfish ofrecieron bajo una asombrosa calidad instrumental.

Mas allá de la clásica etiqueta de rock progresivo, este quinteto sueco formado por Rikard Sjöblom (voz, guitarras, teclados, percusión, acordeón y teclados), David Zackrisson (guitarras y percusión), Robert Hansen (bajo) y Magnus Östgren (batería y percusión), se fue abriendo paso poco a poco en la escena progresiva gracias a enormes obras como "Från En Plats Du Ej Kan Se" (2003), o los conceptúales "Sleeping in Traffic - Part One" y “Sleeping in Traffic - Part Two" (2007/2008), en los cuales las evidentes muestras de sus gustos por icónicas bandas como Gentle Giant o Genesis son mas que evidentes.

En la primera entrega conceptual, muestran desde tonos jazzisticos fusionados con blues y rock "Same Old Song", hasta remansos de paz "Without You" o épicas progresiones como  la emocionante "Roulette".

Magma-Mekanïk Destruktïw Kommandöh (1973)

Observándolos desde el punto de vista del rock mas vanguardista, Magma es la banda mas importante del género "Zeuhl" (la palabra Zeuhl es un adjetivo "Kobaian" que significa 'celestial', una lengua inventada por el baterista y líder de esta formacion Christian Vander). Fundada a finales de los 60 en Francia, durante cinco décadas han permanecido en activo con innumerables cambios de formación, publicando numerosos álbumes hasta bien entrado el siglo 21. Sus detallados conceptos de la ciencia ficción y su claro mensaje espiritual, la han convertido en una de las experiencias sonoras más inauditas y asombrosas dentro del rock más experimental. Con un estilo que no esta exento de elementos del jazz rock, el free jazz heredero de John Coltrane, la locura contenida y la sátira de Frank Zappa, las voces operísticas e incesantes y los histéricos ritmos complejos de trompetas, bajo, batería junto a un piano palpitante. Su original y unico estilo les otorga una especie de música de gran intensidad sostenida, con numerosos pasajes sombríos y extraños. Bajo esa lengua llamada kobaiana, la música se torna hipnótica con elementos intrigantes, teutónicos y catárticos, en un sonido que difícilmente podríamos clasificar convencionalmente. Sin duda alguna Magma fue y son tan originales como transcendentales dentro del rock y de la música contemporánea del siglo 20.

Flyte-Dawn Dancer (1979)

Flyte fueron una banda holandesa que tuvo una corta carrera de apenas seis años (1975-1981), en los cuales solo publicaron un álbum lanzado en 1979 titulado "Dawn Dancer". Sin embargo los orígenes de esta formación se remontan a varios años antes de su fundación oficial, cuando Kitty Maanders (voz), Lu Rousseau (voz y percusión), Ruud Worthman (guitarras), Jack van Liesdonck (teclados), Leo Cornelissens (teclados), Hans Marynissen (batería) y Peter Dekeersmaeker (bajo), fundaron una banda de rock psicodélico y progresivo llamada Grace. Su único lanzamiento pese a su excelente creatividad, peca de cierta incoherencia al querer plasmar unas ideas demasiado ambiciosas. Aun así nos encontramos desde eclécticas composiciones cercanas al hard rock progresivo "Aim at the Head" o "Your Breath Enjoyer", en las que predominan diferentes estilos y mucho dinamismo instrumental, hasta canciones mas melódicas "Heavy Like a Child”, sinfónicas "Woman", pasando por la etérea "You´re Free I Guess", la jazz rock "Grace" o hipnóticas progresiones como "King Clouds" o "Brain Damage". En conclusión un buen álbum vanguardista que bajo su multifacético sonido lo convierten en una obra de gran merito dentro del rock progresivo holandés y europeo de finales de los setenta.

Joe Bonamassa-The Ballad of John Henry (2009)

No cabe duda de que Joe Bonamassa es uno de los grandes guitarristas del blues. Si ya con su anterior trabajo “Sloe Gin”, dejo el listón muy alto, con este “The Ballad of John Henry”, dejo su impronta con una obra definitiva, un álbum en donde confluyen grandes temas de blues-rock, hard rock e incluso se acerca al british blues heredero del gran John Mayall.
La propia canción que da titulo al álbum es un guiño al rock del mas puro estilo Led Zeppelin, o la propia “Jockey full of Bourbon”, donde la sombra de Tom Waits aparece salido entre la tenue luz de un bar de mala muerte entre el humo de los cigarrillos y el olor a whiskey y cerveza.
Se acuerda de Stevie Ray Vaughan para deleitarnos con un temazo como “Stop”, donde desde la primera nota nos hace olvidar todo y dejarnos llevar por la melodía con una voz la cual ha ganado muchísimos enteros.
En “Lonesome road blues”, retrocede en el tiempo cuando bandas como Free eran los reyes del blues rock, hasta llegar a “Story of a Quarryman”, en donde Bonamassa hace alardes de sus potentes riff´s, en un estupendo hard rock marca de la casa.
Y como es habitual en el también tienen cabida algunos covers como “As the Crow flies” de Tony Joe White, luciéndose con la guitarra de manera sublime.
El resto del álbum confirma ya no solo su impresionante técnica con las seis cuerdas, si no que también compositivamente ha dado un paso tan gigante como definitivo dentro de la historia del blues.

Krautrock

Al principio de la década de los 70, al panorama musical europeo le quedaba ya pequeño el potencial americano e ingles (los máximos exponentes del rock mundial). La sed de la industria por buscar mas y mas modas y tendencias, que ya no estuviesen inventadas en ese momento, (rock, pop, beat, folk, country, psicodelia, hard, progresivo...etc), no se detenía y se sumergía por todos los rincones del mundo en busca de algo nuevo. Los tentáculos de la impresionante maquinaria discográfica habían puesto ya los ojos en Europa y en sus músicos de tradición clásica, no en vano Europa es cuna de músicos de primer orden a través de la historia y con una escuela heredada de los grandes clásicos de siglos pasados, aparte de que la propia Europa vivía no solo del mercado anglosajón, si no que poseía su propio mercado musical de una enorme calidad y variedad, aunque bastante distanciado de los primates ingleses y yanquis por motivos de idioma y razones de la industria (no cabe duda que los grandes productores y compañías discográficas eran anglosajonas)
Antes de aquí, ningún grupo podía entrar en un ranking americano o ingles, que es tanto como entrar en un país, si ese país no lo quería por muy bueno que fuera el artista, grupo o disco. Pero a principios de los 70, todo eso cambio radicalmente, si ya por un lado las cosas empezaban a ser diferentes en lo concerniente a lo musical (las grandes compañías buscaban la panacea), en lo social y político hubo cambios muy favorables hacia la música, la entrada de Inglaterra en el Mercado Común Europeo, y esto trae consigo una serie de ventajas aprovechadas por la música de manera inmediata. Como dije antes, Europa tenia un amplio y rico sentido musical pero también tenia algo que no tenían los anglosajones: vanguardismo variado, evidentemente en Inglaterra había rock progresivo y psicodelia, quizás esto fuera también vanguardismo, pero era muy rock, es decir primero la formula rockera y luego sinfonismo o psicodélica, pero no experimentación ni investigación musical, algo que si poseían de sobra los grupos europeos. Ya a finales de 1972 la prensa musical internacional resalto con grandes titulares un hecho singular, la tradicional Gran Bretaña, tan habituada siempre a barrer hacia dentro, cerrada por completo a todo lo que no fuera británico o americano (a excepción de casos aislados, como por ejemplo los españoles Los Bravos, James Last y otros mas que tuvieron algunos importantes hits en los charts ingleses)... esa Inglaterra pues, colocaba en los Pop Polls (listas de éxitos) a un numero increíble de grupos alemanes, italianos o holandeses como Focus, Can, Amon Duul, Tangerine Dream etc...El mundo entero comenzó a abrir los ojos y razonar ese singular detalle, ¿ por que esa masiva irrupción de bandas europeas en las cerradas listas inglesas?.

Estaba claro que el interés anglosajón era industrializar todo aquello que fuera música y invirtiera dinero en ello, aparte de que existía un rock europeo muy distinto al ingles y americano, aún conservando ciertas similitudes, producto de tantos años de sumisión al auge anglosajón. De pronto un mundo que entonces estaba destinado a ser receptor, comenzaba a ser por primera vez emisor con gran potencial. Un grupo que tiene el mérito de derribar los muros británicos y americanos era Focus, que fue elegido grupo revelación del año 72 (que es como firmar una declaración de principios sobre próximos éxitos) y varios meses después colocaba dos LP´s al mismo tiempo (uno de ellos doble), en la cima de las listas inglesas; algo inaudito para no ser un grupo anglosajón, después ya nadie se sorprende cuando los álbumes de Can, Guru Guru, Floh de Cologne, Neu Faust... irrumpen en las listas británicas ante la incredulidad del publico europeo. Mientras esto ocurría, Focus ya habían llegado al top-100 americano, abriendo brecha para que los demás intentaran el salto. Pero por supuesto que las cosas no son tan fáciles como pueden parecer, para que un grupo edite sus LP´s en Inglaterra o América, se ha de firmar un contrato independiente del que se tenga en el país de origen con la editora del mismo. Y naturalmente cantar en ingles, aunque afortunadamente la música de esos grupos era mas instrumental que vocal. Es por eso que a muchos países, los discos de los grupos alemanes, holandeses o italianos llegaran a través de sus editoriales inglesas, de manera importada y no por sus compañías respectivas del país de origen, esta fue otra de las artimañas anglosajonas, con lo cual para americanos e ingleses seguía siendo un negocio, aunque tuvieran que dar dinero a gente que no fuera británica o yanqui. 

Pronto la demanda de grupos europeos llego ser tan fuerte que no había editora inglesa que no tuviese su grupo de ¨rock alemán". De esa manera la calidad pronto paso de ser utilizada como negocio, aunque musicalmente 1973 conoció así el auge de un buen numero de ideas y sonidos, bien gracias a la política o al mercado que todo lo engullía. Pero ¿ y que pensaban los músicos ingleses y americanos, figuras y nombres de un calibre tan pesado como para tambalear una economía tan fuerte (los ingresos por royalties de grupos anglosajones repercutían de manera importantísima en los Estados Unidos y Inglaterra) de la ¨intromisión¨ europea?, los veteranos supieron apreciar la apertura, por lo que aquello podía significar para una mayor ampliación de las posibilidades sónicas en el contexto de los años 70, sin que pudiera estar en juego la supremacía británica en el rock, cosa que por otra parte nadie discutía. Viendo hoy la visión del presente de lo que ha sido la historia en realidad, no nos damos cuenta de lo realmente importante que fue ese momento, por lo cual en aquella época el impacto que causo el hallazgo del potencial europeo fue realmente de singular relieve, por entonces se especulaban varias opciones, que el boom del rock alemán (curiosamente se etiqueto casi todo el rock europeo en este termino) seria un simple paso mas en desarrollo de los conceptos musicales, cifrando ese cambio tan solo en la búsqueda de la novedad por parte de la industria y del publico; los que esperaban acontecimientos...y los que veían mas allá del tinglado angloamericano. Si ese conjunto de movimiento europeo aumentaba su expansión, era indudable que podían ser la potencia por antonomasia del rock (aunque eso era realmente casi imposible), y si por el contrario decrecía, la barrera de control y ideología de la supremacía anglosajona seria incuestionable. 

Pero ahora con el paso del tiempo no nos imaginamos lo que pudiera haber pasado si no hubiese sido por la gran crisis energética de 1974, ¿quizás fueran cortadas de raíz esa expansión...?. Pero eso es una historia que veremos mucho mas adelante, en Europa el principal bloque musical es el alemán, bautizado como ¨Deutsch Rock¨ o comúnmente llamado “Krautrock”, fue el fuerte consolidado e influyo en grupos de otros países europeos, sus nombres básicos son Karl-Heinz Stockhausen que logro el vinculo música-maquina de forma total, inventor de la música electrónica, o Rolf Ulrich Kaiser, estudioso del rock alemán o Meisel, Korber y Wendel, creadores de los primeros sellos vanguardistas germanos. Pero la maquinaria alemana estaba ya cimentada desde 1968, año del comienzo del movimiento bávaro con la ayuda de los anteriores ¨creadores¨ y otros músicos, pero con un grupo estandarte, Amon Duul, que abrió el camino a todos los demás y culminando con los mas avanzados en plena explosión del genero: Can y Tangerine Dream. Solo en el año 72 se editaron unos 500 LP´s de otros tantos grupos de música vanguardista, con una supremacía de algunos ya consagrados como Agitation Free, Faust, Kraftwerk, Tangerine Dream, Neu, Can y Amon Duul 2 (otra versión de los Amon Duul). Este descomunal poderío del desarrollo de la industria alemana, demuestra la organización, los medios, la selectividad y la calidad de su música, algo que no escapa a la vista de los medios de comunicación del mundo entero, (quizás con menos repercusión en los medios ingleses y americanos), por motivos obvios. Las bases germanas se basan en Wagner, el gran líder, su música violenta, el sonido gigantesco, el barroquismo sónico, todo ello unido a la espectacularidad germana en el empleo del rock, la música se torna en fastuosas ráfagas instrumentales, ribeteadas con profundos desarrollos de ríos emotivos musicales, algunos grupos desarrollan temas de ¡30 minutos! con impresionantes Apocalipsis tumultuosas, todo ello sobre-dimensionalizado en sonidos espaciales y del tiempo, con una combinación de inventiva y de futurismo en la mas absoluta concentración, hasta la libertad para la improvisación y la investigación, algo sublime, y los músicos ingleses de rock progresivo se quedaban asombrados al oír esa música.
Un productor de enorme prestigio en el área londinense de la época llamado Alan Parsons, (todavía no se dedicaba a lanzar álbumes bajo su nombre) llego a declarar que jamás se le hubiese ocurrido hacer esa música, sobre todo por los sonidos tan ricos y atonales que producían, y eso que era uno de los magos de la tecnología anglosajona de la época, como productor de los Pink Floyd, Al Stewart o otros...y jefe de producción de los míticos estudios Abbey Road de la Emi. Esa fue la principal fuente de atracción del rock alemán, su carácter espacial y infinito, el cual capturaban el cosmos y su fantasía en cada disco. Pero entre la gran crisis y la conveniencia del mercado ingles y americano fueron destruyendo poco apoco el resurgimiento inicial, los dólares frenaron la expansión, o al menos la suavizaron, muchas de las bandas se comercializaron, y la calidad se vino un poco abajo en el mercado internacional, pero y esto fue lo que les diferencio a este movimiento con respecto a otros, nunca llego a desaparecer tragado por la industria anglosajona, si no que en los años siguientes fueron surgiendo nuevos grupos y nuevas obras con un mas avanzado planteamiento en torno a la electrónica y el espacio, pero manteniéndose en el mercado propiamente europeo, donde son un movimiento muy aceptado y admirado aún hoy en día. En ciudades como Berlin, Frankfurt, Hamburgo, Colonia etc...es muy frecuente en la actualidad asistir a sesiones de música vanguardistas con músicos de la talla de Klaus Schulze o Peter Hans-Schemeir entre otros, (además de jóvenes músicos y bandas noveles) que aún conservan aquella llama que en una época afloraba en el mundo, pero que por causas ajenas a las musicales y a la de la gran industria del dólar, nunca dejaron culminar, aunque quizás algún día vuelvan a resurgir con otras inquietudes y ambiciones...

McKenna Mendelson Mainline-Stink (1969)

McKenna Mendelson Mainline fue una magnífica banda canadiense de blues de corto recorrido. Fue creada cuando en 1968 el guitarrista Mike McKenna reclutaría a varios músicos para fundar una banda de blues rock.

Esos músicos eran el vocalista Joe Mendelson, el bajista Denny Gerrard y el baterista Tony Nolasco.

Comenzando en año 1969 se trasladaron a Inglaterra donde empezaron actuar en el circuito de blues de Londres, abriendo conciertos para artistas como Jeff Beck o Jimi Hendrix entre otros.

La innegable calidad del grupo no pasaría inadvertida para el sello United quien les financia su primer álbum lanzado casi a finales del mismo año 1969.

Antes de entrar en los estudios el bajista Mike Harrison sustituiría a Gerrard cerrando la formación que grabaría "Stink".

En esta primera entrega la banda canadiense muestra un tremendo feeling, excelentes riffs y solos de guitarra, trepidantes ritmos y una tosca voz que encaja perfectamente con el estilo blues.

En este primer disco destacan la excelsa blues "Bad Woman", el boogie galopante "She´s Alright", las cadenciosas "Beltmaker" "Think I´m Losing My Marbles" "T.B. Blues" y "Drive You", la hipnótica "Mainline" o la folk blues "Don´t Give Me No Goose For Christmas, Grandma".

Miles Davis- In a Silent Way (1969)

“In a silent way” es una de las obras cumbres de jazz-rock, al mismo tiempo que fue el primer álbum de este genero tan novedoso de finales de los sesenta. Davis antes incluso de ser una estrella, pudo siempre grabar con los mejores intérpretes de momento. Primero porque los grandes lo elegían a él, y a partir de los 50, porque él era el grande que llamaba a los que consideraba los más destacados músicos de cada instrumento. Del mismo modo que de los diversos conjuntos de Louis Armstrong salieron algunos de los más importantes jazzmen, las formaciones que Miles Davis reunía para sus sesiones en estudio, pueden considerarse los all-stars del jazz. Quizá el caso más recordado sea el de John Coltrane, que antes de revolucionar la música con su free-jazz estuvo algunos años grabando con el genial trompetista, pero el saxofonista no fue el único que iba a adquirir prestigio junto a Davis antes de emprender una brillante carrera discográfica como líder de su propio conjunto.
En “In a Silent Way”, figuran tres de los más grandes pianistas (Chick Corea, Herbie Hancock y Joe Zawinul), el guitarrista por antonomasia de los 70 (John McLaughlin), un gran saxofonista (Wayne Shorter)… y así con los ocho músicos que acompañaron a Davis en la grabación de este álbum. Con un elenco tan impresionante como este, no es extraño que el resultado sea una obra tan brillante, innovadora y magistral como “In a Silent Way”. Este probablemente sea el disco más colectivo del trompetista. Esto no quiere decir que los demás no lo sean, porque en algunos de sus trabajos la autoría debe ser compartida con Gil Evans, y siempre ha contado con grandes intérpretes. No obstante, aquí es dónde más evidente y determinante es la aportación de todos los músicos que participaron en la grabación. Davis no es el único protagonista, la trompeta no destaca más que el resto de instrumentos, todos (salvo el batería y el contrabajista, aunque su contribución sea también excelente), tienen la oportunidad de lucirse con sus solos. En las dos largas piezas de “In a Silent Way” (en las que, de nuevo, como en el posterior “Bitches Brew”, el trabajo de post-producción de Teo Macero fue muy importante, como si se tratase del noveno intérprete), asistimos a un diálogo sin palabras de los ocho músicos, vemos cómo Davis recoge una idea de Chick Corea, o como John McLaughlin actúa por oposición a Hancock, o Tony Williams marcar un ritmo constante durante un largo fragmento creando así un espacio libre en el que se mueve Zawinul. Y así, con todos estos juegos y otros muchos que contemplamos deslumbrados, estos ocho talentosos intérpretes, crearon una música bella e innovadora, la continuación perfecta seria “Bitches Brew”, otro disco imprescindible para todo amante de la buena música.

Status Quo

Status Quo han sido los máximos estandartes del llamado boogie rock, una banda que injustamente a veces son olvidados por gran parte de la comunidad rockera, que sin embargo y pese a su enorme éxito en la década de finales de los sesenta, los setenta y algunas apariciones estelares en los ochenta y noventa fueron obviados en el mercado norteamericano de manera incompresible.
Surgidos como consecuencia de la disolución de varias bandas británicas llamadas Spectres y Traffic Jam, su primera formación estuvo compuesta por los guitarristas Francis Rossi y Rick Parfitt, el bajista Alan Lancaster, el batería John Coughlan y el teclista Roy Lines.
En sus primeros años, finales de los sesenta, Status Quo practicaban un estilo a medio camino entre la psicodélica de la época, el sonido beat británico y ecos al hippismo tan de moda en esos años. Este estilo se ve refrendado en su primer álbum publicado en 1968 “Pictures Matchsticable Message From...” en el que se incluye su primer gran hit homónimamente titulado como el álbum, o composiciones que rebosan sonidos ácidos y psicodélicos.
Después de un segundo y continuista álbum “Spare Parts”, lanzando a finales de 1969, llegaría el mas duro y transitorio “Ma Kelly´s Greasy Spoon”, con el que logran una mayor repercusión a nivel europeo gracias a su sencillo “Down The Dustpipe”.
Un año después llegaría su primera gran obra “Dog Of Two Head” en donde logran el equilibrio perfecto entre su sonido original y primitivo con el boogie rock.
Aquí ya aparecen cortes que serán el ejemplo de su estilo posterior como “Umleitung” o “Someone´s Learning”, además de unos de sus temas estandartes como es “Gerdundula”.
Para este ultimo trabajo la banda se había convertido en cuarteto al abandonar Roy Lines después del anterior “Ma Kelly´s...”
A finales de ese mismo año, la banda cambia de sello discográfico firmando con Vertigo y con los cuales publican su quinto trabajo titulado “Piledriver” (1972) en donde confirman su tendencia hacia los sonidos del hard rock y el boogie rock, alcanzando los primeros puestos de las listas de éxitos en Gran Bretaña con una serie de canciones como la irresistible “Paper Plane” o la lograda versión del tema de The Doors “Roadhouse Blues”.
Portando el nuevo y famoso logo con su nombre, llegaría el siguiente lanzamiento discográfico a finales de 1973, “Hello”, en el cual se encuentran algunos de sus temas clásicos como son “Caroline” o “Roll Over Lay Down”. Este nuevo álbum lograría nuevamente un gran éxito, alcanzando cifras que superaron las doscientas mil copias vendidas. Los siguientes movimientos discográficos seguirán una tónica similar, así fueron apareciendo álbumes tan brillantes como “Quo” (1974), “On The Level” (1975), en donde aparece el memorable tema “Down Down” o “Blue For You” (1976), este ultimo en donde se derivan hacia un sonido mas melódico y comercial.
Después de un extraordinario doble en directo “Live” (1977) llegaría “Rockin´All Over The World” (1977), para muchos su obra cumbre en donde exprimen su característico estilo de boogie rock hasta costas de perfeccionismo absoluto. Para este nuevo trabajo contaron con la producción del afamado Pip Williams y con Andy Bown como miembro de pleno derecho en los teclados. Un álbum en donde destacaban la versión de John Fogerty “Rockin´All Over The World” o las soberbias “Rockers Rollin”, “Hold You Back” o “Hard Time”. El éxito de este los llevaría a conseguir varios discos de oro por sus enormes ventas, lo mismo que ocurriría con los siguientes y continuistas “If You Can´t Stand The Heat” (1978), “Whatever You Want” (1979), (con el extraordinario tema que da titulo al álbum), el dinámico y comercial “Just Supposin” (1980) o el meritorio “Never Too Late” (1981).
Después del exitoso álbum “1+9+8+2” (1982), llegaría el mediocre “Back to Back” (1983), el cual obtiene mala prensa por derivarse en demasía hacia los sonidos mas enfocados al pop rock.
Este tremendo traspiés desemboca en el abandono de su bajista y miembro fundador Alan Lancaster que es sustituido por John Edwards, además del nuevo batería Jeff Rich quien tomo el relevo de Peter Kircher (sustituto de John Coghlan después del álbum “1+9+8+2”).
Con una nueva formación varios años después Status Quo regresan con su decimoséptimo disco titulado “In The Army Now” (1986), el cual se convierte en un exitoso trabajo, de excelentes y brillantes boogie rock adictivos con cortes como el que da titulo al álbum o “Rollin´Home” y “Overdose”.
A partir de aquí se irán sucediendo con cierta frecuencia nuevos álbumes como “Ain´t Complaining” (1988), “Perfect Remedy” (1989), “Rock´Til You Drop” (1991) o “Thirsty Work” (1994), y así hasta una docena de nuevos trabajos que rebozan de gran calidad pero muy alejados de su época dorada.

Frank Zappa-Roxy & Elsewhere (1974)

Grabado en el mítico Roxy Theatre de Hollywood, entre el 10 y el 12 de diciembre de 1973, "Roxy & Elsewhere" fue el tercer álbum en directo de Frank Zappa, que publicado como doble LP contenía un material inédito hasta aquellos momentos de una incuestionable calidad, al mismo tiempo que mostraba la enorme versatilidad del genial músico norteamericano. Por aquellos años Zappa había confeccionado una de sus mejores formaciones compuesta por George Duke (teclados), Don Preston (sintetizadores), Frank Zappa (guitarra y voz), Chester Thompson (batería), Tom Fowler (bajo), Jeff Simmons (guitarra), Ruth Underwood (vibráfono), Bruce Fowler (trombón), Napoleon Murphy (saxofón), Walt Fowler (trompeta) y Ralph Humphrey (percusión). El contenido de este directo abarca desde el jazz rock y fusión, hasta el rock operístico e irónico, pasando por el trasfondo blues y una serie de ingeniosos instrumentales, además de las habituales charlas y los diálogos humorísticos y sarcásticos del propio Zappa. El jazz rock/blues de "Penguin In Bondage", el funk humorístico de "Dummy Up", la retorcida rhthym and blues "Village of the Sun", la enérgica jazz rock "Cheepnis" o la jazz fusión progresiva "Be-Bop Tango", muestra las excelentes virtudes de todos los músicos que intervienen en este doble álbum, empezando por los desgarradores solos de guitarra de Zappa, y continuando por el magnifico trabajo de George Duke, Ruth Underwood, Chester Thompson y Napoleon Murphy.

Sunhouse-Sunhouse (1977)

Sunhouse fue una banda de jazz fusión/rock de origen belga que lanzaron un único álbum en 1977. Su formación estaba compuesta por Denis Van Hecke (cello), Aziz Bourdoud (congas), Frank Wuyts (teclados), Alain Gouthier (bajo), Roger Wollaert (batería), Michel Clement (guitarra), Jean-Jacques Lhoest (teclados) y Bob De Marco (saxo). Bajo un vigoroso estilo de jazz fusión, funk y rock, esta banda logra crear enérgicas y rítmicas piezas en donde la gran interacción entre todos los instrumentos, en especial las mordaces guitarras, las percusiones y el dinamismo de su sección rítmica, impulsan un álbum que no deja indiferente a nadie por sus enérgicas y esplendidas ejecuciones instrumentales.

Dancer-Tales Of The Riverbank (1972)

Dancer fue una banda formada en los primeros años de la década de los 70 en la isla británica de Wight. Su formación estaba compuesta por Anthony Minghella (teclista), Gerry Cahill (guitarra y flauta), Paul Athey (batería), Mike Jolliffe (voz y guitarra) y Mike Cuffe (bajo).

Gracias al patrocinio de Jim Simpson, manager de los primeros Black Sabbath, lograron grabar su primer y único álbum bajo la producción del guitarrista de The Groundhogs, Tony McPhee.

En este único registro Dancer muestran su faceta progresiva, repletas de grandes sonidos de Mellotrón, influencias del folk británico, y pinceladas del sonido jazzistico de Canterbury.

Piezas como la mini epopeya épica que lleva por titulo “Tales Of The Riverbank”, muestra las enormes credenciales de Dancer con un predominante Mellotrón y unas guitarras dinámicas muy efectivas. Por senderos parecidos discurre la furiosa "Mac´s Cafe", la progresiva "Morning", y las enérgicas "Mind The Houses" y "Fairhill affair", en contrapunto a estas aparece la pastoral "American Wood".

Años mas tarde Minghella orientaría su carrera artística en el cine como director de películas entre las que destaca la oscarizada "El paciente Ingles" en 1996.

John Martyn

A ciencia cierta no se sabe muy bien por que John Martyn arrastro tanto al gran público, y es que este cantautor escocés ha sido considerado un artista de culto y uno de los favoritos de los críticos de la música contemporánea, su música ha sido influyente y determinante en la dirección de la música moderna popular, que se desplazaba fuera de la estricta tradición acústica por la infusión con el rock, el blues y jazz. John Martyn firmó un contrato con el mítico sello Island Records de Chris Blackwell en 1967, y un año después sacó su álbum de debut, "London Conversation", posteriormente Martyn lanzó varios discos aclamados por la crítica, pero siempre permaneciendo apartado de la primera línea de la escena musical y de la fama, prefiriendo siempre estar a la sombra de las masas y las noticias mediáticas .
El año 1973, con "Solid Air", dedicado a su amigo Nick Drave, quien aparecería muerto por sobredosis al año siguiente, firmo un álbum genial, muy aclamado por los fans y la critica especializada, pasando a ser todo un clásico de la música británica. Para entonces, Martyn había iniciado su colaboración con el contrabajista de jazz Danny Thompson, quien se convirtió en su acompañante habitual de cámara. Con él desarrolló una forma de cantar alucinante que tomaba su inspiración en el timbre del saxo tenor. Martyn, un formidable y muy personal guitarrista por sí mismo, no fue un cantautor de este mundo, ni por lo que contaba en sus canciones, ni por la forma en que lo hacia, nunca siguió una carrera profesional demasiado ortodoxa, en el álbum "Grace and Danger", que su autor siempre consideró el mejor de su carrera, y su compañía guardó durante un año en el cajón de los "proyectos demasiado perturbadores para ver la luz", fue también considerado una obra maestra, narraba las peripecias de su divorcio, con la producción de Phil Collins.
Antes había editado "One World" (1977, con la colaboración de Lee Scratch Perry en la canción "Big Muff").
Convertido en un artista clásico muy a su pesar, Martyn acertó a continuar por la línea de la heterodoxia en álbumes como "The Church With One Bell" (1998), en el que versionó a Billie Holiday, Elmore James, Ben Harper y Portished.
Este gran artista de folk y blues, considerado uno de los autores musicales más innovadores y carismáticos de Gran Bretaña, había perdido una pierna en 2003 por una infección en un quiste y sufría de constantes problemas de salud tras haber batallado contra adicciones a las drogas y el alcohol.

Shaggy-Lessons For Begginers (1975)

Shaggy fueron una oscura y olvidada banda sueca de mediados de los setenta que publicaron un excelente disco enfocado en el hard rock, que pasaría inadvertido (como tantos otros), en el momento de su lanzamiento. Su formación estaba compuesta por Janne Gustavsson (bajo), Kurt Kastner (batería), Jan Rognas (guitarra), Thomas Engstrom (voz) y Thomas J. Ryan (teclados y voz). Su único registro, este "Lessons For Beginners", fue lanzado en 1975 y muestra una poderosa propuesta del mejor hard rock setentero emparentado con las bandas coetáneas Uriah Heep y Deep Purple. Con unos enérgicos riffs de guitarra, una aplastante sección rítmica y un ardiente órgano, aquí se dan cabida desde incendiarios heavy rock "Destination Nowhere", hasta trepidantes piezas "Vengeance", pasando por fascinantes instrumentales hard rock "Lessons For Beginners", nostálgicas composiciones "Nobody Cares" o frenéticas canciones de poderoso y pesado rock "Sunshine".

The Steepwater Band-Grace and Melody (2009)

Pese al mal presagio que dicen algunos sigue manteniendo esta época oscura que esta pasando el rock, este nos sigue dando muestras de que sigue muy vivo y una buena muestra de ello son esta banda de Chicago, que en formato de trio nos presenta uno de los discos que sin duda dará que hablar los próximos meses.

Este "Grace and Melody" es un estupendo recorrido por los sonidos mas conocidos del rock, un álbum donde no hay mediocridades ni temas de relleno, mas bien un álbum que puede llegar a ser casi imprescindible en muchas de las discotecas personales de muchos fans al rock. Y es que esta banda formada por Jeff Massey (guitarra y voz,), Tod Browers (Bajo) y Joe Winters (Batería), nos traen una colección de temas muy bien logrados. Piezas con ciertos aires sureños como "At the fall of the day”, claros sonidos stone como “lord Knows”, canciones deudoras del legado de Neil Young como "Waiting to be Ofended", o blues zeppelianos como "Grace and melody" o "World keeps moving on...".

Barclay James Harvest-Once Again (1971)

"Once Again" es uno de los álbumes clásicos del rock sinfónico de los 70, el cual contiene el atractivo y esa fascinación única de aquellos años. Condenados injustamente por la prensa británica como unos meros clones de los Moody Blues, esta lamentable y arbitraria afirmación les lastraría durante sus primeros años. Sin embargo no hay que dejar de reconocer que en ciertas estructuras musicales nos recuerdan vagamente a los mencionados Moody, sobre todo debido al uso masivo en estos primeros años del Mellotron por parte de su teclista, Stuart "Wooly" Wolstenholme. Rodeado de piezas progresivas con rasgos melancólicos y conmovedores como "Galadriel" o "Mockinbird", aparecen otras con un claro carácter del emotivo folk británico como "Vanessa Simmons" o vigorosas canciones rock como la inicial "She Said" o "Ball and Chain", mientras que la temática "Happy Old World" y la orquestada "Lady Loves", son sin duda alguna en donde se intuyen ciertas influencias de los mencionados Moody Blues. En definitiva con este segundo álbum, la Barclay James Harvest logro crear un álbum progresivo de sencillas composiciones, adornadas con unos brillantes arreglos, concibiendo de manera definitiva su peculiar y esencial sonido, el cual seria el santo y seña del grupo británico en los siguientes años.

Freedom-Through The Years (1971)

Freedom fueron una banda británica que contaba entre sus filas varios ex integrantes de los legendarios Procol Harum, por un lado el guitarrista Ray Royer y por otro el baterista Bobby Harrison, quienes junto al cantante y guitarrista Roger Saunders y el bajista y teclista Peter Dennis cerraban esta formación. 

En 1971 bajo el sello Vertigo lanzaron su cuarto álbum "Through The Years" en el cual muestran su estilo de hard rock impregnado de blues.

Cortes como la poderosa "Freestone" nos dejan la excelente combinación de las poderosas guitarras, las voces y la magnifica sección rítmica.

La instrumental hard rock "Get Yourself Together" y la blues rock "Toegrabber", una pieza repleta de grandes riffs y precisos solos de guitarra, son algunas de las canciones mas destacadas de este soberbio trabajo de esta oscura y olvidada banda inglesa.

Rick Wakeman-The Myths And Legends Of King Arthur And The Knights Of The Round Table Music (1975)

Dos años después de su grandilocuente debut discográfico (al margen de su banda madre, Yes), Rick Wakeman se aventuro en otro ambicioso trabajo, esta vez en torno al Rey Arturo y la espada de Excalibur. Ya Wakeman había explorado los sonidos y las texturas de una orquesta sinfónica fusionándola con el rock en el anterior y brillante "The Six Wives of Henry VIII", por lo que en esta nueva entrega intento seguir por un sendero parecido, pero otorgándole a los suntuosos arreglos orquestales y los envolventes coros, un mayor protagonismo, todo ello bajo el enérgico rock y fundamentalmente adornado con sus múltiples cascadas de Mellotron, moogs, teclados eléctricos y otros sintetizadores de ultima generación. Además de la New World Orchestra dirigida por David Measham, también esta presente la English Chamber Choir, dirigida por Guy Protheroe y una sección rock compuesta por Ashley Holt y Gary Pickford Hopkins (voces), Barney James (batería), Jeffrey Crampton (guitarras), Roger Newell (bajo), John Hodgson (percusiones) y Terry Taplin como narrador de la obra. La asombrosa orquestación, mas la narración que cuenta cada parte de la historia junto a la talentosa instrumentación por parte de todos los músicos involucrados, nos sumergen en una rica sonoridad de diferentes atmósferas musicales que en muchos momentos alcanza una gran grandilocuencia, confeccionado con todo ello un álbum tan triunfal como creativamente brillante.

Guns´N´Roses-Chinese Democracy (2008)

Quince años tardaría Guns´n´Roses en publicar su sexto álbum, "Chinese Democracy", el cual es también probablemente uno de los mas caros de la historia, costando alrededor de los 13 millones de dólares. Y es que el proceso de grabación de este álbum ha tenido de todo lo habido y por haber, desde la deserción de muchos músicos, suspensiones de lanzamientos, problemas con las discográficas...etc, todo esto sin contar con los habituales problemas de Axel Rose, un proceso de grabación que casi casi se asemeja al tiempo que se han construido grandes obras magnas en la historia de la humanidad.
Mas allá de esta exagerada consideración, el resultado de tanta espera (que a veces ocurre que a mayor expectación, mayor fracaso), es simplemente un buen disco sin mas, y es que el concepto tiempo se le ha ido de las manos al propio Rose, conformando un disco que mas bien parece grabado en la década de los 80, que en este nuevo siglo, a lo que referente al sonido se refiere, algo desfasado, aunque también deberíamos tener en cuenta que los Guns´n´Roses siempre han sido una clásica banda de rock atemporal. El álbum contiene buenos temas como por ejemplo "Street of Dreams", la hard rockera "Chinese Democracy", la blusera "Sorry", pero poco mas, ya que encontramos temas algo descolocados en el rol del grupo como "If The World" una especie de canción medio reggae y ambient, "Scrapped", un corte que no dice absolutamente nada y se manifiesta como un claro tema de relleno o "Madagascar", esta incluso parece que sin terminar de construir totalmente, una tónica que sigue el resto del álbum, que se antoja bastante frío y que no termina de cuajar. Y es que aquella fantástica formación que fueron los originales Guns´n´Roses, nunca habrían publicado este disco, mas que nada por que aquellos talentosos músicos hubiesen compuesto canciones con mucha mas calidad y corazón, que este nuevo disco de Axel Rose en solitario.

Hard Stuff-Bolex Dementia (1973)

Dos años después de publicar su primer álbum, Hard Stuff, la banda creada por varios ex miembros de Atomic Rooster, afrontaron una nueva grabación en donde se posicionaron en los arriesgados sonidos de la experimentación con tendencias funk y vanguardista. Con la misma formación que en la anterior álbum, aquí están presentes el guitarrista John Cann, el baterista Paul Hammond, el bajista y guitarra John Gustafson y el cantante Henry Shaw.

Sin embargo y debido al drástico cambio sustancial con respecto al estilo del inicial hard rock de su anterior entrega, tuvo cierto rechazo por parte de sus fans mas ortodoxos.

El álbum en si es una amalgama diversa de sonidos que va desde pegadizas canciones "Ragman", hasta enérgicos rock and roll "Roll a Rocket", "Spider´s Web", "Sick N´ Tired" o "Dazzle Dizzy", pasando por estrafalarias piezas experimentales como "Bolex Dementia".

Sin duda un muy buen álbum que mereció mucha mas atención que la obtenida en el momento de su publicación.

Herbie Mann-Memphis Underground (1969)

Herbie Mann es uno de los músicos más admirados del jazz, un hombre que ha influido de manera decisiva dentro del contexto del jazz y de la música en general a las siguientes generaciones de artistas del genero. Nacido en los años treinta en Brooklyn, en sus comienzos artísticos ya era un consumado intérprete de la flauta, el saxo, el piano y el clarinete. Durante las décadas de los cincuenta y sesenta, Mann vio publicados innumerables registros como solista o participando en diferentes orquestas y bandas, en las cuales mostraba su impresiónate dominio de la flauta. Con una descomunal discografía tras de si que abarca desde 1954 hasta el 2004, cuando se publicaría su ultimo álbum poco despues de fallecer, Herbie Man entro en los anales de gran mito musical con una extraordinaria serie de trabajos, en donde combinaba sabiamente las nuevas sonoridades que experimentaba con el jazz, mezclándola con las músicas étnicas africanas y latinas. En 1969 con su álbum "Memphis Underground", Herbie Mann entraría por la puerta grande en el mundo de la música de masas gracias a un LP sorprendente y básico en la música popular del siglo veinte. En esta ocasión Mann toco los palos del soul y del rhythm and blues, bajo los influjos del jazz del sur norteamericano. En "Memphis Underground" Herbie Mann obtendría la colaboración de sobresalientes músicos provenientes del mundo del jazz como Larry Coryell, Roy Ayers, Reggie Young, Gene Chrisman, Miroslav Vitouš, Bobby Emmons o Sonny Sharrock. Considerado una de las obras maestra del jazz, es al mismo tiempo uno de los registros del genero jazzistico mas exitosos de todos los tiempos.

AC/DC-Black Ice (2008)

Sin duda alguna este se ha convertido en el álbum mas esperado de los últimos años, sin contar con la ya aburrida y desesperante historia del "Chinese Democracy" de los Guns and Roses, y aunque la espera ha sido larguísima también es cierto que ha valido la pena, ya que los hermanos Young se han sacado de la manga otro de esos discos que marcaran historia a la larga ya trayectoria de esta considerada por muchos la mejor banda de rock de todos los tiempos.
Y han vuelto por donde saben hacerlo a la perfección con ese rock pesado y contundente que les hizo ya míticos en los años 70 cuando Bon Scott era el alma matter del grupo.
Además han contado esta vez con uno de esos productores (Brendan O´Brien), que parecen preferir estar en la sombra y no ser protagonista de la película y es que este nuevo disco suena perfecto, casi tanto que y salvando las distancias del tiempo con lo que eso conlleva (nuevas tecnologías), deja a míticos productores como John “Mutt" Lange o Rick Rubin en paños menores, sin desmerecer en absoluto la categoría de estos dos genios de la producción.
Un álbum donde el rock clásico toma el protagonismo perdido en trabajos como “Fly on The wall" o “The Razor´s Edge” donde el heavy metal era muy patente.
Temas como “Rock´n´train”, “Skies on Fire”, “Big Jack”, “War Machine” o “Smash n´ Grab” nos dejan tan buen sabor de boca que incluso parece estar escuchando canciones de la época gloriosa del "Back in Black", además de otras que sorprenden por su extraña relación con la banda como “Anything Goes" con ese toque “pop” o “Stormy may day” con un Angus utilizando por primera vez una slide guitar.
El resto de temas, quince en total, siguen la tónica general del álbum manteniendo intacta la leyenda de una banda que aunque tarden en editar nuevo material, nunca defraudan a los millones de seguidores que tienen por todo el planeta, sin duda alguna, una de los mejores noticias que le podían ocurrir al mundo del rock´n´roll.