sábado, 31 de octubre de 2020

Chicago-Chicago 16 (1982)

De banda de jazz rock multimillonaria en ventas a banda exitosa de rock melódico, así es la historia de Chicago que en 1982 publicaba su décimo sexto album "Chicago 16" el cual los colocaba entre los mejores grupos del genero.
Sin embargo Chicago había saboreado las mieles del éxito en muchisimas ocasiones anteriormente, todos sus albumes habían sido discos de platino hasta entonces, algunos de ellos incluso alcanzaron el primer puesto en las listas norteamericanas y otros estuvieron entre los 10 primeros.
Su estilo basado en influencias jazzisticas y de rhythm & blues les había labrado una gran reputacion, con soberbios trabajos como "Chicago Transit Authority" (1969), "Chicago" (1970), "Chicago III" (1971), "Chicago IV" (1972) o "Chicago IV" (1973), incluso el recopilatorio "Chicago IX Greatest Hits" (1975) habia conseguido unas ventas cercanas a los seis millones de copias.
Si bien en los últimos "Hot Streets" (1978) y "Chicago 13" (1979) y "Chicago XIV" (1980) la banda había empezado a derivar su sonido hacia derroteros menos complejos y entonar melodías mas comerciales, grandes estribillos y ampulosos arreglos.
Para empezar la sección de viento quedaba relegada a un segundo plano en favor de baterías poderosas, guitarras rock con mas peso especifico y una música intensa y efectiva.
"Chicago 16" contenia joyas como la hermosa "Hard To Say I´m Sorry", las rock "Waiting You´re Missing", "Chains" y "Waiting For You To Decide" o la tierna y adictiva "Love Me Tomorrow"

Foreigner-4 (1981)

Si en un principio Foreigner fueron emparentados en el estilo hard rock con un sonido muy cercano a Bad Company, con el paso de los años fueron adquiriendo su propia personalidad con un rock que se alimentaba de la poderosa y extraordinaria voz de Lou Gramm y las efectivas y solidas muestras de talento de su guitarrista Mick Jones.
Albumes como "Double Vision" (1978) o "Head Games" de 1979, tuvieron un gran impacto comercial gracias a la contundencia de unas efectivas composiciones que estaban repletas de estribillos contagiosos y espectaculares riffs de guitarra.
Sin embargo seria a partir de su cuatro album titulado simplemente como "4" cuando obtienen el estrellato definitivo gracias a la inclusión de sintetizadores, sonidos sugerentes y unas guitarras mas depuradas y contenidas.
"4" esta repleto de grandes himnos de rock melódico como "Urgent" un tema pesado, contundente pero a la vez adictivo, "Break It Up" es la perfecta cancion AOR con rellenos de teclados, ademas de la espectacular "Night Life", la hermosa balada "Waiting For A Girl Like You" o la antologica "Juke Box Hero" todo un manual de como hacer una cancion de rock melodico perfecta.
La exquisita producción de Robert "Mutt" Lange también seria crucial para que este album lograra un primer puesto en las listas norteamericanas y mas de 8 millones de copias a nivel mundial.

Styx-Cornerstone (1979)

Entre 1977 y 1981 Styx habían publicado cuatro magistrales albumes en donde la banda había explorado un estilo único y original entre el rock progresivo y teatral y el rock.
Albumes como "The Grand Illusion", "Pieces of Eight", "Cornerstone" y "Paradise Theater"  son trabajos indispensables dentro del panorama AOR.
"Cornerstone" (1979) era el noveno album cronológicamente del grupo y supuso el acercamiento a los sonidos mas profundos de la musica de raíces norteamericana, con guiños al folk y al country, siempre desde la lejanía que podemos oír en los matices que se perciben, alejandose de la complejidad de sus anteriores trabajos, consiguen crear grandes lineas rítmicas y melódicas comerciales pero en absoluto exentas de gran calidad.
Todo ello se puede apreciar en temas como "Boat on the river" o "Love In The Midnight" todas ellas melodías perfectas, versátiles e inteligentemente ejecutadas, como tambien lo son la bella "Never say Never", la eterna balada "Babe", o la soberbia "Lights".

Toto-Seventh One (1988)

Después de dos albumes que no tuvieron la acogida esperada como fueron "Isolation" (1984 y "Fahrenheit" (1986), Toto se empeñaron en volver a la senda del éxito con un nuevo trabajo que siguiera la linea de su "Toto IV" publicado seis años antes.
Y casi lo consiguieron con "Seventh One", obteniendo un gran recibimiento por parte de sus fans gracias a un trabajo que contenía una serie de  temas que los volvería a poner en candelera entre los mejores del rock melódico de finales de los ochenta.
Para este nuevo trabajo David Paich toma las riendas del grupo dandole un mayor  protagonismo a los teclados, y una mayor relevancia, aun mas si cabe en los juegos vocales de Joseph Williams y Steve Lukather y el propio Paich, en detrimento de las guitarras.
"Seventh One" contiene repertorio cargado de sobresalientes temas como la pegadiza "Pamela", la desenfadada "You Got Me", la rock "Stay Away", la épica con aires progresivos "Home of the Brave", la espectacular "Stop Loving You" o las baladas "Anna" y "Mushanga".

viernes, 30 de octubre de 2020

Bob Dylan-Slow Train Coming (1979)

En 1979 Bob Dylan estuvo cinco meses asistiendo a la escuela Bible y renació espiritualmente: se convierte al cristianismo, y publico los álbumes "Slow Train Coming" (1979), "Saved" (1980) y "Shot of Love" (1981), en una epoca la cual fue denominada los años cristianos del músico.
Tras erigirse en los años 60 en un emblema del folk y la canción protesta y causar posteriormente una conmoción al electrificar su sonido y acercarlo al rock, la década de los 70 de Dylan osciló entre notables patinazos y algunos trabajos soberbios como "Blood on the Tracks" (1975), "Desire" (1976) o Street Legal (78)
Sin embargo, Bob Dylan dejó prácticamente a todos sus fans atónitos al editar en 1979 "Slow Train Coming", un disco en el que el músico de origen judío manifestaba a corazón abierto a esa conversión al cristianismo y en el que la fe era el sorprendente motor narrativo de todas las canciones.
“Slow train coming” incluye la colaboración de Mark Knopfler y la producción del veterano productor de R&B Jerry Wexler.
El album consiguió llegar a lo mas alto de las listas en Estados Unidos logrando un disco de platino y consiguiendo el Grammy con el tema “Gotta Serve Somebody”.

Gilbert O´Sullivan-Back To Front (1972)

Gilbert O'Sullivan era un joven irlandés que pasó buena parte de la segunda mitad de los 60 intentando sobrevivir de la música, llegando incluso a grabar algunas canciones para pequeños sellos independientes ingleses sin  apenas fortuna.
En un momento dado una de sus demos fue escuchada por Gordon Mills,  manager de Tom Jones y dueño de la compañía MAM Records. A Mills le convence lo que escuchó, y tiene una cita con el joven O'Sullivan.
Sin embargo este encuentro estuvo a punto de dar al traste con su carrera: Gilbert se presentó con una especie de uniforme escolar: pantalón corto, pelo cortado a cepillo, una corbata ridícula, calcetines de colores y una gorra de "teddy boy".
Mills, horrorizado, insistió en que aquella imagen no podía hacerle ningún bien, pero Gilbert no se bajó del burro, y así fue como empezó a actuar tanto en los locales que le proporcionaba Mills como en sus primeras actuaciones televisivas (en las que también lució alguna vez un jersey de lana con una inmensa "G" bordada en colores chillones).
A partir de entonces Gilbert O'Sullivan empezó a ser conocido más por su ridícula indumentaria que por sus canciones, pero ese solo era el primer paso.
El segundo fue mostrar su talento en una serie de composiciones que iban a formar parte de su disco de debut, en 1971. Una de ellas fue la excelente "Nothing rhymed", que hizo que el público empezara a tomarse en serio a aquel chico raro que vestía de forma tan graciosa y tocaba el piano al estilo de Elton John.
Ganada la atención del público, Gilbert O'Sullivan adopta una imagen algo más seria, y se centra en crear más composiciones que le llevaran a ser aceptado también por la crítica. Entonces llegó 1972, su año mágico. "Alone again (naturally)" primero, y posteriormente "Claire", dedicada a la hija de Gordon Mills, le llevaron al estrellato internacional absoluto.
Con un estilo pop con sofisticados arreglos orquestales y soft-rock de fácil escucha conquistó las listas de ventas británicas y norteamericanas con su meloso y elegante proceder melódico y su aguda capacidad como letrista.
En 1980 su nombre volvió a estar en boca de todos gracias al melodioso y pegadizo tema "What's in a kiss", su último gran éxito.

jueves, 29 de octubre de 2020

America-Hearts (1975)

La primera mitad de la década de los setenta fue la mas fructífera para la banda anglo-americana America, sin embargo con 3 discos publicados y un nº1 con "A Horse With No Name" (1971) de su primer álbum, America decidieron dar un giro de 90 grados a su carrera en el año 1974. Escogieron como productor al mítico George Martin, famoso por sus trabajos con los Beatles, y el cual estuvo a cargo de la producción de sus 7 discos posteriores.
Por aquella epoca la banda se habia colocado a la vanguardia del folk rock junto a coetáneos como CSN&Y, Bob Dylan, The Byrds o Simon and Garfunkel.
El segundo álbum producido por Martin fue "Hearts", ( el primero había sido "Hat Trick" del año 1974 ) fue grabado en Sausalito (California) y fue publicado en 1975. Eran tiempos en los que los grupos sacaban un disco cada año, algo impensable hoy en día. En él se incluyó el segundo nº1 de la banda, "Sister Golden Hair", que a lo largo del tiempo se ha convertido en una de sus canciones más míticas y famosas de todos los tiempos y que firmó Beckley.
Ademas de "Sister Golden Hair", los sencillos "Daisy Jane" y "Woman Tonight" relanzaron este album hasta el numero cuatro de Billboard y un disco de oro por sus ventas en los Estados Unidos.

miércoles, 28 de octubre de 2020

George Harrison-George Harrison (1979)

En 1979 George Harrison llevaba tres años de silencio discografico, después de su "Thirthy & Three" de 1976, y es justo en la gira después de ese album cuando Harrison empieza a componer temas los cuales pasarían a engrosar este nuevo disco, el cual se titulo hononimamente "George Harrison".
El album fue publicado justo después del single "Blow Away" con el cual lo relanzaría exitosamente llegando al Top-20 en los Estados Unidos y convirtiendose en uno de su mayores éxitos.
Para esta grabacion conto con la colaboracion de Eric Clapton, Stevie Winwood, Gary Wright, Ray Cooper o Andy Newmark entre otros y fue grabado en los estudios de su propiedad en Friar Park.

AOR-The Colors Of L.A. (2012)

Frédéric Slama es un guitarrista, compositor, productor y periodista musical de nacionalidad francesa pero afincado en Los Ángeles desde los años 80, donde durante todo este tiempo hizo grandes amistades con los mejores músicos de la costa oeste norteamericana.
Ya en la década de los 80 publicó varios discos en solitario en los alrededores de la ciudad de Los Ángeles, además de coproducir algunos artistas también en la zona de California.
A principios de 2000, Slama decidió formar el proyecto AOR, que publicará regularmente álbumes con un solo miembro regular, el propio Frédéric Slama, y ​​en cada nuevo álbum una serie de músicos invitados.
Después de un primer álbum publicado solo como demostración promocional titulado "L.A. Consession", publica su segundo álbum "Next Stop L.A." donde colaborarían Michael Thompson, Jim Horn o Richard Page, entre otros.
Con este segundo disco, el proyecto y el propio Slama adquieren un gran respeto en el panorama musical de la costa oeste y eso lo refuerza para publicar una de sus obras más aclamadas "L.A. Reflection" en 2002, en la que cuenta con grandes músicos de la escena del west coast y el AOR como los miembros de Toto; Steve Lukather, Mike Porcaro, Jeff Porcaro y David Paich, además de Tommy Denander, Michael Landau o Vinnie Colaiuta.
Este nuevo trabajo fue un éxito rotundo no solo en los Estados Unidos sino también a nivel internacional.
En 2003 el álbum "Dreaming Of L.A." obtuvo un reconocimiento aún mayor, con colaboraciones estelares de Steve Overland, Bill Champlin o David Roberts.
A partir de aquí, álbum tras álbum, todos ellos con considerable éxito, como "L.A. Attraction" donde Slama endurece el sonido hacia el hard rock, "Journey L.A." una obra soberbia donde destacaron Fergie Frederiksen, David Williams, Steve Overland o Steve Lukather, o "The Colors Of L.A." donde el elenco de colaboradores es aún más impresionante.
Este último álbum significa la combinación perfecta de rock melódico y música de la costa oeste con una producción exquisita, excelentes composiciones y arreglos sublimes.

martes, 27 de octubre de 2020

Jethro Tull-Crest of a Knave (1987)

Con este trabajo, Jethro Tull volvió a encontrar el camino correcto que había dejado ligeramente a mediados de los 80 con discos tan dispares como "A" o "Under Wraps" demasiados "electrónicos" y sin mucha inspiración. Sin embargo, y sin Peter-John Vetesse (a quien se  considera el principal culpable y una mala influencia musical para Ian Anderson) el grupo en parte se acerca al sonido clásico y tradicional de la banda y producir un puñado de grandes canciones, como siempre magníficamente acompañado por Martín Barre, quien también realiza trabajos muy notorios en las guitarras. Sorprendentemente se aprecia el parecido con Dire Straits en temas como "Budapest", "Said she was a dancer" o "The Waking Edge" especialmente en el aspecto vocal, ya que Anderson sufrió una operación de garganta y se asemeja mucho a la voz de Mark Knopfler. Este trabajo recibió un Grammy al mejor disco de Hard Rock-Metal en 1989, aunque ciertamente fue más en reconocimiento a su dilatada carrera, la cual fue relanzada y fortalecida que al genero del metal en si. En definitiva, es un disco muy atractivo, con ese estilo exquisito, mezclando elementos de Blues, Rock y Folk para crear una obra deliciosa.

King Crimson-Islands (1971)

Islands fue el cuarto álbum de King Crimson (1971), con una formación diferente a su anterior trabajo Lizard (1970).
En este nuevo trabajo destacan de forma abrumadora vocalista Boz Burrell (que luego pasó a formar parte de la mítica Bad Company) y al que Robert Fripp se vio obligado enseñarle a tocar el bajo, al no encontrar a ninguno que reuniera las características que requería el propio Fripp para este proyecto.
Asi mismo el nuevo bateria Ian Wallace reemplazaría a Andy McCulloch.
Islands es un álbum casi perfecto de principio a fin, a diferencia de "Lizard"  esta repleto de calma aunque hay dosis de sobresaltos en algunos momentos muy concretos a lo largo del disco.
La bella "Formentera Lady" y el gran "Sailor´s Tale" dan buena cuenta de ello y "The Letter´s" conjuga esa fuerza y tranquilidad con una naturalidad asombrosa con el estilo inconfundible del Rey Carmesi..
Incluso en ese momento la sombra de los Beatles era larguísima y ni siquiera Robert Fripp se le escapa, así tenemos a "Ladies on the Road", con melodías evocadoras hacia los de Liverpool, con la formula característica de los Crimson de bajo y saxo.
En este disco Fripp hace un trabajo impresionante en las seis cuerdas, demostrándolo en el barroco Preludio de "Song of The Galls" y en el destacado "Islands", en donde aparece las acostumbradas lecciones de guitarra a cargo de Fripp y que cierran el soberbio disco.

domingo, 25 de octubre de 2020

The Law-The Law (1991)

Paul Rodgers es uno de los cantantes más prolíficos que han existido,  líder del mítico Free a finales de los sesenta y principios de los setenta y posteriormente durante esta misma década de los incombustibles Bad Company, para más tarde ya en los ochenta unirse a Jimmy. Page y juntos formar The Firm, años después en 2008 se uniría a los miembros de Queen para hacer un álbum y una gira masiva alrededor del mundo.
Todo esto se ha combinado con su dilatada carrera en solitario con más de media docena de discos.
En 1991 uniría fuerzas con el ex baterista de Small Faces, Faces y The Who, Kenny Jones, para fundar el proyecto llamado The Law, con el que Rodgers desataría su faceta más melódica, publicando uno de los discos más admirados del panorama del rock melódico.
Un trabajo que conjuga fuerza, calidad y sentimiento, en un disco en el que intervienen un puñado de grandes músicos como invitados como Chris Rea, David Gilmour, Pino Palladino o Bryan Adams, entre otros.
Canciones geniales como el blues "Stone", el sureño "Nature of the beat", la melodía de hard rock "For a Little Ride", el AOR "Come Save Me (Julianne)", el extraordinario y dinámico "Laying Down The Law" o la precioso balada "Miss You in A Heartbeat", nos muestra la genialidad de uno de los mas grandes vocalistas de la historia del rock en uno de los mejores discos del género.

sábado, 24 de octubre de 2020

The Ozark Mountain Daredevils-Men From Earth (1976)

Con un sonido exquisito y una sabia mezcla de country, rock y pop, perfectamente equilibrados, de manera sutil, armoniosa y delicada, y a la vez sofisticada, llevarían a The Ozark Mountain Daredevils, a ser considerado los Steely Dan del country y un duro contrincante para los Eagles.
Con una serie de discos de una belleza fuera de lo común, y es que cuando esta banda se proponia componer una balada y temas  íntimos, plácidos y evocadores (todos sus discos están llenos de ellos), dejan atrás lo mas granado de la epoca como The Eagles, America, Poco o Jackson Browne. Una afirmación de este calibre puede parecer gratuita, pura exageración, pero no lo es. Su juego vocal causo asombro, por su prefeccion, su destreza y su finura instrumental es pura antologia y su talento como arreglistas, simplemente portentoso.
En 1976 editarían su cuarto disco "Men From Earth" que tendría el éxito que había cosechado en sus tres primeros trabajos y donde destacaron el exquisito "You Know Like I Know" y el clásico "Homemade Wine".

viernes, 23 de octubre de 2020

Bread-The Best Of (1973)

A finales de los 60 un guitarrista llamado David Gates era muy conocido en los circuitos del pop californiano; músico de sesión, cantante, productor, pero tanto trasiego le queda pequeño y decide ampliar fronteras por lo que junto a otro músico de sesión, el también guitarrista James Griffin, idean formar un grupo. Se llamaron Bread, y aunque tuvieron una corta carrera de 7 años, les daría tiempo a dejar tras de sí una larga lista de canciones inolvidables, de las cuales algunas de ellas han pasado a la historia del rock.
Tuvieron gran éxito entre 1970 y 1977, logrando situar durante ese tiempo 13 canciones en la lista de éxitos del Billboard Hot 100, y convirtiéndose en unos de los pioneros de lo que más tarde se iba a llamar Soft Rock o Rock melódico (AOR), un estilo con fáciles melodías y letras poco o nada comprometidas, como se puede apreciar en uno de sus grandes éxitos: 'Guitar man'.
Su primer album, "Bread" (1969), contenía un pop californiano elegante y soleado al estilo de lo que mucha gente hacía por entonces; “California dreaming”, que decía la canción. Gates, sin embargo, tendía más a la introspección y al sentimentalismo que a la euforia pop/folk de sus contemporáneos. Ello le llevó a crear un buen puñado de baladas sofisticadas que iría publicando en años posteriores, en los albumes que consiguieron unas buenas ventas y altos puestos en las listas de éxitos.
Un año después publicaron su quinto album "Guitar Man", con la canción homónima y la mas famosa mundialmente del grupo, logrando como todos sus discos anteriores la certificación de disco de oro.
Es sin embargo es en sus recopilatorios, como "The Best Of” de 1973, (album que alcanzo cinco discos de platino), donde mejor se aprecia su poder de seducción, donde se dan cabida lo mejor de toda su carrera "If", "Make it with you", "Guitar man", "It don't matter to me", o "Everything I own", entre otras grandes canciones de esta mítica banda.

Donald Fagen-The Nightfly (1982)

A finales de la década de 1970 Steely Dan se vio inmerso en la grabación del disco "Gaucho", y en el perfeccionismo obsesivo de su líder Donald Fagen y su compañero de banda Walter Brecker. Cerca de 50 músicos participarían en esta grabación y duraría nada menos que dos años, durante los cuales surgieron múltiples diferencias creativas, personales y profesionales, que acabarían por finiquitar definitivamente la banda y el final de la primera etapa de Steely Dan.
Pero Donald Fagen, lejos de abandonar el negocio de la música, seguiría solo y varios años más tarde publicaría la que sin duda es su obra maestra "The Nightfly", en la que mostró el espíritu de Steely Dan pero con sonidos renovados y actualizados.
Este álbum fue uno de los primeros discos de la historia en ser grabado en un sistema digital, a pesar de que causó numerosos problemas técnicos a Donald y su ejército de expertos durante el proceso de registro extremadamente meticuloso, y es que una de las demandas de Fagen en su nueva compañía (Warner Bros) iba a convocar a casi toda una disciplinada legión de músicos que ya habían trabajado con él en su ex-banda (productores, ingenieros, músicos de estudio, etc.), además de otras colaboraciones de lujo adicionales. Como siempre, los más de treinta colaboradores vivieron los "lentos martirios chinos" a los que Fagen los sometió en los ensayos. Nadie escapó a la obsesion del "Millimetric Man" , solo la difícil grabación duró 8 meses, comandada por ese obsesivo amante de las vanguardias tecnológico-musicales que es el mismísimo Donald Fagen! ¡Y que a nadie de su equipo de lujo se le ocurriera cometer el error más insignificante de cualquier acorde!
El álbum contiene un repertorio antológico con canciones como "I.G.Y (What a Beautiful Day)", "New Frontier", "The Goodbye Look" o "Walk between the Raindrops".
Este ya mítico álbum logró el disco de platino, entró en el Top 20 de Estados Unidos e Inglaterra, además de obtener varios reconocimientos internacionales, entre los que destacan las 7 nominaciones a los Grammy en 1983.

Kitaro-Ten Years (1988)

Kitaro es uno de los músicos más admirados y respetados a nivel mundial, su carrera ha estado marcada por grandes discos que han sido una referencia obligada en las llamadas nuevas músicas o la new age.
Su breve estancia en el grupo de rock progresivo Far East Family Band y su asociación algún tiempo después con Klaus Schulze y su escuela de electrónica, le valieron la experiencia suficiente para luego demostrar su inagotable talento con los sintetizadores y la composición.
Sin embargo, sería la banda sonora de "Silk Road" de principios de los ochenta la que lo haría mundialmente famoso y como consecuencia, el sello Geffen Records le firma un contrato para distribuir toda su discografia.
"The Best of Ten Years" es un doble album recopilatorio que recorre sus creaciones desde sus primeros discos en 1976 hasta 1986, aquí Kitaro nos muestra una gran colección de melodías hipnóticas, elegantes, interpretadas con sintetizadores y sonidos sinfónicos muy profundos y con cierto dramatismo.

jueves, 22 de octubre de 2020

Frank Zappa-Guitar (1988)

Frank Zappa nunca fue políticamente correcto, tanto en sus afirmaciones sociales, politicas o musicales, asi como en el concepto y forma de publicar sus obras.
En 1988 publica el doble album "Guitar", que incluye exclusivamente solos de guitarra del propio Frank Zappa extraidos de algunos de sus trabajos anteriores.
Si se publicó para demostrar sus habilidades guitarrísticas para aquellos que siempre decían que se rodeaba de grandes guitarristas o no, nunca lo sabremos, pero este es un claro ejemplo para aquellos que pensaron en lo primero, para que de alguna manera cambiaran de opinión.
Aparte de todo esto, Frank Zappa fue uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos y en este disco tanto Zappa como su banda destilan virtuosismo, técnica y sentimientos.
Rodeado de grandes músicos entre los que se encuentran Steve Vai, Vinnie Colaiuta, Ike Willis o Bobby Martin, entre otros, hace que sea mucho más interesante este trabajo, donde podemos escuchar los diferentes géneros que interpretó a lo largo de su carrera.
Canciones de rock "Hot Rats", blues psicodélico "Sexual Harassment in the Workplace", rock and roll "Sunrise Redeemer", reggae "That´s Not Really Reggae", baladas "Do Not Pass Go", delirios musicales "That Ol´G" Minor Thing Again" o magníficos solos como "Watermelon in Easter Hay".

Al Di Meola-Elegant Gypsy (1977)

Inmediatamente después del lanzamiento del álbum de Return to Forever "Romantic Warrior" (1976), Al Di Meola dejó la banda para comenzar su propia carrera en solitario y ese mismo año grabó el álbum "Land of the Midnight Sun".
Un año después, el virtuoso guitarrista publicó su segundo disco de larga duración titulado "Elegant Gypsy" donde continuó mostrando su gran potencia a las seis cuerdas que y en donde fue rodeado para esta grabación de un elenco de grandes músicos.
Entre los músicos invitados se encontraban Jan Hammer, Lenny White, Steve Gadd o Paco de Lucía, es precisamente este último quien pone su guitarra para tocar el tema “Sundance Mediterráneo” a duo con Meola, con un toque flamenco maravilloso.
La influencia del Return to Forever se escucha en el primer corte "Flight Over Rio", con un soberbio trabajo de Jan Hammer en los teclados y de Anthony Jackson al bajo.
Destaca también la enérgica "Race With Devil on Spanish Highway", sin duda una de las mejores composiciones en toda la carrera de Al Di Meola.
Elegant Gypsy es uno de los álbumes de jazz rock clásico, que terminaría con el ascenso de Al Di Meola como una de los grandes de jazz.

miércoles, 21 de octubre de 2020

Average White Band-AWB (1974)

Corría el año 1973 cuando un antiguo componente de Oblivion Express, la banda de Brian Auger decidió unirse a otros músicos, todos apasionados por el soul y el funk, para formar un sexteto que llamarían Average White Band, un nombre un tanto humorístico por ser todos blancos y practicantes y hacer una música eminentemente negra.
Este músico fue el baterista Robbie Mcintosh, quien junto al guitarrista Hamish Stuart, el bajista Onnie McIntyre y los saxofonistas Roger Ball y Malcolm Molly Duncan iniciaron así una carrera que pronto les traería grandes éxitos a ambos lados del Atlántico.
Este grupo escocés elegiría para su presentación, el regreso a los escenarios de Eric Clapton después de sus tumultuosos episodios con las drogas, actuando como telonero del mítico guitarrista.
Poco después se publicaría su primer disco "Show Your Hand" (1973) bajo el sello MCA, que a pesar de no entrar en las listas de éxitos, confirmó el ascenso del grupo con un estilo que fusionaba el rhythm & blues británico con el soul.
Un año después el grupo consigue un contrato con Atlantic Records, en parte gracias a la mediación de Bruce McCaskill, manager de Eric Clapton en ese momento, quien también los dirige a partir de ahora.
"Average White Band" (1974), producido por Arif Mardin (responsable del éxito de los grandes artistas del soul del sello Atlantic) el segundo álbum del grupo, sería el elogio definitivo y un gran boom comercial, logrando escalar a los primeros puestos en EE.UU y a un sexto en el Reino Unido.
En este disco el grupo mostraba una sólida base de rock fusionada con elementos soul, blues e incluso pop, un estilo que comenzaba a tener miles de seguidores en todo el mundo gracias a grupos de moda como Sly Family Stone, Temptations o Kool and the Gang entre otros contemporáneos.
El álbum contenía grandes éxitos como "Pick up the pieces", "Nothing You can do" o "You got it".
Pero la desgracia se cebaria con el grupo poco tiempo después, ya que ese mismo año McIntosh fallecería por una sobredosis de heroína.
A pesar de esta desgracia el grupo seguirá adelante y reclutará a otro ex-Oblivion Express, Steve Ferrone con quien publican "Cut the Cake" (1974) que, sin alcanzar el éxito del álbum anterior, logran mantenerse en lo más alto del ranking con varios éxitos como "School boy Crush" o "If I Ever Lose This Heaven".
"Soul Searchin" (1976) sería el último gran álbum de la banda, que contenia el hit "Queen of my Soul" y que iniciaría el declive del grupo, publicando trabajos de menor impacto comercial, algunos de ellos de buena factura pero muy alejados de sus impactantes primeros discos.

Canned Heat-Boogie With Canned Heat (1968)

Canned Heat fue una de las mejores bandas de Boogie and Blues de todos los tiempos, liderada por la gran voz "Bob Hite-The Bear" (The Bear, debido a su apariencia física y su grasa corporal) y el virtuoso minimalista "Alan Wilson-Búho ciego "(búho ciego, debido a su gran falta de vista y anteojos grandes).
Canned Heat fue una banda que verdaderamente marcó un antes y un después en la evolución de un género que hay que recordar que se habia estancado a mediados de los años sesenta, y gracias a músicos como Bob y Alan lograron regenerar de nuevo con fuerza la autoría del género.
Fueron grandes no solo por su capacidad de interpretación, sino por su superioridad sobre los demás a la hora de adaptar el género y fusionarlo con lo más "eléctrico y lisérgico" de la epoca y en ocasiones con el virtuosismo "acústico-minimalista" de sus autores.
Canned Heat se formaron en 1965, cuando "Alan y Bob" se conocieron en Los Ángeles en 1965, en una tienda de discos, específicamente en la sección de jazz-blues, ambos eran fanáticos del género, (se sabe que el Bob Hite, poseía una enorme coleccion de vinilos, Eps y singles de 45 rpm de boogie y blues, que fue adquiriendo poco a poco hasta su muerte en 1981).
En 1967, grabaron su tercer álbum en el sello "Liberty" y en 1968 fue lanzado bajo el título "Boogie with Canned Heat" producido por "Skip Taylor", lanzando el sencillo "On the Road Again" de Floyd Jones, a los pocos meses ya era número uno en ventas en muchos países, siendo un éxito mundial y un verdadero clásico del boogie blues y del rock.

martes, 20 de octubre de 2020

Spyro Gyra-Morning Dance (1979)

Formada a mediados de los 70 por Jay Beckenstein y Richard Calandra en Buffalo, localidad cercana a Nueva York, Spyro Gyra es una de las formaciones de jazz más emblemáticas del genero del jazz y desde hace más de 40 años han publicado una serie de discos considerados de los mejores de dicho estilo.
En 1976 publican su primer trabajo llamado "Spyro Gyra", un disco grabado de forma rudimentaria del cual solo se lanzaron inicialmente 500 copias, que sin embargo gracias a difusion en las radios locales y al tema "Shaker Song" se convierte en un rotundo éxito, consiguiendo ampliar edición del álbum y vendiendo más de 70.000 copias.
Con un segundo y brillante álbum "Morning Dance" (1979), la banda se expande con el tecladista Tom Schumann y el vibrafonista David Samuels.
Con este segundo disco consiguen vender un millón de copias gracias a grandes composiciones como "Heliopolis", "Jubilee" o "Song For Lorraine".
Luego de otro gran disco como "Catching The Sun" (1980), logran un reconocimiento similar al anterior e incluso llegando al número uno en las listas, publican "Freetime" (1981), Incognito "(1982) y finalmente" City Kids " (1983), que cerrará un sexteto de grabaciones magistrales y elevando la categoria de la banda hasta el olimpo del mundo del jazz.

lunes, 19 de octubre de 2020

John Lee Hooker-The Healer (1989)

 

John Lee Hooker fue nombrado como el mejor músico de blues de la historia, con una carrera de más de cien discos publicados y más de medio siglo de carrera, sin embargo, no sería hasta los 70 años cuando alcanzaría su mayor popularidad.  
En 1948 publicaría su primera canción "Boogie Chillen" con la que se dio a conocer en todo los Estados Unidos.
A partir de aquí John Lee Hooker no dejaría de publicar grabaciones muy populares que incluso tuvieron mucho impacto en las listas de éxitos de la época.
Pero no sería hasta finales de los 70 cuando su popularidad alcanzaría cotas extraordinarias al aparecer en las películas "The Last Waltz" y "The Blues Brothers".
Años más tarde publicaría su disco más aclamado "The Healer", (1989), donde contó con la participación de Carlos Santana, George Thorogood, Charlie Musselwhite, Bonnie Raitt o Robert Cray.
Con este disco John Lee Hooker ganaría su primer y único premio Grammy, algo que se le había negado en los años sesenta y setenta.
"The Healer" es uno de los discos imprescindibles para todos los amantes del blues, con una serie de composiciones del más alto nivel como "Think Twice You Go", "Rockin´Chair" o "No Substitute".

domingo, 18 de octubre de 2020

Steppenwolf-Steppenwolf (1968)

La primera vez que se usaría el término Heavy Metal sería en la canción "Born to be Wild" del grupo Steppenwolf, una banda californiana formada en 1967, que ejercía un potente sonido rock.
Junto a bandas contemporáneas como Vanilla Fudge y Iron Butterfly, fueron precursoras del género del metal, siendo sus influencias determinantes para las siguientes bandas del estilo
Incluido en el álbum debut del grupo "Steppenwolf" (1968), se convirtió en el himno de los "Hells Angels" y luego aparecería en la película de culto "Easy Rider", alcanzando las primeras posiciones de las listas.
Surgida de las cenizas de la banda de blues rock The Sparrows fue fundada por John Kay (guitarrista y vocalista), Jerry Edmonton (batería) Michael Monarch (guitarra secundaria), Goldie McJohn (teclados) y Rushton Moreve (bajista).
En los próximos cinco años Steppenwolf será, históricamente, un grupo vital, que llegará a vender unos 25 millones de discos, con ocho de sus discos recibiendo el Disco de Oro; "Steppenwolf" (68), "The Second" (68), "Monster" (69), "Steppenwolf 7" (70), "Steppenwolf Live" (70), "Gold" (71) y "16 Gresatest Hits" (73), y logrando colocar hasta doce de sus canciones en el Top 100 de Billboard, entre las que se encuentran "Magic Carpet Ride", que alcanzó el número 3, o "Rock Me", aunque su trayectoria pronto se verá truncada, y luego solo tendrá remontadas esporádicas, pero es indudable que la inmortalidad fue otorgada por el hecho de que "Born to Be Wild" es considerada la primera canción de Heavy Metal de la historia.

jueves, 1 de octubre de 2020

Booker T. and the MG´s-The Best Of (1968)

Memphis es una de las cunas del sonido negro y precisamente ahí nació Booker T., uno de esos artistas que nacen con un instrumento bajo los brazos, en este caso el órgano.
Desde la adolescencia tocaba en una banda llamada Triumphs, en la que era pieza fundamental.
Una década después, en 1962, Booker formó un pequeño grupo al que llamó MG´S y para ello reclutó a Al Jackson en la batería, Donald Dunn en el bajo y uno de los grandes talentos del sello Stax, Steve Cropper como guitarrista.
El primer disco resultante de esta unión registra un éxito sin precedentes y alcanza el número 1 y logra el millón de copias vendidas, la canción se tituló "Green Onions".
A partir de ese momento, Booker T. y la carrera de MG son prolíficas de forma colectiva e individual.
Los MG'S también serán la base de los Mar-Keys, el grupo de sesión de todas las grabaciones de los grandes del sello Stax, artistas como Isaac Hayes, Sam & Dave, Eddie Floyd o Wilson Pickett entre otros, creando un sonido característico y lleno de calidad.
Volviendo a los Booker T y los MG'S en los años sucesivos irán publicando discos uno tras otro hasta principios de los setenta cuando prácticamente dejan de grabar para actuar únicamente hasta hoy con numerosos cambios en sus formaciones posteriores.
Canciones legendarias como "Soul limbo", "Hang ´Em High" o "Time is Tight" han pasado a los anales de la historia de la música negra instrumental.
En 2007 pasaron a formar parte del Rock Hall of Fame y ese mismo año recibieron el Grammy honorifico por su carrera artística.