Crosby Stills & Nash-Daylight Again (1982)

En 1982, David Crosby, Stephen Stills y Graham Nash, volvieron a reunirse para la grabación de su cuarto álbum en trece años, un brillantísimo trabajo que demostraba el talento único de estos legendarios músicos norteamericanos.
Seria a finales de los sesenta cuando Crosby fue invitado a salir de The Byrds debido al rechazo de sus compañeros de banda por sus canciones contraculturales como por ejemplo la controvertida "Triad", Nash por su parte estaba bastante frustrado debido a los derroteros musicales que su banda Hollies estaban tomando alejados de su esencia hippie inicial.
Mientras que Stills que ya había cumplido su etapa frente a la banda folk-rock Buffalo Springfield, decidiría abrir nuevos horizontes musicales.
La unión de estos tres genios fue considerado el primer supergrupo de la historia, la cual se vería reforzada en 1970 con la inclusión del canadiense Neil Young, otro de los grandes genios del movimiento hippie de finales de los 60.
"Daylight Again" fue originalmente concebido como un álbum del dúo Stills and Nash, para el cual recibieron la colaboración de un amplio plantel de grandes artistas entre los que se encontraban Art Garfunkel, Timothy B. Schmit o Jeff Porcaro entre una veintena de celebres músicos de la costa oeste norteamericana.
Sin embargo por presiones de la Atlantic Records, terminarían por incluir a David Crosby, el cual se incorporaría casi al final del proceso de grabación del álbum.
"Daylight Again" sin llegar a las excelencias ni a la creatividad de sus tres primeros álbumes, es un gran ejercicio de folk y rock americano, con un repertorio rico y variado como la inicial "Turn Your Back On Love", un adictivo rock melódico, la melancólica folk "Wasted On The Way", la brillante y armónica “Southern Cross”, las rock "Into The Darkness" y "Too Much Love To Hide", la rítmica “Since I Met You”, la bellísima “Song For Susan” o la introspectiva canción acústica que da título al álbum “Daylight Again”.
“Daylight Again” sería certificado con un disco de platino por haber vendido mas de un millón de copias en el mercado norteamericano y cerca de ochocientas mil a nivel mundial.

Faith No More-The Real Thing (1989)

Volvamos a los años 80, aquella década en donde los gustos y estilos variaban constantemente abriendo y cerrando multitud de horizontes musicales.
Otra de las bandas que fueron encuadrados en el rock alternativo y el heavy metal, fueron los norteamericanos Faith No More, que formados a finales de los 70 tuvieron como característica principal el combinar sabiamente multitud de estilos como el heavy, el funk metal, el rap o el hard rock vanguardista.
Su primera formación estaba compuesta por Mike Bordin (batería), Billy Gould (bajo), Chuck Mosley (voz), Jim Martin (guitarra) y Roddy Bottum (teclados).
Después del primer y meritorio "We Care a lot" (1985), y el mas elaborado "Introduce Yourself" (1987), cambian de vocalista, un puesto que recaería en Mike Patton, personaje que seria crucial para el exitoso devenir de Faith No More.
Con esta nueva formación publican su mejor obra “The Real Thing”, en donde la banda californiana ya muestra su ecléctico estilo mostrando sus influencias de trash metal, punk, rap y los sonidos mas accesibles como demuestran los cortes enérgicos "Epic", "Falling To Pieces" o "Surprise ! You´re Dead".
A estas le siguen medios tiempos cautivadores como "Zombie Eaters" y "Underwater", la instrumental "Woodpecker From Mars" o la excitante versión del tema de Black Sabbath "War Pigs", confeccionado entre todas ellas un soberbio repertorio que los llevaría a conseguir varios discos de platino por sus multimillonarias ventas a nivel mundial.

The Nitty Gritty Dirt Band-The Rest Of The Dream (1990)

The Nitty Gritty Dirt Band son una de las legendarias bandas del folk y el country rock norteamericano, que tienen tras de si una treintena de álbumes en estudio, algunos de ellos galardonados con los premios Grammy, además de haber sido elegidos la mejor banda de country durante años o haber sido inducidos al salón de la Fama de la música country.
Nacidos en la costa Oeste norteamericana a finales de los 60 por Jeff Hanna (guitarra y voz) y Jimmie Fadden (batería), durante mas de 50 años de carrera artística han sufrido innumerables cambios de formación.
Con un estilo que encuadraba los sonidos tradicionales americanos como el folk, el bluegrass, el country, el blues o el cajun, fusionados con el rock, cosecharon sus mayores éxitos en la década de los 70 y 80 con canciones como "Mr Bojangles", "House at Pooh Corner", "I Saw the Light", "Dance Little Jean", "Long Hard Road (The Sharecropper´s Dream", "Modern Day Romance" o "Fishin´in the Dark", entre otras muchas mas.
Así mismo algunos de sus álbumes son considerados obras maestras del country y el folk como "Uncle Charlie & His Dog Teddy" (1970), "Will The Circle Be Unbroken" (1972), "An American Dream" (1979), "Plain Dirt Fashion" (1984), "Will The Circle Be Unbroken: Volumen Two" (1989) o "The Rest of The Dream" (1990).
Centrándonos en este ultimo, "The Rest of The Dream", que venia precedido del antológico "Will The Circle Be Unbroken Vol.2", se convirtió todo un desafío al intentar conseguir una obra que tuviera tanta notoriedad como aquella.
El resultado fue un solido regreso al genuino country rock dejando aparcado las raíces con canciones clásicas de country, folk y bluegrass.
Aquí mostraron su lado mas amable, accesible y comercial con una serie de canciones agradables y pegadizas como "From Small Things (Big Things One Day Come)", "Just Enough Ashland City", "Waiting On A Dark Eyed Girl" o "Blow Out The Stars, Turn Off The Moon", demostrando con todas ellas, que además del profundo estilo de raíces, también podían hacer fácilmente canciones para las radios FM que emitían los nuevos sonidos de country-pop tan de moda a finales de los ochenta y principios de los noventa.

Marillion-Holidays In Eden (1991)

Con el sexto álbum de Marillion, el segundo sin su cantante original Fish, se confirmaba definitivamente la aportación de Steve Hogarth como compositor además de su faceta de extraordinario vocalista. Al mismo tiempo seria el álbum que dividiría a una parte de los ortodoxos fans del grupo al considerarlo demasiado “comercial” y decididamente mas cercano a los sonidos del pop.
Si bien es cierto que es imposible hacer una comparación con cualquiera de los discos anteriores de la banda, también lo es que Marillion lograrían mantener una calidad bastante solida de principio a fin, con un repertorio equilibrado que marcaría otro de sus lanzamientos excelentes como es este “Holidays In Eden”.
Sus esfuerzos progresivos se ven en cortes como la inicial “Splintering Heart”, con esa estructura épica y poderosa, o en la melódica prog “100 Nights”, las cuales conviven con otras de arreglos mas simples aunque repletas de enorme calidad como “No One Can”, “The Party”, la hermosa “Dry Land” o la formidable “Waiting To Happen”.
Injustamente subestimado por los fans mas radicales, “Holidays In Eden”, es un álbum magnifico que pese a alejarse de los cánones del neoprogresivo, conserva una maestría musical excelente y una notable producción como es habitual en los trabajos de esta fundamental banda británica. 

Camel-The Snow Goose (1975)

Después del esplendoroso segundo álbum de Camel, "Mirage", el cuarteto británico lanzaría su segunda obra maestra consecutiva; el álbum conceptual "The Snow Goose". Basado en la clásica novela de Paul Gallico, Latimer y Bardens escribieron bastante material con la idea de explorar profundamente la tendencia sinfónica y clásica incluyendo los arreglos y los aportes orquestales.
El despliegue de melancolía e introspección es mucho mas abundante que en la obra anterior, relatando instrumentalmente un cuento traducido literalmente al lenguaje de la música.
El lírico "Rhayader" o el expresionista "Rhayader Goes to Town”, son clásicos eternos de Camel, mientras que la majestuosa canción que da titulo al álbum, la dramática "Dunkirk" y la sentida "Fritha Alone", están confeccionadas para ser disfrutadas como una unidad armonizada.
Con "The Snow Goose", Camel lograrían producir un disco de sofisticadísimo rock progresivo, de gran reflexión y con una instrumentación perfecta, mágica e inteligente.

Savoy Brown-Street Corner Talking (1971)

Savoy Brown fueron una de las genuinas bandas del British-blues, con una evidente aproximación al estilo de los Ten Years After de Alvin Lee, pero con una compenetración instrumental mas cercana a los Fleetwood Mac de Peter Green e incluso a los Heartbreaker de John Mayall.
En 1970 esta banda originaria de la pequeña ciudad de Battersea al sudoeste de Inglaterra, se enfrentaba a su primer gran contratiempo al perder al unísono a casi todos los miembros fundadores; Lonesome Dave, Roger Earl y Tony Stevens, los cuales la abandonarían para fundar la banda de boogie rock Foghat.
Así las cosas el único superviviente, el guitarrista Kim Simmonds, tuvo que reorganizar la banda reclutando a una nueva formación al completo empezando por el cantante Dave Walker, al bajista Andy Silvester y al batería Dave Bidwell, además de incluir al pianista Paul Raymond, todos ellos ex miembros de la banda de blues Chicken Shack.
Aprovechando la ferviente voz de Walker que contrarrestaba la enérgica y robusta guitarra de Simmonds, esta nueva formación grabaría el séptimo álbum de Savoy Brown, “Street Corner Talking”, un poderoso y solido ejemplo del mejor blues rock británico de principios de los 70. Cortes como las elegantes versiones de Willie Dixon “Wang Dang Doodle”, y la clásica del sello Motown “I Can´t Get Next To You”, mas la oscura y excelsa “All I can Do” o la sutileza bluesy de “Tell Mama”, son el suficiente crédito para un álbum atractivo y multifacético, en donde cada músico contribuye con su talento de manera uniforme al resultado final, demostrando con ello que la perdida que habían sufrido no les mermaron ni en calidad ni en grandilocuencia.

Sutherland Brothers & Quiver-Reach For The Sky (1975)

El debut de este cuarteto escocés a principios de 1972, les colocarían fulgurantemente como una de las bandas mas prometedoras del folk rock, influenciados del estilo heredero de las irresistibles melodías vocales de The Beatles y la sonoridad instrumental de The Byrds.
Formado por los hermanos Iain y Gavin Sutherland, ambos guitarristas y voces, Kim Ludman bajista y Neil Hopwood batería, tuvieron sus inicios a principios de los 70 cuando lograron fichar por el sello Island Récords con quienes publicaron su primer álbum "The Sutherland Brothers Band" en 1972, el cual contenía el sencillo "Sailing", un tema que versionaría algún tiempo mas tarde Rod Stewart, obteniendo un rotundo éxito en las listas británicas.
Poco después la banda se disuelve y los hermanos Sutherland deciden continuar como dúo publicando el disco "Lifeboat" (1973), que pasa totalmente desapercibido.
Sin embargo en un intento de diversificar su estilo del folk rock, el dúo se uniría a una banda de rock local llamada Quiver que estaba formada por el guitarrista Tim Renwick, el bajista Bruce Thomas y el batería Willie Wilson.
De esta unión surgirían los álbumes "Dream Kid" (1973), "Beat of The Street", "Reach For The Sky", "Slipstream" (1976) y "Down To Earth" (1977).
Con una serie de importantes hits que alcanzaron bastante notoriedad como "Ain´t Too Proud", "Arms of Mary", When the Train Comes", "Secrets" o "Easy Come Easy Go", la banda se confirmaba como una de las grandes sensaciones del folk rock británico de mediados de los 70.
Sin embargo después del álbum "Down to Earth", la banda terminaría desapareciendo al abandonarla algunos de sus integrantes como Renwick, quien pasaría a colaborar con Al Stewart y con el cual ya había trabajado en los años anteriores o Bruce Thomas que acudiría a la llamada de Elvis Costello para ingresar en su grupo The Attractions, mientras que Willie Wilson pasaría a participar activamente en los proyectos del guitarrista de Pink Floyd, David Gilmour.

Bill Withers-Bill Withers´ Greatest Hits (1981)

Este icónico cantante y compositor de soul y R&B, pasaría a la historia por una serie de impactantes hits que se encuentran entre los mas exitosos de ambos géneros como las archiconocidas "Ain´t No Sunshine", "Use Me", "Lovely Day" o "Just The Two Of Us".
Bill Withers nació y se crío en Virginia a finales de la década de los año 30, años mas tarde y después de licenciarse de la Armada norteamericana se instalaría en Los Ángeles con la intención de iniciar una carrera musical.
Durante algún tiempo compone y escribe canciones principalmente enfocadas en el soul y el rhythm and blues.
Su estilo basado en las ricas melodías y los refinados arreglos llamaría la atención de la escudería de la música negra Stax Records, quienes le propusieron grabar un álbum con parte de las demos que había compuesto durante esos años.
Producido por uno de los legendarios músicos de Stax Records, como fue Booker T. Jones, el álbum resultante titulado "Just As I Am" (1971), lograría un quinto puesto en las listas del Billboard Black Album Music, mientras que el single elegido "Ain´t No Sunshine", se convertiría en todo un gran éxito, logrando varios discos de platino y un tercer puesto en Hot Billboard.
En los sucesivos años Bill Withers obtendría otros éxitos de parecido impacto comercial con los temas "Grandma´s Hands", "Lean On Me", "Us Me", "Lovely Day" o "Just The Two Of Us", este ultimo junto al saxofonista de jazz fusión Grover Washington Jr.
Sin embargo sus álbumes en estudio no correrían la misma suerte si exceptuamos los lanzados en 1972 "Still Bill" y en 1977 "Menagerie", los cuales fueron certificados con varios discos de oro.
Casi a finales de 1981 se publicaría el álbum recopilatorio "Bill Withers´Greatest Hits", un estupendo recorrido por todos sus grandes éxitos, y el cual se convertiría en su mayor hito comercial, logrando cerca del millón de copias vendidas y reafirmando la brillante carrera de este extraordinario cantante y compositor. Con el paso de los años su figura se ha visto reforzada gracias a diferentes películas y series de TV muy populares que han incluido la canción “Ain´t No Sunshine” en sus bandas sonoras, como “Third Watch”, “Notting Hill”, “When We Were Kings” o “Flight”.

The Bellamy Brothers-Let Your Love Flow (1976)

The Bellamy Brothers son uno de los dúos mas longevos, aclamados y exitosos del country norteamericano, los cuales alcanzaron numerosos éxitos a nivel mundial en las décadas de los 70 y 80 con hits como "Let Your Love Flow" o "If I Said You Have A Beautiful Body Would You Hold it Against Me".
Formado por los hermanos David Milton y Homer Howard Bellamy, sus comienzos se remontan a finales de los 60 en su Florida natal donde participan en diferentes conciertos en la Universidad de dicha ciudad.
Durante algunos años se mueven entre Atlanta y Los Ángeles, donde son contratados por el sello Curb Records con quienes graban varios singles y su primer álbum, el cual contenía el hit "Let Your love Flow" (1976), que lograría encaramarse hasta el numero uno indiscutible de las listas norteamericanas del pop y el country, además de conseguir un notable éxito en una docena de países alrededor del mundo.
A partir de aquí la carrera del dúo se dispara meteóricamente logrando 10 hits en lo mas alto de las listas de éxitos y medio centenar mas en el top 100 del Billboard country y pop.
Entre ellas destacan "Bird Dog" (1978), "You Ain´t Just Whistlin´Dixie" (1979), "Sugar Daddy" (1980), "Dancing Cowboys" (1980), "Do You Love as Good as You Look" (1981), "For all the Wrong Reasons” (1982), “Redneck Girl” (1982), “When I'm Away from You” (1983), “I Need More of You”, “Hold Hippie”(1985), “Too Much Is Not Enough” (1986), “Kids of the Baby Boom”, “Crazy from the Heart” (1987) o “Big Love” (1989).
Durante todos esos años sus giras alrededor del mundo incluyeron Europa, Oriente Medio, Asia, Oceanía y África, además de todos los Estados Unidos y Canadá.
Hasta el año 2019 habían publicado mas de 50 álbumes, logrando multitud de galardones entre los que destacan las nominaciones a los premios Grammy, nominados el mejor dúo del country por el Billboard, o el ser incluidos en los salones de la fama de la música country de Florida y de la Asociación de la música Country de los Estados Unidos.

Deep Purple-Concerto For Group and Orchestra (1969)

Este fue el primer trabajo de Deep Purple firmado con la formación denominada “Mark II”, la cual estaba comprendida por Ritchie Blackmore (guitarra), Jon Lord (órgano), Ian Paice (batería), Roger Glover (bajo) y Ian Gillan (voz).
Este directo surgiría de una idea original del teclista Jon Lord, un apasionado de la música clásica, al mismo tiempo que un estudioso de dicho genero.
Esa idea de fusionar los elementos de la música rock con la música clásica, había surgido algún tiempo antes cuando grupos como The Nice en su álbum “Five Bridges” o The Moody Blues en “Days Of Future Passed” ya lo habían experimentado con bastante éxito y originalidad.
Así que en 1969, concretamente el 24 de septiembre, Deep Purple realizaría su “concierto para grupo y orquesta” junto a la Royal Philarmonic Orchestra dirigida por el famoso director Malcolm Arnold, en el Royal Albert Hall de Londres.
La cadencia sinfónica de la orquesta junto al potente sonido del quinteto liderado por los poderosos sonidos del órgano Hammond de Jon Lord, los grandes solos del guitarrista Blackmore, y la contundente sección rítmica de Glover y Paice, evocan a clásicos como Gustav Mahler, John Barry o Max Steiner y que de alguna manera, ya muestra el anticipo del poderío que pronto Deep Purple desplegarían en sus geniales álbumes y en sus apoteósicos conciertos.

The Incredible String Band-The Hangman´s Beautiful Daughter (1968)

La Incredible String Band fueron una de las agrupaciones más complejas que han existido, principalmente por la versátil capacidad que tenían dos de sus miembros originales de dominar múltiples instrumentos y con una sensibilidad casi extrasensorial para llegar a crear una amplia variedad de estilos, todos ellos bajo el prisma del folk.
Las raíces de esta formidable banda residía en el dúo Robin Williams y Clive Palmer, ambos multinstrumentistas que comenzaron su trayectoria en el área de Edimburgo a principios de los años 60.
Algunos años más tarde reclutarían al guitarrista y voz Mike Heron y la vocalista Licorice McKenzie, además de diferentes miembros ocasionales que demostrarían ser músicos bastantes prolíficos y talentosos.
En 1966 y después de lograr un contrato con el sello Elektra grabaron su primer álbum "Incredible String Band", muy aclamado por la critica de la época.
En esta primera entrega muestran unas grandes líneas vocales y una instrumentación bien elaborada de música con influencias medievales y folk tradicional, aunque aún bastante rudimentaria.
Después de un segundo álbum mas experimental con grandes influencias del espiritualismo oriental e hindú y acercamientos al acid folk titulado "5000 Spirit Or The Layers Of The Onion" (1967), lanzan su obra más ambiciosa, este "The Hangman´s Beautiful Daughter", en donde introducen elementos psicodélicos y dosis vanguardistas.
La extensa "A Very Cellular Song", es el mejor ejemplo del lado progresivo de este álbum, con una amplia variedad de instrumentos acústicos y exóticos, bañados con un sutil órgano Hammond, creando un paisaje sonoro variado y cálido con tintes orientales no exentos de cierto tono oscuro.
A partir de aquí la banda realizaría una docena de álbumes más y emprendería numerosas giras por medio mundo, fortaleciendo su reputación de banda icónica del temprano folk vanguardista, hasta que en 1974 se desmembraron definitivamente para seguir cada uno de sus miembros carreras independientes dentro de género del folk intimista y progresivo.

Alice Cooper-Killer (1971)

Con el cuarto álbum de Alice Cooper “Killer”, comenzaba su trilogía que formaría junto a los álbumes “School Out” (1972) y “Billion Dollar Babies” (1973), (los cuales ya se han reseñado en anteriores entradas del blog), en donde el músico norteamericano originario de Detroit, creaba sus mejores obras artísticas, considerados clásicos dentro de su extensa y variada discografía.
Grabado en los estudios de la RCA en Chicago, Cooper volvería a contar con la producción de Bob Ezrin y el respaldo de su extraordinaria banda compuesta por el guitarrista Glen Buxton, el teclista Michael Bruce, el bajista Dennis Dunaway y el batería Neal Smith, mientras el guitarrista invitado Rick Derringer pondría su enorme talento al servicio de varios de los temas del álbum.
Precedido del exitoso “Love It To Death” (1971), en esta nueva entrega Alice Cooper se afianzaría creando uno de sus trabajos mas ambiciosos abandonando el rock crudo y tosco de sus inicios por un estilo mas polivalente y complejo.
Todo ello se ve reflejado cortes como “Halo Of Flies”, “Be My Lover” o “Under My Wheels”.
Sin embargo mantiene cierto paralelismo con el pasado reciente mostrando su estilo mas impetuoso en las rudimentarias “You Drive Me Nervous” o “Yeah. Yeah, Yeah”.
Con “Killer” Alice Cooper volvería a igualar su mejor marca comercial hasta esos momentos, logrando un disco de platino por el millón de copias vendidas en el mercado norteamericano.

Traffic-Shoot Out At The Fantasy Factory (1973)

En 1973 el rock progresivo estaba en su mayor apogeo en el plano creativo, mediático y comercial. Ese año se lanzarían muchas de las obras maestras del género y los británicos Traffic no se quedaron atrás con su octavo álbum, este "Shoot Out At The Fantasy Factory". Siguiendo el mismo patrón estilístico y visual que su predecesor, no en vano incluso volvieron a presentar una portada muy similar al anterior "The Low Spark Of High Heeled Boys", con una carpeta del Lp original recortada y mostrando en su interior un seductor trabajo en donde las inteligentes composiciones de Steve Winwood, Jim Capaldi y Chris Wood nos conducen por una serie de canciones perfectas entre el jazz y el rock fusionadas magistralmente con elementos progresivos. Temas como el que da titulo al álbum es toda una perfecta síntesis de la genialidad del grupo, once esplendidos minutos de fusión vanguardista, mientras que la creatividad sin limites esta presente en la grandiosa "Tragic Magic". El clímax musical llega con la country/funk/blues "Roll Right Stones", la cual va evolucionando desde un sonido pastoral hasta un final de puro éxtasis glorioso. La frágil "Evening Blue" sirve como una especie de interludio para la melancólica y tema estelar de este álbum "(Sometimes  I Feel So) Uninspired", con un Steve Winwood solemne en su peculiar voz soul y realizando un estremecedor solo de guitarra. En definitiva con esta entrega Traffic dejaba otro memorable registro que se sumaba a todos los extraordinarios álbumes que esta banda público durante los ocho años que duro su brillante historia.

The Shadows-20 Golden Greats (1977)

The Shadows han sido una de las agrupaciones británicas mas longevas de la música rock, que pasaron de grupo de acompañamiento de Cliff Richard, a banda independiente plagada de éxitos, con mas de 50 canciones que han estado en el top 20 del Reino Unido desde finales de la década de los cincuenta hasta principios de los noventa.
Esta banda siempre giro alrededor de su líder el carismático Hank Marvin y de Bruce Welch, ambos guitarristas de un gran talento instrumental.
Pioneros de la vanguardia instrumental, han probado con todos los estilos musicales posibles, desde el rhythm and blues hasta el surf, pasando por el pop o el rock and roll.
Con casi un centenar de álbumes publicados entre discos en estudio, directos, recopilatorios y singles, esta banda ha llegado a vender casi 50 millones de copias a nivel mundial sin contar los que publicaron junto a Cliff Richard.
Entre 1960 y 1989 fueron asiduos en las listas de éxitos con temas del calibre de “Apache”, “F.B.I.”, “Man of Mystery”, “Kon-Tiki”, “The Savage”, “Wonderful Land”, “Guitar Tango”, “Dance On!”, “Foot Tapper” o “Geronimo”, situándose como uno de los cinco mayores vendedores históricos de singles del Reino Unido.
En 1977, la Emi Records publicaría el doble álbum recopilatorio “20 Golden Greats”, un extraordinario repaso a parte de su arsenal de hits, la gran mayoría instrumentales, el cual lograría otro arrollador éxito en las listas de medio mundo con varios discos de platino.

Miles Davis-Miles In The Sky (1968)

"Miles In the Sky” supuso el primer acercamiento real de Miles Davis al jazz rock. Aqui algunos de los integrantes de su banda utilizan instrumentos eléctricos, como Herbie Hancock y su piano Fender Rhodes, Ron Carter y el bajo eléctrico y el baterista Tony Williams utiliza unos ritmos de rock durante algunas partes del álbum. Además de todo ello, Davis utiliza la guitarra eléctrica cortesía de George Benson, lo que le da una amplísima variedad a su estilo de jazz habitual. Sin embargo aun hay muchos resquicios del jazz clásico y convencional aquí y allá, un dato que nos hace pensar que en esta entrega Davis solo quiso observar hasta donde podía llegar con esas nuevas exploraciones vanguardistas. Ese intento de desarrollar la direccionalidad de la música le lleva a no arriesgar en demasía, manteniéndose en su zona de confort como queda demostrado en cortes como "Country Son", "Black Comedy" o "Paraphernalia", mientras que "Stuff" se convierte en lo más cercano a lo que pronto Davis exploraría en trabajos posteriores como "In A Silent Way" o "Bitches Brew".

Donovan-A Gift From A Flower To A Garden (1967)

Fue durante el popular programa de la televisión británica “Ready Steady Go!”, cuando un joven desmelenado, una gorra a lo Bob Dylan, una voz acompasada y acompañado solamente de una guitarra acústica y una armónica, haría enloquecer a millones de telespectadores a comienzos de 1965.
Este joven de nombre Donovan Leitch, escocés de nacimiento, creció rodeado de poetas insatisfechos post-beat y el movimiento pre-hippie del entorno de su ciudad natal St.Albans.
Su clara influencia de Dylan y sus buenas maneras hacen que el sello Pye Records se fije en el, comenzando de esta manera su dilatada y meteórica carrera artística. Ese mismo año de 1965 publica sus primeros álbumes, “What´s Bin Did And What´s Bin Hid” y “Fairytale”, en donde presenta versiones de clásicos del folk y melancólicas canciones propias.
A partir de aquí, una serie de singles conquistan las listas de éxitos, temas como “Mellow Yellow”, “Sunshine Superman” o “There Is A Mountain”, o álbumes como “Sunshine Superman”, obtienen un rotundo éxito a ambos lados del Atlántico.
Algunos de los músicos que participaron en las grabaciones de esos discos eran jóvenes talentos que pronto se convertirían en estrellas como Jimmy Page y John Paul Jones (Led Zeppelin) o Jack Bruce (Cream).
Pese a que los sonidos psicodélicos y el flower power estaban de moda hacia la segunda mitad de los sesenta, Donovan continuaba con su vaga aspiración de la felicidad espiritual del folk, con un estilo que seguía manteniendo una lírica poética cautivadora.
Sin embargo Donovan se terminaría rindiendo al status quo musical de la época y se embarcaría en un ambicioso doble álbum titulado “A Gift From A Flower To A Garden” (1967), que recogía cierta complicidad con los sonidos flower power y las canciones poéticas celtas.
A la postre este seria su mejor registro comercial y artístico, pese a que en los sucesivos años publicaría trabajos de enorme calidad como “The Hurdy-Gurdy Man” (1968), “Barabajagal” (1969), “Open Road” (1970) o “7-Tease” (1975).

Ry Cooder-Paris,Texas-Original Motion Picture Soundtrack (1985)

Ry Cooder nunca será famoso por el computo habitual de los millones de discos vendidos, pero sin embargo lo es por haber sido uno de los grandes artesanos de la música rock, profundizando en los sonidos mestizos y de exploración y sus raíces mas profundas de la música americana.
Su discográfica es extensa y rica, desde sus múltiples composiciones para bandas sonoras, hasta sus proyectos en solitario, pasando por sus trabajos para otros artistas.
Ganador de seis Grammy, además de otros galardones importantes como el doctorado honorario en las Universidades de Queen en Canadá o el de las Artes de California, Cooder ha dejado para la posteridad obras de gran envergadura, consideradas como fundamentales en el devenir de la música contemporánea.
Una de ellas es la banda sonora de la película de Win Wenders, “Paris Texas”, un memorable recorrido por los paisajes tejanos en donde imprime a su guitarra esos sonidos áridos y polvorientos típicos del sur de los Estados Unidos, en un álbum tan emocionante como brillante y con el cual su popularidad se dispararía aún mas, demostrando su enorme talento y su genialidad.

Muddy Waters-The London Muddy Waters Sessions (1972)

Hablar del blues de Chicago es hablar de Muddy Waters, que afianzado en las raíces del profundo blues del Mississippi, siempre mantuvo viva la esencia del genero a través de las todas las modas musicales de su época, desde el rock´n´roll, hasta el boom del folk, pasando por el flower power, la psicodelia o los sonidos del pop británico de los 60.
Nacido y criado en el delta del Mississippi en 1913, su comienzo fue junto algunos bluesman de la talla de Son House o Robert Johnson a mediados de los años 30.
En 1947 lograría firmar con el sello especializado en el blues, Chess Records, con los que empezaría a grabar junto a Little Walter, Jimmy Rogers y Otis Spann.
Después de una interminable sucesión de discos sencillos y álbumes, grabaría el disco “The London Muddy Waters Sessions” en 1972, junto a una serie de músicos blancos de gran prestigio.
Estos músicos eran Rory Gallagher, Georgie Fame, Rick Grech, Steve Winwood o Mitch Mitchell entre otros. De esta legendaria grabación salieron unas arrebatadoras sesiones de gran blues como las versiones de Wliie Dixon “Young Fashioned Ways”, “Walkin´ Blues” y “I´m Ready” o “Key To The Highway” del legendario Big Bill Broonzy.
“The London Muddy Waters Sessions”, es uno de los documentos históricos del blues que hoy en día esta considerado como uno de los momentos cumbres del genero.  

Wings-Back To The Egg (1979)

Genio y figura, Paul McCartney ha sido el ex-Beatle mas exitoso, el ha creado algunas de las obras mas importantes de la historia de la música y ha mantenido como ninguno la esencia de su banda madre durante cinco décadas.
Casi a finales de los 70, Paul McCartney llevaba tras de si ocho álbumes divididos entre sus discos en solitario y los publicados con su banda Wings.
La mayoría de ellos habían sido unos éxitos absolutos, como su debut “McCartney” (1970), o el siguiente “Ram” (1971), ambos firmados en solitario o los lanzados con los Wings; “Red Rose Speedway” (1973), “Band Of The Run” (1973), “Venus and Mars” (1975) o “Wings At The Speed of Sound” (1976).
En medio de los sonidos disco, punk y heavy metal imperantes de finales de los 70, lanzaría el séptimo y a la postre ultimo álbum junto a los Wings, y para ello se rodearía de un plantel de lujosos músicos entre los que estaban Tony Ashton, David Gilmour (Pink Floyd), Hank Marvin (The Shadows), Pete Townshend y Kenny Jones (The Who), Gary Brooker (Procol Harum), John Paul Jones y John Bonham (Led Zeppelin) o Ronnie Lane (Small Faces), además de los integrantes de su banda, empezando por Denny Laine, su esposa Linda McCartney, Laurence Juber y Steve Holley.
Este séptimo álbum titulado “Back To The Egg”, contiene una irresistible colección de canciones como las herederas a los sonidos beatle “Getting Closer” y “Baby´s Request”, las rock “So Glad To See You Here”, “To You” y “Rockestra Theme” o las melódicas “After The Ball/ Million Miles” y “Arrow Through Me”.
Pese a unas feroces criticas por parte de la prensa británica acusándolo del ecléctico sonido y la falta de inspiración, el álbum lograría un top ten en las listas norteamericanas y británicas, varios discos de platino y un Grammy por la canción “Rockestra Theme”.

Livin´Blues-Live ´75 (1975)

Livin´Blues fueron una famosa banda holandesa de blues rock que durante toda su carrera, que abarca desde finales de los 60 hasta bien adentrado el siglo 21, se han caracterizado por sus innumerables integrantes, publicando una docena de álbumes que siempre han sido bien recibidos por los puristas del blues rock de todo el mundo.
Fundada alrededor del núcleo formado por el guitarrista Ted Oberg y el bajista Ruud Franssen, lograron atraer la atención del sello Phonogram quienes les conseguirán que telonearan a bandas como los Fleetwood Mac de Peter Green a finales de 1969, un hecho que les reportaría mucha notoriedad a nivel internacional.
Ese mismo año lanzaron su aclamado primer álbum "Hell´s Session" y un año mas tarde su mejor registro "Wang Dang Doodle", al que siguieron los meritorios "Bamboozie" (1972), "Rocking At The Tweed Mill" y "Ram Jam Josey", ambos de 1973.
Llegados a este punto la banda había sufrido un continuo ir y venir de músicos, siendo Ted Oberg el único miembro estable durante todo ese tiempo.
En 1975 la banda publicaba el sensacional "Livin´Blues Live ´75", una formidable muestra del poderío del combo en directo.
En este disco en vivo, Livin´Blues estaba formado por el vocalista John Frederiksz, el guitarrista Ted Oberg, el bajista Henk Smithskamp y el batería Cor Van Der Beek.
Compuesto por temas propios y versiones, este directo es toda una delicia para quienes disfrutan del poderoso blues rock de mediados de los 70 con cortes como la frenética "Black Spider Woman", el hipnótico blues "I´m a Rambler", la rock´n´roll "Crazy Joe”, la pesada hard rock blues "I Wonder" o la extensa boogie blues sureña "L.B. Boogie".
En los sucesivos años la banda seguirá con la tónica de los continuos cambios de integrantes, publicando álbumes como el interesante "Blue Breeze" (1976), y los encomiables "Now" (1987) y "A Blues Legend" (1992).

Nancy Sinatra-Boots (1966)

Nancy Sinatra a pesar de su ilustre apellido nunca intento llegar a la fama ni al éxito gracias a los favores de su padre Frank Sinatra, de hecho el mismo le llego a decir en alguna ocasión que siguiera su propio camino sin intentar ni siquiera emularlo.
Durante toda su carrera, Nancy Sinatra llegaría a grabar diez álbumes empezando por su impresionante debut "Boots" lanzado en 1966, el cual contenía su hit mas importante "These Boots Are Made For Walking", una canción la cual se considera todo un símbolo de la emancipación de la mujer en los años 60.
Compuesto y producido por Lee Hazlewood, su letra se hubiera considerado hoy en día como machista por su controvertido mensaje, si hubiese sido cantada por el propio compositor.
Este primer álbum además contenía una serie de encantadores temas catalogados como "sunshine pop", entre los que estaban versiones de The Beatles "Day Tripper" y "Run For Your Life", de The Rolling Stones "As Tears Go By", o de Bob Dylan "It Ain´t Me Babe", entre otras compuestas por Hazlewood como "I Move Around" o la mencionada y exitosa "These Boots Are Made For Walking".
El álbum impulsado por el mencionado hit, lograría un top ten en las listas a ambos lados del Atlántico, pero sin embargo "These Boots Are Made For Walking", lograría encaramarse hasta el primer puesto en numerosos países alrededor del mundo logrando unas cifras multimillonarias en ventas.
En lo sucesivo Nancy Sinatra no lograría superar este monumental éxito, pese a colocar varios hits números uno como "You Only Live Twice" (1967), el tema principal de la quinta película de la serie de James Bond o "Somethin´ Stupid" junto a su padre Frank Sinatra. "These Boots Are Made For Walking" volvería a recalar en las listas de éxitos muchos años después cuando fue incluida en la banda sonora de la famosa película de Stanley Kubrick "Full Metal Jacket" en 1987.

Norman Greenbaum-Spirit In The Sky (1969)

En 1969 una canción conseguiría ser un mega éxito a nivel mundial y a la postre ingresaría en los anales de la música rock, hasta el punto de que aún hoy en día es utilizada en multitud de recopilatorios, series, películas y anuncios publicitarios, además de ser versionada continuamente por otros muchos artistas.
Esta canción es "Spirit in the Sky" de Norman Greenbaum, que con un cadencioso ritmo y unos riffs de guitarra proto-glam-fuzz rock, lograría la friolera de dos millones de copias vendidas entre 1969 y 1970.
Greenbaum, que es un judío practicante, se inspiró para escribir su versión en una canción gospel de Porter Waggoner, aunque la versión de Greenbaum pretendía ser más sobre un pistolero del viejo oeste que quería morir con las botas puestas, que a la referencia original de tener “un amigo en Jesús”.
La canción pertenecía a su primer álbum titulado con el mismo nombre que la canción "Spirit in the Sky", que sin embargo no tuvo el mismo impacto comercial, pese a contener un interesante muestra de canciones folk rock y psicodélica como "Mercy", "Canned Ham", "Skyline" o "The Power".
Después de publicar dos álbumes mas "Back Home Again" (1970) y "Petulama" (1972), Greenbaum se retiraría de la música durante la década de los 70, aunque realizaría algunos conciertos ocasionales durante los años siguientes.
"Spirit in the Sky" se ha utilizado en el videojuego "Rock Band 2" y en las bandas sonoras de las películas “Forrest Gump”, “Evan Almighty”, “Saving Grace”, “Ocean´s Eleven”, “Contact”, “Apollo 13”, “Remember the Titans”, “Oliver Stone's W”, “Wayne's World 2”, “The Longest Yard”, “The Challenge” y muchas otras mas. Mientras en la televisión ha sido utilizada para las series “Big Love”, “House”, “Law & Order”, “Third Watch” o “My Name Is Earl”, además de docenas de anuncios de “Gatorade”, “Nike” o “American Express”.
"Spirit the Sky" seguirá siendo escuchada y autorizada por los supervisores de las banda sonoras de Hollywood y de las series y comerciales de TV de todo el planeta hasta el final de los tiempos, convirtiéndola en una de las 100 canciones mas conocidas mundialmente.

Embryo-Rocksession (1973)

Originalmente encuadrados en el rock vanguardista y el jazz, Embryo se formó en 1969 en Múnich por el ex organista de R&B y jazz Christian Burchard (vibráfono, y percusión,), Edgar Hofmann (saxofón), Luther Meid (bajo), Jimmy Jackson (órgano), Dieter Serfas (batería), Wolfgang Paap (batería), Ingo Schmidt (saxofón) y John Kelly (guitarra).
Sin embargo la formación de la banda ya era diferente en el momento de las sesiones de su álbum debut. Dicho álbum resultante titulado "Opal" y lanzado en 1970, se considera la obra maestra de la banda con su sonido temprano y psicodélico. En el momento de su segundo álbum de estudio "Embryo's Rache" lanzado en 1971, el grupo ya estaba agregando toques étnicos a su original estilo. En 1972, Embryo lanzó su tercer álbum de estudio "Father, Son And Holy Ghosts" y un año después en 1973, lanzaron tres álbumes más, "This Is Embryo", "Rocksession" y "We Keep On". Ese mismo año, a la banda se unieron el saxofonista Charlie Mariano y el guitarrista Roman Bunka, quienes fueron decisivos en conducir al grupo hacia un género que combinaba el rock espacial con los sonidos étnicos.
"Rocksession" fue el quinto álbum de estudio de la banda, el cual esta compuesto por cuatro largas pistas empezando por "A Place To Go", un denso tema protagonizado por grandes momentos de percusiones, violín, teclados y enérgicos solos de guitarra.
El tour de force "Entrances" es un corte mas pesado que su predecesor con un gran refinamiento jazzistico y solos de guitarra y órgano.
La orientada hacia los sonidos jazz-blues "Warm Canto" y la atmosférica "Dirge", convirtieron a este quinto álbum en una de sus obras mas consistentes y una de las joyas del movimiento krautrock.

The Velvet Underground-The Velvet Underground & Nico (1967)

La historia de The Velvet Underground apenas duraría cinco años, en los cuales publicaron cuatro álbumes, todos ellos bastante desafortunados en el plano comercial, pero que sin embargo se revelarían como unas de las bandas mas fundamentales, originales e influyentes de la historia del rock.
Pioneros de los sonidos underground y la cultura subterránea de Nueva York, fue liderada por el teclista y viola John Cale y el guitarrista y voz Lou Reed e incluía al bajista Stearling Morrison y a la percusionista Maureen Tucker.
Guiados como manager por el artista Andy Warhol, el fue quien elegiría a la cantante alemana Nico como la voz principal del grupo.
El debut discográfico de la banda fue lanzado como “The Velvet Undergorund & Nico”, fue producido por el propio Warhol y grabado entre Nueva York y los Ángeles durante gran parte de 1966 y publicado en los primeros meses de 1967.
Con una temática bizarra inspirada en las drogas (“Heroine”, “I´m Waiting for the Man” o “Run Run Run”), el sadomasoquismo (“Venus In Furs” y “Femme Fatale”), o la decadencia moral del ser humano en general ( “All Tomorrow´s Parties”), fue rechazado por un publico desconcertado ante tan tamaña cantidad de perversidad, desesperación y los sonidos agresivos y desgarradores de este controvertido pero al mismo tiempo, fascinante álbum debut de los legendarios The Velvet Underground.
 

Tim Buckley-Starsailor (1971)

A menudo Tim Buckley es ignorado y obviado en las enciclopedias de la música rock, sin embargo este genial cantautor esta rodeado por una aureola de leyenda y misticismo. Cantautor tremendamente ambiguo, Buckley fue un creador del uso de la voz, experimento con estilos tan dispares como el free jazz, la psicodelia, el folk, e incluso los sonidos vanguardistas.
Desde muy joven aprendió a tocar la guitarra y modular su voz, y después de cientos de experiencias junto a personajes como el bajista Jim Fielder de los Buffalo Springfield, tuvo la llamada de Herb Cohen, un cazatalentos que ejercía como manager de Frank Zappa.
Algún tiempo después conseguiría su primer contrato discográfico con la Asylum Records y publicaría su primer álbum “Tim Buckley” (1966), en el cual lograba una atmósfera que era una clara evidencia de la época psicodélica y el folk reinante en aquellos años.
Un segundo álbum “Goodbye and Hello” (1967), no terminaría de encajar en la filosofía de Buckley debido a los recargados arreglos del productor Jerry Yester.
En los siguientes años Buckley firmaría la trilogía “Happy/Sad” (1969), “Lorca” (1970) y “Blue Afternoon” (1970), en donde alcanzaría su madurez artística, derivando su estilo psicodélico y folk hacia derroteros mas jazzisticos.
El siguiente y brillante “Starsailor” (1971), junto a “Greetings From L.A.” (1972), fueron los trabajos que le supondrían sus mejores resultados comerciales. Después de dos álbumes más en una línea artística descendente como fueron "Sefronia" (1973) y "Look at the Fool" (1974), se alejaría temporalmente del mundo de la música.
Pero su frágil personalidad y sus continuas depresiones le llevarían a la tumba un 26 de julio de 1975, a causa de una sobredosis mortal de morfina y heroína.

Elliott Murphy-Just A Story From America (1977)

Considerado un personaje marginal en el contexto del rock americano, Elliott Murphy es uno de los mas sinceros cantautores del rock´n´roll.
Con mas de cincuenta años de actividad y cerca de los cuarenta álbumes publicados, nunca ha sido de los rockeros mas afortunados, a pesar de su innegable calidad, no ha obtenido ningún éxito comercial relevante.
Después de años tocando por Europa en donde incluso participaría en la película “Roma” de Federico Fellini, regresaría a Nueva York y empieza a colaborar con artistas como Patti Smith o Billy Joel.
Su primer álbum “Aquashow” apareció en 1973, el cual contenía potentes baladas rock, revelando su personalísima voz de cantante.
Los siguientes lanzamientos confirmaron su enorme talento como fueron “Lost Generation” (1975) o “Night Lights” (1976), en donde obtiene la estimable ayuda de músicos como Doug Yule (Velvet Underground) o Jerry Harrison (Talking Heads).
En 1977 publicaría su obra mas aclamada por la critica y su mayor éxito, “Just A Story From America”.
En esta ocasión obtendría la colaboración del guitarrista de The Rolling Stones, Mick Taylor y del batería de Genesis, Phil Collins. Las canciones de este álbum oscilan entre el rock, la balada y acercamientos al rhythm and blues.
Un trabajo que influenciado por las alegorías de Bob Dylan y la objetividad callejera de Bruce Springsteen, se convirtió en todo un documento crudo y vital de la realidad estadounidense en plena celebración del bicentenario de la Declaración de Independencia.

Stray Dog-Stray Dog (1973)

Stray Dog fueron un fugaz power trio de blues rock sureño, originarios de Texas y liderados por el guitarrista Snuffy Walden, que junto al baterista Leslie Sampson y al bajista Alan Roberts, grabaron dos álbumes entre 1973 y 1975.
Fue durante una de sus actuaciones, cuando el bajista y cantante Greg Lake sorprendido por la vigorosidad y el talento de la banda, les ofreció un contrato con el recién creado sello Manticore, propiedad de los propios Emerson Lake and Palmer y se trasladan a Inglaterra donde grabaron su álbum debut que seria lanzado a mediados de 1973.
Este primer álbum homónimo consta de siete cortes de sonidos pesados y poderosos de blues rock psicodélico con unos riffs de guitarra lisérgicos y una sección rítmica demoledora.
Cortes como las arrolladoras “Tramp (How It Is)”, “Crazy”, “A Letter”, “Chevrolet” o la jam rock “Rocky Mountain Suite (Bad Road)", nos conducen por un sendero de frenético ritmo que tienen en la southern blues “Slave”, el único momento en donde ponen el freno a su impetuoso y ardoroso sonido.
Con un segundo álbum mas previsible de rock mainstream “While You´re Down There” (1975), la banda daba terminada su interesante recorrido musical, desapareciendo definitivamente poco tiempo después debido al escaso interés que obtuvieron.

Shaw Blades-Influence (2007)

Jack Blades y Tommy Shaw son dos ilustres músicos norteamericanos con una larguísima carrera a sus espaldas como miembros fundadores de dos de las bandas mas legendarias y exitosas del hard rock mundial como son Night Ranger y Styx respectivamente.
A principios de los noventa ambos músicos harían una pausa en sus bandas madres y se unirían a Ted Nugent y Michael Cartellone y fundarían la súper banda Damn Yankees con quiénes publicaron dos álbumes de gran impacto comercial y artístico, “Damn Yankees” (1990) y “Don´t Tread” (1992).
Una vez acabado este proyecto, ambos músicos decidieron seguir como dúo y crearon la banda de rock melódico Shaw Blades.
En 1995 el dúo lanzaba su primer álbum "Hallucination", en el cual mostraban un rock acústico y unas armonías impecables como quedaba demostrado en cortes como las irresistibles y sobresalientes "My Hallucination", "I'll Always Be With You", "Come to Be My Friend", "I Stumble In" o “How You Gonna Get Used to This”.
La gran recepción posterior del álbum les animaría a seguir colaborando en un nuevo disco, sin embargo los asuntos contractuales con sus respectivas bandas dejaría aparcado el proyecto hasta doce años después, cuando volverían a reunirse y grabar este "Influence", en donde recopilarían un trabajo repleto de versiones, todas ellas clásicos de la música rock, las cuales fueron algunas de las influencias en sus comienzos musicales.
Aquí el dúo presenta temas del calibre de “The Sound Of Silence” de Simon & Garfunkel, “Dirty Work” de Steely Dan, “For What It´s Worth” de Buffalo Springfield, “Lucky Man” de Emerson, Lake & Palmer, “Summer Breeze” de Seals and Crofts, “Time of the Season” de The Zombies, “Your Move” de Yes, o “California Dreamin´” de The Mamas and The Papas, todas ellas interpretadas de manera precisa y refinada, con unas cristalinas guitarras acústicas, unas ligeras percusiones, sutiles teclados y unas voces arrebatadoras, los ingredientes justos para que el álbum tuviera una gran aceptación y se convirtiera en una pequeña joya del rock melódico.

Triumvirat-Spartacus (1975)

Tras el éxito artístico que supuso el segundo álbum de los germanos Triumvirat, al año siguiente volverían con otra obra descomunal del mejor rock sinfónico progresivo con este disco conceptual titulado "Spartacus".
Basado en la historia del gladiador que lideró una insurrección contra la poderosa Roma, este trabajo es tan espectacular como el anterior y magnifico "Illusions On A Double Dimple", pese a que el concepto es mas simple, básicamente porque la historia no se puede cambiar, lo cual les dejo menos libertad artística.
Manteniendo la misma formación: Jürgen Fritz teclados, Helmut Köllen bajo, guitarras y voz y Hans Bathelt batería y percusión, siguen ofreciendo ese sonido pomposo y ampuloso influenciados por ELP, pero con unos arreglos mas sofisticados y un dinamismo mas melódico.
La instrumental "The Capitol of Power", deja evidente desde el inicio la atmósfera épica del álbum y nos adentra con una clara idea el concepto aquí desarrollado.
A esta le siguen en majestuosidad las poderosas epopeyas "School Of Instant Pain", "The March To The Eternal City" y "Spartacus", mientras la compleja "The Hazy Shades of Dawn" y la barroca "The Burning Sword of Capua" mantienen el tono grandilocuente del álbum.
En cambio los cortes "The Walls of Doom" y "The Deadly Dream Of Freedom", son los momentos mas débiles del disco, que sin embargo no sustraen un ápice el resultado final de este sobresaliente trabajo de rock sinfónico en su máxima expresión.

Oasis-(What´s The Story) Morning Glory? (1995)

La irrupción de Oasis en el mundo de la música supuso volver a los sonidos heredados de The Beatles y el pop británico de los 60, todo ello de manera orgullosa y desafiante, convirtiéndose en el principal núcleo del nuevo brit pop.
Ya desde su álbum debut “Definitely Maybe” (1994), Oasis no escondieron las influencias de los Fab Four, lo que atraería a miles de fans deseosos de escuchar un pop rock sugestivo y pegadizo.
Con el segundo lanzamiento “(What´s The Story) Morning Glory?”, la banda multiplicaría sus adeptos gracias a un álbum que pese a no ofrecer nada particularmente nuevo y que no se hubiera hecho antes, si contiene un repertorio de temas inolvidables.
Desde el presuntuoso tema inicial “Hello”, hasta el himno “Don´t Look Back In Anger”, pasando por las originales “Wonderwall”, “Some Might Say” o “Cast No Shadow”, la banda liderada por los hermanos Liam y Noel Gallagher, seduce y fascina gracias a unas melodías adictivas y pegadizas.
El álbum pronto se convertiría en uno de los discos británicos mas vendidos de la década de los noventa.

Robert Plant-Fate Of Nations (1993)

Tras la muerte de John Bonham, hecho acaecido en 1980 y el posterior fin de Led Zeppelin, muchos vaticinaron que sería Jimmy Page el mas prolífico de los tres miembros restantes, sin embargo fue Robert Plant quien construiría una solida carrera en solitario ofreciendo algunos de los trabajos mas memorables de la era post-zeppelin.
En 1982 llegaría su debut con “Pictures At Eleven”, un álbum en donde resuenan los sonidos zeppelianos de manera evidente. Después del siguiente y difuso “The Principle Of Moments” y del mediocre y tecnológico “Shaken´N´Stirred” (1985), Plant se replantearía su carrera en solitario apartándose durante algunos años de la música.
En 1988 regresaría con el sobresaliente “Now & Zen” (1988) y varios años mas tarde con el brillante “Maniac Nirvana” (1990), en ambos volvía a las raíces zeppelianas mezcladas con un estilo mas actual de renovado rock.
En 1993 llegaría su sexto álbum, este ”Fate Of Nations”, fusionando los sonidos acústicos con acercamientos al hard rock melódico y al rock alternativo.
Temas pegadizos y dinámicos conforman un disco que contiene un repertorio atrayente y sugerente como demuestran “Calling To You”, “Come Into My Life”, “I Believe”, “29 Palms” o “Promised Land”.

Leo Sayer-The Very Best Of Leo Sayer (1979)

Leo Sayer fue uno de los artistas con mas presencia en las listas de éxitos en la primera mitad de los setenta con un estilo de pop rock melódico y pegadizo.
Sus comienzos se remontan a principios de los 70 componiendo canciones para otros artistas junto a David Courtney, una de ellas fue el hit del vocalista de The Who, Roger Daltrey "Giving It All Away" en 1973.
Con el apadrinamiento de Adam Faith, Sayer lograría un contrato con el sello Chrysalis con los que publicaría una serie de canciones que tuvieron bastante éxito como "The Show Must Go On".
A partir de aquí tendría hasta una docena de hits en las listas británicas y norteamericanas, como "One Man Band", “Long Tall Glasses (I Can Dance)", "Moonlighting", "Let It Be", "You Make Me Feel Like Dancing", "When I Need You", "How Much Love", "I Can´t Stop Loving You (Though I Try)" o "More Than I Can Say".
También sus álbumes en ese mismo periodo tuvieron un éxito constante en los rankings entre 1973 y 1977.
Sin embargo seria a partir de finales de los setenta cuando sus discos tiene un menor impacto comercial y mediático facturando una sucesión de trabajos mediocres que terminarían por espaciar sus publicaciones discográficas.
Justo antes de acabar los setenta se publicaba “The Very Best Of Leo Sayer”, un álbum recopilatorio en donde aparecen catorce de sus grandes hits y que se convertiría en su álbum mas vendido, alcanzando un numero uno absoluto en las listas británicas y en otros países alrededor del mundo.

Coldplay-A Rush Of Blood To The Head (2001)

Estamos en el año 2000, y las listas de éxitos de medio mundo se ven convulsionadas con varios singles de una desconocida banda británica de rock alternativo que pronto se convertirían en una de las sensaciones de la música rock del nuevo siglo.
Ellos eran Coldplay, una banda liderada por el cantante y pianista Chris Martin que junto al guitarrista Jonny Buckland, al bajista Guy Berryman y al batería Will Champion, consiguieron con su álbum debut "Parachutes" y canciones como "Yellow", “Shiver”, “High Speed”, “Don´t Panic” o "Trouble", auparse a lo mas alto de las listas con un planteamiento sencillo y unas letras conmovedoras e inteligentes.
Un año después se confirmarían definitivamente con su segundo larga duración, este "A Rush Of Blood To The Head", en donde seguían por una línea musical continuista basada en una perfecta combinación de piano y guitarra, melodías sencillas, grandes arreglos de cuerda, ciertas dosis de épica y unas voces atractivas.
Repleto de canciones que brillan con luz propia como "In My Place", “Amsterdam”, “Warning Sign”, “The Scientist” “Green Eyes” "Politik", "Daylight" o "Clocks", convirtieron a este segundo álbum en toda una declaración de intenciones del mejor indie-rock, con mas de trece millones de copias vendidas y el premio Grammy al mejor álbum del año.

Out Of Focus-Out Of Focus (1971)

Out Of Focus fueron otra de las bandas del movimiento krautrock alemán, esta en concreto derivada a los sonidos del psyche folk/blues y el jazz rock no muy alejada de los que hacían otras formaciones contemporáneas como Kraan, Embryo o Nucleus.
Formados a finales de los sesenta en Munich, su primera formación estaba compuesta por el guitarrista, flauta y voz Remigius Drechsler, el teclista Hennse Hering, el vocalista y saxo Moran Neumüller, el batería Klaus Spöri y el bajista Stefan Wishen.
En 1970 el sello independiente alemán Kuckuck les financia su primer álbum "Wake Up" en donde mostraban sus gustos por la psicodélica con excelentes sonidos de guitarras y órgano Hammond, complementados por una excelente flauta y una contundente batería.
Un año después publican el homónimo "Out Of Focus", en el cual su enfoque progresa inmensamente del rock psicodélico de sus inicios hasta unos sonidos mas orientados al jazz, gracias a instrumentos como el saxo.
Estos impulsos de jazz están mas enfocados al estilo de los primeros Jethro Tull o Ten Years After, como queda demostrado en la enérgica "What Can a Poor Boy Do", la folk psicodélica "It´s Your Life", la jazz rock progresiva "Whispering" o las psicodélicas cargadas de folk y retazos de blues "Blue Sunday Morning" y "Fly Bird Fly".
Con un tercer y ultimo álbum "Four Letter Monday Aftyernoon" (1972), se desvían hacia los sonidos mas cercanos al brass-jazz rock, dando por concluida poco después las andaduras de esta magnifica banda que pudieron haber sido mucho mas grandes de lo que realmente llegaron a ser.

Casiopea-Thunder Live (1980)

Casiopea son una famosa banda japonesa de jazz rock muy elogiada mundialmente, la cual durante cuatro décadas no han dejado de publicar nuevos álbumes, todos ellos bien recibidos por los seguidores a este sub-genero jazzistico.
Esta banda fue fundada en 1976 por Issei Noro, el único miembro estable en toda la trayectoria de Casiopea y Tetsuo Sakurai, al que pronto se les unirían Akira Jimbo y Minoru Mukaiya.
En 1979 lograrían publicar su álbum debut homónimo en el cual colaborarían los músicos norteamericanos Michael y Randy Brecker y David Sanborn.
Las influencias funk y rock, los ritmos latinos, las poderosas percusiones, el gran dinamismo instrumental no falto de melodía y el talento de los cuatro músicos no pasa desapercibido y pronto sus álbumes son publicados de manera oficial en los Estados Unidos y en el resto del mundo.
A este primer álbum le seguirán otros brillantes lanzamientos como "Super Flight" (1979), "Make Up City" (1980), "Eyes Of The Mind" (1981), "Mint Jams" (1982) o "Photographs" (1983) y así hasta cerca del medio centenar, logrando con muchos de ellos, posiciones muy altas en las listas de jazz de numerosos países.
En 1980 dejaron el excelente directo "Thunder Live" (1980), una formidable muestra de como se desenvolvían en vivo la que esta considerada la mas importante formación en la historia del jazz rock japonés.

The Stranglers-Aural Sculpture (1984)

Considerada una de las bandas de culto por excelencia de la década de los ochenta, The Stranglers pueden presumir de una larga carrera con mas de cuarenta años y casi una veintena de álbumes publicados, algunos de ellos de exitoso reconocimiento comercial y de gran reputación entre la prensa británica y europea.
Originarios de la ciudad británica de Guilford, su fundador seria el batería Bryan Duffy, quien reclutaría al bajista Jaques Burnel, al guitarrista Hugh Cornwell y al teclista Dave Greenfield.
En sus comienzos estuvieron vinculados al movimiento punk, pero después de varios discos se fueron orientando hacia otros géneros musicales, una amalgama de estilos que incluyeron la new wave o los sonidos mas melódicos del rock mainstream sin llegar a los típicos clichés comerciales.
En 1984 cuando ya estaban plenamente establecidos como banda consolidada, publicaron su octavo álbum, “Aural Sculpture”, sin duda el mas elegante e intrincado de todos los hechos hasta aquellos momentos.
Aquí además de predominar los sonidos de los sintetizadores, también se amplían con una sección de vientos, otorgando una mayor profundidad a su calidad final.
Cortes destacados como “In One Door” “Spain”, “Let Me Down Easy”, “Place de Victoires” o “Skin Deep”, los volverían a poner en el candelero británico, logrando la estimación por parte de los fans y la critica musical del la época.

Elton John-Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy (1975)

En 1975 un Elton John pletórico y triunfal publicaba su noveno álbum, a estas alturas de su carrera, sus éxitos se cosechaban como churros, logrando innumerables top ten en las listas de ambos lados del Atlántico y millones de discos vendidos alrededor del mundo.
Su creatividad junto a su inseparable Bernie Taupin parecía no tener fin y de hecho este mismo año de 1975 publicarían dos álbumes, por un lado este “Captain Fantastic and The Brown Dirt Cowboy” y pocos meses después el décimo trabajo “Rock of the Westies”.
Centrándonos en el primero de ellos, Elton John creaba su trabajo mas épico que junto al dinamismo de estilos que contiene, conforman un disco evocador, elegante y al mismo tiempo fascinante.
Cortes atractivos como la que dan titulo al álbum o “Tell Me When The Whistle Blows”, “Tower Of Babel”, “Someone Saved My Life Tonight” o la potente “(Gotta Get A) Meal Ticket”, demostraron la plena madurez compositora de uno de los mejores dúos británicos de la década de los setenta.

Horslips-The Book Of Invasions-A Celtic Symphony (1976)

The Horslips esta considerada la banda mas grande del folk progresivo de Irlanda, además de la mas aclamada y la que en su mejor momento fueron quienes mas seguidores a nivel nacional tuvieron, por encima de otras leyendas irlandesas como Van Morrison, Rory Gallagher o Thin Lizzy.
Emparentados musicalmente con otras bandas coetáneas como Jethro Tull, Fairport Convention o Steelye Span, ellos acuñaron como nadie el termino “celtic-rock”, basando sus raíces en el misticismo celta mezclado con el hard rock.
Durante la década de los 70 grabaron una docena de álbumes de estudio y varios directos, siendo sus primeros seis lanzamientos los mas aclamados de toda su carrera.
Formados a principios de los 70, por Barry Devlin (bajo y voz), Sean Fean (guitarra) Eamonn Carr (batería), Charles O'Connor (violín, mandolina y voz) y Jim Lockhart (flauta y teclados), publicaron su primer álbum en 1972 titulado "Happy To Meet, Sorry To Part", con el cual tuvieron bastante notoriedad.
Los siguientes años irían lanzando una serie de discos de gran nivel como los brillantes "The Táin" (1973), "Dancehall Sweethearts" (1974), “The Unfortunate Cup Of Tea" (1975), "The Man Who Built America" (1978) o este que nos ocupa aquí "The Book Of Invasions-A Celtic Symphony".
Como casi todos sus álbumes, este esta concebido a modo conceptual sobre historias legendarias de Irlanda, la mitología irlandesa y los tiempos paganos precristianos.
Un trabajo que esta impregnado como no podía ser de otra manera de los sonidos celtas como la inicial "Daybreak", mientras que los temas orientados al rock mas convencional aparecen en "The Power and The Glory", acentuando sus sonidos del folk rock melódico en las estupendas "Warm Sweet Breath Love" y "The Rocks Remain" sin dejar de lado sus acercamientos al folk progresivo con la increíble "Ride To Hell".

10cc-How Dare You! (1976)

En 1976 la banda británica 10 CC se encontraban en la difícil papeleta de superar o al menos igualar creativamente el álbum anterior “Original Soundtrack”, la obra que los encumbraría definitivamente.
En medio de ciertas desavenencias entre las dos parejas de compositores de la banda,  Stewart-Gouldman y Creme-Godley, se sacarían de la manga otro fenomenal álbum, el cual para muchos fue el canto del cisne de 10CC.
Dejando a un lado las diferencias musicales, los cuatro músicos lograron la mejor continuación musical a su antecesor con un trabajo el cual contiene joyas del art-pop melódico con múltiples texturas vocales e instrumentales, soberbiamente equilibrado y con una producción exquisita.
Desde las melódicas y prodigiosas “I´m Mandy, Flye Me” o “Art For Art´s Sake”, hasta acercamientos progresivos como la instrumental “How Dare You!”, pasando por las operísticas con sabor beatle “Iceberg” y “Don´t Hang Up”, la bluesy “Rock¨n´Roll Lubally” o la pop juguetona “Head Room”.