domingo, 18 de diciembre de 2016

Hot Tuna-Hoppkorv (1976)

A principios de los 70, varios miembros del Jefferson Airplane quisieron formar una banda paralela para dar rienda suelta a su gusto por el folk blues.
Así, Jack Cassidy y Jorma Kaukonen, comenzaron a actuar como teloneros de los propios Jefferson Airplane, con la incorporación de otros miembros del grupo de manera ocasional: Marty Balin y Spencer Dryden.
En 1976 se lanza "Hoppkorv", el octavo álbum de la banda, donde vuelven a ofrecer ese sonido contundente, vibrante y enérgico que habian hecho en sus anteriores trabajos.
El potente "Santa Claus Retreat", la densa "Extrication Love Song" junto con la acústica "Watch The North Wind Rose" dejaron un disco donde la banda explotó su lado rockero alejándose en parte de su característico folk blues.

domingo, 11 de diciembre de 2016

Johnny Winter-Captured Live! (1976)

"Captured Live" muestra el mejor momento y la máxima expresión de Johnny Winter y su rock blues eléctrico, con gran vitalidad y sacando lo mejor del blues tradicional pero con un rock potente donde su característico sonido con las seis cuerdas aquí se ve reforzado por un segundo guitarrista como Floyd Radford.
Grabado durante la gira de los dos álbumes que Johnny Winter había editado en 1974; "Saints & Sinners" y "John Dawson Winter III", recopila canciones de diferentes conciertos ofrecidos en California, más concretamente en el At Swing Auditorium de San Benardino, en el Sport Arena de San Diego y el Colisseum de Oakland.
Con un repertorio repleto de versiones eléctricas, destaca sobre todo la versión del clásico "Highway 61 Revisited" de Bob Dylan y "Sweet Papa John" de Winter.
Un gran show en vivo de uno de los mejores guitarristas de blues de la historia, que durante su dilatada carrera nos dejó algunos de los discos más memorables de ese género.

martes, 8 de noviembre de 2016

Deep Purple-Fireball (1971)

Inexplicablemente Deep Purple no había alcanzado el número uno en las Islas Británicas con su fantástico "In Rock", alcanzando "solo" un cuarto puesto, no así en Estados Unidos donde llegarían a lo más alto, sin embargo con su próximo disco "Fireball" si lo harían, lograndolo de inmediato.
Grabado con la formación clásica (Blackmore, Paice, Lord, Glover y el cantante Ian Gillan), es el segundo disco después del mencionado "In Rock" donde Deep Purple suena a Deep Purple, sus tres primeros trabajos no son más que interesantes colecciones de versiones bastante obvias pero muy cercanas al pop.
"Fireball" siempre estuvo lastrado por estar justo en medio de sus dos grandes obras maestras como son "In Rock" y "Machine Head" y entre las grandes canciones que la componen, solo dos han pasado a la posteridad; "The Mule" y "Strange Kind Of Woman".
Sin embargo nadie duda de que el nivel de "Fireball" es algo inferior a los dos discos mencionados, pero aun así tiene una riqueza estilística envidiable.
Canciones apoteosicas como "Fireball", la hipnótica y brillante "Demon's Eye" o la psicodélica "Fools" demuestran que está casi en la cúspide junto a sus mejores trabajos.

domingo, 23 de octubre de 2016

Eric Clapton-Just One Night (1980)

A finales de la década de los 70 Eric Clapton estaba viviendo un momento artístico con cierta estabilidad, tanto comercial, de popularidad y personal, y había publicado en los últimos años varias obras como "Slowhand" (1977) y "Backless" (1978) que lo habian devuelto a la senda del exito.
A principios de los ochenta se publico el doble disco en directo "Just One Night", grabado íntegramente en el Budokan de Tokio, un año antes durante la gira del album "Backless", y con la particularidad de utilizar como banda de apoyo una formacion diferente y mucho mas talentosa a la que grabo el mencionado álbum.
Para esta gira, tendría a Albert Lee como segunda guitarra, Henry Spinetti como batería, Dave Markee como bajo y Chris Stainton como teclista.
El repertorio contenía canciones y versiones propias como los tradicionales blues "Early In The Morning" o "Rambling On My Mind", algunos de sus éxitos más recientes como "Cocaine", "Tulsa Time", "Wonderful Tonight" o "Lay Down Sally", y clásicos del rock y blues como "Further On Up The Road" o "Blues Power".
Se comprobó que Clapton no quería seguir viviendo del legado de sus antiguas bandas del pasado como Cream, Blind Faith o Derek And The Dominos al no incluir ninguna de sus legendarias canciones en este directo.
Un disco donde la magia de la guitarra de Clapton sigue asombrando, pero que sin embargo adolece de la chispa incendiaria y apasionada que alguna vez transmitió sobre todo a finales de los sesenta y principio de los 70.
Aun así, el álbum cosechó un enorme éxito en las listas británicas y norteamericanas alcanzando las primeras posiciones durante 1980.

viernes, 14 de octubre de 2016

Fela Kuti-Black President (1981)

Sin ser un estilo masivamente popular, la música africana es muy rica y diversa, tanto como lo es el propio continente, influenciada por una amplia variedad de estilos musicales procedentes de Europa y América, que van desde el jazz, gospel, blues, calipso, o los sonidos latinos que aprovechan su enorme variedad de instrumentos musicales, muchos de ellos autóctonos para crear sonidos y estilos como el afro beat
Sus orígenes se remontan a muchas décadas atrás, una de sus principales referencias (de manera aun muy sutil ) es Miriam Makeba en los sesenta, pero es sin duda Fela Kuti su mayor impulsor.
Este nigeriano nacido en 1938 era de una familia de clase media, su padre era un religioso reverendo y un gran pianista. En 1958 Fela Kuti se mudaría a Londres a terminar los estudios de medicina y allí después de ver el incipiente movimiento musical del pop decidió dedicarse a la música y fundo su primera banda Koola Lobitos, los cuales practicaban un estilo basado en los sonidos tribales con el jazz y el pop, a partir de aquí su estilo se empezaría a ser conocido como el afro beat. Algunos años después viajara a los Estados Unidos y allí se alineo con los Black Power y los Panteras Negras, motivo por el que fue inmediatamente deportado a su Nigeria natal.
Durante la década de los 70 publicaría varias docenas de albumes, sin embargo su discográfica oficial es algo confusa al perderse en la maraña de sellos independientes y africanos de escasa repercusión varios de ellos rescatados por sellos europeos y americanos y solo media docena de ellos son reconocidos oficialmente. En 1981 y publicado por el sello Arista llegaría su album "Black President".
En este album fue realmente concebido mucho antes de su publicación, sus orígenes se remontan a finales de los sesenta cuando estaba en los Angeles, y parte de los temas aquí expuestos son de sesiones de grabación de aquella epoca, y otras en Londres en donde colaboraría Ginger Baker. Regrabados posteriormente, con unas composiciones extensas y un gran contenido político, "Black President" es el punto álgido de su creatividad, aquí muestra su lado mas salvaje contra el poder político y social. Posteriormente hizo muy buenos trabajos, pero es este sin duda el que quedo como referencia básica de su estilo y su mensaje.

miércoles, 10 de agosto de 2016

Tina Turner-Private Dancer (1984)

 

A finales de los setenta Tina Turner terminó su relación artística y emocional con Ike Turner después de más de 15 años, a partir de entonces la cantante comenzaría una carrera en solitario llena de éxitos.
Sin embargo, sus primeros trabajos pasaron completamente desapercibidos, el tortuoso final con Ike y este comienzo vacilante pusieron su carrera al borde del abismo.
Pero en 1984 y gracias al disco "Private Dancer" Tina Turner logró volver a lo más alto con un disco que logró la increíble cifra de más de veinte millones de copias vendidas.
Para este disco, Capitol Records, su nuevo sello, puso a sus órdenes una gran cantidad de músicos, productores y estudios de grabación, entre otros se encontraban algunos componentes de los Dire Straits, ademas de Jeff Beck, Mel Collins, Rupert Hine, Joe Sample o Hal Lindes entre otros muchos.
"Private Dancer" sería un disco excepcional con un repertorio repleto de versiones de clásicos adaptados al rock moderno como "Let's Stay Together" de Al Green, "Help" de The Beatles, "1984" de David Bowie, o "I Can ´t Stand the Rain "de Ann Peebles, así como canciones extraordinarias como la balada" "Whats Love Got it Do With it" o "Private Dancer", esta ultima una canción compuesta por Mark Knopfler que originalmente iba a ser incluida en el álbum de Dire Straits "Love Over Gold" y finalmente fue desechada.

jueves, 14 de julio de 2016

Various Artists-No Nukes (1979)

En 1979 una serie de artistas norteamericanos de la fundación Muse (Una alianza de músicos en contra de la energía nuclear) organizaron una serie de conciertos para recaudar fondos para esa fundación, que denunciaba los males de la energía nuclear y fomentaba las energías alternativas.
Promovido por Jackson Browne y Bonnie Raitt, entre el 19 y el 23 de septiembre de ese año se llevaron a cabo en el Madison Square Garden de Nueva York.
Además de Browne y Raitt, participaron Bruce Springsteen, The Doobie Brothers, James Taylor, Tom Petty, Crosby Stills y Nash, Carly Simon, Nicolette Larson, Poco y Ry Cooder, entre otros grandes artistas.
Por separado, como dúo o en grupo, interpretaron sus canciones más conocidas ante el asombro de un público al ver ante sí mismos, tal colección de estrellas juntas.
No Nukes es el álbum que recogió lo mejor de dicha serie de actuaciones y fue lanzado bajo el formato de triple álbum en noviembre de 1979.
Este enorme álbum tuvo una gran acogida comercial con casi 500.000 copias vendidas poco después de su lanzamiento.
Un album que derrocha pasión a raudales por las interpretaciones memorables de algunos de los artistas, mucho ardor y grandes canciones rock que convierten a este maravilloso album en una grabación histórica, hoy en día injustamente casi olvidada.

miércoles, 29 de junio de 2016

Boston-Boston (1976)

El año 1976 represento un antes y un después en la música popular, básicamente porque es el año en el que el punk sube a los escenarios, rompiendo radicalmente con los excesos del rock progresivo y sus derivados, la decadencia de los grandes mastodontes que triunfaron en años anteriores. En unos años, muchas de estas bandas como Yes, Genesis o Jethro Tull, tuvieron que adaptarse a las masas para mantener su relevancia.
Así que Boston, la banda liderada por el ingeniero y prodigio Tom Scholz con el tremendo cantante Brad Delp, no podría haber elegido peor año para debutar. Sin embargo, este clásico todavía se considera uno de los grandes hitos del rock clásico a lo largo de la historia.
Y no hay mayor hito que la canción que la abre: ese "More than a Feeling", radiado hasta la saciedad, con la mejor interpretación de la carrera del malogrado Delp y de la que veinticinco años despues estaría el propio Kurt Cobain tomando sus acordes para el "Smells Like Teen Spirit".
Mítica y omnipresente en cualquier compilación de rock que se precie, es la balada de rock por excelencia de los años setenta. Tom Scholz, a menudo tildado de perfeccionista insoportable, y quien produjo el álbum además de tocar la guitarra y los teclados (se rumoreaba que había compuesto todo con una computadora), encontró una fórmula y la usó a la perfección: solos de guitarra muy melódicos y atractivos, con una guitarra acústica dando el ritmo y las intervenciones agudas de Delp. "Peace of Mind" es uno de los temas que mejor representa ese modelo, además de una gran canción.
En el resto todas las canciones son increíbles, sin excepción: "Foreplay / Long Time", con sus casi ocho minutos, es totalmente épica: la gran introducción comandada por el órgano y el bajo, seguida del tema principal, con sus puntuaciones, sus intermedios acusticosd y su potente estribillo.
Mas sencilla es "Rock & Roll Band", crónica de los humildes comienzos del grupo y uno de los cortes más conocidos del disco.
"Smokin '" es una oda a la marihuana: de hecho, la duración del tema (4 minutos y 20 segundos) es una referencia a la subcultura del consumo de cannabis, es otro punto fuerte del disco, sobre todo esa parte instrumental, con el órgano arrollador y esa dinámica que hace que la canción sea tan entretenida. La banda nunca alcanzó el éxito de este album con sus trabajos posteriores, (más de 17 millones de álbumes vendidos) y después de mucho tiempo (Scholz tardó siglos en preparar nuevos álbumes) cinco en más de treinta años, siguen en activo, aunque lamentablemente Delp se suicidó en el año 2007.

martes, 7 de junio de 2016

The Tremeloes-Greatest Hits (1970)

The Tremeloes fueron una banda británica que empezaron su carrera a principios de los 60 y que tuvieron algunos éxitos que los hicieron mundialmente famosos
La banda estaba compuesta por el cantante Brian Poole, el guitarrista y vocalista Alan Blakley; Graham Scott también guitarrista, el bajista y saxofonista Alan Howard y el batería y también vocalista Dave Munden.
El ingreso de Rick West al grupo en reemplazo de Scott fue decisiva por cuanto el recién llegado tenía contactos con el productor Jimmy Grant, quién eligió a The Tremeloes en lugar de The Beatles para hacerles un contrato, en una histórica decisión que pasará a la historia como uno de los mayores errores de la historia de la música pop.
Sus comienzos fueron con la discográfica Decca, sin embargo al principio empezaron a poner en duda la capacidad artística del grupo después de publicarles varios singles sin apenas éxito.
Después de publicar "Twist and shout", tema original de los Isley Brothers y popularizado también por los Beatles, la banda comenzaría a salir del anonimato en el Reino Unido, alcanzando el estrellato con "Do you love me".
En 1964 seguirán otros éxitos y, en 1965, y un año mas tarde dejan Decca para incorporarse al sello CBS. En 1967 The Tremeloes comenzó a brillar sin Poole, que había abandonado la banda, alcanzando un número 1 en las listas de medio mundo con "Silence is golden".
Los éxitos comerciales siguieron llegando en los sucesivos años pero siempre de la mano de composiciones ajenas. En plena época psicodélica The Tremeloes intentó remediar esa carencia con "Helule, Helule", que los metió de nuevo en los primeros puestos de los charts, posteriormente el tema de Bob Dylan "I Shall Be Released" sería otro éxito,
Ya en 1968 siguieron grabando con poca suerte comercial. En 1969 lograron sí un resonante éxito con "Once a sunday morning", igualmente los temas "(Call Me) Number One" (69) y "Me and My Life" (70) tuvieron unos puestos altos en las listas británicas y europeas
Ya en la década de los '70 tuvieron algunos hits en Europa y con los años siguieron grabando pero sin los éxitos de antaño.

sábado, 28 de mayo de 2016

Dr.Feelgood-Sneakin´Suspicion (1977)

Fundada a principios de la década de los 70, Dr Feelgood es una banda de pub rock que tuvo sus mayores éxitos entre 1974 y 1979.
Formada por el guitarrista Wilko Johnson, el vocalista Lee Brilleaunx, el baterista John Martin y el bajista John B. Sparks, se movieron entre el rock and roll y blues rock con influencias de grandes como Chuck Berry o Bon Diddley, logrando una gran reputación principalmente en directo en el circuito londinense de pubs y salas de conciertos.
Con los dos primeros discos tuvieron cierto éxito comercial, y en 1976 publicaron el directo "Stupidity" con el que se consagraron definitivamente alcanzando el número uno en las listas británicas.
Un año después, llegaría "Sneakin´Suspicion".Aunque no tuvo la repercusión de su antecesor, fue su mejor trabajo, eclipsado comercialmente e injustamente por el auge del movimiento punk de esos años.
Con un repertorio cargado de R&B explosivo y alegre como "Nothin´Shakin", "Light Out", "Lucky Seven" o "You´ll Be Mine" mantuvo el alto nivel de la banda, que sin embargo sería el último grabado por Wilko Johnson por desacuerdos musicales con el resto de la banda.

miércoles, 20 de abril de 2016

Blood Sweat and Tears-Blood Sweat and Tears (1969)

"Blood Sweat and Tears" fue el segundo album de Blood Sweat and Tears el cual esta considerado como una obra maestra del jazz rock y que fue publicado en 1968.
Su estilo estaba más cercano al jazz-rock que a otros estilos predominantes en aquella epoca, pero que contenia apices comerciales que lo llevaria a ocupar durante semanas el número uno en las listas norteamericanas e incluso fue elegido como el mejor álbum del año.
Liderados poir Al Kooper, había reclutado al poderoso David Clayton-Thomas, y otros miembros, incluidos Steve Katz y Jim Felder, los cuales grabarian esta joya historica en donde lograron un trabajo que contiene temas legendarios como "You've made ​​me so very happy", todo un clasico de la factoria Motown, "Spinning Wheel" o "When I Die", todos ellos fusionados con un poderoso rock, influencias blues y grandes arreglos de jazz.

jueves, 17 de marzo de 2016

Ayreon-Universal Migrator Part. I (2000)

Encontrar en un solo album sonidos e influencias de Pink Floyd, Jethro Tull, Yes o Mike Oldfield, resulta muy complicado por no decir imposible, sin embargo Ayreon lo consiguió y sublimemente en un disco de rock progresivo impresionante e incuestionable ...
Arjen Anthony Lucassen, artífice de esta obra perfecta de Rock Progresivo de regusto añejo pero hecho con los recursos mas modernos, uno de esos músicos que solo se pueden calificar como genios, quizás a la altura de Trent Reznor, Steven Wilson, Ian Anderson o Mike Oldfield. Uno de esos músicos multiinstrumentistas, capaz y valiendose de su genio, construir obras de esta envergadura, verdaderas maravillas de la música.
Lucassen es un guitarrista holandés que triunfó en la escena del metal europeo gracias a su trabajo en bandas como Vengeance o Stream of Passion, de cierta popularidad entre los fanaticos del heavy metal.
Ayreon es basicamente un proyecto en solitario, sin banda fija que diseñó para dar rienda suelta a sus influencias progresivas, anclado en la música de los 70, el reino indiscutible de dioses como Pink Floyd, o Mike Oldfield, de toques folk de los Jethro Tull y la complejidad casi jazzística de Yes, además de la enrevesada instrumentación casi imposible del Rush.
Lucassen supo tejer óperas de la grandiosidad de "Into the Electric Castle", mostrando virtuosismo y versatilidad, con leyendas de la música de todas las épocas para dar vida a los roles de sus obras.
Lo que aquí nos ocupa se llama "Universal Migrator", un extenso trabajo dividido en dos partes, diseñado para ser publicado por separado, siguiendo una trama que nos ubica en un futuro lejano, dejando a un protagonista solitario, como único superviviente de la raza humana, confinado en una colonia en Marte de la cual la Tierra no puede ser destruida. Debido a que el argumento de los discos tiene una continuidad entre sí, la discográfica decidió poner a la venta las dos partes en una sola caja, para no privar al oyente de tan magna aventura sonora. Dada la extensión de ambas partes, musicalmente hablando no tienen nada que ver, las dos partes son totalmente diferentes.
La primera parte se llama "The Dream Sequencer", y está ambientada  en un futuro lejano, en el que la raza humana se ha autodestruido, debido a la contaminación, las guerras y la feroz lucha por el poder de las grandes potencias del mundo. En cuanto a la música, el disco, en esta, su primera parte, se convierte en un compendio de todos los fundamentos que tuvo el Rock Progresivo durante su historia. A medida que avanza su reproducción escucharemos pasajes que nos trasladarán a la música de Pink Floyd de forma magistral, con esos sintetizadores evocando infinitos espacios espaciales, secundados por guitarras salpicadas de notas larguísimas profundizando tanto en el espacio por el que nos encontramos. siendo guiados, con riffs de guitarra de exquisitas melodías, solo acariciando las cuerdas, apoyados en la sublime electrónica que nos mostraría el genio Oldfield durante los 90. Guitarras acústicas que sustentan la majestuosidad de los lugares sintéticos que nos hacen retroceder en el tiempo, evocando antiguas batallas en el mar. Hermosos lugares de clara influencia folclórica, de nuevo guiñando un ojo a la influencia de Mike Oldfield, para revivir el mundo medieval de la antigua Irlanda. Órganos Hammond como el maestro Rick Wakeman nos mostró en las largas suites de Yes, con una sensibilidad increíble, capaz de erizar la piel al mas insensible de los mortales.

viernes, 12 de febrero de 2016

Foghat-Live (1977)

En 1971, tras la publicación del disco "Looking In" de la banda británica de blues rock Savoy Brown, tres de sus integrantes, el cantante y guitarrista Dave Peverett, el bajista Tony Stevens y el baterista Roger Earl, se marcharon para fundar uno de los mejores y más carismáticas bandas de Hard Rock y Boogie Rock.
No hace falta decir que las influencias y raíces de Foghat son más que evidentes, especialmente en sus primeros álbumes.
Sin embargo, esta nueva banda muestra un estilo más duro y enérgico que su banda madre, con rock de alto voltaje y hard rock.
En sus primeros años lograron una gran reputación en Estados Unidos gracias a álbumes como "Rock and Roll", "Energized" o "Rock and Roll Outlaws", que fueron editados en el período de 1973 a 1975.
En 1977 se publica el que se convertirá en su mejor y más vendido trabajo, el directo "Foghat Live", con más de dos millones de copias vendidas solo en USA.
Un disco que consta de seis incendiarios temas, se convierte en uno de los directos imprescindibles del rock, con un repertorio antológico de sus éxitos y algunas versiones, como el trepidante "Fool for the City", la antologíca "Slow Ride" o una versión acelerada de la canción de Willie Dixon "I Just Want to Make Love to You".

miércoles, 13 de enero de 2016

George Benson-Weekend In L.A. (1977)

Con una de las portadas más icónicas del mundo del jazz y del pop, George Benson publicó su segundo album en directo "Weekend in L.A." en 1977, poco después de haber publicado su decimosexto disco de estudio "In Flight" donde ya comenzaba a deslumbrar los rumbos hacia donde iba su carrera desde ese momento, con un jazz con influencias pop, sin olvidar sus incursiónes por el funk y el soul.
Para el momento en que se lanzó este álbum, Benson había estado lanzando discos durante catorce años desde que debutó con "The New Boss Guitar Of George Benson" en 1964.
Influenciado por guitarristas como Wes Montgomery, Benson comenzaría con discos instrumentales orientados al jazz, swing e incluso R&B donde su peculiar forma de tocar la guitarra lo hizo famoso, llegando incluso a ganar varios premios Grammy (diez en total) a lo largo de toda su carrera.
Obras destacadas como "Beyond the Blue Horizon", "White Rabbit" ambas de 1971, el exitoso "Breezin" (1976), "Living´Inside Your Love" (1979), o "Give Me The Night" (1980) lo catalogan como uno de los mejores instrumentistas del jazz.
"Weekend In L.A." fue grabado íntegramente en el West Hollywood Roxy de Los Ángeles, y es su álbum en vivo más conocido y legendario.
Con un repertorio muy variado donde se puede escuchar su estilo ecléctico que va desde el instrumental "California P.M." o "The Greatest Love Of All", hasta el famoso "On Broadway" que aparecía en la mítica película "All That Jazz", pasando por temas más mainstream como "Lady Blue", cortes al más puro estilo smooth jazz como "Windsong" o canciones puramente jazz "We As love".

miércoles, 6 de enero de 2016

Stevie Ray Vaughan and Double Trouble-In Step (1989)

Stevie Ray Vaughan estuvo sumergido durante muchos años en problemas con el alcohol y las drogas, tambien participo en múltiples proyectos musicales, giras y colaboraciones durante los años 70 con otros artistas, y por fin comenzó a tener cierto éxito cuando fundó su banda Double Trouble a principios de los 80.
Con una técnica envidiable, original y un gran talento con las seis cuerdas, tocando con una pasión desenfrenada, Stevie Ray Vaughan fue uno de los últimos grandes del blues moderno, con una carrera en solitario que duró apenas diez años y en la que grabó una serie de discos considerados de los mejores del blues rock moderno.
Con su primer disco "Texas Flood" logró una gran reputación y fue nominado al Grammy, siendo aún hoy en dia uno de los discos más populares del blues eléctrico.
"In Step" fue su último álbum lanzado en 1989, donde Vaughan produjo un enérgico blues rock, fusionando el blues de Chicago, con la energía y el misticismo de uno de sus ídolos, Jimi Hendrix.
Desde el inicial y contagioso "Crossfire", pasando por el rock and roll "The House is Rockin´", la balada de blues "Leave My Girl Alone", el experimental "Riviera Paradise" o el instrumental "Travis Walk", Vaughan nos deja un disco fundamental del blues rock, que lamentablemente supuso el cierre de su excelente carrera, ya que un año después murió en un doloroso accidente de helicóptero en Wisconsin mientras se dirigía a un concierto en Chicago.