Si durante gran parte de los noventa, la banda se fue labrando una gran reputación entre la comunidad progresiva con álbumes tan enormes como “The Sky Moves Sideways”, “Signify” o “ Stupid Dreams”, en los cuales mantienen esos sonidos progresivos que los caracteriza, pero fusionados con diferentes matices y sonidos mas comerciales, en “In Absentia” consiguen de manera racional, fusionar los elementos psicodélicos y el prog con la potencia del heavy metal como queda demostrado en la inicial “Blackest Eyes”. El resto del álbum se mueve eclécticamente en distintas variaciones estilísticas, con composiciones complejas a la par que otras mas sencillas pero tremendamente adictivas, demostrado en piezas como “Trains”, “Prodigal” o “Strip The Soul”, mientras la vena hard progresiva están muy presentes en cortes como “Gravity Eyelids” o “Weeding Nails”, en ejercicios oscuros y poderosos como “ The Creator Has A Mastertape” o exquisiteces como “Heartattack In A Layby” o “Collapse The Light Into Earth”.
“In Absentia” se ha convertido en una de las obras fundamentales del nuevo siglo, no solo por contener unas memorables composiciones, si no también por la soberbia ejecución instrumental por parte de cada miembro de la banda, además de una producción impecable por parte del propio Steven Wilson.
Si hasta ese momento el músico neyorkino era uno de los percusores en poner en relieve los aspectos negativos e inquietantes de la subcultura juvenil, con la aparición de Bowie, se fue gradualmente convirtiendo en un andrógino personaje, apareciendo en el escenario con los ojos y labios pintados de negro y vistiendo trajes de terciopelo negro, adornados con falsos brillantes. Ya en su álbum “Transformer” (1972), introduce deliberadamente los temas de la homosexualidad y el travestismo, con los que Reed había mantenido hasta esos momentos las distancias a base de ironía y teatralidad, pero que de la noche a la mañana parecía identificarse. La colaboración de Bowie y Mick Ronson en las labores de producción, además de participar en la grabación del álbum, dio un gran impulso, coherencia y equilibrio a un trabajo que contenía arrebatadoras canciones como “Walk On The Wild Side”, “Vicious”, “Make Up” o “Satellite Of Love”.
Gracias a este Lp Lou Reed se convertía por fin en una estrella del rock, sin embargo su afianzamiento en la cúspide se vio truncada por su siguiente trabajo “Berlin” (1973), el cual fue producido por Bob Ezrin y contaría con un plantel antológico de músicos, entre los que estaban Steve Winwood, Michael Brecker, Aynsley Dunbar, Steve Hunter, Dick Wagner o Jack Bruce entre otros. Sin embargo este álbum fue despreciado por la prensa y perdió el interés del publico, motivado sin duda por una extraña música que alterna episodios orquestales muy intensos, con otros fragmentos de guitarra acústica y sonidos rock de manera desigual, suscitando las comparaciones con el primero de Velvet Underground.
Disgustado por esa mala recepción, Lou Reed conformo una banda de rock poderoso y contundente, en donde estaban los guitarristas Wagner y Hunter, mas el bajista Prakash John, el batería Pentti Glan, y el teclista Ray Colcord y publicaría los vigorosos y envolventes directos “Rock´n´Roll Animal” (1974) y “Lou Reed Live” (1975) en donde hacia un repaso en clave de casi hard rock de sus clásicos temas; “Sweet Jane”, “Heroin”, “Lady Day”, “Vicious” o “Walk On The Wild Side”, ambos discos, memorables documentos sonoros de la mejor época, al mismo tiempo que la mas convulsa del músico norteamericano.
En 1983 llegaba este “Metal Fatigue”, considerada una de las mejores obras del jazz rock de la década de los ochenta, en donde demostraba su excepcional dominio con la guitarra, logrando con este disco ir un poco mas lejos de los géneros y estilos, mezclando un album orientado hacia lo instrumental pero con voz en sus canciones.
“Metal Fatigue” contiene seis excelentes composiciones que están entre el limite del rock y del jazz, interpretadas de manera brillante no solo por el genial guitarrista, si no también por los músicos que le acompañan en esta grabación, empezando por el baterista Chad Wackerman, los bajistas Jimmy Johnson y Gary Willis, los vocalistas Paul Williams y Paul Korda y el teclista Alan Pasqua.
Temas impecablemente interpretados como las soberbias jazz rock “Devil Take The Hindmost”, “Home” y “Metal Fatigue” o ejercicios de virtuosismo como “The Un-Merry Go Round” o las mas accesibles “Panic Station” y “In The Mystery”, conforman un álbum ciertamente excelente de jazz rock, de una musicalidad absolutamente fantástica y una ejecución instrumental impecable.
Para cuando grabaron este álbum, la banda llevaba tres años sin publicar ningún material nuevo, años en los que los habían ocupado en diferentes tours mundiales de enorme éxito en donde ya interpretaban complejas canciones de sus álbumes “Somewhere Far Beyond” o “Imaginations From The Other Side”, discos que sin ser claramente conceptuales, si siguen un patrón parecido con acercamientos al progresivo, si no tanto musicalmente hablando, si de manera estilística.
“Nightfall In Meddle-Earth” es un álbum de principio a fin emocionante, con grandes intros, unas sobresalientes composiciones épicas y con un claro regusto hacia la opera rock, con partes narradas, infinidad de coros y una instrumentación sublime compuesto por 22 temas, de las que la mitad son canciones y el resto interludios narrados o instrumentales.
Si hasta ese momento Led Zeppelin habían revestido su poderoso rock con el blues y el folk, en esta ocasión la banda se rodea de cierto misticismo, que ya desde su icónica y enigmática portada, en donde ni aparece el nombre de la banda ni su titulo, presagia lo que sus surcos contienen en el interior.
Pese al enorme y monumental éxito de este álbum, no deja de ser paradójico que para muchos sea solo el conocido por albergar la mítica “Stairway To Heaven”, olvidándose que además de ello esta conformado de una colección de temas sobresalientes y apoteósicos, empezando por la contagiosa y enérgica “Black Dog”, a la que sigue la icónica “Rock and Roll”, y la épica y acústica “The Battle Of Evermore”. Para finalizar la primera cara del álbum nos encontramos la pieza mas emblemática de la historia del hard rock, “Stairway To Heaven”, que mas allá de su supuesto mensaje oculto y satánico, es sin duda la obra cumbre de Led Zeppelin, con ese comienzo suave y acústico que a medida que va avanzando se convierte en un verdadero clímax eléctrico y enloquecido de hard rock.
La segunda cara comienza con la vigorosa “Misty Mountain Hop”, para continuar con la mística “Four Sticks”, la preciosista balada “Going To California” y la oscura y cruda blues rock “When The Levee Breaks”, con la cual dan por finalizada la obra mas monumental de Led Zeppelin, la que hasta el día de hoy nadie ha superado dentro del genero del hard rock y el heavy metal, tanto en el plano comercial (mas de 40 millones de copias vendidas ), como musicalmente y que esta considerada una de las mejores obras maestras de la música contemporánea.
Lito Vitale es un compositor y músico argentino de jazz, que ha compaginado su carrera solista con la de productor y arreglista participando en muchas colaboraciones para otros artistas.
En 1988 publicaba el álbum titulado "Ese amigo del alma", un disco tremendamente popular en países como Argentina o España
Algunas de las composiciones como "Recuerdo en MÍ Bemol" o "Estar entre Nosotros" que ya habían aparecido en su primer disco “Lito Vitale Cuarteto” (1987), aparecen aquí, pero grabadas con una formación diferente, lo que le da al disco la catalogación de recopilatorio.
Sin embargo este álbum presenta algunos temas nuevos como "La vida es un tango", una bella melodía interpretada por la extraordinaria calidad de la banda o "Estar vivo Hoy", un corte ambiental ejecutado de manera sensacional.
Pero es sin duda la pieza "Ese Amigo del Alma", la joya de este álbum, una canción extraordinaria de sublime belleza, profunda, delicada y muy emotiva, mas de diez minutos memorables de épica ambiental de jazz fusión.
Vitale compuso esta sublime pieza en memoria de Lyle Mays, el teclista de Pat Metheny, quien sin duda es la principal influencia en su música.
Una de esas composiciones que después de haberla escuchado, nos cautiva y cuya melodía permanece en nuestra mente durante mucho tiempo o durante toda una vida.
Además de sus discos en solitario, ha sido uno prolífico músico de sesión colaborando en cientos de grabaciones para otros artistas entre los que se encuentran Steely Dan, Al Jarreau, Michael Franks, Spyro Gyra o Randy Crawford entre otros muchos mas.
Incluso ha compuesto diferentes bandas sonoras para series de TV y del cine como la famosa serie “Hill Street Blues”, lo que que le valdría ganar el premio Grammy en 1981.
Su primer trabajo fue el álbum “With A Little Help From My Friends” lanzado en 1968, el cual tuvo una gran aceptación por parte del publico y la critica a nivel mundial. Ya a principios de los 70 pasa a formar parte de la banda de jazz rock The Crusaders, con quienes graba once álbumes empezando por “Crusaders 1” (1972), hasta “Those Southern Knights” (1976), sin embargo este ultimo ya como músico invitado, y participando en posteriores trabajos del grupo, aportando en todos ellos sus propias composiciones y su estilo melódico con su famosa guitarra Gibson ES-335.
Una guitarra que el propio Carlton le daría el apodo de “Mr.335”, creando incluso su propio estudio de grabación el cual llamaría “Room 335”.
Una vez abandono The Crusaders, Larry Carlton firmaría con la Warner Bros y lanzaría una retahíla de grandes álbumes enfocados al jazz fusión.
Entre esos álbumes destacan trabajos como el debut “Larry Carlton” (1978), el directo "Mr. 335: Live in Japan"(1979), o los brillantes "Sleepwalk" (1981), "Strikes Twice" (1981), "Eight Times Up” (1983) o "Friends"(1983).
Todos ellos con unas exquisitas producciones, repletas de ricos matices y una gran variedad de estilos en donde se dan cabida bajo el estilo jazzistico, el rock, el funk, el soul y el blues.
En 1985 con su noveno disco "Alone But Never Alone", logra alcanzar el número uno en el Billboard Jazz, e incluso consiguió otro premio Grammy por el tema "Minute by Minute" y recibió una nominación en la categoría "Mejor Interpretación de Jazz Fusión" por su álbum en directo "Last Nite" (1986).
A finales de la década de los ochenta publica su álbum mas rock hasta entonces “On Solid Ground”, pero antes de la salida de ese álbum tiene lugar un hecho que marcara la vida de Larry Carlton. Una noche a la salida del estudio de grabación, un individuo desconocido le propina varios disparos que esta a punto de acabar con su vida.
Este dramático hecho le llevaría a un largo proceso de hospitalización seguido de interminables y dolorosas sesiones de recuperación. Algún tiempo después el guitarrista empieza a reconstruir su vida personal y profesional disminuyendo drásticamente sus apariciones en vivo, aunque poco a poco retomaría su carrera como músico de sesión, llegando a la asombrosa cantidad de cerca de las tres mil colaboraciones a mediados de los noventa
A finales del siglo 20, participaría en el proyecto Fourplay, una súper banda de jazz formada por Bob James, Nathan East y Harvey Mason y con quienes ha grabado un total de diez álbumes.
Ya un año antes Ritchie Blackmore había fundado su propia banda Rainbow, y Ian Gillan había hecho lo mismo con su Ian Gillan Band, ambos habían abandonado Deep Purple algunos años antes.
Mientras Jon Lord y Ian Paice se unirían a David Coverdale y fundarían Whitesnake, y por ultimo Glenn Hughes y Tommy Bolin se dedicarían a diferentes proyectos en solitario.
Ocho años después la formación mas clásica de Deep Purple, la denominada Mark II, la que creara obras tan monumentales como “In Rock”, “Machine Head”, “Made In Japan” o “Fireball"” se volvían a reunir para grabar un nuevo y esperado álbum que fue motivo de una gran expectación a nivel mundial dentro del panorama rock.
Esa formación compuesta por los legendarios Ritchie Blakmore, Ian Gillan, Ian Paice, Jon Lord y Roger Glover se dirigieron a los estudios norteamericanos de Horizons en Vermont y grabarían el undécimo álbum de Deep Purple titulado “Perfect Strangers”.
Sin embargo el sonido dista de alguna manera del estilo tan característico de los 70 para derivarse a los sonidos mas modernos de la década de los ochenta, creando una obra elegante y sobria mas cercana al rock clásico que al hard rock.
La inicial “Knocking At You Back door” es la mejor muestra de todo lo dicho anteriormente, lo mismo ocurre con la concisa “Under The Gun”, mientras la fiestera “Nobody´s home” muestra el sonido ochentero de la banda. La zeppeliana y épica “Perfect Strangers” es el momento cumbre que contrasta con las neoclásicas herederas de los sonidos de Rainbow “A Gypsy Kiss” y “Hungry Daze”, apara acabar con la arrebatadora balada “Wasted Sunsets”.
Como era de esperar el álbum cosecharía un enorme éxito a nivel mundial logrando varios discos de platino y unas ventas que superan los tres millones de copias vendidas.
Repitiendo la misma formación que su predecesor; Gerry McAvoy al bajo y Ted McKenna a la batería junto a Rory que se encarga de las voces, la guitarra eléctrica y el sitar eléctrico que suena en el tema “Philby”.
Igualmente fue grabado en los mismos estudios Dierks situados en Colonia, Alemania, durante los meses de marzo y abril de 1979 y lanzado casi a finales del mismo año.
“Top Priority” es sin duda el trabajo mas crudo y vigoroso del irlandés, repleto de energía, potencia y fuerza. La contundente sección rítmica compuesta por McAvoy y McKenna, junto a la visceral guitarra de Gallagher, conforman un poderoso trío de hard rock.
La contundente “Follow Me”, es la encargada de abrir este soberbio trabajo, a esta le sigue la solida y gratificante “Philby”, mientras las incendiarias “Wayward Child”, “At The Depot” y “Just Hit Down”, aceleran el ritmo del álbum de manera frenética.
Con “Keychain”, el ritmo baja de intensión con ese toque de blues rock tan característico en el guitarrista irlandés, por una senda parecida nos encontramos con “Off The Handle”, en donde Rory muestra su faceta vocal al margen de su maestría con la guitarra.
Para acabar con la funky rock “Public Enemy no.1”, repleta de riffs guitarreros inconmensurables y la enorme "Bad Penny”, un mágico corte que se torna como el momento cumbre de este desbocado e incendiario álbum.
Influenciado por la música norteamericana pronto formaría una nueva banda compuesta en su totalidad por músicos estadounidenses. Entre ellos estaban los ex miembros de la banda de blues rock Canned Heat, Harvey Mandel (guitarra) y Larry Taylor al bajo, este ultimo ya había aparecido fugazmente como músico invitado en su álbum “Empty Rooms”, además del violinista Don “Sugarcane” Harris, quien venia de participar en la banda de Frank Zappa.
Antes en su directo “Turning Point” (1969), grabado en el mítico Fillmore East de Nueva York, Mayall había prescindido de la batería, un hecho que marcaría un punto de inflexión en su carrera.
Ese cambio hacia un estilo de blues de bajo volumen y sin guitarras pesadas y batería que triunfaban en esa época, parecía cuanto menos un suicidio comercial, creando con este y el anterior “Empty Rooms” (1970), una inteligente fusión de ritmos latinos, blues, jazz y boogie, junto a músicos como el guitarrista John Mark, el saxo Johnny Almond y el bajista Stephen Thompson, que complementaban la voz y la harmonía de Mayall.
“USA Union”, grabado con el cuarteto Mayall-Mandel-Taylor-Harris, recuperaba el solido sonido del jazz rock con composiciones mas libres y basadas en el conjunto en donde Taylor y Mandel hacen una gran aportación instrumental.
Este ultimo añade un gran color a la música con sus solos con la guitarra eléctrica, con un sonido mas sutil que los interpretados en las encarnaciones anteriores de la banda, (Eric Clapton, Peter Green y Mick Taylor). Sin embargo aquí no se repiten los esquemas de “Empty Rooms”, ya que aunque la idea original es bastante similar, los instrumentos son ligeramente diferentes (el violín y el papel fundamental de la guitarra eléctrica por el saxo y la flauta), cambian significativamente el carácter de la música. Otro dato importante es que todas las composiciones en si mismas son muy expresivas, están entremezcladas entre si. El típico blues cadencioso “Crying” es uno de los temas memorables del álbum, con el violín en primer plano que no se parece a ninguna otra canción que Mayall haya compuesto. Por su parte la jazzistica “The Jazz Off The Road” es pese a su corta duración un agradable paseo musical relajado y distendido. En “Nature´s Disappering” Mayall muestra su talento con la harmónica y la interpretación no menos talentosa del resto de instrumentistas. El resto de temas siguen manteniendo un nivel aceptable dentro de este experimento que supuso, debido a la instrumentación atípica por la falta de batería y los instrumentos de vientos, creando con ello una versión única y excitante del mejor blues que John Mayall haya hecho jamás, algo por otra parte muy complicado de afirmar después de tantos y geniales trabajos del llamado padre del blues blanco.
Sin embargo llegados a este punto la formación había sufrido varios cambios de integrantes, si ya en el tercer álbum no aparecía David Knopfler que había abandonada para seguir su carrera en solitario, en el siguiente álbum seria el batería Pick Whiters quien abandonaría cansado de las giras y del rumbo musical que el grupo estaba tomando.
Su sustituto seria Terry Williams que junto a los habituales músicos colaboradores de Mark Knopfler en sus discos en solitario, los teclistas Alan Clark y Guy Fletcher son junto a su inseparable amigo y fundador de la banda John Illsley, el plantel que conformaba los nuevos Dire Straits.
Knopfler también contaría con diferentes músicos invitados para esta nueva grabación como el saxofonistas Michael Brecker, el trompetista Randy Brecker, los bajistas Tony Levin y Neil Jason, el vibrafonista Mike Mainieri o la participación de Sting poniendo las voces en el tema “Money For Nothing”.
“Brothers in Arms” es el álbum mas variado y elaborado de toda la carrera de Dire Straits, en donde la guitarra de Mark Knopfler ya no es el hilo conductor como lo era en los anteriores trabajos. Aquí el uniforme sonido, la intachable producción y las rotundas melodías comerciales y adictivas son el denominador común como demuestran las irresistibles “Money For Nothing”, “So Far Away”, “Your Latest Trick”, “Why Whorry” o la eterna canción que da titulo al álbum.
Su recepción posterior le llevaría a alcanzar numerosos números uno alrededor del mundo, medio centenar de discos de platino y unas ventas que superan con creces los 30 millones de copias vendidas a nivel mundial.
Sin embargo en esta nueva entrega la banda da un cambio de tuerca radical a su estilo, dejando de lado el visceral hard rock por un mayor refinamiento en sus composiciones a la par que potenciaron el sinfonismo utilizando una amplia variedad de instrumentos como los sintetizadores, la dualidad de las guitarras acústicas y eléctricas y unas texturas y desarrollos mas ambientales y atmosféricos
Este quinto lanzamiento muestra al trío en su plenitud creativa, con sobrias composiciones como la virtuosa “Xanadu” o la espectacular y progresiva “Cygnus X-1”, sin dejar de lado su característico sonido como demuestra la hard rock “Cinderella Man” o su faceta emotiva en “Madrigal”. Por otro lado la vena comercial y accesible esta presente en “Closer To The Heart”, el cual fue elegido como single promocional del álbum y que alcanzaría unos puestos altos en las listas de éxitos y popularizaría la banda entre el gran publico.
Para remediar ese pequeño traspiés la banda contrata al productor Martin Birch, intentando con ello revalidar viejos laureles.
El resultado fue "Cultösaurus Erectus", un álbum que volvía a ponerles al frente del hard rock psicodélico, con un trabajo potente y una producción brillante e impecable.
Aquí la Blue Oyster Cult vuelven con esos desarrollos instrumentales, sin duda el principal recurso de este magnífico combo, y que se ve reflejado en la inicial hard rock “Black Blade” una de las canciones mas significativas del grupo, la dinámica “Monster” potencia ese camino de contundencia y sofisticación instrumental. También aparecen momentos mas progresivos como las excitantes “Divine Wind” y “Deadlines”, mientras la vena mas primitiva la encontramos en la rock´n´roll “The Marshall Plan”.
Pero es en las heavy rock “Hungry Eyes”, “Lips In The Hills” y “Fallen Angels” donde se observa la exquisita producción de Birch con poderosos hard rock adictivos no exentos de cierta comercialidad, para finalizar con la elaborada y psicodélica “Unknown Tongue”, el colofón perfecto a este sobresaliente trabajo.
Fue lanzado en un momento crucial para la banda, pocos meses antes habían perdido a su carismático cantante Bon Scott, fallecido en trágicas circunstancias.
Tras su muerte los restantes miembros dudaron en seguir adelante o abandonar, pero sus ganas de continuar y como homenaje al propio Scott, decidieron continuar.
Sin embargo la banda tenia un problema muy serio por delante, quien seria el sustituto de alguien tan grande como Bon Scott?, quien seria el que podría cubrir medianamente su hueco sin entrar en burdas comparaciones ni en un mero imitador de tres al cuarto.
Durante semanas el grupo audiocionarian a muchísimos candidatos, entre los que estaban Allan Fryer, de la banda australiana Heaven, Gary Pickford-Hopkins, quien venia de trabajar con Rick Wakeman y que había formado parte de Wild Turkey, Stevie Wright cantante de los EasyBeats, Terry Slesser quien había pertenecido a la banda de Paul Kossof, Back Street Crawler, o el mítico miembro de Slade, el cantante y guitarrista Noody Holder entre otros muchos mas.
Sin embargo y gracias al productor Robert “Mutt” Lange, la banda conoce y termina aceptando a Brian Johnson, ex cantante de Geordie, un grupo británico que había publicado varios discos con cierto éxito durante los años 70 en las Islas Británicas.
El carisma campechano, su sentido del humor, su faceta de gran frontman con esa voz ronca y desenfadada y sobre todo su respeto hacia Bon Scott, son fundamentales para que fuera contratado como el nuevo vocalista de AC/DC.
Casi de inmediatamente la banda se dirige a las Bahamas en donde empezarían a grabar su próximo álbum, el lugar elegido tiene dos razones de peso, la primera la falta de disponibilidad en los estudios elegidos en Inglaterra, y en segundo lugar huyendo de los siempre altísimos impuestos británicos.
Finalmente y durante los meses de abril y mayo de 1980, completan el nuevo álbum en los Compass Point Studios de Nassau, bajo la producción de Robert “Mutt” Lange.
Lanzado oficialmente dos meses después “Back In Black” es un sentido homenaje a Bon Scott, empezando por portada negra de total luto, y con un contenido que sigue ofreciendo lo que AC/DC saben hacer mejor que nadie, puro y duro rock and roll.
Desde la monumental “Hells Bells” que inicia el álbum, la banda muestra con esos poderosos riffs y esa contundencia una rabia contenida, que están heridos y que la tragedia aun les afecta, pero esa misma rabia los catapultan y salen fortalecidos creando una de las mas grandes canciones de la música rock, la cruda y potente “Shoot To Thrill” muestra el clásico sonido de AC/DC, en “Given The Dog A Bone”, Johnson muestra su poderosa voz y deja claro que su elección fue la acertada, mientras la seductora hard rock “Let Me Put My Love Into You”, muestra el nivel optimo de todo el grupo con una pieza descomunal.
Con “Back In Black” alcanzan el universo, una canción que es patrimonio de la humanidad y de la cual no se necesitan ninguna presentación, simplemente es perfecta. La pesada y contundente “You Shook Me All Night Long”, la blues rock “Have A Drink On Me”, la frenética “Shake A Leg”, o la rock callejera con aires bluesy “Rock And Roll Ain´t Noise Pollution” terminan por completar un álbum grandioso y único, el cual conseguiría un éxito sin precedentes con casi 50 millones de copias vendidas en la actualidad, numerosos números unos alrededor del mundo y considerado uno de los 100 mejores álbumes de la historia de la música rock.
