Muchas de sus canciones son hoy en día universales y fueron versionadas por grandes artistas como Rod Stewart, Ray Charles, Rory Gallagher, Elvis Presley o Tina Turner.
Nacido y criado en un pequeño pueblo del sur de Luisiana, creció cosechando algodón y maíz y pronto mostraría su interés por el blues y los sonidos de sur como el cajun, el zydeco, el folk o el country.
Todo ello le inspiraría para escribir canciones y después de conocer un cazatalentos que vio en el un genio inconformista, este le facilitaría un contrato con el sello ubicado en Nashville, Monument Records a finales de 1967.
Sin embargo sus primeras canciones apenas tuvieron ningún impacto mediático ni comercial hasta que un tema suyo llamado “Polk Salad Annie” alcanzaría entrar en el top 40 debido principalmente a que el propio Elvis Presley lo empezaría a incluir en sus conciertos de finales de los 60.
Cuando “Polk Salad Annie” comenzó a ser masivamente radiado por las emisoras de gran parte de los Estados Unidos, muchos creyeron en un principio que era una nueva canción de los Creedence Clearwater Revival, ya que su estilo era muy parejo al de las huestes de John Fogerty y compañía, sin embargo Tony Joe White era realmente un nativo de los pantanos, mientras que los Creedence eran de California.
“Black and White” lanzado a mediados de 1969, fue su primer larga duración y en el se muestra su maestría fusionando el blues, el zydeco y el hillbllly rock, mostrando un amplio muestrario de temas que se acercan incluso a los sonidos soul con esa voz profunda y muy personal que por muchos momentos se acerca a la de un negro.
Temas como “Don´t Steal My Love”, “Who´s Making Love “ o “Scratch my Back” muestran ese sentimiento negroide profundo, mientras las relaciones raciales en clave funky están presentes en cortes como “Soul Francisco”, la luminosa “Willie and Laura Mae Jones”, o logrando esplendorosas versiones de otros artistas como “Little Green Apples” o “Wichita Lineman”, conformando con todas ellas un soberbio debut de la mejor música de la América profunda.
Formados a finales de la década de los ochenta en Chicago, con su segundo trabajo titulado "Siamese Dream" lograron el éxito necesario para ser considerados una de las mejores y mas influyentes bandas de los noventa.
Un álbum el cual contiene una interesante mezcla de estilos sin dejar de lado su germinal sonido alternativo. Temas como las brillantes "Cherub Rock" con esos riffs aplastantes muy adictivos o "Today", muestran su faceta mas puramente rock, mientras la orquestada "Disarm" con ese tono oscuro y sombrío o la punk "Geek U.S.A", son junto a la acústica "Spaceboy" y la poderosa "Soma" lo mas atrayente de un álbum que esta entre lo mejor de toda la década de los noventa.
Esta banda fue de las primeras del país de los canguros en actuar ante grandes multitudes en los Estados Unidos, mucho antes incluso que los icónicos grupos australianos AC/DC o la Little River Band.
Su primer álbum grabado en vivo "Big Red Rock", esta compuesto por poderosas composiciones basadas en el blues rock con ligeros toques de jazz.
Sin embargo varios años después en su segundo trabajo titulado "Beyond", la banda apuesta por los sonidos mas cercanos al jazz rock combinando elementos de rock mas accesible.
Ayers Rock estaba compuesta por los vocalistas y guitarras Chris Brown y James Doyle, el batería Mark Kennedy, el teclista además de instrumentos de viento Col Loughnan y el bajista Duncan McGuire.
En "Beyond" esta banda australiana demuestra su enorme talento en cortes como la melódica y enérgica "Lady Montego", un tema en donde las influencias del swamp rock son mas que evidentes, así mismo la blues rock "Talkin´Bout You" es otro rock dinámico con predominio de los metales.
El ecléctico estilo de Ayers Rock esta presente en la rhythm and blues "Going´Home", mientras "Crazy Boys" es deudora del sonido mas jazzistico y complejo de Frank Zappa.
La polvorienta "Nostalgic Blues", la jazz rock instrumental "Big Red Rock" y la funk "Boogie Woogie Waltz", dan por finalizado un meritorio álbum de jazz rock enérgico y brillante, de otra de esas interesantes y desconocidas bandas que pese a su enorme calidad quedaron olvidadas en lo mas profundo de la historia de la música rock.
Dos años mas tarde publicaron “Decoration Day”, en donde la banda originaria de Georgia, vuelve con otro álbum conceptual después del mencionado “Southern Rock Opera”, pero esta vez las melodías se desarrollan entre sonoras construcciones guitarreras densas y oscuras, con ritmos lentos como flotando entre nieblas y olores funestos, evocando tristes recuerdos campesinos sobre tiempos pasados ya olvidados. De principio a fin, cada canción de este disco de claro corte roots-rock descarnado, sin disculpas y con tintes de rock mundano, se convierten en un clásico, ya que los maestros narradores Patterson Hood y Mike Cooley, desentrañan unas trágicas y escalofriantes historias sureñas de pueblos pequeños una tras otra.
Temas que invocan al infierno “Hell No, I Ain´t Happy”, aromas country como la triste “My Sweet Anette”, o la melancólica “Sounds Better In The Song”, conviven con sensibles baladas “Outfit” o oscuras reflexiones “Decoration Day”, que son el espejo de esas historias.
Todas ellas junto con otras tan brillantes como “Skin Hole”, “Your Daddy Hates Me” o “Heathens”, forman un hermoso álbum, tan sugestivo como amargo es el regusto de la tradición mas oscura y caduca del sur norteamericano, pero al mismo tiempo la mas romántica, aquella en cuyo espíritu se edifica una forma de sentir la vida y también la del sentir de su música mas ancestral.
Sus inicios se remontan a principios de la década de los 70 cuando el batería Lewis Ross reuniría a varios músicos para en un principio fundar una banda llamada Fox en la localidad de Mobile.
Estos músicos eran el vocalista y armónica Jimmy Hall, el guitarrista Ricky Hirsch, el teclista John David Anthony, el bajista Jack Hall y la corista Donna Hall.
Después de muchos meses de continuos conciertos en los clubs de su localidad natal, la banda decide trasladarse a la ciudad de Macon en Georgia, el núcleo principal musicalmente del rock sureño y sede del mítico sello Capricorn Records.
En 1971 gracias a unos excelentes conciertos como teloneros de The Allman Brothers Band, la Capricorn les produce su primer álbum homónimo “Wet Willie”, en el cual mostraron su peculiar estilo sureño impregnado de funk, gospel y boogie rock.
En este primer álbum sobresalían las potentes rock “Dirty Leg” y “Spinning Round”, la comercial y polvorienta “Low rider”, la funky “Rock and Roll Band” o la poderosa boogie rock “Shame, Shame, Shame”.
A partir de aquí Wet Willie llegarían a grabar siete álbumes mas de estudio, entre los años 1971 y 1979, obteniendo un sorprendente top ten con su tercer disco, “Keep On Smilin’”, en 1974, además de varios directos y recopilatorios.
A finales de 1976 Wet Willie obtendría el premio de música de los Estados Unidos en el Salón de la Fama de Alabama.
Ya en el 2014 la banda fue incluida el Salón de la Fama de Georgia por su brillante trayectoria en pos de la música rock y el rock sureño en particular.
Sin embargo no todo el repertorio que esta incluido en el doble álbum fue grabado en vivo, aquí aparecen algunas tomas grabadas en los estudios de la Columbia en New York durante los primeros meses de ese mismo año, por lo que técnicamente es un álbum "en vivo", que parte se grabó en el estudio. Generalmente, las pistas más cortas son de estudio, mientras que las pistas más largas son en su mayoría en directo con algunas partes de estudio agregadas. Debido a esto, la alineación de músicos es numerosa empezando por Miles Davis (Trompeta), Gary Bartz (Saxofon), John McLaughlin (guitarra), Keith Jarrett (teclados), Michael Henderson (bajo), Jack DeJohnette (batería), Airto Moreira (Percusión), Hermeto Pascoal (Percusión), Ron Carter (bajo), Steve Grossman (saxo soprano), Chick Corea (órgano), Herbie Hancock (piano eléctrico y órgano), Dave Holland (bajo) y Joe Zawinul (piano eléctrico).
En general, el ambiente del álbum es funky y jazz rock con muchos pianos eléctricos modificados y alterados. De vez en cuando se suaviza y se vuelve como una cámara sin percusión. Es difícil comparar esto con cualquier otro álbum anterior de Davis (estudio o en vivo), pero es similar estilísticamente al legendario “Bitches Brew”.
La inicial "Sivad" comienza en territorio funky jam rock, mientras que "Little Church" es jazz orquestal de vanguardia sin batería. La siguiente pista es "Medley: Gemini / Double Image" que comienza en el territorio del blues-rock, no muy alejado de la estructura musical de los primeros Led Zeppelin, que ha medida que transcurre se vuelve más disonante y vanguardista.
La suite "What I Say" comienza con un increíble redoble funky, con una gran interacción entre la guitarra de McLaughlin, la trompeta de Davis y el resto de la banda.
Las cortas "Nem Um Talvez" y “Selim” son temas de jazz orquestado muy vanguardista.
"Funky Tonk", como deja entrever su titulo, es otro largo tema de jazz funk rock, con percusiones complejas y grandes momentos de teclados eléctricos, aunque es la guitarra quien lleva el peso instrumental mientras que a medida que los demás instrumentos van cobrando protagonismo culminan en una improvisación controlada.
El final queda reservada para el tema mas largo "Inamorata and Narration" la cual es probablemente la pieza más vanguardista de todo el disco. Comienza en un modo funky de jazz-rock con Miles haciendo un solo en su trompeta wah-wahed. La música se vuelve más suelta e improvisada a medida que avanza, terminando en una especie de avant-jazz rock atmosférico.
“Live Evil” es sin duda uno de los mejores álbumes en vivo de Miles Davis, que con una espectacular portada esta considerado otra de sus obras cumbres.
Sus comienzos que se remontan a 1971 en Coburg, Alemania y son a menudo etiquetados como Krautrock. La música de un primer mini LP tiene como hilo conductor un sinfonismo definido dentro de sus dos canciones “Fool's Dance'” y “'Rainbow”'. A esto siguió un álbum completo que se atribuyen al género progresivo, titulado "Blind Man's Mirror", con un repertorio de temas que superan los 9 minutos de duración.
La columna vertebral de la banda la forma el excelente teclista Siggi Zeidler, el cantante Harald Kesselhack, el cual recuerda por su timbre de voz a Greg Lake (con un registro más bajo). Y por último, pero no menos importante, los brillantes solos de guitarra acústica de Thomas Möck que crea atmósferas místicas y flashbacks flamencos mezclados con frenéticos pasajes distorsionados de guitarra eléctrica, todos ellos unos músicos simplemente excepcionales.
“Blind Man´s Mirrors” comienza con “Strange Shore”, una introducción impresionante en donde Manni Greiner (bajo) y Matthias Helk (batería) toman la iniciativa, con un desarrollo exuberante de solos de guitarra y pasajes de jazz y sonidos ambient, una perfecta combinación de géneros, estilos y estados de ánimo.
La siguiente “Blind Man's Mirror” es una mini epopeya de 12 minutos que comienza con toda la banda tocando una sección musical fluida con teclados exuberantes, percusión frenética y una guitarra acústica, 12 minutos de puro prog rock con claras tendencias sinfónicas, mientras “Shangai” es un festival de sonidos con guitarras pesadas combinadas con exuberantes pasajes de teclado claramente inspirados en Rick Wakeman. “Back in Town” es otra canción larga (9,05 minutos), pero por primera vez adoptan por completo un estilo sinfónico puro, para cerrar este extraordinario álbum la misteriosa “Different Autumn”, que es la guinda del pastel, que va desde secciones folklóricas medievales hasta pasajes vibrantes y pesados, todo realzado por un órgano barroco que los mantiene en territorio sinfónico.
Cabe destacar que solo se imprimieron 700 copias de este álbum, y fue seguido en 1981 por su segundo álbum "Movements", que fue un sutil cambio estilístico despojándose del lado progresivo sinfónico para adoptar un sonido más convencional prog de los 80, pero igualmente de brillante resultado.
Su álbum debut, titulado "Observer", fue lanzado en noviembre de 1976, el cual cosecho una gran difusión en las radios de todo el estado de Wisconsin e incluso obtendría grandes elogios de critica en la revista Billboard.
Este álbum contiene los ingredientes genuinos de las raíces de la música norteamericana fusionada con el progresivo, como la inicial "Ride The Wind", un tema emparentado al sonido de Kansas, con grandes riffs de guitarras, sintetizadores pesados y un desgarrador órgano, a esta le siguen la boogie rock "Cat Eyes" y la comercial "Jamaican Holiday", dos temas que se alejan de su propuesta vanguardista inicial.
En la compleja "(Make It) Another Day", la banda muestra su versatilidad con una fusión entre el rock sureño y el rock progresivo, mientras "Spring Essence" es el tema mas purista de vanguardismo. La vena AOR vuelve con "Games Of The Lonely", para acabar con el tema homónimo, una magnifica epopeya con el que dan por cerrado un disco magistral del mejor rock progresivo de la América profunda.
Las canciones eran melódicas, texturizadas por fuertes riffs de guitarra y órgano. El álbum contenía seis pistas propias, (en su mayoría escritas por Uhlig). Es difícil nombrar aspectos destacados, ya que todo el material es realmente soberbio, empezando por la inicial “At First” hasta la brillante “Speed Is Coming Back”, este ultimo un corte dramático de guitarras blues y órgano oscuro, o la escalofriante “Past Has Gone” con la se cierra una primera cara soberbia.
Abriendo la segunda cara nos encontramos con “Prädudium/Use Your Feet” quizás el corte que mejor muestra sus influencias clásicas, mientras el tema que da titulo al álbum es un tour de forcé que brinda la oportunidad para el lucimiento instrumental de todos sus componentes. El álbum acaba con “Funny Guys”, una especie de tributo a John Sebastian Bach, que pone la nota de color a este fenomenal trabajo de estos alemanes.
Lamentablemente Murphy Blend se disolvieron poco después de grabar este álbum. Posteriormente Andreas Scholz participó en el grupo progresivo Blackwater Park en 1971, mientras que Wolf-Rudiger Uhlig lo haría como musico invitado en el tercer álbum de la mítica banda germana Frumpy, "By The Way", en 1972.
Su formación estaba compuesta por el organista y voz, John Morgan, el guitarrista Don Whitaker, el bajista Phil Shutt y el batería Mick Walker y sus orígenes se remontan al año 1968 cuando lograron un contrato con el sello Carnaby, subsidiaria de la Columbia británica y un año después lanzaron su primer álbum homónimo.
En este primer trabajo la fusión de diferentes estilos es mas que evidente, en el se dan cabida sonidos psicodélicos, el folk, el blues y sonidos progresivos.
La inicial “Orpheus and None For Ye” muestra la faceta psicodélica con el órgano y los sonidos oscuros al mas puro estilo The Crazy World Of Arthur Brown, por su parte la blues progresiva “I Want You”, la dinámica instrumental “The Yodel“ o la excelsa blues rock “Yorkshire Blues” conforman un disco consistente y muy bien logrado.
El posterior “Age Machine” (1970), pese a contener ciertas dosis de vanguardismo progresivo esta mas orientado a los sonidos folk y pop mas previsibles.
Un año después John Morgan grabaría el álbum “Kaleidoscope” con una orientación mas pop que pasaría totalmente desapercibido
Otra desconocida banda para el gran publico europeo son Eric Quincy Tate, un estupendo grupo de rock sureño originarios de Texas que tuvieron el privilegio de compartir el sello discográfico y los escenarios durante gran parte de la década de los setenta con los míticos The Allman Brothers Band.
Aunque formados a mediados de los sesenta no fue hasta finales de esa década cuando gracias al empeño de Tony Joe White ficharían por el sello Capricorn Récords, una discográfica especialista en las bandas sureñas afincada en Georgia.
En su primera formación Eric Quincy Tate estaba formada por el bajista David Cantonwine, el guitarrista Tommy Carlisle, el batería Donnie McCormick y el vocalista y segundo guitarra Wayne Sauls.
En 1970 logran publicar su primer larga duración bajo el titulo homónimo en donde muestran una inteligente fusión de rock, funk, blues y sutiles sonidos jazzisticos.
Este interesante primer álbum les abre la puerta para telonear a los mencionados The Allman Brothers Band, en unos conciertos donde esta banda mostraba un innegable talento para las jams extensas de brillante rock con acercamientos a los sonidos soul, blues y country rock como queda demostrado en cortes como "Stonehead Blues", "Try A Little Harder" o "Hooker House".
Dos años después llegaría el segundo y su mejor obra "Drinking Man´s Friend", en el cual sobresalen la rock and roll "Brown Sugar", la blues rock "Whiskey Woman Blues" o las brillantes "Another Sushine Song", "Water To Time" o "Texas Sand", todas ellas impregnadas con los sonidos pantanosos y polvorientos de los estados del sur de los Estados Unidos.
Posteriormente esta banda seguirá publicando con cierta frecuencia álbumes con una buena acogida en los sectores del rock sureño como "E.Q.T" (1975) o "Can´t Keep A Good Band Down" (1977), este ultimo el epitafio de la banda hasta muchos años después cuando regresaron con el álbum "Thirty-Seven" (2007), en donde retomaron el atractivo sonido de blues rock sureño con un trabajo meritorio muy bien recibido por sus innumerables fans.
Este tercera oleada estuvo abandera por los ya consabidos Iron Maiden, Samson, Praying Mantis, Angel Witch o Diamond Head, y es precisamente esta ultima la que facturaría uno de los discos mas emblemáticos del genero como es “Lightning To The Nations”, publicado en 1980 y que representa uno de los trabajos mas memorables del heavy metal británico de todos los tiempos.
Diamond Head se habían formado cuatro años antes en la ciudad británica Stourbridge por el guitarrista Brian Tatler, el cantante y guitarra Sean Harris y el batería Ducan Scott, un año después se les uniría el bajista Colin Kimberley. Con esta formación y bajo el sello independiente Happy Face publicaron casi a finales de 1980 este “Lightning To The Nations”.
Compuesto por media docena de canciones, todas ellas arrolladoras e intensas, como queda demostrado en la frenética “Helpless”, las penetrantes “It´s Electric” y “Sweet And Innocent”, la siniestra “The Prince”, la sensacional “Am I Evil?” o la excelsa “Sucking My Love”.
Encuadrados en el sonido grunge de finales de los ochenta, Screaming Trees tuvieron unos inicios difíciles, su visión musical no fue siempre comprendida por una buena parte del gran publico y no seria hasta bien entrada la siguiente década cuando empezaron a ser considerados por parte del publico y la critica especializada.
“Sweet Oblivion” fue su espaldarazo definitivo, en donde dejaban atrás definitivamente su rock denso y oscuro con pinceladas psicodélicas y el sonido garaje, para derivarlo hacia un hard rock típico de la década de los 70.
Un álbum que contiene una colección muy atractiva de piezas como las soberbias “Shadow Of The Season”, “More Or Less”, “No One Knows”, “Nearly Lost You” o “Butterfly”, conformando con todas ellas su mejor obra, la cual les abriría el camino en las listas norteamericanas, alcanzando un sorprendente cuarto puesto en el Billboard y mas de trescientas mil copias vendidas solo en el mercado americano.
Sin embargo y pese a la enorme calidad que este álbum atesora, tuvo una discreta recepción inicial por parte de la critica y por un sector de sus fans mas incondicionales.
En “Thunder Seven”, el trío canadiense mostraron su talentosa versatilidad con un álbum grandioso en donde aparecen joyas emblemáticas del hard rock como la portentosa “Spellbound” y la brillante “Cool Down”. “Rock Out, Roll On” pese a tener un protagonismo menor es un medio tiempo vistoso y pegadizo, la cual es el contrapunto a las mas complejas con cierto regusto progresivo “Time Goes By” y “Killing Time”.
El resto estaba compuesto por la comercial “Follow Your Heart”, un tema puramente AOR que catapultaría al disco a lo mas alto de las listas de éxitos, la delicada “Midsummer´s Daydream”, la sublime “Time Canon” o la instrumental blues “Little Boy Blues”, las cuales cerraban un álbum de gran hard rock atemporal, que muy pocas bandas como Triumph sabían hacer de manera tan sobrada y solvente.
