Robert Plant-Fate Of Nations (1993)

Tras la muerte de John Bonham, hecho acaecido en 1980 y el posterior fin de Led Zeppelin, muchos vaticinaron que sería Jimmy Page el mas prolífico de los tres miembros restantes, sin embargo fue Robert Plant quien construiría una solida carrera en solitario ofreciendo algunos de los trabajos mas memorables de la era post-zeppelin.
En 1982 llegaría su debut con “Pictures At Eleven”, un álbum en donde resuenan los sonidos zeppelianos de manera evidente. Después del siguiente y difuso “The Principle Of Moments” y del mediocre y tecnológico “Shaken´N´Stirred” (1985), Plant se replantearía su carrera en solitario apartándose durante algunos años de la música.
En 1988 regresaría con el sobresaliente “Now & Zen” (1988) y varios años mas tarde con el brillante “Maniac Nirvana” (1990), en ambos volvía a las raíces zeppelianas mezcladas con un estilo mas actual de renovado rock.
En 1993 llegaría su sexto álbum, este ”Fate Of Nations”, fusionando los sonidos acústicos con acercamientos al hard rock melódico y al rock alternativo.
Temas pegadizos y dinámicos conforman un disco que contiene un repertorio atrayente y sugerente como demuestran “Calling To You”, “Come Into My Life”, “I Believe”, “29 Palms” o “Promised Land”.

Leo Sayer-The Very Best Of Leo Sayer (1979)

Leo Sayer fue uno de los artistas con mas presencia en las listas de éxitos en la primera mitad de los setenta con un estilo de pop rock melódico y pegadizo.
Sus comienzos se remontan a principios de los 70 componiendo canciones para otros artistas junto a David Courtney, una de ellas fue el hit del vocalista de The Who, Roger Daltrey "Giving It All Away" en 1973.
Con el apadrinamiento de Adam Faith, Sayer lograría un contrato con el sello Chrysalis con los que publicaría una serie de canciones que tuvieron bastante éxito como "The Show Must Go On".
A partir de aquí tendría hasta una docena de hits en las listas británicas y norteamericanas, como "One Man Band", “Long Tall Glasses (I Can Dance)", "Moonlighting", "Let It Be", "You Make Me Feel Like Dancing", "When I Need You", "How Much Love", "I Can´t Stop Loving You (Though I Try)" o "More Than I Can Say".
También sus álbumes en ese mismo periodo tuvieron un éxito constante en los rankings entre 1973 y 1977.
Sin embargo seria a partir de finales de los setenta cuando sus discos tiene un menor impacto comercial y mediático facturando una sucesión de trabajos mediocres que terminarían por espaciar sus publicaciones discográficas.
Justo antes de acabar los setenta se publicaba “The Very Best Of Leo Sayer”, un álbum recopilatorio en donde aparecen catorce de sus grandes hits y que se convertiría en su álbum mas vendido, alcanzando un numero uno absoluto en las listas británicas y en otros países alrededor del mundo.

Coldplay-A Rush Of Blood To The Head (2001)

Estamos en el año 2000, y las listas de éxitos de medio mundo se ven convulsionadas con varios singles de una desconocida banda británica de rock alternativo que pronto se convertirían en una de las sensaciones de la música rock del nuevo siglo.
Ellos eran Coldplay, una banda liderada por el cantante y pianista Chris Martin que junto al guitarrista Jonny Buckland, al bajista Guy Berryman y al batería Will Champion, consiguieron con su álbum debut "Parachutes" y canciones como "Yellow", “Shiver”, “High Speed”, “Don´t Panic” o "Trouble", auparse a lo mas alto de las listas con un planteamiento sencillo y unas letras conmovedoras e inteligentes.
Un año después se confirmarían definitivamente con su segundo larga duración, este "A Rush Of Blood To The Head", en donde seguían por una línea musical continuista basada en una perfecta combinación de piano y guitarra, melodías sencillas, grandes arreglos de cuerda, ciertas dosis de épica y unas voces atractivas.
Repleto de canciones que brillan con luz propia como "In My Place", “Amsterdam”, “Warning Sign”, “The Scientist” “Green Eyes” "Politik", "Daylight" o "Clocks", convirtieron a este segundo álbum en toda una declaración de intenciones del mejor indie-rock, con mas de trece millones de copias vendidas y el premio Grammy al mejor álbum del año.

Out Of Focus-Out Of Focus (1971)

Out Of Focus fueron otra de las bandas del movimiento krautrock alemán, esta en concreto derivada a los sonidos del psyche folk/blues y el jazz rock no muy alejada de los que hacían otras formaciones contemporáneas como Kraan, Embryo o Nucleus.
Formados a finales de los sesenta en Munich, su primera formación estaba compuesta por el guitarrista, flauta y voz Remigius Drechsler, el teclista Hennse Hering, el vocalista y saxo Moran Neumüller, el batería Klaus Spöri y el bajista Stefan Wishen.
En 1970 el sello independiente alemán Kuckuck les financia su primer álbum "Wake Up" en donde mostraban sus gustos por la psicodélica con excelentes sonidos de guitarras y órgano Hammond, complementados por una excelente flauta y una contundente batería.
Un año después publican el homónimo "Out Of Focus", en el cual su enfoque progresa inmensamente del rock psicodélico de sus inicios hasta unos sonidos mas orientados al jazz, gracias a instrumentos como el saxo.
Estos impulsos de jazz están mas enfocados al estilo de los primeros Jethro Tull o Ten Years After, como queda demostrado en la enérgica "What Can a Poor Boy Do", la folk psicodélica "It´s Your Life", la jazz rock progresiva "Whispering" o las psicodélicas cargadas de folk y retazos de blues "Blue Sunday Morning" y "Fly Bird Fly".
Con un tercer y ultimo álbum "Four Letter Monday Aftyernoon" (1972), se desvían hacia los sonidos mas cercanos al brass-jazz rock, dando por concluida poco después las andaduras de esta magnifica banda que pudieron haber sido mucho mas grandes de lo que realmente llegaron a ser.

Casiopea-Thunder Live (1980)

Casiopea son una famosa banda japonesa de jazz rock muy elogiada mundialmente, la cual durante cuatro décadas no han dejado de publicar nuevos álbumes, todos ellos bien recibidos por los seguidores a este sub-genero jazzistico.
Esta banda fue fundada en 1976 por Issei Noro, el único miembro estable en toda la trayectoria de Casiopea y Tetsuo Sakurai, al que pronto se les unirían Akira Jimbo y Minoru Mukaiya.
En 1979 lograrían publicar su álbum debut homónimo en el cual colaborarían los músicos norteamericanos Michael y Randy Brecker y David Sanborn.
Las influencias funk y rock, los ritmos latinos, las poderosas percusiones, el gran dinamismo instrumental no falto de melodía y el talento de los cuatro músicos no pasa desapercibido y pronto sus álbumes son publicados de manera oficial en los Estados Unidos y en el resto del mundo.
A este primer álbum le seguirán otros brillantes lanzamientos como "Super Flight" (1979), "Make Up City" (1980), "Eyes Of The Mind" (1981), "Mint Jams" (1982) o "Photographs" (1983) y así hasta cerca del medio centenar, logrando con muchos de ellos, posiciones muy altas en las listas de jazz de numerosos países.
En 1980 dejaron el excelente directo "Thunder Live" (1980), una formidable muestra de como se desenvolvían en vivo la que esta considerada la mas importante formación en la historia del jazz rock japonés.

The Stranglers-Aural Sculpture (1984)

Considerada una de las bandas de culto por excelencia de la década de los ochenta, The Stranglers pueden presumir de una larga carrera con mas de cuarenta años y casi una veintena de álbumes publicados, algunos de ellos de exitoso reconocimiento comercial y de gran reputación entre la prensa británica y europea.
Originarios de la ciudad británica de Guilford, su fundador seria el batería Bryan Duffy, quien reclutaría al bajista Jaques Burnel, al guitarrista Hugh Cornwell y al teclista Dave Greenfield.
En sus comienzos estuvieron vinculados al movimiento punk, pero después de varios discos se fueron orientando hacia otros géneros musicales, una amalgama de estilos que incluyeron la new wave o los sonidos mas melódicos del rock mainstream sin llegar a los típicos clichés comerciales.
En 1984 cuando ya estaban plenamente establecidos como banda consolidada, publicaron su octavo álbum, “Aural Sculpture”, sin duda el mas elegante e intrincado de todos los hechos hasta aquellos momentos.
Aquí además de predominar los sonidos de los sintetizadores, también se amplían con una sección de vientos, otorgando una mayor profundidad a su calidad final.
Cortes destacados como “In One Door” “Spain”, “Let Me Down Easy”, “Place de Victoires” o “Skin Deep”, los volverían a poner en el candelero británico, logrando la estimación por parte de los fans y la critica musical del la época.

Elton John-Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy (1975)

En 1975 un Elton John pletórico y triunfal publicaba su noveno álbum, a estas alturas de su carrera, sus éxitos se cosechaban como churros, logrando innumerables top ten en las listas de ambos lados del Atlántico y millones de discos vendidos alrededor del mundo.
Su creatividad junto a su inseparable Bernie Taupin parecía no tener fin y de hecho este mismo año de 1975 publicarían dos álbumes, por un lado este “Captain Fantastic and The Brown Dirt Cowboy” y pocos meses después el décimo trabajo “Rock of the Westies”.
Centrándonos en el primero de ellos, Elton John creaba su trabajo mas épico que junto al dinamismo de estilos que contiene, conforman un disco evocador, elegante y al mismo tiempo fascinante.
Cortes atractivos como la que dan titulo al álbum o “Tell Me When The Whistle Blows”, “Tower Of Babel”, “Someone Saved My Life Tonight” o la potente “(Gotta Get A) Meal Ticket”, demostraron la plena madurez compositora de uno de los mejores dúos británicos de la década de los setenta.

Horslips-The Book Of Invasions-A Celtic Symphony (1976)

The Horslips esta considerada la banda mas grande del folk progresivo de Irlanda, además de la mas aclamada y la que en su mejor momento fueron quienes mas seguidores a nivel nacional tuvieron, por encima de otras leyendas irlandesas como Van Morrison, Rory Gallagher o Thin Lizzy.
Emparentados musicalmente con otras bandas coetáneas como Jethro Tull, Fairport Convention o Steelye Span, ellos acuñaron como nadie el termino “celtic-rock”, basando sus raíces en el misticismo celta mezclado con el hard rock.
Durante la década de los 70 grabaron una docena de álbumes de estudio y varios directos, siendo sus primeros seis lanzamientos los mas aclamados de toda su carrera.
Formados a principios de los 70, por Barry Devlin (bajo y voz), Sean Fean (guitarra) Eamonn Carr (batería), Charles O'Connor (violín, mandolina y voz) y Jim Lockhart (flauta y teclados), publicaron su primer álbum en 1972 titulado "Happy To Meet, Sorry To Part", con el cual tuvieron bastante notoriedad.
Los siguientes años irían lanzando una serie de discos de gran nivel como los brillantes "The Táin" (1973), "Dancehall Sweethearts" (1974), “The Unfortunate Cup Of Tea" (1975), "The Man Who Built America" (1978) o este que nos ocupa aquí "The Book Of Invasions-A Celtic Symphony".
Como casi todos sus álbumes, este esta concebido a modo conceptual sobre historias legendarias de Irlanda, la mitología irlandesa y los tiempos paganos precristianos.
Un trabajo que esta impregnado como no podía ser de otra manera de los sonidos celtas como la inicial "Daybreak", mientras que los temas orientados al rock mas convencional aparecen en "The Power and The Glory", acentuando sus sonidos del folk rock melódico en las estupendas "Warm Sweet Breath Love" y "The Rocks Remain" sin dejar de lado sus acercamientos al folk progresivo con la increíble "Ride To Hell".

10cc-How Dare You! (1976)

En 1976 la banda británica 10 CC se encontraban en la difícil papeleta de superar o al menos igualar creativamente el álbum anterior “Original Soundtrack”, la obra que los encumbraría definitivamente.
En medio de ciertas desavenencias entre las dos parejas de compositores de la banda,  Stewart-Gouldman y Creme-Godley, se sacarían de la manga otro fenomenal álbum, el cual para muchos fue el canto del cisne de 10CC.
Dejando a un lado las diferencias musicales, los cuatro músicos lograron la mejor continuación musical a su antecesor con un trabajo el cual contiene joyas del art-pop melódico con múltiples texturas vocales e instrumentales, soberbiamente equilibrado y con una producción exquisita.
Desde las melódicas y prodigiosas “I´m Mandy, Flye Me” o “Art For Art´s Sake”, hasta acercamientos progresivos como la instrumental “How Dare You!”, pasando por las operísticas con sabor beatle “Iceberg” y “Don´t Hang Up”, la bluesy “Rock¨n´Roll Lubally” o la pop juguetona “Head Room”.

Sonic Youth-Goo (1990)

Surgidos en plena fiebre punk, los neoyorquinos Sonic Youth nunca fueron encuadrados en ese movimiento y si en los sonidos underground y oscuros de la ciudad de los rascacielos, pese a tener ciertas similitudes al sonido creado en Inglaterra y Norteamérica a finales de los 70.
Formada en la ciudad de New York en 1981 por el bajista y voz Kim Gordon, el guitarra y teclados Thursten Moore y el batería Lee Ronaldo, se distanciaron de los sonidos mas convencionales para adentrarse en la distorsión y las burbujeantes bases rítmicas, con unas seductoras melodías, agresivamente trastornadas, transformando su estilo de rock alternativo en un anárquico sonido fogoso y subversivo.
Con su sexto álbum "Goo", la banda lograba su apogeo popular gracias a un disco que contenía temas como la fangosa "Dirty Boots", la insolente "Tunic", la punk "Mary-Christ" o la gótica "Kool Thing".

Budgie-In For The Kill (1974)

Budgie tienen un lugar especial en el corazón de cientos de miles de fans del rock pesado de los años setenta, aunque en realidad nunca llegaron a la altura comercial ni mediática de muchas de sus contemporáneas en aquellos años.
Al igual que Led Zeppelin, Budgie conocía la importancia de tener momentos ligeros, en ocasiones acústicos y complementarlos con la grandilocuencia de los riffs pesados del hard rock y el heavy metal y así construir un estilo mas dinámico y atractivo.
"In For The Kill" fue el cuarto álbum de la banda, considerada una de sus grandes obras, en donde incluso parecen mucho mas confiados que en sus soberbias entregas anteriores, lo que hace que la diversa gama de estilos tenga un punto mas cautivador de escuchar.
Cortes como la pesada rock "Running From My Soul" o la atronadora y funesta heavy rock progresivo "Living On Your Own", muestran ese claro dinamismo. Por el contrario están las solidas y convencionales heavy metal "In For The Kill" y "Crash Course in Brain Surgery", la acústica y bella "Wondering What Everyone Knows" o la épica y contundente "Zoom Club", lo que crea un atrayente disco de hard rock con sutiles influencias progresivas de la mejor banda de heavy metal que Gales haya dado jamás.

Argent-Nexus (1974)

El quinto álbum de Argent, “Nexus”, supuso su propuesta mas progresiva, alejados de las indulgencias del rock mainstream de los éxitos monumentales "Hold Your Head Up"(1972) y "God Gave Rock and Roll to You" (1973).
Si ya desde el anterior "In Deep" (1973), la banda empezaría a dirigir su música hacia un estilo mas complejo, en este "Nexus" Rod Argent toma las riendas de gran parte de las composiciones dominado por los teclados como queda demostrado en las tres primeras canciones del álbum, las instrumentales "The Comming Of Kohoutek", "Once Around The Sun" y "Infinite Wanderer", en donde Argent da rienda suelta a sus solos de órgano y los frenéticos teclados y las aportaciones estelares de un Russ Ballard pletórico a la guitarra.
La epopeya progresiva "Music From The Spheres", sigue por un sendero parecido, completando la primera parte la simplista balada "Love".
La segunda cara del álbum esta dominada por completo por las composiciones de Russ Ballard, temas todos ellos de predominante hard rock pesado y contundente "Thunder and Lightning", "Keeper Of The Flame", cortes cercanos al pomp rock "Man For All Reasons" o la blues rock "Gonna Meet My Maker".
Después de este álbum las disputas internas entre Rod Argent y Russ Ballard debido al rumbo musical que deberían seguir, precipita el abandono del segundo y la banda entraría en una crisis creativa publicando varios álbumes mas sin demasiada repercusión como fueron "Circus" y "Counterpoints" (1975), ambos los epitafios de esta legendaria banda.

The Smiths-The Queen Is Dead (1986)

Expertos en producir canciones pop que se ajustaban a la energía del rock clásico, combinado con unas letras angustiosas y poéticas, The Smiths fueron una de las bandas que encabezaron el pop rock británico de mediados de los ochenta.
La cara visible de esta banda era el vocalista Morrisey, el cual junto a su escudero el guitarrista Johnny Marr, el bajista Andy Rourke y el batería Mike Joyce, conseguirían retomar la importancia de las canciones simples en detrimento de los teclados modernos y los grandes arreglos tecnológicos muy presentes en los sonidos de la música pop durante los años ochenta.
Después de lanzar prominentes y mordaces canciones como “What Difference Does it Make”, pertenecientes a su primer álbum “The Smiths” (1984), llegaba su tercer álbum, “Meat is Murder” (1985), que venia precedido del recopilatorio de singles “Hatful of Hollow” (1985), en donde mostraban una línea continuista con cortes de claro pop guitarrístico.
Un año mas tarde entregarían su obra definitiva “The Queen Is Dead”, aquí realizaron un sonido mas pulcro y refinado de pop exquisito con cortes como “The Boy With The Thorn In His Side”, “Bigmouth Strikes Again” o “There Is a Light That Never Goes Out”.
Un segundo puesto en las listas de éxitos británicas les brindarían su primer disco de platino y también su primer disco de oro en el impenetrable mercado norteamericano.

Status Quo-Whatever You Want (1979)

Status Quo fueron con bastante frecuencia menospreciados y hasta cierto punto ridiculizados, debido a su boogie rock simple de “cuatro acordes”, el cual les ocasionaron no pocas criticas entre una buena parte de la siempre conservadora e intolerante prensa musical británica de los 70.
Sin embargo el hacer ese estilo tan desenfadado apto para el consumo masivo, ha sido el singular propósito de esta legendaria banda que ha llegado a crear algunos de los mejores álbumes de la historia de la música rock.
Álbumes como “Dog Of Two Heads” (1971), “Piledriver” (1973), “Rockin´All Over The World” (1977) o “If You Can´t Stand The Heat” (1978), les dieron el suficiente crédito para estar entre las grandes bandas de la década de los 70.
En 1979 Status Quo lanzarían su duodécimo álbum de estudio “Whatever You Want”, en donde además del contagioso titulo que da nombre el álbum, uno de sus hits mas memorables, la banda experimentaba con nuevas ideas con prodigiosas composiciones como “Living On An Island”, “Who Asked You”, “Come Rock With Me”, “High Flyer” o “Breaking Away”.
Con este brillante álbum, Status Quo siguieron asegurándose un puesto privilegiado entre las bandas británicas mas punteras, con una continua presencia en las listas de éxitos de medio mundo y con una credibilidad intacta y respetable entre sus millones de fans.

The Jam-Sound Affects (1980)

Acabando la década de los setenta, en el Reino Unido aparecieron muchos artistas que influenciados por los sonidos de los 60 como el mod británico, el sonido garaje americano, los sintetizadores de nueva generación, el rock and roll y el rock callejero (punk rock), propusieron un estilo al que pronto denominaran new wave.
Entre una gran multitud de bandas sobresalieron media centenar de ellas como por ejemplo The Jam, los cuales tenían en The Who uno de sus mayores créditos, con un planteamiento musical sencillo, una simple formación de guitarra, bajo y batería.
Liderados por el guitarrista Paul Weller, lanzaron varios discos al final de los setenta; como el germinal “In The City” (1977), y los aún poco consistentes e inmaduros “This Is The Modern World” (1977) y “All Mod Cons” (1978).
El mas desarrollado “Setting Sons” (1979), mostraba una mayor creatividad y calidad en sus composiciones, además de un mejor refinamiento instrumental.
Esta evolución musical se vería recompensada con el quinto álbum “Sound Affects” (1980), en donde tanto las letras de Weller como el crecimiento instrumental del trío es realmente admirable.
Cortes como la potente “Set The House Ablaze”, la pesimista “That´s Entertainment”, la rítmica “Pretty Green”, la funesta “Scrape Away”, o la frenética “But I´m Different Now”, les darían el reconocimiento y la popularidad merecida a The Jam, logrando crear con todas ellas un álbum magnifico y la obra cumbre del trio británico.

Hokus Poke-Earth Harmony (1972)

Hokus Poke fue una efímera banda londinense que lanzaron un único álbum bajo la etiqueta de Vertigo, un sello especializado en los sonidos progresivos y underground.
Esta banda estaba formada por el bajista Smith Campbell, el guitarrista Roger Clarke, el guitarrista y voz Clive Blenkhorn y el batería Johnnie Miles.
Su único álbum fue grabado en los Air estudios propiedad del quinto Beatle, George Martin en el año 1972 bajo el titulo de “Earth Harmony”.
En esta única entrega, esta desconocida banda mostraba un heterogéneo estilo entre el acid rock, "The Poke", el rock psicodélico "Sunrise Sunset", el boogie rock "H.P.Boogie", los sonidos blues "Living In Harmony" y los aromas del folk y el country "Down In The Street" y "Big World Small Guy"
Debido a la escasa distribución y la poca repercusión de este interesante disco, la banda terminaría desapareciendo sin dejar rastro poco después de su publicación, convirtiendo a este raro álbum en otra de esas piezas de coleccionismo muy cotizada en la actualidad.

Queen-A Day At The Races (1976)

En 1976 Queen estaban en plena creatividad y en su mayor apogeo de popularidad, ellos venían de conseguir un incontestable numero uno en las listas con su anterior álbum "A Night at the Opera", una obra que los encumbraba definitivamente y que los harían pasar a los anales de la música rock.
El siguiente movimiento discográfico seria este "A Day at the Races", que lanzado un año después, seguía como su titulo sugiere la senda del anterior, con otro titulo de otra película de los hermanos Marx.
Al igual que el mencionado "A Night at the Opera", este "A Day at the Races" muestra un sonido enérgico, versátil y teatral.
La inicial hard rock "Tie Your Mother Down" además de convertirse en un éxito en las radios de medio mundo, pasaría a engrosar el repertorio habitual en todos sus conciertos posteriores, a esta la sigue la hermosa balada "You Take My Breath Away", en donde un pletórico Freddie Mercury representa una de sus interpretaciones musicales mas extraordinarias.
"Long Way", es un corte que podríamos considerar una especie de contraste al tema "39" del álbum anterior, o la epopeya "The Millionaire Waltz", que sigue la misma línea que la inmortal y maravillosa "Bohemian Rhapsody", y que la convierten en el punto culminante de este trabajo.
La acústica "You And I", y sobre todo la omnipresente "Somebody To Love”, también representan a los Queen mas pomposos en su mayor apogeo con grandes armonías, unas guitarras complejas y un coro gospel sublime.
Para terminar el álbum nos encontramos con cuatro canciones que terminan de argumentar la calidad final de este sobresaliente disco como son la hard rock "White Man", la music hall "Good Old-Fashioned Lover Boy", la acaramelada "Drowse" y la extravagante "Teo Torriate (Let us Cling Together)”.

Help Yourself-Beware The Shadow (1972)

Help Yourself (conocidos como The Helps) fue una banda británica con un sonido cercano al country psicodélico. Ellos grabaron cuatro álbumes a principios de la década de los 70: "Help Yourself" (1971), "Strange Affair" (1972), "Beware The Shadow" (1972) y "The Return Of Ken Whaley" (1973).
Para muchos su tercer trabajo “Beware The Shadow”, fue el punto culminante de la carrera del grupo, el cual es ampliamente admirado por fanáticos al progresivo y la psicodelia de todo el mundo.
Help Yourself estaba formado por Malcolm Morley (guitarra, teclados y voz), Dave Charles (batería y voz), Ken Whaley (bajo) y Richard Treece (guitarra, harmónica y voz).
Al escuchar este "Beware The Shadow", podríamos pensar que estos británicos, son en realidad una banda estadounidense de rock sureño y de hecho desde la inicial "Alabama Lady", suenan como tal, con unas claras influencias de The Allman Brothers Band y otras bandas coetáneas de los Estados del Sur.
En contrapunto a esta aparece la excelsa y psicodélica "Reaffirmation", doce minutos de jam sessión al mas puro estilo de los Grateful Dead.
La blues rock "American Mother", sigue reafirmando ese sonido típico americano, lo mismo que la folk rock "Passing Through".
Sin embargo la breve y desenfadada "Calapso", la beatle "She´s My Girl" y la frívola country rock "Molly Bake Bean", carecen de la creatividad y el vigor de las anteriores.
En definitiva, estos británicos nos dejaron con este “Beware The Shadow”, una interesante colección de brillantes temas de folk, blues-rock y psicodélica, con un sonido decididamente estadounidense.

Imán Califato Independiente-Imán Califato Independiente (1978)

Otra importante banda del movimiento del rock progresivo andaluz, fueron Imán Califato Independiente, la cual tuvo su origen en una convención impartida por el gurú de la meditación Maja-raj-ji a mediados de los setenta. Como auténticos hippies, los músicos vivían juntos en una casa del Puerto de Santa María en Cádiz.
Casi a finales de los setenta lograron que el sello Columbia se interesara por su música y les producen su primer álbum que fue publicado casi a finales de 1978.
En este primer álbum la banda muestra unas grandes influencias del jazz rock muy emparentado con Santana, Return to Forever o Weather Report, con acercamientos al rock progresivo y a la esencia del folclore flamenco.
La primera cara del álbum debut esta dedicada exclusivamente a la suite “Tarantos del Califato Independiente”, un tema dinámico en donde los sintetizadores, las grandes percusiones y los emocionantes solos de guitarra flamenca y las vibrantes guitarras eléctricas nos dejan una pieza exuberante.
La cautivadora “Darshan”, un claro corte de prog andaluz, la jazz rock latina “Cerro Alegre” y la exótica jazz rock progresiva con sonidos árabes y andalusí “Canción de la Oruga”, lo convirtieron en uno de los mejores debuts del rock andaluz y del rock español.

Rick Wakeman-The Six Wives of Henry VIII (1973)

El primer álbum en solitario de Rick Wakeman (a excepción del poco conocido "Piano Vibrations" de 1971), fue un ambicioso proyecto conceptual de seis temas, cada uno inspirado en una de las esposas del rey Enrique VIII. El propio Wakeman llego afirmar que las pistas no pretendían describir a sus sujetos como tales, sino reflejar su particular interpretación de los personajes.
Su rol como teclista de los famosos Yes, significaría que el álbum tuviera un gran éxito, con un publico deseoso de adquirir cualquier trabajo que tuviera alguna conexión con la banda.
Para esta la grabación, Wakeman tuvo la colaboración de todos los integrantes de Yes (Steve Howe, Chris Squire, Alan White y Bill Bruford), además de David Cousins de los Strawbs, o el percusionista Ray Cooper, entre otros destacados músicos de la escena progresiva británica.
Como es natural en este álbum, totalmente instrumental, predominan los teclados, con una gran variedad de sonidos, desde piano clásico hasta sintetizadores. Hay desde momentos melódicos y refinados hasta partes vigorosas y poderosas, incluidas referencias a piezas clásicas e himnos pomposos. Sobre todas ellas destacan "Anne Boleyn", una hermosa pista predominada por el piano y "Jane Seymour" con su memorable sección de moog.

Silverhead-Silverhead (1972)

Silverhead son otra de esas olvidas y grandes bandas británicas de los 70.
Enmarcados en el glam rock fue fundada a principios de 1972, y estaba liderada por el cantante Michael Des Barres, mientras que Robbie Blunt (guitarra), Rod Rook Davies (guitarra, percusión, voz), Nigel Harrison (bajo) y Pete Thompson (batería, percusión, teclados, voz) cerraban esta estupenda formación.
Casi a mediados del mismo año el recién creado sello Purple Records les contrata, siendo la primera banda después de los propios Deep Purple en grabar bajo su etiqueta.
Este primer álbum fue producido por el afamado Martin Birch, un ingeniero habitual en las producciones de bandas de hard rock y heavy metal como los propios Deep Purple.
El debut de Silverhead es una atractiva mezcla de hard rock, glam rock e incluso elementos de proto-punk.
Brillantes cortes como “Ace Supreme”, “Sold Me Down The River”, “Rock´n´Roll Band”, “Rollin´With My Baby” o “In Your Eyes”, merecieron mejor suerte, pasando bastante desapercibido e injustamente obviado por el publico de la época mas interesados en bandas mas punteras del glam rock como T.Rex. Slade, Gary Glitter, Sweet o David Bowie The Spiders from Mars, en medio de la efervescente moda glam reinante en aquellos años.
Después de un segundo álbum mas previsible titulado “16 and Savage” (1973), la banda se embarcaría en varias giras con cierto éxito por el Reino Unido como teloneros de los grupos Nazareth y Osibisa y durante algún tiempo fueron la atracción principal del club Dagenham Roundhouse, uno de los mas importantes de Londres.
Un tercer álbum de estudio, con el titulo provisional de 'Brutiful', comenzaría a gestarse a comienzos de 1974, pero el grupo terminaría desapareciendo antes de la finalización del mismo en julio de ese mismo año.

Rare Earth-One World (1971)

Si con su tercer álbum Rare Earth volvieron a impactar en las listas del Billboard de R&B, logrando un disco de oro y un top ten con el clásico de la Motown “(I Know) I´m Losing You”, con el siguiente “One World”, no le irían a la zaga, de hecho igualarían sus registros e incluso produjeron otro éxito mundial con la canción de cosecha propia “I Just Want to Celebrate”.
Grabado con la misma formación que el anterior “Ecology”, con la excepción del guitarrista Rod Richards, sustituido aquí por el músico de sesión de la factoría Motown Ray Monette, el resto estaba formado por Mark Olson, Ed Guzman, Gil Bridges, John Persh y Pete Rivera, los tres últimos, supervivientes de la formación original que grabaría el apoteósico y monumental “Get Ready”, de varios años antes.
Producido por Tom Baird, muestra el sonido característico de Rare Earth con ese musculoso y vigoroso soul, jazz, blues y rhythm and blues, con notables cortes como la extensa versión de Ray Charles “What I´d Say”, la funk rock con rasgos bluesy “The Seed”, la robusta “Someone Of Love”, la soul rock “Any Man Can Be A Fool”, la country/folk rock “If Die”, la melódica “The Road” o la mencionada funk rock “I Just Want to Celebrate”.

Stratovarius-Episode (1996)

Finlandia es la cuna de algunas de las mejores bandas del heavy metal y metal progresivo actual; Nightwish, Apocalyptica, Children of Bodom, Sonata Artica, Amorphis, HIM, Lordi, The Rasmus o Stratovarius entre otras muchas mas.
Centrándonos en esta ultima, considerada una de las pioneras del power metal progresivo, fue durante gran parte de la década de los noventa una de las bandas mas creativas y originales, además de tener una de las discografías mas extensas y productivas, con casi una treintena de álbumes entre discos de estudio y directos.
Creada a partir de las cenizas de otra banda llamada Black Water, Stratovarius fue fundada a mediados de los ochenta en Helsinki por el batería Tuomo Lassila quien junto al guitarrista Timo Tolkki, el bajista Jyrki Lentonen y el teclista Antti Ikonen publicaron bajo el sello CBS su primer álbum en 1989 titulado “Fright Night”.
Después de tres álbumes mas, la banda lanzaría el que esta considerado su mejor obra “Episode”, en donde los portentosos sonidos neoclásicos del metal progresivo, conducidos por la apocalíptica guitarra de Tolkki, unido a los sublimes teclados del nuevo miembro Jens Johansson, conforman un álbum sobresaliente con cortes arrasadores y tremendamente demoledores como “Father Time”, “Speed Of Light” o “Will The Sun Rise?”, sin olvidarnos de las mas complejas y progresivas “Stratosphere”, “Babylon” y “Uncertainty”.

Odyssey-Setting Forth (1969)

Originarios de Nueva York, esta banda tiene el honor de haber grabado uno de los mas interesantes álbumes psicodélicos que se recuerdan.
Esta desconocida banda creada a finales de los 60 en Long Island, estaba formada por Fred Callan (Guitarra), Vincent E. Kusy (Órgano y teclados), Jay Sharkey (Batería) y Louis Yovino (Voz) y su bagaje discográfico se limita a este sensacional "Setting Forth", el cual esta repleto de sonidos enérgicos de guitarras heavy rock con chirriantes órganos, unas voces penetrantes y una batería estremecedora.
Su repertorio es sencillamente demoledor empezando por la palpitante con sonidos fuzz "Angel Dust", la jazzistica "Church Yard", la hard rock "Got To Feet It", las psicodélicas "Tied By A Rope", "St. Emo´s Fire" y "Come Back" o la boogie bluesy "Denky´s Boogie".
La escasa promoción de las pocas copias que se pusieron a la venta y la desidia por parte de la discográfica, mas interesada en otras bandas mas mediáticas, abocarían a este soberbio álbum desaparecer tristemente en el cajón del olvido, hasta que seria reeditado años después, convirtiéndose en otro de esos discos codiciados por los coleccionistas a las rarezas psicodélicas de los 60.

Alameda-Alameda (1979)

Alameda fueron otra de las bandas fundamentales que formaron parte del movimiento del rock andaluz de los años 70 en España. Procedían de Sevilla y estaban liderados por los hermanos Marinelli, los teclistas Rafael y Manuel, junto con el guitarrista y cantante José Roca, el bajista Manuel Rosa y el baterista Luis Moreno. En 1978 con una demo bajo el brazo buscaron un contrato, logrando finalmente firmar con CBS y lanzaron su debut homónimo en 1979, bajo la subsidiaria Epic Records.
Su sonido estaba mas emparentado al rock romántico andaluz con influencias de Jazz fusión, basado en agradables armonías vocales y el trabajo de teclado dual de los hermanos Marinelli, que al rock progresivo de Triana. Los temas se caracterizan por agradables melodías con sabor a flamenco, protagonizadas por los pianos y las guitarras de Rosa, parcialmente mezcladas con los potentes sintetizadores moog y apoyados por una sección rítmica conjuntada. Hay una atmósfera muy tranquila y positiva a lo largo del álbum, sin embargo carece de la intensidad de su coetánea Triana, aunque su sonido por momentos es en alguna medida bastante comparable.
Temas impregnados de claras referencia al jazz rock, (“Aires de la Alameda”, “A la vera del Jueves”), cortes melancólicos e intensos de rock andaluz (“La Pila del Patio”, “Ojos de Triste Llanto” y “Amanecer en el Puerto”) y concesiones al jazz progresivo (“Hacia el Alba” y “Matices”), constituyen un enérgico y trepidante álbum de fusión y rock andaluz ejecutado instrumentalmente de manera envidiable por una de las mejores bandas del rock español de todos los tiempos.

Moxy-Moxy (1975)

Moxy fueron una de las bandas mas esperanzadoras del hard rock canadiense de la década de los 70, y pese a que lograron el reconocimiento en el medio oeste norteamericano y en su Canadá natal, no tuvieron mucha continuidad mas allá de unos pocos años y cuatro discos de gran mérito que pasaron desapercibidos para el gran publico.
Fundada como consecuencia de la fusión de varias bandas locales de la zona de Toronto (Leigh Ashford y Outlaw Music), de sus cenizas se reunirían el vocalista Buzz Shearman, el guitarrista Earl Johnson, el bajista Terry Juric y el batería Bill Wade.
Después de firmar con la Polydor Récords, la banda se traslada a California donde graban su primer Lp homónimo que es publicado en 1975.
En este primer álbum participaría el nuevo guitarrista de Deep Purple, Tommy Bolin, el cual se encontraba por las mismas fechas en los mismos estudios en plenas sesiones de grabación de su álbum en solitario "Teaser".
En este debut, Moxy muestra un electrizante hard rock pesado y oscuro sobresaliendo temas como la pesada hard rock "Fantasy", la blues rock "Train", las enérgicas "Time To Move On" y "Still I Wonder", la country rock "Sail On Sail Away" o la atractiva "Moon Rider".
Después de este álbum, el cual obtiene un moderado éxito, debido a los hit radiales "Can´t You See I´m A Star" y "Moon Rider", la banda se amplia con el guitarrista Buddy Caine y graban el segundo larga duración "Moxy II", logrando un mejor resultado comercial y alcanzando unos meritorios puestos altos en las listas norteamericanas gracias a temas como "Take It or Leave It" o "Midnight Flight" y en parte también debido a sus constantes giras por Canadá y los Estados Unidos en apoyo a bandas como Boston o Black Sabbath.
Después de un tercer y un cuarto disco “Ridin´High” y "Under The Lights", con este ultimo incluso fueron proclamados como el grupo mas prometedor del año, comienza una serie de problemas y sucesos en el seno de la banda, motivos los cuales precipitarían su disolución definitiva en el año 1983.

Nirvana-Nevermind (1991)

Para muchos, el grunge fue un estilo maldito y repudiado, para otros un genero que trajo aire fresco a la música rock e incluso para otros muchos fue una etiqueta inventada por las discográficas para crear nuevas expectativas y nuevos ingresos. Sea como fuere, este movimiento musical fue el sonido predominante en el mundo del rock durante una buena parte de los 90, sobre todo en sus primeros años.
El grunge bebía de muchas fuentes, desde el hard rock heredero de los Led Zeppelin, hasta el punk rock, pasando por los sonidos alternativos, el heavy metal e incluso la música vanguardista y experimental.
A finales de los ochenta y principios de los noventa existían docenas de bandas punteras que intentaban abrirse paso en el mundo de una música rock cada vez mas competitivo, entre las que estaban Temple Of The Dog, Mother Love Bone, Pearl Jam, Soundgarden, Stone Temple Pilots, Screaming Trees, Alice In Chains o Nirvana.
Fue precisamente este ultimo grupo quien con su segundo álbum “Nevermind”, popularizarían el estilo a nivel mundial, un disco sencillamente soberbio en el que se aglutinan todas las características del genero, sonidos punk y alternativos, riff´s de hard rock y heavy metal y la contundencia del rock norteamericano.
Repleto de canciones vibrantes como la famosísima “Smells Like Teen Spirit”, o las crudas y distorsionadas “In Bloom”, “Lithium”, “Come As You Are” o “Something In The Way”, lograron que este controvertido genero convulsionase la música rock...al menos durante los siguientes cinco años.

Nazareth-Close Enough For Rock´n´Roll (1976)

Con “Close Enough For Rock´n´Roll”, el séptimo álbum de los escoceses Nazareth, empezarían a desviarse de su ecléctico rock and roll y hard rock para adentrarse en los sonidos del rock melódico tan de moda en el año que fue publicado (1976).
Mientras su álbum predecesor “Hair of the Dog” rebozaba del enérgico heavy rock progresivo que les llevaría a conseguir un disco de platino y otro de oro, este adolecía casi por completo de su contundencia y energía si exceptuamos la vibrante “Telegram”, la boogie rock “Lift The Lid” y la vigorosa versión de Jeff Barry “You´re The Violin”, mientras son los sonidos armoniosos y dinámicos los que toman el relevo con la sedosa “Homesick Again”, la rítmica “Vancouver Shakedown”, la juguetona “Born Under The Wrong Sign” o las melódicas rock “Loretta” y “Carry Out Feelings”.
Pese a lo arriesgado que supondría su radical cambio de estilo, la banda lograría salir airosa facturando un álbum que fue bien acogido por los fans y mantuvieron decentemente su status entre lo mas alto del hard rock mundial.

Rush-Caress of Steel (1975)

Siete meses después de la publicación de su segundo álbum, la banda canadiense Rush lanzaban su tercer larga duración titulado “Caress Of Steel”, en donde ya mostraban de manera osada y atrevida su evolución hacia los sonidos progresivos, mientras que por otro lado aún seguían conservando su germinal estilo hard rock.
Por otra parte Neil Peart se involucra definitivamente en los textos y las historias épicas y fantasiosas dando rienda suelta a sus fantasías sobre las tierras medias, los tiempos antiguos y los cuentos sobre guerreros y monstruos.
Temas puramente rock como “Bastille Day”, “I Think I´m Going Bald” y “Lakeside Park” conviven con las mas complejas y épicas “The Necromancer”, y la mini suite “The Fountain of Lamneth”, mostrando a unos músicos virtuosos y tremendamente efectivos.
Sin embargo también les ponía en una situación comprometida debido a la mediocre respuesta comercial posterior del álbum.
Pese al ultimátum por parte de la Mercury Records, la banda seguirá empeñada en su filosofía musical y seria en el siguiente disco “2112”, cuando alcanzarían el rotundo éxito y su consagración definitiva a nivel mundial.

Pink Floyd-Wish You Were Here (1975)

El noveno álbum de Pink Floyd fue grabado en medio de varios hechos muy significativos, algunos de los cuales marcarían el devenir del resultado final de este conceptual y tremendamente atmosférico “Wish You Were Here”.
El primero fue cuando el miembro fundador Syd Barrett, aparecería por los estudios de grabación, este fue un momento trascendental para Roger Waters, quien modificaría sustancialmente el desarrollo de la grabación posterior. De igual manera, otro hecho significativo fue la ardorosa elaboración del técnico de sonido Brian Humphries, al no dominar muy bien los nuevos métodos de grabación de los novedosos estudios Abbey Road de Londres.
También seria el primer álbum de la banda en contar con diferentes colaboraciones, como la de Stephane Grappelli, Dick Parry y Roy Harper, además de varias coristas (Carlena Williams y Venetta Fields)
Antes de su publicación muchos lo pusieron en tela de juicio, por un lado venia precedido de una obra monumental como “The Dark Side Of The Moon” y por otro el que la banda confiara en un nuevo y novel productor, prescindiendo del experimentado Alan Parsons, hecho este que generaría bastante dudas entre los fans y la critica especializada.
Sin embargo la banda no estaba interesada en superarse a si mismos después de tan magna obra, simplemente quisieron expresar nuevos pensamientos y explorar nuevos sonidos, lográndolo de manera apoteósica con un álbum atmosférico, complejo y al mismo tiempo muy accesible.
Desde la inicial “Shine On You Crazy Diamond”, sin duda una de las aperturas mas memorables de todos los tiempos, con un David Gilmour sublime a la guitarra, hasta la acústica “Wish You Were Here” pasando por la electrónica y experimental “Welcome To The Machine” o la ligera y pegadiza “Have A Cigar”, conformaron otra de las obras maestras del rock progresivo y una de las mas exitosas comercialmente con mas de veinte millones de copias vendidas a nivel mundial.

Steely Dan-Gaucho (1980)

"Gaucho" fue el séptimo y ultimo trabajo de la primera etapa de Steely Dan. Cuando se compara con su álbum debut publicado ocho años antes ("Can´t Buy a Thrill"), puede resultar difícil de creer que los mismos dos músicos (Walter Becker y Donald Fagen), tuvieran tanta creatividad musical con unas letras inteligentes, un sonido sedoso, tonos de tiempo musicales complejos y brillantes, acompañados de unas voces tormentosas, y todo ello envuelto en un sonido emparentado con el jazz rock mas sofisticado y bajo unas sesiones de grabación tan impecables como meticulosas.
Para este "Gaucho", el dúo Fagen-Becker, volvían a contar con una amplísima legión de colaboradores, tan larga que necesitaríamos seis o siete líneas para enumerarlos a todos, pero entre los que podríamos destacar a Mark Knopfler, Hiram Bullock, Tom Scott, Larry Carlton, Michael McDonald, Steve Khan, Patti Austin, Joe Sample, Randy, Michael Brecker o David Sanborn…y así hasta casi medio centenar de grandes figuras del jazz, el blues y el rock norteamericano.
Con este trabajo Donald Fagen y Walter Becker conseguirían el pináculo de la auto evolución estilística, sin perder una sola gota de inspiración por parte de todos y cada uno de los miembros de su gigantesca y colosal reunión de músicos para esta legendaria grabación.
Un álbum que al completo se nos antoja imprescindible con temas brillantemente elaborados y ejecutados como "Babylon Sisters", "Hey Nineteen", "Glamour Profession", "Gaucho", "Time Out Of Mind" o "My Rival".
Como ya había ocurrido con todos sus predecesores, "Gaucho" volvería a colocar a Steely Dan en la cúspide del jazz rock y obtendrían su segundo Grammy consecutivo a la mejor grabación en estudio.

Loverboy-Get Lucky (1981)

Loverboy fueron una de las bandas mas exitosas e inspiradas de principios de los ochenta, que en apenas cuatro años lograron tres álbumes multimillonarios enfocados al rock melódico orientado a las FM.
Esta banda canadiense se había formado en la ciudad de Calgary en 1979 por Paul Dean guitarrista y Mike Reno vocalista, a los que se les unirían el batería Matt Frenette, el teclista Doug Johnson y el bajista Scott Smith.
Con un buen contrato bajo el brazo gracias a la Columbia Records, lanzaron el homónimo “Loverboy”, el cual contiene los hits “The Kid Is Hot Tonite” y “Turn Me Loose” dos clásicos de las emisoras FM y del rock orientado hacia adultos.
Este debut los encumbra logrando media docena de discos de platino.
Sin embargo seria con su segundo álbum “Get Lucky”, cuando lograrían el estrellato definitivo gracias a su excelente hard rock mezclado con unas originales líneas de sintetizador, unas voces arrebatadoras y una exquisita producción.
Parte de este mérito estaba en el impresionante plantel de ingenieros y productores, entre los que estaban Bob Rock, Mike Fraser, George Marino y Bruce Fairbairn.
“Get Lucky” contiene una irresistible colección de canciones como la pegadiza “Working For The Weekend”, atractivos medios tiempos, “When It´s Over” y “Gangs In The Street”, temas puramente hard rock “Emotional” y “Lucky Ones” o canciones con gancho AOR como “Jump” y “Take Me To The Top”.
“Get Lucky” se convirtió en un clásico imprescindible del AOR y a la vez una de las obras del genero mas exitosas con siete discos de platino y cinco millones de copias vendidas solo en el mercado norteamericano.

Free-Heartbreaker (1973)

“Heartbreaker” seria el séptimo y ultimo álbum de Free, una de las bandas mas apoteósicas del blues rock de principios de los 70, compuesta por cuatro sobresalientes músicos que dejaron tras de si memorables discos como “Fire and Water” (1970), “Free At Last” (1972) o el mencionado que hoy nos ocupa aquí.
Para cuando la banda entraría en los estudios de la Islands Records en Londres a finales de 1972, ya no estaba entre sus filas el bajista Andy Fraser, quien había abandona justo después del anterior “Free at Last” por desavenencias con el guitarrista Paul Kossoff.
Su puesto seria ocupado por Tetsu Yamauchi, además de ello la banda se vería ampliada con el teclista John “Rabbit” Bundrik y contarían con las colaboraciones del percusionista de Traffic, Rebop Kwaku Baah y del guitarrista W.G. Walden, el cual toma el protagonismo en muchos momentos del disco en detrimento de un apático y cada vez mas enganchado a las drogas Paul Kossoff.
La majestuosa rock “Wishing Well” abre este descomunal trabajo con unos riffs evocadores por parte de Kossoff, en una línea parecida continúan la blues rock “Come Together In The Morning” y la pletórica “Heartbreaker”.
El resto muestra a una banda cargada de emoción y gran feeling con cortes celestiales de blues rock como "Muddy Water", “Easy On My Soul” o “Seven Angels”, los cuales cierran un álbum que no podría tener un epitafio mas acertado para la inmortal despedida de esta fabulosa banda británica.

Blue Oyster Cult-Curse Of The Hidden Mirror (2001)

Tras tres años de sequía discográfica, en el año 2001 los neoyorkinos Blue Oyster Cult lanzaron su decimocuarto trabajo, un álbum que precedía a "Heaven Forbid", en el cual muestran un tono más ligero pero claramente orientado al metal que hacían en los años 70. En aquel año la Blue Oyster Cult aún estaba compuesta por tres de sus miembros fundadores, Eric Bloom (voz y guitarra), Buck Dharma (guitarra y voz) y el teclista Allen Lanier, mientras que cerraban la formación el baterista Bobby Rondinelli y el bajista Danny Miranda. "Curse Of The Hidden Mirror" contiene memorables momentos como el rock pesado "Showtime", las hard rock "The Old Gods Return" y "Eye Of the Hurricane", la dinámica "Pocket", la heavy metal "One Step Ahead of the Devil" o la semi progresiva "Dance On Stilts". Sin llegar creativamente a sus obras cumbres de los años 70, este "Curse Of The Hidden Mirror" es otro de los magníficos registros de esta legendaria banda norteamericana.

Cream-Goodbye (1969)

Publicado como colofón a su espectacular trayectoria, el trío compuesto por Eric Clapton, Jack Bruce y Ginger Baker lanzaron su cuarto y ultimo trabajo a mediados de 1969, titulado irónicamente “Goodbye”, el cual contiene seis temas divididos entre directos y en estudio, los tres primeros grabados en el Fórum de Los Ángeles el 19 de octubre de 1968 y los tres restantes en los estudios IBC de Londres varias semanas antes.
El álbum comienza con las versiones en directo y se inicia con la enérgica y pegajosa “I´m So Glad”, nueve minutos de puro tour de forcé en donde cada uno de los músicos muestra sus excelencias instrumentales, a la que le siguen la blues rock “Politician” y la rudimentaria y cruda bluesy “Sitting On Top Of The World".
Mientras en los temas de estudio, cada uno de los integrantes aportan los restantes, por un lado “Badge”, una canción coescrita por Eric Clapton y George Harrison, y en la cual resuenan sutiles toques Beatle, y por otra la extravagante “Doing That Scrapyard Thing” de Bruce y la vibrante y dramática “What a Bringdown” de Baker, todas ellas con un mismo patrón estilístico, las habituales líneas psicodélicas de la banda.
Para cuando se publico el álbum, Cream ya estaban disueltos, por  lo que en cierto modo fue un ultimo esfuerzo comercial por parte de la Polydor Records, la cual acertaría plenamente ya que vendería cerca del millón de copias a nivel mundial.

R.E.M.-Out Of Time (1991)

R.E.M paso de ser una banda con un moderado reconocimiento en los circuitos subterráneos del pop rock, al éxito mundial y abanderados del rock alternativo, y para lograrlo tuvieron la insistencia y el duro trabajo durante sus tres primeros años en el mundo de la música.
Formados en Georgia en 1980 por Michael Stipe y Peter Buck, pronto se les unirían Mike Mills y Bill Berry, los cuales giraron durante casi dos años por los Estados Unidos moldeando su estilo y alcanzando la experiencia necesaria.
Después de un contrato con I.R.S. Records publicaron su primer larga duración “Murmur” (1983), logrando una gran aceptación en los circuitos alternativos y en las Universidades norteamericanas.
En los siguientes años la banda publicaría tres álbumes mas en donde van puliendo su estilo hasta que en 1991 y bajo el sello Warner lanzan su séptimo álbum “Out Of Time”, que los catapulta al éxito masivo gracias al hit “Losing My Religion” y a una serie de canciones eclécticas, dinámicas y elegantes.
Entre todos ellos destacan las estupendas e irresistibles “Radio Song”, “Country Feedback”, “Half A World Away”, “Shiny Happy People”, “Low” o “Near Wild Heaven”, impulsándolo al primer puesto en las listas de éxitos a ambos lados del Atlántico y consiguiendo unas asombrosas ventas con mas de 17 millones de copias a nivel mundial.

Rory Gallagher-Irish Tour ´74 (1974)

Un critico musical llego a decir en una ocasión que “Irish Tour ´74“ no era simplemente un directo mas, era la cumbre del rock en manos de un artista que jamás nos debería haber dejado.
Esta afirmación es lo mas exacto que podríamos decir de uno de los directos mas salvajes, pasionales, enérgicos y de gran virtuosismo que se hayan hecho.
Grabado durante una gira por sus adoradas tierras irlandesas, Rory Gallagher demostraba el porque fue uno de los grandes guitarristas de la historia, un elegido por los dioses, un músico honesto repleto de bondad y sencillez que dejo su talento por medio mundo asombrando a propios y extraños por su entrega en cada concierto que actúo.
Para esta gira, el guitarrista irlandés contaría con su formación mas clásica, con Gerry McAvoy (bajo), Rod DeAth (batería) y Lou Martin (teclados) y durante la hora que dura aproximadamente este doble álbum no deja indiferente a nadie con su salvaje repertorio cargado de feeling y contundente blues y rock.
Desde la inicial y espectacular  “Cradle Rock”, hasta la impresionante “Who´s That Coming?”, pasando por las enérgicas “As The Crows Flies”, “Tattoo´d Lady”, “Walk on Hot Coals” o la épica “A Million Miles Away”, Rory Gallagher deja bien claro como debería sonar cualquier banda de blues rock que se precie.
Con mas de dos millones de copias vendidas y elegido uno de los mejores álbumes en directo, este “Irish Tour ´74”, es una obra indispensable en la historia de la música rock.

Hydra-Rock The World (1977)

Hydra fueron otra interesante y olvidada banda norteamericana que pertenecen a ese grupo que están encuadradas en la segunda división del southern rock americano.
Fundada en Georgia a principios de los 70 por el guitarrista y voz Wayne Bruce, el guitarrista Spencer Kirkpatrick y el batería Steve Pace. En el transcurso de sus primeros años, la banda tuvo una continua sucesión de bajistas entre los que figuraron Trip Burgess y Orville Davis.
Durante esos años la banda se labraría una gran reputación en sus apabullantes directos actuando en los circuitos de clubs y salas de conciertos de todo el estado de Atlanta, un hecho que no pasaría desapercibido para los directivos de la Capricorn Records quienes les contratan y con quienes lanzan su primer álbum homónimo en 1974.
En ese debut Hydra demuestra su estilo polvoriento del rock sureño con la energía del heavy rock, un estilo que será suavizado en el segundo álbum "Land of Money", al incluir los productores de la Capricorn de manera unilateral una sección de metales y teclados y derivar el estilo sureño hacia sonidos sutiles de soul y jazz.
Después de este segundo trabajo la banda se reconvierte en trío con Kirkptarick, Bruce y Pace y publican "Rock The World", a la postre su ultimo álbum y su mejor obra.
La mayoría de temas en el incluidos tiene el clásico sabor sureño de los 70, con unas potentes guitarras, unas melódicas y pegadizas voces y un poderoso ritmo hard rock.
Temas como la frenética "Shame", la contundente "Wating Time", la country rock "To The Willowed" o las atractivas southern “Feel Like Running” y “Rock The World”, conforman un atrayente álbum del exclusivo género de los Estados del sur de Norteamérica.

Glass Harp-Synergy (1971)

Originarios de Ohio, Glass Harp fueron un power trío de rock clásico que alternaron los sonidos melódicos del folk con interacciones al jam hard rock inspirados en otras bandas legendarias como The Jimi Hendrix Experience o Cream.
Este trío estaba formado por el guitarrista Phil Keaggy, el batería John Sferra y el bajista Steve Markulin, los cuales lograrían que en 1970 la MCA Records les financiara su primer álbum bajo la subsidiaria Decca Records.
El buen recibimiento comercial de este primer álbum les llevaría abrir conciertos para bandas punteras como Grand Funk Railroad, Traffic, Humble Pie o The Kinks en tierras norteamericanas.
En 1971 la banda publica se segundo álbum “Synergy”, en donde muestran un repertorio aún mas contundente con las hard rock “One Day At a Time” y “Never Is a long Time”, dos claros cortes en donde Keaggy muestra sus excelentes dotes guitarrísticas.
El resto esta conformado por la malhumorada “Song Of Hope”, la acústica “The Answer” y la rítmica y alegre “Mountains”, las cuales contrastan con la psicodélica “Just Always” y la pausada “Child of the Universe”, dando por finalizado un álbum atractivo y que captura como bien dice su titulo la perfecta unión de sus tres miembros en su mejor momento artístico.
Al año siguiente lanzarían el epitafio “It Makes Me Glad”, en el cual suavizaban su estilo hacia derroteros mas previsibles, para posteriormente cada uno de los integrantes seguir por diferentes caminos artísticos, siendo Keaggy quien lograra una carrera mas prolífica derivando su estilo hacia el rock cristiano y publicando medio centenar de álbumes, algunos de ellos nominados a los premios Grammy y considerado uno de los mejores guitarristas del siglo XX.

Talking Heads-Remain In Light (1980)

Talking Heads fueron una de las bandas mas vanguardistas y experimentales de finales de los 70 y gran parte de los 80. Liderados por el guitarrista David Byrne y con la fundamental y estimable colaboración de Brian Eno, realizaron algunos de los álbumes mas aclamados y definitorios del siglo XX.
Originarios de Long Island en New York, Talking Heads cerraba la formación con el batería Chris Frantz y la bajista Tina Weymouth, y junto a The Ramones, B-52´s y Blondie, fueron los abanderados del punk y el art pop neoyorkino de los años 70.
Después de publicar varios discos orientados a los sonidos extravagantes, al art pop vanguardista y el punk como “Talking Heads” (1977), “More Songs About Buildings and Food” (1978) y “Fear Of Music” (1979), la banda comenzaba la década de los 80 con su cuarto álbum "Remains In Light", en donde ampliarían la formación con el guitarrista Adrian Belew, contando nuevamente con la producción de Brian Eno, (el cual ademas se encargaba de los sintetizadores y otros instrumentos), el trompetista Jon Hassell y los percusionistas Robert Palmer, Jose Rossy y Nona Hendrix.
En "Remain In Light", las composiciones muestran una mezcla de ritmos africanos, art rock, sonidos electrónicos emparentados con la new wave, y la frenética energía del punk, todo ello con sutiles toques progresivos, evidenciado en los delicados arreglos y las fascinantes estructuras de todas sus canciones.

Cai-Noche Abierta (1980)

"Noche Abierta" es una de las joyas del movimiento progresivo andaluz, un álbum que contiene una sabia maestría musical, repleto de sensibilidad jazzistica, esencia flamenca y los sonidos atmosféricos del rock progresivo.
La banda que creo este soberbio trabajo eran la formación española originaria de Cádiz, Cai, fundada mediados de 1977 por el batería Diego Fopani, los guitarristas Jose Fernandez y Francisco Delgado, el teclista y voces Sebastian Dominguez y el bajista Jose Vélez.
Esta banda lanzaría tres álbumes entre los años 1978 y 1981, disolviéndose poco después del tercer y ultimo trabajo para volver a reformarse casi 25 años mas tarde, cuando volvieron a producir nuevo material que lanzaron en dos nuevos trabajos.
El moderado éxito de su álbum debut "Mas Alla de Nuestras Mentes Diminutas" (1978), les abriría el camino para fichar con una gran discográfica, la subsidiaria de la CBS Epic Records, con quienes publicaron este "Noche Abierta" en 1980.
El previsible potencial del primer álbum se hace realidad en esta continuación con un progresivo andaluz de primer nivel con sinfónicos y fuertes toques de fusión en todas las composiciones que se combinan con las interpretaciones virtuosas de todos sus integrantes.
Aires de jazz rock, sonidos cercanos al Canterbury o las atmósferas etéreas y progresivas están muy presentes en cortes como "Alegrías de Cai", "Extraña Seducción" o "La Roca del Diablo".
Este es sin duda alguna uno de los momentos cumbres del rock progresivo andaluz de todos los tiempos y toda una obra atemporal.

Magellan-Impending Ascension (1993)

Herederos del sonido vanguardista americano de los años 70 como Rush o Kansas, Magellan es una banda formada a mediados de los 80, considerada uno de los buques insignia de la segunda ola del rock progresivo mundial.
Formada por los hermanos Trent y Wayne Gardner, (teclados y guitarras respectivamente),  junto al bajista Hal Stringfellow publicaron su álbum debut “Hour Of Restoration” en 1991, en el cual presentaban una compleja suite titulada “Mana Carta”, un disco conceptual que versaba sobre la vieja Inglaterra, mezclando elementos del rock progresivo clásico con el metal de manera única y original.
Con “Impending Ascension”, su siguiente larga duración, Magellan siguieron en una línea continuista, aunque con una mejora en la dirección musical y un gran equilibrio sobre los arreglos, todo ello conjugado con un nivel aún mas refinado en sus habilidades instrumentales.
Sus grandes referencias aquí siguen siendo Kansas y las bandas británicas del progresivo sinfónico de los 70, añadiendo toques sutiles del neo progresivo fusionado con el metal, un factor que ampliaba su paleta de sonidos al infundir un aire moderno a su estilo sinfónico.
Son los extensos “Estadium Nacional”, “Waterfront Weirdos” y “Storms and Munity”, los que mejor definen ese peculiar estilo, mientras que la impactante instrumental “No Time For Words”, aunque en cierta medida podría sonar pretenciosa, es al mismo tiempo un signo manifiesto del enorme talento de los hermanos Gardner en el plano compositivo e instrumental.