Barry White-Can´t Get Enough (1974)

Barry White fue un genio indiscutible del soul romántico. Su voz cavernosa y profunda, sus arreglos orquestales repletos de funk, soul y rhythm and blues, son un referente y su música sigue siendo atemporal y admirada aún hoy en día por millones de personas alrededor del mundo. Este cantante, compositor y arreglista, supo desarrollar una música que estaba adornada de lujosas armonías instrumentales y unas sensuales y irresistibles melodías. Nacido en 1944, creció en uno de los barrios mas desfavorecidos de Los Ángeles, y de joven se vio envuelto en serios problemas con la ley. Con el paso del tiempo, Barry White se dedicaría a aprender a tocar el piano de manera autodidacta, escuchando música clásica y practicando muchas horas al día. Algunos años mas tarde comenzaría a tocar como músico de sesión en la emergente escena musical de su ciudad. Durante esos años comenzaría a trabajar como compositor y arreglista en varios estudios de grabación, algo que seria vital para su posterior carrera en solitario. En los años 70. White formaría su propia banda llamada Love Unlimited Orchestra, con la que fue lanzando discos que estaban influenciados de música soul y funk con unos refinados arreglos de música clásica. Su debut discográfico llegaría en 1973 con el álbum “I've Got So Much to Give”, en donde aparecía su primer gran éxito “I'm Gonna Love You Just a Little More Baby”. Su profunda voz, junto con sus románticas letras, pronto lo auparon entre los artistas más solicitados en las emisoras de radio de medio mundo. Durante el resto de los años 70, seguirá publicando una docena de álbumes exitosos como "Stone Gon", "Can't Get Enough" o "Just Another Way to Say I Love You", los cuales contenían exitosas canciones como "Just the Way You Are", "It's Ecstasy When You Lay Down Next to Me", "You're the First, the Last, My Everything" o la famosa "Can't Get Enough of Your Love, Babe". Pese que a partir de los años 80 su fama fue decreciendo paulatinamente, siguió manteniendo su enorme popularidad y su gran talento publicando asiduamente álbumes que fueron bien recibidos entre el público, como por ejemplo su álbum lanzado en 1994 "The Icon Is Love", con el que volvió a disfrutar de las mieles del éxito. Durante todos esos años, Barry White obtendría numerosos discos de oro y platino y varios premios Grammy, y actualmente es considerado uno de los mayores influyentes de gran infinidad de artistas actuales del R&B, el soul y el funk. 

The Animals-The Animals (1964)

The Animals son una de las fundamentales bandas de la llamada "British Invasion", la cual en sus primeros años fueron duros competidores de los mismísimos The Beatles y los Rolling Stones. Esta banda surgida inicialmente como The Alan Price Combo, estaba formada por el teclista Alan Price, el cantante Eric Burdon, el guitarrista Hilton Valentine, el bajista Chas Chandler y el baterista John Steel. Su primer contrato discográfico fue con la MGM con la que en 1964 lanzaron su álbum debut “The Animals”. En este primer disco destaca por encima de todo la legendaria "House Of The Rising Sun", una canción tradicional readaptada con nuevos arreglos, añadiendoles unas atractivas líneas de guitarras y un singular sonido de órgano que la llevaron a colocarse en los primeros puestos a ambos lado del Atlántico, convirtiéndose de paso en una de las inmortales canciones del siglo veinte. Además de esta canción aquí aparecen otras brillantes versiones bajo los ritmos hipnóticos del Rhythm and Blues como "Around And Around" de Chuck Berry, "I´ve Been Around" de Fats Domino, "I'm Mad Again" de John Lee Hooker o "Talkin´ Bout You" de Ray Charles.

The Doors-L.A.Woman (1971)

En febrero de 1971 la banda norteamericana The Doors, terminaba de grabar su sexto álbum “L.A.Woman”, y justo después de las sesiones de grabación, su cantante y líder, el carismático Jim Morrison, decidiría abandonar para dedicarse a la poesía, lejos del caótico mundo de súper estrella de la música rock.
Para ello se trasladaría a Paris, mientras el resto de la banda permaneció en Los Ángeles, esperando que de alguna manera Morrison pronto se aburriera de escribir poemas a la orilla del Sena y regresara para seguir con la carrera del grupo.
Apenas tres meses después, el 3 de julio, Jim Morrison fallecería de un supuesto infarto, en una de las muertes mas polémicas y misteriosas de la historia de la música moderna.
Pero antes de este luctuoso suceso, en abril se publicaba oficialmente “L.A.Woman”, para muchos el canto del cisne de The Doors y toda una obra maestra de la música contemporánea.
Un álbum que muestra a un Jim Morrison con un claro acento blues decrépito, debido sin duda a sus años de abuso de sustancias derivadas de las drogas y a su autodestrucción, pero que sin embargo de alguna manera ayuda a que la música aquí sea mas mezquina y cruda y al mismo tiempo incluso mas refinada.
Con un papel todavía bastante dominante en las composiciones por parte de Jim Morrison, a pesar de ello se denota un menor entusiasmo y a la postre un mayor protagonismo de Manzarek, Desnmore y Krieger, en el que es sin duda el trabajo donde mas brillan sin estar oscurecidos por el rol de su líder.
También es el álbum en el que cuentan con un bajista de manera oficial, papel que recaería en Jerry Scheff, además de contar con un segundo guitarrista, Marc Benno.
Ambas contribuciones, sobre todo la primera, liberaba a Ray Manzarek en el rol de teclista, otorgándole un mayor protagonismo instrumental.
En “L.A.Woman” no hay ningún corte que sobresalga sobre el resto si exceptuamos a esa antología que es “Riders on The Storm”, desde la inicial “The Changeling”, con sus patrones rítmicos en evolución y esos teclados funkys (curiosamente una década después la banda Lipstick, tomaría “prestada” la base rítmica de esta canción para su hit mundial “Funkytown”), hasta temas blues con acordes jazzisticos, “Been Down So Long”, “Cars Hiss By My Windows” o “Crawling King Snake”, pasando por cortes proto prog como la vertiginosa canción principal, la melódica y con un gran trabajo de percusión y órgano “The Wasp” o la impresionante “Riders On The Storm”, una deslumbrante epopeya que ha pasado a los anales del rock como todo un clásico atemporal.
Quince discos de platino, media docena de discos de oro y cerca de 7 millones de copias vendidas alrededor del mundo, fueron los impresionantes registros de este asombroso ultimo álbum de The Doors con Jim Morrison al frente de la banda.

The Doors-An American Prayer (1978)

El noveno álbum de The Doors, publicado seis años después de la disolución de la banda y ocho desde la muerte de su cantante, es una colección póstuma de las obras poéticas del propio Jim Morrison, mientras que el resto de la banda contribuyó en la composición musical. Fue lanzado a finales de 1978 y esta considerado como el canto del cisne de la mítica banda californiana.
En el momento de la publicación de este álbum, para muchos críticos y fans fue bastante discutible, alegando entre otras cuestiones, hasta qué punto este lanzamiento era de interés para el publico en general. En el caso de este álbum, la música está más en segundo plano que en un primero, por razones obvias. Sin embargo, hay algunas notables excepciones, y por lo general son bastante brillantes.
Para otros, este registro es un buen ejemplo de la posible evolución de la banda y su sonido, si hubieran logrado seguir en activo algunos años mas, ya que la música se distancia de la psicodelia de la costa oeste de finales de los sesenta y se mueve hacia un sonido más moderno, mezclando el rock con los sutiles sonidos latinos, ("Black Polished Chrome/Latino Chrome"), el funk (“Newborn Awakening”), el jazz (“Curses, Invocations”), el blues (“Stoned Immaculate”), los sonidos vanguardistas (“An American Prayer” o “Hour For Magic”), la música clásica (“A Feast of Friends”), e incluso rastros de los sonidos de la imperante música disco de finales de la década de los 70, (“The Ghost Song”). El sonido y la producción son realmente exquisitos, especialmente considerando el hecho de que la banda estaba usando cintas grabadas con la voz de Jim Morrison de 1970.
Además de todo ello Ray Manzarek reemplazó su órgano Vox por un órgano Hammond y los sintetizadores modernos también están muy presentes, además ya no hay un piano bajo Fender, (hay un bajo real tocado por varios músicos de sesión; Jerry Scheff y Bob Glaub), y la guitarra de Krieger ya no es tan psicodélica y difusa como antaño, sonando en todo momento mas jazzistica y melódica.
El énfasis principal del álbum es la poesía de Jim Morrison, y eso es realmente, de lo que se trata este álbum. Sin entrar en los detalles sobre los textos poéticos, lo cierto es que encajan muy bien con la música (en realidad, mejor seria decir a la viceversa), creando atmósferas diferentes y efectivas a lo largo de todo el álbum. Ciertamente, esta es una obra de arte sin paliativos.
Ninguna de las pistas aquí está cantada a diferencia de la música habitual de The Doors, excepto una curiosa versión en vivo de “Roadhouse Blues”, en donde Morrison canta improvisando con alusiones poéticas ya que se había olvidado de la letra debido a su estado de embriaguez durante ese concierto.
Uno de los puntos principales de este álbum, es subrayar y resaltar algunas de las poesías más llamativas de Morrison, y se usaron algunos de sus pasajes más impactantes, principalmente cuando expresaba su odio por el puesto de almirante de la marina norteamericana de su padre. Otros pasajes contienen algunos pensamientos inquietantes sobre la muerte y su vínculo con el sexo, mientras que una larga búsqueda del alma parece ser el hilo conductor del álbum.
Pese a lo inusual de este álbum, “American Prayer” lograría alcanzar un disco de oro, una nominación a los premios Grammy y años después obtendría un disco de platino por sus millonarias ventas en el mercado norteamericano.

 

The Doors-Absolutely Live (1970)

Este fue el único registro en vivo de The Doors durante muchos años, y el único que publicaron durante el tiempo que estuvieron activos.
"Absolutely Live" es uno de los mas fascinantes dobles en directo de los años setenta, que entre lo mas llamativo esta el que no incluye ninguno de sus hits en las listas de éxitos, lo que demuestra su carácter original y demoledor.
Aquí sobresalen algunas versiones de Bob Diddley y Willie Dixon, demostrando con ello, dónde estaban sus raíces.
Un directo que se inicia con el clásico de Bob Diddley "Who Do You Love", que la banda llevan a su campo, y continúa con un “Medley” compuesto por las canciones “Alabama Song”, “Black Door Man”, “Love Hides y “Five To One”, que culmina en uno de los momentos épicos del álbum con "When The Music Over".
Luego llega el turno del fantástico "Break On Through" y sorprenden con la soberbia "The Celebration Of The Lizard", poema épico musical de 14 minutos de duración, que rematan soberbiamente con una extendida versión de "Soul Kitchen".
Con este doble en directo, The Doors demostraron que fueron únicos incluso para grabar álbumes en vivo, todo una obra maestra absoluta de la música rock.

J.Geils Band-Live Full House (1972)

J.Geils Band fue una extraordinaria banda norteamericana de rock & roll y R&B, que publicaron una serie de grandes discos en la década de los setenta, los cuales permanecen como parte de lo mejor del rock norteamericano. En sus inicios a mediados de los sesenta, esta banda era un trío de blues acústico formado por el cantante y guitarrista Jerome Geils, el bajista Danny Klein y el armonista Richard Salwitz, posteriormente ya casi a finales de la década se les unirían el cantante Peter Wolf y el batería Stephen Bladd. Con esta nueva formación la banda deriva su estilo hacia los derroteros eléctricos del rock, el blues y el soul. Sus primeros cinco álbumes empezando por el debut “The J.Geils Band” (1970) y su continuación “The Morning After” (1971), constituyen dos antológicos trabajos de sonidos potentes de R&B aderezados con un descarnado rock and roll y grandes dosis de soul, en ellos destacan la poderosa “First I Look At The Purse”, la versión de Otis Rush “Homework”, la tremebunda “Hard Drivin´Man” o “Serves You RightTo Suffer”, esta ultima otra versión, esta vez del gran John Lee Hooker.
Sin embargo en donde realmente destacaba esta banda eran en sus explosivos directos, con una fuerza imparable entre la armónica de Magic Dick, la ardiente guitarra de J.Geils y la tremenda voz de Peter Wolf.
Todo ello quedo reflejado en su directo “Full House” publicado en 1972 y grabado en el Cinderella Ballroom de Detroit, el cual se convirtió en el punto culminante de J.Geils Band. Un directo que esta considerado uno de los grandes registros en vivo de los setenta y que contiene un repertorio fulminante e incendiario como las trepidantes “Firts I Look At The Purse” o “Looking For A Love”, la jam “Whammer Jammer”, la R&B “Hard Drivin´Man” o la blues “Server You Right To Surffer”.
Si bien la banda encontraría más tarde un gran éxito en las listas a principios de los 80, el fanfarrón y blues rock de su propuesta inicial los convirtió en uno de los grupos mas solicitados en las giras estadounidense, una época en donde llenaban estadios durante el periodo comprendido entre 1971 y 1974.
Después de este enorme directo llegaría su siguiente álbum de estudio “Bloodshot” (1973), el cual se convirtió en el lanzamiento mas exitoso de la banda hasta esos momentos, alcanzando el décimo puesto en las listas del Billboard, mientras el siguiente “Ladies Invited” (1973), aún conteniendo grandes momentos, fue el principio de su época mas previsible, alejados de su contundente propuesta inicial, pero que sin embargo reforzaría el estatus de la J.Geils Band como una de las mejores bandas del rock americano de principios de la década de los setenta.
Sin embargo el éxito mundial les llegaría por fin en 1981 gracias a su álbum “Freeze Frame”, todo un numero uno en las listas Billboard, el cual contenía las adictivas y comerciales “Centerfold” y “Freeze Frame”, temas con un claro acento pop sin alejarse totalmente de su planteamiento original con acercamientos al funk, convirtiendo este en su trabajo mas ecléctico y experimental.

Hunger-Strickly From Hunger (1968)

Hunger fueron una excelente banda de rock psicodélico emparentados con The Doors, Jefferson Airplane o Strawberry Alarm O´Clock, que tuvieron su momento de gloria en la escena californiana de finales de los 60. Sus orígenes fueron en Portland, Oregón, a mediados de los sesenta y ya casi a finales de la década se trasladaron a Los Ángeles, donde comenzaron a ganarse una gran reputación entre la floreciente escena psicodélica hippie de la costa oeste. Durante ese tiempo abren conciertos para Cream, Frank Zappa o The Byrds. En 1968 publicaron su único álbum "Strickly From Hunger", en donde sus largas pausas instrumentales impulsadas por los sonidos de órgano y las penetrantes líneas de guitarra, les confieren un estilo muy cercano a la banda de Jim Morrison. Buena muestra de esa influencia son los temas  "She Let Him Continue", un rock psicodélico con diferentes efectos de sonidos, la instrumental "Portland", o la siniestra "Colors". En "Strickly From Hunger", se pueden escuchar elementos de casi todos los géneros (jazz, blues, pop, rhythm & blues), entremezclados en cada canción, aunque su escucha debe ser detenida para saborear los matices de cada una. Cada canción sirve como un excelente ejemplo de la polinización cruzada de géneros. Hunger fueron mucho mas que una simple banda de rock psicodélico, llamados a ser estrellas si el destino no se hubiera interpuesto en su camino, con una serie de lamentables acontecimientos, como el robo de todo su equipo en varias ocasiones, entre otros desafortunados hechos que tal vez la hubieran convertido en una banda importante, tan respetada e influyente como sus contemporáneos de la costa oeste.

Journey-Journey (1975)

Después del álbum “Caravanserai” de Santana, dos de los miembros de su banda deciden abandonar para fundar la suya propia, así Gregg Rolie y Neal Schon se unen al batería Aynsley Dunbar quien había trabajado con David Bowie y Lou Reed, el bajista Ross Valory y el guitarrista George Tickner y fundan Journey.
A diferencia de los trabajos de la década de los ochenta que estaban enfocados a los sonidos mas accesibles y melódicos, en sus tres primeros años Journey se embarcaron en el estilo del jazz-rock con influencias progresivas.
Su primer álbum fue publicado en 1975 bajo el sello CBS y en el ofrecen una combinación de temas enérgicos de guitarras y sonidos Hammond en donde se dan cabida estilos tan dispares como acercamientos al R&B, pinceladas de blues, jazz rock de alto voltaje y sonidos progresivos. En “Of A Lifetime” ya muestran su capacidad instrumental con un tema contundente y rítmico, mientras “In The Morning Day” se torna en sonidos mas melódicos y pegadizos. “Kohoutek” y “Topaz” son temas instrumentales, el primero mas progresivo con un jazz rock poderoso muy elaborado y el segundo mas en la onda del sonido de Santana. Por su parte “In my Lonely Feeling/Conversations” es un tema típico de los setenta de rhythm and blues y una guitarra muy bluesy, la finalizar con el momento mas progresivo del álbum “Mystery Mountain” un tema impactante y un gran broche final para este gran disco.

Pete Brown And Piblokto!-Things May Come And Things May Go, But The Art School Dance Goes On Forever (1970)

Este es uno de los mejores ejemplos del espíritu creativo de la música de los años 60. Peter Brown es conocido por ser un asiduo colaborador de Jack Bruce, con el que comparte la autoría de grandes temas como "White Room" o "I Feel Free" de Cream. Además Brown fue famoso por ser un poeta muy creativo en la escena beat británica y uno de los personajes mas importantes en el negocio musical europeo durante años. Después de abandonar su primera banda, The Battered Ornaments por discrepancias con otro grande de la escena del rock británico como es Chris Speeding, formo Piblokto! en 1970, cuyo primer álbum tiene uno de los títulos mas largos en la historia del rock "Things May Come And Things May Go, But The Art School Dance Goes On Forever". Su banda estaba formada por Rob Tait a la batería, Roger Bunn al bajo, Dave Thompson a los teclados y saxo y Jim Mullen a la guitarra, mientras Peter Brown lleva las riendas como  vocalista.
La facilidad con el lenguaje y las imágenes ingeniosas y surrealistas son la inspiración para una colección de canciones que navegan entre el jazz y el rock, entre el rhythm and blues y las melodías pop, todo ello enriquecido por las letras poéticas de Brown. Un disco que es considerado uno de los mejores de la era progresiva underground en las islas británicas.

Eric Burdon and War-Eric Burdon Declares War (1970)

Eric Burdon fue el mejor cantante de los años 60, gracias a una voz increíble que hasta cuando recitaba las canciones, producía cadencia, ritmo y movimiento. Su leyenda y su inconformismo son una historia aparte dentro de la propia historia, de tal forma que su trayectoria es tomada casi como ejemplo de progresión y evolución en la década de oro de la música rock y pop.
Eric Burdon and The Animals fueron una gran parte de la evolución del blues y el Rhythm & Blues en los primeros años de la expansión beat.
Ya casi a finales de los sesenta Eric Burdon ya llevaba tras de si 7 años de profesionalidad, de grandes éxitos y muchos proyectos, con obras cumbres con su banda The Animals como los increíbles sencillos ya clásicos de la música rock "The House of the Rising Sun" o "Don´t Let Me be Misunderstood" y una serie de álbumes significativos.
En el periodo de 1966-67 Eric Burdon junto a sus Animals se trasladan a la costa Oeste Norteamericana y allí graban su espectacular “Wind Of Change”.
En 1970 Burdon anuncia una nueva formación creando una banda compuesta por músicos de color, llamada War, y explica que ese cambio se debe a que se siente también negro, por que piensa, razona y canta como un negro. War esta compuesto por media docena de músicos empapados de música blues, soul y funk.
Eric Burdon & War empiezan con buen pie con su tema "Spill the wine", junto al álbum "Eric Burdon Declares War" una soberbia experiencia de blues, psicodélica, funk y música afroamericana, en donde sobresalen además de la mencionada “Spill the wine”, "Tobbaco Road" y "Mother Earth" dos largas suites hipnóticas, lisérgicas y catárticas, convirtiendo a este disco en un clásico instantáneo y uno de los grandes discos de la historia de la música.
A finales de ese mismo año se lanzaba otro extraordinario álbum, esta vez en formato de doble Lp titulado “The Black-man´s Burdon”, otra explosión de música negroide con una mezcla de funk, soul, rock y R&B con tintes psicodélicos y en donde sobresalían la versión de los Stones “Paint it Black”, la excitante “Bare Back Ride” o la legendaria “Nights in White Satin” de los Moody Blues.

Joe Cocker-With Little Help From My Friends (1968)

En 1968 Joe Cocker grababa bajo la supervisión de Denny Cordell, su primer album titulado "With Little Help From My Friends", en el cual contó con la colaboración de excelentes músicos de la escena británica de aquella época; Jimmy Page, Albert Lee, Steve Winwood, Tony Visconti, Chris Stainton o Mathew Fisher entre otros en una hábil elección que contribuyo al poderío del resultado final del disco.
Desde hacia algún tiempo, Cocker venia actuando en Gran Bretaña y Francia con su banda Joe Cocker Big Blues Band, en donde básicamente tocaban versiones de la música negra con temas de blues y R&B de los clásicos del genero.
La aparición en la vida de Cocker del músico y arreglaste Chris Stainton fue vital para el devenir del futuro del cantante de Sheffield.
Cocker basaba su estilo negroide de soul y blues en su forma desarticulada de gesticular con una presencia inconfundible y enloquecida, que contrastaba con su aparente fragilidad y su voz ronca y poderosa.
Al frente de su nueva banda The Grease Band, Joe Cocker ofreció una serie de conciertos por toda Inglaterra en apoyo a su primer álbum. Al siguiente año participaría en el festival de Woodstock ante trescientas mil personas, los cuales aplaudieron entusiasmadamente las peripecias de Cocker y su banda sobre el escenario.
Poco después en los Ángeles y con la ayuda estimable de Leon Russell, grabaría su segundo álbum "Joe Cocker". Russell enseñaría a Cocker a modular los pesados tonos del recitado blues y le proporciono un éxito inolvidable "Delta Lady".
Russell supervisara la grabación de este nuevo álbum en donde se notaba el cambio de país y de ambiente, aquí hay una agilidad diferente a su opera prima, es menos tosco y blues, revelando mas eclecticismo y dispuesto a enfrentarse a la melodía country.
Con este clima renovado, contribuye en gran manera la elección de Russell de elegir los músicos para la grabación del álbum, todos ellos pertenecientes a lo mejor de los grupos country-rock y folk de bandas como The Byrds o The Flying Burrito Brothers.
Sin embargo esta diversidad de estilo entre los dos primeros álbumes saca a relucir el principal problema de Cocker, su espontaneidad, su falta de calculo o astucia, que si bien puede ser un mérito, a la larga se configura como un peligroso defecto. Este defecto residía en la incapacidad de elaborar una estrategia musical propia, dejándolo a merced de arreglistas y compositores. Y desgraciadamente no todos son como Chris Stainton o Leon Russell.
Tras la separación de The Grease Band, Russell se invento un mega tour de 42 músicos en lo que luego se publicaría "Mad Dog And Englishmen", testimonio en formato de doble álbum en directo que incluye un repertorio repleto de versiones de otros artistas como Bob Dylan, The Beatles, The Rolling Stones o Traffic y cuatro temas de los dos primeros álbumes de Joe Cocker.

The Doors-The Doors (1967)

Entre los años 1967 y 1971 The Doors polarizaron la atención mundial sobre su música, su enorme sonido y la gran vitalidad del grupo.
En todo ello brillaba por encima de todo su carismático cantante Jim Morrison, un símbolo juvenil cuya capacidad lírica, emocional y su atrayente físico lo hacían el frontman y sex symbol por excelencia en una época en donde Elvis Presley había perdido esa condición por sus excesos.
Jim Morrison lo daba absolutamente todo sobre el escenario, volcándose en cada canción, llegando a lo mas alto en cada nota pero que también se pasaba de la raya en muchas ocasiones.
Las consecuencias de sus constantes desvaríos fueron sus detenciones por sus excesos poco éticos en escena, sin embargo el motivo real de sus actuaciones "poco decorosas", era el enorme trance que en el despertaba la música sobre un escenario.
Musicalmente la influencia del primer album titulado "The Doors" estaba basada en el R&B, el jazz y el rock con pinceladas psicodélicas, "Break On Through" es un ejemplo claro de la mezcla de poemas revolucionarios y la psicodelia, mientras la hipnótica "Soul Kitchen" demuestra los sutiles cambios en la dinámica musical del grupo.
Pero son los extensos "Light My Fire", un himno a la sexualidad en clave jazz y en "The End" un apocalíptico y épico tema los que encumbran a The Doors y los elevan al podium de los grandes grupos de los 60 dando comienzo así a la teatralidad en el rock.

The Spencer Davis Group-The Best Of Spencer David group Featuring Stevie Winwood (1967)

Fundada en 1963, no sería hasta mediados de esa década cuando The Spencer Davis Group saltaran a la palestra con varios hits importantes dentro del beat británico.
Formados por Spencer Davis, Steve Winwood, Pete York y Muff Winwood, sus comienzos fueron dentro de los circuitos del jazz británico de Londres.
En 1965 después de fichar para el sello Fontana graban su primer álbum "Their First", en donde su estilo se deriva hacia sonidos mas pop con fuertes influencias R&B y de donde salen algunos de los hits mas importantes de la banda como "Keep on Running" que los coloca en el primer puesto de las listas británicas.
A partir de aquí una serie de singles siguen una suerte parecida; "Somebody Help me", "Gimme Some Lovin´" o "I´m a Man", lo que les garantiza enormes ventas, mientras que su primer álbum les concede una gran prestigio entre los críticos especializados y el mundo del pop británico.
Pero la suerte les durara bien poco, en 1967 Steve Winwood les abandona para formar Traffic, el resto de componentes hacen lo mismo para seguir diferentes proyectos y solo Spencer Davis sigue al frente de una banda que ya no volvería a recalar las mieles del éxito, pese a publicar una serie de buenos discos durante la siguiente década de los 70.

The Kinks-One For The Road (1980)

Reconocida como una de las más grandes bandas de rock de todos los tiempos, The Kinks estuvieron originalmente enmarcados dentro de la llamada “Invasión Británica”, con un estilo con influencias de diferentes géneros, que van desde el folk y el country, hasta el R&B o el music hall británico.
Formados alrededor de los hermanos Ray y Dave Davies, se ganaron una gran reputación en los 60 con algunos de los álbumes de rock más importantes y con uno de los himnos generacionales que aún hoy es un clásico del rock como "You Really Got Me".
Sin embargo, a pesar de su gran potencial, siempre estuvieron a la sombra de The Beatles y The Rolling Stones, haciendo de este hecho una de las mayores injusticias en la historia.
Con casi treinta álbumes publicados, algunos de los cuales se consideran obras maestras, The Kinks permanecieron en activo hasta 1993 cuando publicaron su último trabajo titulado "Phobia".
En 1980 la banda publico "One For The Road", un doble álbum en vivo que hizo justicia al enorme poder de esta magnífica banda, y donde se puede escuchar al dúo de los hermanos Davies con las guitarras demostrando una extraordinaria compenetración.
Con un repertorio de grandes creaciones compuestas en su gran mayoría por Ray Davis, entre las que se encuentran "Lola", "Where Have all The Good Times Gone", "All Day And All of the Night", la mencionada "You Really Got Me" o "Stop Your Sollozos ”, canciones todas ellas que marcaron varias generaciones y que en directo adquieren otra dimensión con un plus de energía y vitalidad que las hace irresistibles.
Sin duda este es uno de los discos en directo por excelencia, donde queda perfectamente demostrada la grandeza de una de las mejores bandas de la música rock.

Dr.Feelgood-Sneakin´Suspicion (1977)

Fundada a principios de la década de los 70, Dr Feelgood es una banda de pub rock que tuvo sus mayores éxitos entre 1974 y 1979.
Formada por el guitarrista Wilko Johnson, el vocalista Lee Brilleaunx, el baterista John Martin y el bajista John B. Sparks. Esta legendaria formación se movieron entre el rock and roll y blues rock con influencias de grandes como Chuck Berry o Bob Diddley, logrando una gran reputación, principalmente con sus incendiarios directos en el circuito londinense de pubs y salas de conciertos.
Con los dos primeros discos tuvieron cierto éxito comercial, y en 1976 publicaron el álbum en vivo "Stupidity" con el que se consagraron definitivamente alcanzando el número uno en las listas británicas.
Un año después, llegaría "Sneakin´Suspicion", que aunque no tuvo la repercusión de su antecesor, esta considerado su mejor trabajo, aunque eclipsado comercialmente y de manera injusta por el auge del movimiento punk de aquellos años.
Con un repertorio cargado de R&B explosivo y alegre como "Nothin´Shakin", "Light Out", "Lucky Seven" o "You´ll Be Mine", este directo mantuvo el alto nivel de la banda, que sin embargo sería el último grabado por Wilko Johnson que abandonaría por desacuerdos musicales con el resto de componentes.

Them-Them Featuring Van Morrison (1973)

Them fue uno de los mas influyentes grupos de la mitad de los años 60, creadores de uno de los hits mas famosos del genero, "Gloria", toda una pieza clásica durante muchos años y a través de las diferentes versiones de múltiples intérpretes y grupos.
Creados en Belfast en el año 1963, su formación original la comprenden Van Morrison a la voz, Billy Harrison a la guitarra, Alan Henderson al bajo, Patrick McCauley al órgano y Ronnie Millinc a la batería.
Posteriormente el grupo iría cambiando de miembros sin que ello repercutirá en la calidad del grupo, cimentada casi con exclusividad en la arrolladora personalidad de Van Morrison.
En el año 1964, el grupo se traslada a Londres y sus primeros discos crean un enorme clímax en torno a la personalidad y la voz casi negra de Morrison.
"Baby please don’t go" y "Here comes the night", canciones escritas por Bert Berns (autor de otros hits, como “Shout” y “Hang on sloopy”), los catapultan al estrellato, pero su mayor éxito será la mencionada “Gloria”, nº 1 en 1965 y uno de los grandes temas de los años 60.
En 1965 publican su primer álbum bajo el sello Decca "The Angry Young Them", en el aparecen la citada "Gloria" o "Mystic Eyes", ambos firmados por Morrison, además de versiones del clásicos de R&B.
Them grabaría otros muchos temas brillantes como "Call my Name", "Here Comes the Night", "It's All over Now" o  "Baby Blue" entre otros.
Un año después llegaría el segundo álbum "Them Again", pero en 1967 y con solo dos álbumes grabados, Van Morrison deshace el grupo para continuar su carrera en solitario. Desde entonces se convierte en una de las figuras más relevantes del rock y del blues en el mundo, con una carrera que le mantendrá fuera de los rankings comerciales pero a la altura de los mejores solistas de todos los tiempos. En 1973, se editaría la recopilación “Them Featuring Van Morrison”, en la que se recuerdan los mejores temas del grupo.

Family

Family esta considerada una de las bandas pioneras del vanguardismo británico de finales de los 60 y aunque nunca se le considero una de las impulsoras como otras grandes formaciones mas punteras, si es cierto que su contribución a la evolución del rock es tan importante como otras coetáneas mas famosas.
Fundados a mediados de 1966 en la localidad de Leicester mediante la fusión de dos bandas locales como eran Jim King and The Farinas y The Roaring Sixties, sin embargo la carrera del grupo comenzaría varios años después en Londres con Roger Chapman, voz, Charlie Whitney, guitarrista, Rob Townsed batería, Jim King saxo y flauta y Rick Grech bajo.
Los dos siguientes años la banda despunto de tal manera que fue considerada como la mejor del movimiento vanguardista británico, destacando la fuerza interpretativa de Chapman, que parecía entrar realmente en trance durante las actuaciones enloquecidas del grupo.
El grupo mostraba en las repetidas jam sessions de sus conciertos una libertad y creatividad fuera de lo común, con una mezcla de elementos de blues, folk, country, jazz y música beat, nunca vistas hasta esas fechas.
“Music in a Doll´s House” (1968) y “Family Entertaiment” (1969), sus dos primeros trabajos, son el preludio de un éxito que sin embargo sufre un duro revés cuando uno de sus pilares Rick Grech es llamado para formar junto a Eric Clapton, Steve Winwood y Ginger Baker, el súper grupo Blind Faith.
Este acontecimiento resquebraja en parte la unidad del grupo, que pronto sufre otro revés ya que Jim King también abandona la nave.
Sin embargo Roger Chapman junto a Withney rehacen el grupo y dan comienzo a una segunda etapa con nuevos músicos como el ex guitarrista de The Animals, John Weider y Poli Palmer, un batería que había formado parte de Blossom Toes.
En esta segunda etapa nacerá una nueva fuente sonora de envergadura, con un estilo que une lo agresivo del rock característico de Chpaman con el ritmo agreste y vivaz del folk-country y el blues que les colocaran en un plano totalmente al margen de las modas y tendencias, ya que no figuran en ninguna y en cambio si hacen una música tremendamente actualizada a la época en la cual estaban.
Con esta formación el grupo graba los álbumes “A song for me” y “Anyway”, ambos de 1970 y un año después se publica el recopilatorio “Old songs new songs”.
En 1971 el bajista de Mogol Trash, John Wetton sustituye a Weider y se publican los trabajos “Fearless” (1971) y “Bandstand” (1972).
A mediados de ese mismo año, Wetton pasa formar parte de los nuevos King Crimson y es remplazado por Jim Cregan, que es el primero de una larga sucesión de cambios que llevarían a la publicación del ultimo trabajo de Family “It´s only a Movie” (1973).
A partir de aquí el grupo sufre la ruptura definitiva y a modo de despedida se publica el grandes éxitos “The Best of Family” (1974).
Tras la separación, Ashton se unirá a Jon Lord para algunas colaboraciones, Townsend se unirá a Medicine Head, Jim Cregan a Steve Harley and the Cockney Rebel y Chapman y Whitney formaran el grupo Streetwalkers junto a Mel Collins y Ian Wallace, ambos ex King Crimson, con quienes grabarían una serie de interesantes trabajos, que sin embargo fueron bastante intrascendentes: “Streetwalkers” (1974), “Downtown Flyers” (1975), “Red Card” (1976), “Vicious But Fair” (1977) y el doble album en directo “Live” (1977).
Posteriormente Chapman seguiría una carrera en solitario publicando los álbumes “Chappo” (1979), “Live in Hamburgo” (1979) o “Mail Order Magic” (1981), trabajos en donde aún conserva el poderío vocal de antaño, pero sin el fulgor marcado con Family en años anteriores.
Posteriormente se han publicado muchos directos y recopilatorios de Family como “Peel Sessions” (1989), “A Family Selection” (2000) o “BBC Volume one 1968-69” y “BBC Volume two 1971-73”, ambos publicados en el 2004.
Por otra parte la carrera de Chapman ha venido marcada por una larga serie de álbumes desde la década de los ochenta hasta hoy en dia, con una treintena de álbumes publicados de los que destacan “Mango Crazy” (1983) “o Kiss my Soul” (1996), hasta llegar a “Hide go seek” (2009) su ultimo publicado.
Por ultimo Rick Grech fallecería en 1990 a los 43 años a causa de su desmesurado alcoholismo y Tony Ashton en el 2001 a causa de un cáncer a la edad de 55 años.

The Doors

Cuando The Doors lanzo su primer álbum en marzo de 1967 lleno de referencias explícitas al sexo y a las drogas, en una época en donde no resultaba muy difícil escandalizarse por culpa de la generación hippie, dejo en mero infantilismo la actitud liberal de otros grupos coetáneos convirtiéndose décadas después en una verdadera reliquia de su propio pasado.
La llegada de Jim Morrison y sus compañeros al mundo del rock fue una convulsión total, mezclando textos poéticos con claras alusiones al consumo de las dogas y al sexo libre.
Todo comenzó cuando James Douglas Morrison, siendo estudiante de la Universidad de arte y cine de UCLA conoce a Ray Manzarek y este ultimo queda fascinado por la facilidad que tiene Morrison por escribir canciones y su rebeldía poética.
Morrison provenía de una familia de arraigo militar y de una estricta educación (su padre era el Almirante de la Marina norteamericana, George Stephen Morrison), algo que marco su personalidad refugiándose en la poesía, la literatura y la pintura.
Manzarek pianista de educación clásica pronto le ofrece unirse al grupo en el cual tocaba por entonces llamado Rick & The Ravens junto a varios de sus hermanos, los cuales practicaban temas propios y versiones de rhythm & blues.
Posteriormente también se les une el batería John Densmore y consiguen un contrato con la Columbia y entran en la World Pacific Studios en donde graban algunos temas, entre los que se encontraban “Break on Through”, “Moonlight drive” y “Summer´s almost gone”.
Pero la personalidad un tanto peculiar de Morrison termina por desquiciar a los hermanos de Ray que abandonan la banda, siendo sustituidos por el guitarrista Robbie Krieger quedando así constituido The Doors, nombre elegido por Morrison de un libro de Aldous Huxley, “The Doors Perception”.
Durante una actuación del grupo en el mítico Whisky a Go-go es observado por el carismático líder de la banda Love, Arthur Lee quien les recomienda a la Elektra y tras una prueba son contratados.
“The Doors” (1967), supuso el debut del grupo, un trabajo en donde exhibían un rock influido por el blues épico y la teatralidad de los textos y la voz de Morrison.
Producido por Paul Rothchild, el álbum contenía algunas canciones que formaban el repertorio de Rick & The Ravens como la polémica e incontestable “Break on Through”, todo un clásico, además de la provocativa “Twentieth Century fox”, la épica y melodramática “The End” o “Light my fire”, un tema hipnótico con un martilleante sonido repetitivo de órgano que se convierte en su primer numero uno en singles al igual que el Lp.
Con este álbum también llegan las primeros escándalos, en el se habla de parricidio, incesto, dogas, sexo…que les vale que sean despedidos del Whisky a Go-go a causa de sus temas escabrosos y de paso se fundamenta el mito del cuarteto.
Y es que The Doors se caracterizaran por unas actuaciones que solían terminar en las comisarías debido al salvaje carisma de Jim Morrison que es elevado al rango de sex- symbol por el publico femenino y a expresar en publico un teatro improvisado con poses e insinuaciones en la mayoría de los casos eran provocativas y poco decorosas para la época.
Uno de los casos mas controvertidos ocurrió durante el aparición del grupo en el programa de televisión de Ed Sullivan, en el cual y en contra de lo que se le había exigido al grupo de cambiar la letra del tema “Light my Fire”, por su referencia a las drogas minutos antes de que comenzara el show, Morrison hizo caso omiso ante la desesperación de los directivos de la cadena y del propio Sullivan, el cual veto al grupo para siempre.
Poco después y durante una actuación la policía interrumpió en pleno concierto y detuvieron a Morrison por lanzar acusaciones contra el propio departamento de policía de New Haven y por una actuación arrebatadoramente obscena.
Y así convertido de la noche a la mañana en grupo de culto por la cultura underground, se publica el segundo trabajo “Strange Days” (1967) que resulta un trabajo con sentimientos mas bizarro y menos espontáneo y que contenía material no publicado en el anterior “The Doors”, pero que es fundamentalmente su continuación estilística y compositiva.
Aquí el grupo vuelve a presenta épicos temas como “When the music´s over”, o rhythm & blues ligeros como “Love me Two Times”, o la cabaret erística y teatral “Moonlight Drive”, el primer tema que Morrión escribió para la banda, agregando su personaje poético, mucho mas ambicioso que al de cantante.
El álbum vuelve a conseguir el éxito masivo colocándose en las primeras posiciones de las listas de éxitos y permaneciendo allí largo tiempo.
Pero poco a poco el grupo empieza a provocar una división entre sus seguidores a causa de las actitudes chabacanas de Morrison en directo, entre los jóvenes seguidores que ven el cielo por cada movimiento de Jim y los antiguos admiradores, aquellos del movimiento underground y la contracultura, e igualmente ocurre con algunas de las canciones a las que tachan de cómicas y comerciales.
“Waiting for the Sun”, publicado en 1968 supone el alejamiento de la provocación sexual mayoritario para centrarse en un contenido mas político y pacifista, para desgracia de este colectivo que ve con malos ojos este cambio y se dan cuenta de que el rock es realmente una amenaza social de considerables dimensiones.
Además durante la grabación de este, como ya había ocurrido con los anteriores, las disputas entre Morrison y el productor Paul Rothchild eran cada vez más frecuentes.
El álbum editado en el momento crucial de la guerra del Vietnam contiene varios temas anti militares como “The Unknown soldiers” y “Five to one”, que se convierten en temas polémicos, que para rematar la faena se promociona con un video en donde Morrison simula un fusilamiento ante un pelotón de ejecución con los ojos vendados.
Pero curiosamente la quizás menos comprometida de todas las canciones del álbum “Hello I love You” suscita otra polémica por su semejanza con el tema “All day and all of the night" de The Kinks, quienes les acusan de plagio.
Todo esto no hace mas que acrecentar la popularidad del grupo que sin embargo pasa por momentos delicados en el seno interno debido a las discrepancias entre Manzarek, Krieger y Densmore con Morrison, centrado en el excesivo protagonismo del cantante, que poco a poco va desapareciendo detrás de ese ficticio personaje que el mismo se ha creado llamado King Lizard y que a base de alcohol, drogas y tranquilizantes comienza a manifestar unos efectos negativos en su personalidad ya de por si complicada.
Algo que Morrison siempre negaba, de hecho en alguna ocasión el animador del concierto en cuestión les presentaba como Jim Morrison and The Doors y el propio cantante se negaba a salir al escenario hasta que no fuera presentado de nuevo como The Doors.
En marzo de 1969 seis ordenes de arresto caen sobre la cabeza de un turbulento Morrison culpable de haber liado un monumental escándalo en Miami al simular ante mas de diez mil espectadores una masturbación y otras lindeces sexuales.
Esto trae unas consecuencias negativas a la banda, la cual es evitada por los promotores de conciertos como si tuvieran una enfermedad contagiosa temerosos de las hazañas escandalosas y polémicas de Morrison.
Pero aún así y todo el grupo publica “The Soft Parade” (1969), un trabajo menos intenso y mas convencional con elementos mas pop y jazzisticos que fue pasto de las criticas y el desprecio de los millones de fans.
Pocos meses después el grupo publica “Morrison Hotel” ( 1970), que en parte se rehacen del traspiés que supuso “The Soft Parade”, con una vuelta a los orígenes, un Morrison desbocado y alcohólico interpreta la memorable “Roadhouse Blues” o la bella “Queen of the Highway”.
Ese mismo año la Elektra publica el doble álbum “Absolutely Live”, documento imprescindible y soberbio de la energía de The Doors en vivo y que contenía parte de lo mejor de su carrera.
“L.A.Woman” publicado en 1971 es el primero que no esta producido por Rothchild, que se niega seguir con las extravagancias y el despotismo de Morrison y que veía un material de poco bagaje comercial.
El álbum es auto producido por el propio grupo que en tomas directas grabo el disco con un Morrison sobrio y conformando un trabajo mas rudimentario y tosco, en una especie de jam session que dejo temas claves como “Love her Madly”, la extraordinaria “L.A.Woman” o la cautivante “Riders on the Storm”.
Cuando el álbum se publica Jim Morrison había dejado temporalmente la banda para centrarse en su carrera como poeta y se había refugiado en Paris.
El resto de la banda suponiendo un breve capricho del cantante, decidieron quedarse en los Ángeles esperando que pronto se aburriese y volviera para comenzar una posterior gira.
Pero Morrison ni siquiera tuvo tiempo de aburrirse, el cantante era encontrado muerto el tres de julio, víctima de un ataque al corazón.
Sin embargo hasta hoy en día, los detalles de la muerte de Jim Morrison son uno de los misterios mas secretamente guardados.
Un medico anónimo y su mujer Pamela (fallecida varios años después de una sobredosis), fueron los únicos que vieron el acta de defunción, naciendo así una leyenda que encajaba perfectamente con el mito de King Lizard, según el cual el propio Morrison simulo su propia muerte para desaparecer de la vida publica.
Ni que decir que su muerte causa una gran conmoción en el mundo del rock y fuera de el, a un mismo nivel que las de Jimi Hendrix y Janis Joplin ambas acontecidas un año antes.
Los restantes The Doors poco después deciden seguir y en un principio eligen a Iggy Pop como sustituto de Morrison, pero pronto desechan la idea y continúan como trío y graban los mediocres “Other Voices” (1971) y “Full Circle” (1972), hasta que a finales de 1973 se produce la inevitable disolución del grupo.
Posteriormente Densmore y Krieger fundan en 1974 la banda The Butts Band y publican varios álbumes de escasa repercusión como “The Butts Band” (1974) y “Hear and Now” (1975) y ambos firman el álbum de Krieger, “Robbie Krieger and Friends” (1977) un ejercicio de jazz- rock que igualmente paso sin pena ni gloria.
Manzarek por su parte publica algunos trabajos de menor entidad como “The Golden Scarab” (1975) o “Nite City” (1977) antes de producir al grupo punk The X a finales de los 70.
En 1978 se publico “An American Prayer”, uno de los trabajos de necrofilia musical más flagrantes jamás acontecidos. Aprovechando grabaciones caseras de Jim Morrison quien gustaba grabarse recitando sus poesías para oírlas después y ver como quedaban y aprovechando que tanto la Elektra Records que poseía algún material de ese tipo y grabaciones recogidas en París, en un estudio de grabación fueron rescatadas y les pusieron música grabada por el grupo reunido para tal ocasión.
En 1979 Francis Ford Coppola quien había estudiado junto a Morrison en los Ángeles, incluye “The End” en la banda sonora de la monumental y apoteósica película “Apocalypse Now” y en 1991 fue Oliver Stone quien dirigió la película de enorme impacto, “The Doors”.
Años después Manzarek y Krieger reflotan el grupo denominándolo “The Doors of the 21st Century”, asignando el rol de vocalista a Ian Astbury de The Cult, aventura que tendrá una breve historia cuando Densmore les demanda por utilizar el nombre The Doors.
Posteriormente el cambian la denominación del proyecto por Riders on the Storm.
En los últimos años se han publicado innumerables recopilatorios y directos de la banda con abundante material inédito de los que sobresalen “Live At The Aquarius Theatre, Hollywood,1969” (2002), “Live in New York, Felt Forum, 1970” (1997), “Live in Boston, Boston Arena 1970” (2007) o “Perception Box Set” (2006) entre otros muchos.
Por ultimo la banda ha vendido cerca de los ochenta millones de copias en todo el mundo y en 1993 la banda fue incluida en el Rock and Roll Hall of Fame y elegida una de las mejores cien bandas de todos los tiempos.

The Doobie Brothers

The Doobie Brothers son una de las bandas inclasificables en la música rock que durante la década de los 70, lanzaron algunos de los discos más irresistibles dentro del panorama musical de la época.
Formados a principios de 1970 en San Jose, California, por el guitarrista Tom Jonhston, el bajista Dave Shogren y el batería John Hartman que provenían de una banda local llamada Pud, ganándose una seria reputación en los circuitos rock de la costa oeste. Ellos se ganarían el fervor de los Hell´s Angels, comuna de motoristas amantes de las Harley Davidson, posteriormente se les une el también guitarrista Pat Simmons quien convence a sus compañeros para adoptar el nombre de The Doobie Brothers.
Tras una serie de actuaciones llaman la atención de Ted Templeman, productor y ejecutivo de la Warner Bros quien les ofrece un contrato y la financiación para un primer álbum “The Doobie Brothers” (1971) que pasa totalmente desapercibido, en este primer álbum la banda mostraba un folk & country rock bastante melódico, un estilo muy emparentado con el grupo America que por esa época arrasaban con su tema “A Horse with no name”.
Este primer traspiés tiene sus consecuencias y así Shogren abandona siendo sustituido por Tiran Porter, además el grupo se amplia con la incorporación de un segundo batería Michael Hossack.
Esta formación publica “Toulouse Street” (1972) que producido por Templeman, consigue endurecer el estilo de la banda.
Aquí la banda mostraba su lado mas rhythm & blues con pinceladas de hard rock sin dejar de lado su faceta country & folk y contenía temas como “Listen to the Music”, que se aupo hasta las primeras posiciones de la lista de éxitos o agradables temas como “Rockin´Down the Highway”, otro de sus himnos o la soul rock “Jesús is just Alright”.
El álbum pronto alcanza un éxito arrollador con más de un millón de copias vendidas.
Las emisoras FM de la época pronto se vuelcan con el grupo y este comienza a acrecentar su popularidad en todos los Estados Unidos.
Justo un año después llega el tercer álbum de la banda “The Captain and Me”, un brillante trabajo que continuaba la senda del anterior y que contenía la archiconocida “Long Train Runnin”, un tema country soul que logra afianzar al grupo entre el gran publico o la rítmica “China Grove”.
Y esta vez el éxito es aun mucho mayor con más de dos millones de discos vendidos, convirtiendo a The Doobie Brothers en una de las bandas punteras de esos momentos.
Después de este trabajo Hossack abandona y es sustituido por el batería Keith Knudson y además nuevamente se amplia la banda con el teclista Bill Payne que provenía de Little Feat.
Todo esto no hace mas que diversificar las influencias de la banda ya que cada vez las nuevas incorporaciones van dando su toque personal y único al de por si estilo muy particular del grupo.
Y así en febrero de 1974 se publica “What Were Once Vices Are Now Habits” que supone un “pequeño” paso atrás al modificar su sonido hacia terrenos mas diversos con incluso con la colaboración de la sección de viento de The Memphis Horns, y aun así el disco se coloca en cuarto lugar del ranking americano con unas ventas de mas de dos millones de copias.
El álbum también tuvo un numero uno en singles con el tema “Black Water”.
A principios de 1975 el guitarrista de Steely Dan, Jeff Baxter se convierte de pleno derecho en miembro del grupo, si bien ya había colaborado en el anterior álbum sin aparecer en los créditos oficiales, por otro lado Bill Payne deja de pertenecer a la misma.
Y así con tres guitarristas solistas el grupo publica “Stampede” (1975), que es la confirmación de la transición del sonido de la banda hacia un estilo más soul, como bien fue demostrado en su versión del clásico de la Motown “Take Me In Your Arms”.
Para este trabajo el grupo obtuvo las colaboraciones de Ry Cooder y Maria Muldaur, pese a todo no consigue el éxito de sus anteriores álbumes.
Llegados a este punto la banda se encuentra en el cenit de popularidad, rivalizando con otras bandas norteamericanas punteras como The Allman Brothers, Grateful Dead o The Eagles.
El traspiés que supuso “Stampede” supone un cambio en las estructuras internas del grupo, primero Tom Johnston deja de colaborar en la formación por motivos de salud y es remplazado por otro ex miembro de Steely Dan, Michael McDonald que tomara las riendas compositivas de The Doobie Brothers junto a Jeff Baxter y así nace “Takin´it to the Streets” (1976), un Lp que venia cargado de funk & jazz y soul que lo conduce a disco de platino y que contenía temas con un ligero toque Steely Dan como el tema que daba titulo al álbum o la encantadora “It Keeps You Runnin´” .
Posteriormente la Warner publico el obligado “Best of” que se convierte en uno de los trabajos mas vendidos de la década con mas de 10 millones de copias.
“Livin´On The Fault Line” (1977) siguió la misma línea continuista y nos dejaba la amable “You Belong to me” en donde el acercamiento al jazz era cada vez mas patente.
Este trabajo supuso otro éxito comercial que no obstante no fue ni por asomo el obtenido por el siguiente álbum “Minute by Minute” (1978), que se convierte en numero uno con una impresionante venta de millones de álbumes.
El liderazgo de McDonald ya era patente y fruto de ello el grupo realiza un trabajo soberbio de soul, rock, funky y jazz, bien demostrados en la jazz & soul “Here to love you”, la brillante “Minute by Minute”, la pegadiza “What a fool Believes”, que se encaramo en el numero uno de la lista de singles, e incluso hacían un guiño a su época mas country con la instrumental “Stearmer Lane Breakdown”, demostrando con todo ello lo enormemente arrollador del álbum.
Además este disco consigue cuatro premios Grammy, mejor álbum, mejor grupo vocal, mejor canción (“What a Fool Believes”) y mejor grupo en directo.
En 1979 The Doobie Brothers participaron en el festival “No Nukes” organizado por músicos activistas contra el uso de la energía nuclear junto a Bruce Springsteen, Jackson Browne, James Taylor, Crosby, Stills Nash and Young…etc
Pero tanto éxito supero a algunos de los componentes que decidieron abandonar la nave, así Jeff Baxter fue sustituido por John McFee, el batería Chet McCracken sustituye a Hartman y se une al grupo el ex teclista de Moby Grape, Cornelius Bumpus.
Con esta nueva alineación de publica “One Step Closer” (1980) que como ya era habitual consigue ser disco de platino y el tema medio funk-disco “Real Love” se encarama hasta el numero cinco en las listas.
En 1982 la banda anuncia una gira de despedida y su posterior separación, que será registrada en el doble álbum en vivo “Farewell Tour” (1983), un estupendo documento de la calidad y el talento del grupo en vivo.
En los años sucesivos la banda se volvería a reunir en esporádicas ocasiones para conciertos benéficos los cuales tiene una acogida espectacular y consiguiendo recaudaciones millonarias para diversas causas.
En 1989 la formación original se reunió y publico “Cycles” en donde endurecieron su sonido y volvieron a cosechar un éxito abrumador.
El flojo “Brotherhood” (1991) y el mediocre “Sibling Rivalry” (2000) han sido los últimos capítulos destacados de esta formidable formación.
Posteriormente el recopilatorio “Listen The Music, The Best of” (1993) supuso otro éxito masivo de ventas que supero los cinco millones de copias.
En el 2004 el grupo fue incluido en el Hall of Fame y en el 2009 fue el grupo elegido para actuar en la final de la FedEx Orange Bowl (la Final del futbol universitario americano).

Three Dog Night-Around the World with Three Dog Night (1973)

Pese a que su género musical no sea precisamente el más destacado dentro de la música rock, Three Dog Night llegaron a triunfar masivamente gracias a la manera que tenían de interpretar una música cuya valía y talento superaron en mucho a cientos de solitas únicos de otros tantos grupos en la década de los sesenta y setenta.

Ellos eran el atípico grupo multirracial con tres vocalistas solistas que llegaron a los máximos honores discográficos con mas de una treintena de hits en las listas, muchos de ellos versiones de otros artistas.

Ellos son Danny Hutton, Cory Wells y Chuck Negron. El estilo nacido de la unión de estos tres cantantes habría que calificarlo como de "estilo vocal", pero al hacerlo nos vendría a la mente formaciones como Crosby, Stills and Nash y otros famosos grupos de grandes armonías vocales.

Sin embargo Three Dog Night a diferencia de todos ellos, tienen en las voces de sus tres solistas, la parte fundamental de su arrollador triunfo, gracias a unas elaboradas voces que interpretan desde rhythm and blues, hasta rock mainstream, pasando por el pop, el funk o el soul, combinando sabiamente lo comercial con la clase y el refinamiento musical.

No obstante el sonido del grupo estaba respaldado por otros cuatro excelentes instrumentistas que figuran junto a los tres lideres, empezando por el guitarrista Mike Allsup, el bajista Joe Schermie, el baterista Floyd Sneed y el teclista Jimmy Greenspoon. En 1971 Three Dog Night logro permanecer durante varios meses en el n1º de las listas de medio mundo gracias a su impactante "Joy To The World", y ello daría el que fuera elegida como la canción del año, no solo en Estados Unidos, sino también en medio centenar de países alrededor del mundo.

Esa canción, junto a otras y sus álbumes "It Ain´t Easy" (1970), "Golden Bisquits" (1971), "Naturally" (1970), "Harmony" (1971), "Seven Separate Fools" (1972) o el espectacular directo "Around The World With Three Dog Night" (1973), es el resultado de una trayectoria magistral, con todos sus discos en la cima de los charts y convirtiéndolos en una de las mejores formaciones vocales que han existido jamás.