A mediados de 1986 Lindsay Buckingham había iniciado la grabación de un álbum en solitario, sin embargo al poco tiempo de comenzar, reuniría a sus compañeros de la banda y les pediría participar en las grabaciones, convirtiendo esa colaboración finalmente en un nuevo trabajo bajo la firma de Fleetwood Mac.
El resultado de esta reunión fue una obra de extraordinaria producción, de un exquisito sonido cristalino y un repertorio cargado de canciones pegadizas y adictivas que se movían entre el pop cercano a la new wave y el rock.
Las irresistibles y rítmicas "Everywhere”, “Little Lies”, “Seven Wonders” o “Big Love”, la retro “Caroline”, la bellísima “Mystifield”, la rock “Isn´t It Midnight”, la hipnótica “Tango in The Night” o la pop rock “Family Man”, se convirtieron todas en unos clásicos de la banda y pese al rechazo de la prensa especializada por considerarlos excesivamente comerciales, obtuvo el beneplácito de sus fans y el publico en general, que auparon al álbum hasta las primeras posiciones a ambos lados del Atlántico, con un éxito arrollador en las listas de medio mundo.
“Tango In The Night” se convertiría en el disco mas vendido de Fleetwood Mac detrás de su obra cumbre “Rumours” (1977), logrando unas ventas que superan los quince millones de copias a nivel mundial.
Compuesto por un repertorio extraído de varios conciertos por el Reino Unido durante los primeros meses de 1974, cerraban la formación de la banda, el batería Robert Henrit y el bajista Jim Rodford.
En este doble álbum se observa la tendencia sinfónica y progresiva de Rod Argent, la cual contrasta claramente con la faceta mas accesible y comercial de Ballard.
Compuesto por momentos de largos desarrollos instrumentales como la inicial “The Coming Of Kohoutek”, o las progresivas “God Gave Rock and Roll to You” y “Music From The Spheres”, todas ellas con los teclados y el órgano de Rod Argent como protagonista principal, muestra también la vertiente mas asequible de Ballard, como queda demostrado en las hard rock “It´s Only Money (Parts 1 y 2)” y “Thunder and Lightning”.
El resto de temas mantiene un altísimo nivel, como queda evidenciado en la bluesy con tintes progresivos “I Am The Dance Of Ages”, el desenfadado rock and roll “Keep On Rollin´”, con un acelerado estilo boogie rock irresistible o en sus dos grandes clásicos, la inconmensurable “Hold Your Head Up” y la contagiosa “Time Of The Seasons”, argumentando con todo ello, el inagotable talento de dos de los mas grandes genios que la música británica haya dado jamás, tanto en el plano creativo como instrumental.
Aún bajo la dirección y el amparo del eterno Karl Jenkins (teclados) y de John Marshall (batería y percusión), el grupo alcanza la magnitud de super banda formada por el mas selecto elenco de instrumentistas: Dick Morrisey (saxofón tenor), Alan Holdsworth (guitarra), Alan Parker (guitarra rítmica), John Taylor (Fender Rhodes), Jack Bruce (bajo) y Ray Warleigh (saxofón alto y flauta), además de los vocalistas Stu Calver, John Perry, Tony Rivers y Bill Harman.
Con esta asombrosa formación, grabarían el ultimo álbum de Soft Machine “Land Of Cockayne”, al mismo tiempo que se convertiría en su epitafio final apenas había comenzado la década de los ochenta.
Este ultimo lanzamiento viene a ser un agradable ejercicio ecléctico de sonidos clásicos, de excelente jazz-funky y jazz-rock, en donde los músicos están simplemente perfectos, sin desmadres ni protagonismo, extraordinariamente conjuntados y realizando únicamente música, una música fluida y ligera, en la cual cada uno de ellos aporta su peculiar virtuosismo.
Escrito y compuesto en su totalidad por Jenkins, la tónica del álbum es de relajada y envolvente exquisitez, mas dominada por la insinuación melódica, (que por momentos se aproxima a los esquemas sinfónicos), que por el desmán improvisa torio habitual de todos los trabajos anteriores de Soft Machine.
Cortes como la floydiana “Over And Above” o la ambiental “Lotus Groves” nos conducen a la corta y orquestada “Isle Of The Blessed”, antesala de las jazz fusión “Panoramia”, “Hot-Biscuit Slim” y “Sky Monkey”, los cuales son los temas mas destacados de uno de los mejores trabajos del jazz-rock de los ochenta.
Sin embargo todo ello bajo la relatividad que supone sus estructuras musicales complejas y el talentoso trabajo instrumental de todos los componentes del grupo, los sofisticados arreglos y sus enrevesadas composiciones.
La formación que grabaría este quinto álbum sigue siendo la misma de los tres anteriores, compuesta por Steve Wilson (guitarras, teclados, voces y otros instrumentos, además de la producción), Colin Edwin (bajo), Chris Maitland (batería) y Richard Barbieri (toda clase de teclados y sintetizadores).
Temas como “Piano Lessons” o “This Is No Rehearsal” son una clara apuesta hacia las radio formulas, sin embargo la majestuosidad de los sonidos progresivos de antaño están presentes en “Even Less”, “Pure Narcotic” y “Don´t Hate Me”, introduciendo incluso en todas ellas unas letras menos controvertidas a lo habitual en las composiciones de Wilson.
El resto mantiene un alto nivel como queda demostrado en la floydiana “Strange By The Minute” o en la melancólica “Stop Swimming”.
Con este álbum, Porcupine Tree ascendió considerablemente en términos de atractivo comercial, obteniendo mas accesibilidad a otros sectores de fans, al mismo tiempo que retuvo gran parte de su esencia original, aquella que los habían hecho muy populares entre sus principales seguidores.
Si su titulo no estuviera ya ocupado por Bob Dylan, en lugar de “Re·ac·tor”, hubiera sido mas apropiado el de “Blood On The Tracks”, por que difícilmente se puede encontrar un álbum tan guerrero y con tanto coraje en sus surcos como este.
Con alusiones a temas poco recurrentes en los años ochenta como la Guerra del Vietnam, “Re·ac·tor”, fue lanzado a finales de 1981 bajo el sello Reprise, el ultimo con esta discográfica antes de que firmara un nuevo contrato con la Geffen Records, con la cual estaría gran parte de la década de los ochenta, iniciando con ello su época mas oscura y mediocre.
“Opera Star” de claro manifiesto rock en perfecta continuidad con “Rust Never Sleeps”, es el corte que inicia de manera abrumada este álbum, mientras en “Surfer Joe And Moe The Sleaze”, la personalísima guitarra de Young juguetea sobre un fondo de voces para contarnos historias de borracheras, despilfarros y excesos obscenos en un tono mas tranquilo y melódico.
“T-Bone” y “Get Back On It”, son obsesivos y rítmicos homenajes a las raíces negras del rock, la primera en un tono histérico y la segunda mas cercano al boogie blues, con la que ponen punto y seguido a la primera cara del álbum.
La cara B es el desmadre rockero de Neil Young y su banda, empezando con la asesina “Rapid Transit”, a la que le siguen la machacona “Southern Pacific”, la sureña “Motor City” y esa pesadilla visceral titulada “Shots”.
Puro y duro rock, así es como mejor se define este álbum, el ultimo gran trabajo del canadiense hasta su resurgimiento musical de finales de la década de los ochenta con el soberbio “Freedom”, después de sus extraños meandros musicales que ocuparon todo su periplo bajo la mencionada y polémica discográfica comandada por David Geffen.
El primero donde ya aparece Bruce Dickinson en el rol de vocalista, sustituyendo a Paul Di´Anno, el resto seguía formado por el bajista Steve Harris, ademas de los guitarristas Dave Murray y Adrian Smith y el batería Clive Burr.
Grabado en los meses finales de 1981 y principios de 1982 en los estudios Battery de Londres, tuvieron como productor al afamado Martin Birch en los controles de grabación.
“The Number Of The Beast”, es un álbum vibrante y asombroso de virtuosismo por parte de todos sus componentes, que se inicia con la acelerada y poderosa “Invaders”, a la que le siguen la dinámica “Children Of The Damned”, la melódica “The Prisoner”, la potente “22 Acacia Avenue”, la asombrosa “The Number Of The Beast”, la pegadiza “Run To The Hills” o la demoledora y sensacional “Hallowed Be Thy Name”.
Considerado uno de los grandes álbumes del llamado NWOBHM y del heavy metal en general, “The Number Of The Beast” logro colarse hasta las primeras posiciones en numerosos países alrededor del mundo, logrando unas ventas que superaron con creces los trece millones de copias a nivel mundial.
En su segundo disco, The Allman Brothers Band apostaron por un estilo mas complejo y sofisticado, un claro anticipo de lo que la banda haría en los sucesivos años.
La sabia fusión de blues, rock y funk se ve reforzada en este “Idlewild South” por una esencia country como queda demostrado en la maravillosa e entusiasta “Revival”, la magnifica blues “Please Call Home” y el folk rock “Midnight Rider”, que contrastan con las poderosas bluesy “Don´t Keep Me Wonderin´” y “Leave My Blues At Home”, sin olvidarnos de la incendiaria versión del tema del gran Willie Dixon, “Hoochie Coochie Man”, mientras “In Memory Of Elizabeth Reed”, es el clásico tour de force de la banda, en donde cada miembro tiene su momento de lucidez con solos de guitarras, percusiones y órgano, la cual la convierten en el punto culminante de otra de las obras maestras del grupo originario de Jacksonville.
Una banda que por entonces seguía estando formada por los mismos miembros que habían grabado las anteriores obras “Discovery” y “Xanadu”, compuesta por el propio Lynne (guitarras, voz y teclados), Kelly Groucutt (bajo), Bev Bevan (batería) y Richard Tandy (teclados y guitarras).
“Time” es un atractivo álbum concepto muy avanzado para su época, basado en un viaje al futuro en donde las orquestaciones encantadoras, crean un trabajo repleto de grandes canciones pop sinfónicos individuales, que sin embargo en donde realmente destacan, es en el resultado final como conjunto, en un disco que exige ser escuchado como una pieza completa y única.
Temas vigorosos y dinámicos “Twilight”, “Yours Truly, 2095”, “Hold On Tight” o “From The End Of The World”, contrastan con las bellas melodías “Ticket To The Moon” y “21st Century Man”, mientras las adictivas “Rain Is Falling” o “The Way Life´s Meant To Be” conforman un trabajo soberbio en donde los sintetizadores cobran un mayor protagonismo creando con ello, la ambientación perfecta para plasmar la historia aquí expuesta.
Con un núcleo solido formado por los hachas guitarrísticos Glenn Tipton y K.K. Downing, el bajista Ian Hill y la portentosa voz de Rob Halford, en esta segunda entrega se alejan de los sonidos psicodélicos y las influencias del heavy blues para adentrarse definitivamente en el heavy metal mas contundente con elementos épicos como demuestra la sensacional “Victim Of Changes”, mientras “The Ripper” muestra la faceta mas accesible con un tema irresistible y un símbolo dentro del genero del metal. Sin embargo también contiene momentos mas oscuros como demuestra “Genocide” o germinales cortes muy cercanos al hard rock progresivo como “Epitaph” o “Dream Deceiver”, mientras en “Tyrant” nos adelantan por donde seguirá el devenir futuro del grupo con un tema que será un denominador común de los Judas Priest en la década de los ochenta.
Como ocurriría durante gran parte de la carrera del grupo, el rol de batería aquí esta representado por Alan Moore, quien había sustituido a John Hinch, pero que ya no tendría mas continuidad, siendo reemplazado por tres baterístas (Simon Phillips, Les Binks y Dave Holland), para el siguiente álbum “Sin After Sin” de un año mas tarde.
“The Unforgettable Fire” fue el cuarto álbum de la banda irlandesa U2 (el quinto si contamos el directo publicado a finales de 1983 “Under A Blood Red Sky”)
Grabado como todos los anteriores en los Windmill Lane de Dublin, este cuarto disco supuso la metamorfosis perfecta de la banda entre los álbumes “War” (1983) y “The Joshua Tree” (1987), un trabajo tan apoteósico como brillante en donde ya solo por el emblemático y extraordinario “Pride (In The Name Of Love) lo engrandece. Sin embargo el resto no le va a la zaga, como demuestran los cortes “The Unforgettable Fire” con ese aire nostálgico, la atmosférica “A Sort Of Homecoming”, la épica “Bad” o la poderosa “Indian Summer City”.
Con este álbum, U2 mostraban su época de mayor esplendor, en donde su faceta creativa y ambiciosa estaba en el punto culminante de su meteórica carrera.
Lanzado a mediados de 1977, el nuevo álbum de la banda llevaba por titulo “Deceptive Bands”, un titulo irónico tomado de una señal de trafico en la autopista A24 entre las localidades británicas de Leathehead y Dorking en Surrey, advirtiendo de las peligrosos curvas que se avecinaban mas adelante.
“Decepctive Bends” fue sin duda la mejor demostración del gran talento de binomio Stewart-Gouldman para seguir creando grandes obras, aunque también es cierto que pierden el encanto de las excentricidades y la experimentación que los desertores Godley y Creme imprimían al estilo del grupo, pero al mismo tiempo descubrimos la grandeza de Stewart y Gouldman como compositores, que por esa época estaban en un gran estado de forma creativa e instrumental.
Composiciones majestuosas como la bluesy “Modern Man Blues”, la rock and roll juguetona “Good Morning Judge”, la deudora Beatle “The Things We Do For Love”, las melódicas “Don´t Squeeze Me Like Toothpaste” y “People In Love” o la progresiva y dinámica “Feel The Benefit”, confirmaba pese a la perdida los mencionados y geniales Godley y Creme, que la banda podía perfectamente salir adelante facturando un trabajo soberbio y antológico como este, el cual conseguiría un merecido reconocimiento comercial en las listas de numerosos países alrededor del mundo.
En 1985 habían publicado el discreto “Done With Mirrors”, con el cual lograrían un disco de oro y lo que es aún mas importante, había vuelto a reunirse la formación original, después de los extraños experimentos que supusieron los álbumes “Nights In The Ruts” y “Rock In A Hard Place”, en los cuales aparecían unos miembros interinos como fueron los guitarristas Jimmy Crespo y Rick Dufay en sustitución de Bard Whitford y Joe Perry.
En “Done With Mirrors”, pese a ser un álbum de transición y no precisamente muy brillante, ya se intuye una notable mejoría con respecto a sus dos anteriores obras, en donde destacaban temas como la vibrante “My Fist Your Face”, la divertida “The Reason A Dog”, las bluesy “Shame On You” y “Shela” o la interesante “She´s On Fire”, las cuales contrastaban con otras mucho mas previsibles y de menor factura creativa.
Dos años después de “Done With Mirrors”, lanzaron el álbum “Permanent Vacation”, el cual supuso el punto de inflexión entre seguir o dar por acabada la carrera del grupo. Aquí y por primera vez, se utilizan composiciones ajenas a la banda de artistas como Desmond Child o Jim Vallance, además de un cambio casi radical en el sonido del grupo, buscando con todo ello una mayor aceptación por parte del publico, un publico que por cierto ya hacia tiempo les había dado la espalda.
Compuesto por una serie de canciones adictivas y enérgicas como la inicial “Heart´s Done Time”, la melódica “Magic Touch”, la rítmica “Rag Doll”, la bluesy “St. John”, la sureña “Hagman Jury” o la contundente “Girl Keeps Coming Apart”.
La recepción posterior de este álbum resucitaría a Aerosmith del ostracismo y los auparía hasta un onceavo puesto en las listas norteamericanas y unas ventas que superaron los cinco millones de copias vendidas solo en el mercado norteamericano y mas de un millón a nivel mundial, una cifra que se quedaría corta con el siguiente y sobresaliente “Pump” de varios años mas tarde.
“Live At Leeds” es una fantástica demostración de lo que un grupo como The Who eran capaces de hacer en vivo. Considerado uno de los grandes directos de la historia, es todo un documento histórico de la música rock.
Grabado durante la gira británica del doble álbum “Tommy” en el campus de la Universidad de Leeds el 14 de abril de 1970, cuenta con una repertorio cargado de temas emblemáticos de casi todos sus álbumes anteriores, desde la sublime “My Generation”, hasta el clásico de Eddie Cochran, “Summertime Blues”, pasando por “Happy Jack”, “I Can´t Explain”, la fabulosa versión de Mose Allison, “Young Man Blues” o la monumental “Magic Bus”.
Con este fantástico directo de 40 minutos de puro rock, The Who demostraron el por que fueron una de las bandas mas icónicas de la historia y una de las mas ruidosas de todos los tiempos.
Formados en 1970 bajo el nombre de Dada, su primera formación estuvo comprendida por una docena de músicos entre los que destacaban la vocalista Elkie Brooks, el guitarrista Pete Gage, el bajista Steve York, el batería Conrad Isidore, el teclista Dave Thompson o el saxofonista Dave Brooks.
Con esta formación grabarían bajo el sello Atlantic Records, el álbum homónimo “Dada” en 1970, un trabajo repleto de sonidos de jazz, soul, psicodelia y blues, influenciados por el estilo negroide de los artistas del sello norteamericano Stax Records.
Después de una larga gira por Estados Unidos, la banda regresa al Reino Unido y cambia su nombre por el de Vinegar Joe, además de reestructurar la formación entrando el cantante Robert Palmer, el teclista Tim Hinkley y el bateria Rob Tait.
Con un nuevo contrato, esta vez con el sello Islands Records, graban su primer disco bajo su nuevo nombre y titulado “Vinegar Joe”, el cual se convierte en uno de los mejores álbumes del año 1972 en las islas británicas.
Pero después de este disco vuelven a producirse nuevos cambios de integrantes, entrando el guitarrista Jim Mullen, el teclista Mike Deacon y el ex batería de John Mayall, Keef Hartley.
Con esta nueva formación graban su segundo álbum, “Rock´n´Gypsies”, en donde el habitual estilo de la banda de soul y blues, es reforzado por un mayor énfasis en los elementos del rock. Temas como la bluesy “Angel” una versión de un tema de Jimi Hendrix o cortes como las brillantes rock “So Long”, “Buddy Can You Spare Me A Line”, “Falling” o “It´s Getting To The Point”, conforman un trabajo sobresaliente, en donde además de las soberbias interpretaciones vocales de Elkie Brooks y Robert Palmer, es apoyada por una banda excelente en un estado de gracia extraordinaria.
Luego de una exitosa gira por tierras norteamericanas, la banda publicaría el tercer y ultimo disco, “Six Star General”, el cual adolecía en parte de la energía y creatividad de sus dos primeras obras.
Algún tiempo después la banda se disuelve definitivamente, dedicándose casi todos sus integrantes a sus carreras en solitario, destacando sobre todos ellos Robert Palmer, el cual obtuvo un notable éxito con algunos de sus álbumes como “Secrets” (1979), el multi platino “Riptide” (1985) y “Heavy Nova” (1988) o Elkie Brooks, la cual iniciaría una larga y exitosa carrera muy prolífica, logrando situarse entre las mejores cantantes británicas de todos los tiempos.
En esta nueva entrega las huestes liderada por Lou Gramm y Mick Jones consiguieron otro notable trabajo que lograría encaramarse hasta la quinta posición en el US Billboard, con unas ventas que superaron con creces los cinco millones de copias.
Además de Lou Gramm (voz) y Mick Jones (guitarra y voces), el resto de la banda estaba formada por el bajista Rick Willis, el guitarrista y teclista Ian McDonald, el batería Dennis Elliott y el teclista Al Grennwood.
Grabado durante los meses de junio y julio de 1979, en los Atlantic Studios de Nueva York, el álbum fue lanzado a principios del mes de septiembre de ese mismo año.
Si bien es evidente que en cierta medida “Head Games” pierde el descaro y el instintivo natural de sus dos anteriores obras, también lo es que aquí nos encontramos con piezas de gran calibre como la pegadiza “Love On The Telephone”, la enérgica “Dirty White Boy”, la boogie rock “Women”, la atractiva hard rock “Seventeen”, la AOR “Head Games”, la preciosista balada “Blinded By Science” o la medio tiempo adictiva “Do What You Like”.
En todos ellas sobresale la sublime voz de Lou Gramm y el sobresaliente trabajo instrumental del resto de la banda, así como la magnifica producción realizada al unísono por Roy Thomas Baker y Mick Jones.
Si ya en sus tres anteriores obras había empezado a electrificar su estilo con la colaboración de algunos de los mejores instrumentistas de la época como Jimmy Page, Rick Wakeman o John Paul Jones, en este quinto trabajo se aleja casi totalmente de esas influencias para adentrarse en los arreglos sofisticados y eléctricos con un estilo refinado de elegante folk rock.
Ya en este álbum aparecen varios de sus futuros colaboradores habituales como el guitarrista Tim Renwick y el teclista Peter Wood, además de otros prestigiosos músicos como el teclista de Yes, Rick Wakeman, B.J.Cole o el batería de Queen, Roger Taylor entre otros muchos mas.
Grabado durante los primeros meses de 1973 en los Estudios Trident de Londres, su publicación se produjo con fechas distintas, en octubre de 1973 para el mercado británico y mayo de 1974 para el norteamericano.
Creado a modo conceptual “Past, Prsenet And Future” hace un repaso a casi todas las décadas del siglo XX, en donde el musico escoces aprovecha su gran habilidad de narrador histórico.
Temas como la bellísima “Old Admirals”, la pegadiza “Soho (Needless to Say), la beatle “Terminal Eye”, la melódica “The Last Day Of June 1934” o las arregladas “Roads To Moscow” y “Nostradamus”, impulsaron de manera abrumadora al álbum en el siempre cotizado mercado norteamericano.
