Crosby, Stills, Nash and Young-Four Way Street (1971)

Crosby, Stills Nash & Young fue la primera formación que rehuyeron del termino “grupo” como una denominación preestablecida para definir a una banda tal y como se conoce de manera habitual. Ellos eran básicamente una asociación individual de cuatro talentosas estrellas unidas, para crear una serie de obras, siempre con una total libertad de acción por parte de cualquiera de ellos. Y es que esta reuniones “esporádicas” de tantos genios, todos ellos líderes absolutos en sus grupos anteriores o estrellas en el plano individual, se convertía a priori en un polvorín que no tardaría en explotar, debido a los enormes egos de cada uno de ellos.
Empezando por el canadiense Neil Young, el alma máter junto a Stephen Stills de los míticos Buffalo Springfield, y con varios álbumes en solitario de tremendo impacto, pero los demás no le iban a la zaga, como David Crosby, uno de los fundadores de los tremendos The Byrds, pieza fundamental del folk rock, o Graham Nash, figura y pieza primordial en una de las bandas pioneras de la famosa Invasión Británica como fueron The Hollies, y por ultimo el mencionado Stephen Stills, quien con Buffalo Springfield o junto a su propia banda Manassas, había creado varias obras monumentales de country-folk rock.
En los apenas dos años que este “supergrupo” estuvieron juntos, fueron la mas fabulosa maquina musical de la historia del rock, una unidad que les permitía grabar y actuar juntos o por separado y aún cuando lo hacían juntos, con la total libertad de hacerlo formando dúos, tríos o en las mas diversas combinaciones con su magistral asociación.
Ellos fueron los máximos responsables de la música en esos años, su estilo acústico vocal enfocado hacia el folk pero repleto de rock, partía de las herencias de cada uno de sus integrantes.
Como cuarteto publicaron el majestuoso “Deja Vu”, sucesor del no menos soberbio “Crosby, Stills and Nash”, en ese álbum se demuestra la elegancia de Stills, el colorismo de Nash, el concepto folk de Crosby y el acento incendiario de Young con temas tan emblemáticos como “Carry On”, “Teach Your Children”, “Almost Cut My Hair”, “Helpless”, “Woodstock”, “Our House” o “Country Girl”.
Este celebre episodio de la historia musical tuvo continuación con el directo “Four Way Street”, que supondría el epitafio de estos reyes del folk rock y que se convertiría en uno de los momentos cumbres de la música popular del siglo 20. Para cuando fue publicado este doble álbum, CSN&Y ya habían dejado de existir como banda, y es que las continuas discusiones entre los cuatro músicos eran constantes, incluso en los camerinos antes de los conciertos, lo que precipitaría que poco después de la gira por Norteamérica durante gran parte del año 1970, esta asociación diera por terminada su aventura.
Grabado en el verano de 1970 entre los escenarios del Fillmore East de Nueva York, el Forum de los Ángeles y el Auditorium de Chicago, este documento histórico esta considera una crónica fundamental de la convulsa época que por entonces vivía el país con la guerra de Vietnam, los problemas raciales, las constantes manifestaciones en casi todas las universidades de Estados Unidos y unos crispados momentos políticos.
Dividido en dos partes diferenciadas, el primer Lp contiene sus clásicos en versión acústica como “Cowgirl In The sand” de Neil Young, la emotiva “Right Between The Eyes”, el clásico de The Hollies de Graham Nash “Teach Your Children”, el hit de Stephen Stills “Love The One You´re With”, la emocionante “Triad” de David Crosby, la soñadora "Chicago" o la mítica “49 Bye-Bye-America´s Children”.
Para la segunda parte del álbum la banda se reserva los momentos mas electrizantes en donde cada uno de los cuatro músicos demuestran sus grandes dotes con las guitarras eléctricas como la monumental “Souther Man”, o las geniales “Ohio”, “Carry On”, “Pre-Road Downs” o “Long Time Gone”, todo ello con la ayuda de la poderosa base rítmica compuesta por el batería Johnny Barbata y el bajista Calvin Samuels.
Y ya no habría mas continuidad, a partir de aquí cada uno de ellos, por separado o en diferentes configuraciones que se irían produciendo a lo largo de los años,  seguirían mostrando sus genialidades con algunos de los hechos musicales difícilmente comparables hoy en día.

Joy Division-Unknown Pleasures (1979) Closer (1980)

Joy Division fueron una de las bandas percusoras del llamado sonido post punk que fue desarrollado durante los últimos años de la década de los setenta.
Formados en 1976 en la ciudad de Manchester por Ian Curtis (vocalista y guitarra ocasional), Stephen Morris (batería), Peter Hook (bajo) y Bernard Summer (guitarra y teclados). En sus orígenes esta formación se llamaba Varsovia y algún tiempo mas tarde tomaron su polémico nombre Joy Division de una expresión vulgar usada habitualmente por los oficiales nazis durante la Segunda Guerra Mundial, para referirse a la mujeres mas jóvenes que estaban prisioneras en los campos de concentración y a las que habitualmente violaban y asesinaban a diario. En sus inicios la banda desarrollo un estilo emparentado con el punk rock, que fue derivando en un estilo propio y peculiar, que con el tiempo seria una de las influencias de bandas como The Cure o Siouxsie & The Banshees, en donde además de una música con claras atmósferas siniestras, también mostraban el culto a la muerte, a todo lo lúgubre, las depresiones o la desesperación de una juventud con un futuro incierto y marginado. Sin embargo esta temática ya había sido explotada años antes por David Bowie que junto a Brian Eno crearon la llamada trilogía de Berlin comprendida por los álbumes “Low”, “Heroes” y Lodger”. Gracias al EP “An Ideal For Living”, publicado en junio de 1978, la banda logro captar la atención del subsello Factory Records, el cual les publica su primer álbum “Unknown Pleasures”, obra que terminaría convirtiéndose en uno de los álbumes de culto por excelencia de la música punk rock británica. Este primer álbum es una viaje claustrofóbico por las vivencias y peripecias de su cantante Ian Curtis, quien tenia continuas depresiones debido a la ruptura de su matrimonio, a su epilepsia y a sus problemas personales. “Unknown Pleasures” comienza con la acelerada y animada “Disorder”, pero a partir de aquí todo se vuelve mas oscuro con la siniestra y caótica “Days Of The Lords”, o la misteriosa  “Candidate”, la cual da paso a la mecánica “Insight”, una clara muestra de las influencias del krautrock en esta banda. El resto sigue por una senda muy parecida con la cadenciosa “New Dawn Fades”, la áspera “She´s Lost Control”, la punk rock “Shadowplay” o la tenebrosa “I Remember Nothing”. Comercialmente el álbum tuvo una mediocre recepción por parte del publico ingles, mercado el cual fue a parar la gran mayoría de las diez mil copias que se pusieron a la venta, con una casi nula o limitada exportación fuera de las islas británicas. Un año después y cuando estaba todo listo para una gira por tierras norteamericanas, Ian Curtis cada vez mas abrumado por sus problemas personales, se suicida ahorcándose en la cocina de su apartamento.

Pero antes dejaría grabado un álbum a modo de epitafio, el enorme y sombrío “Closer”, con una de las portadas mas icónicas y fantasmales de la música moderna, representada por una fotografía de la lapida de una tumba de un cementerio situado en Genova, uno de los camposantos mas grandes de toda Europa y famoso por sus esculturas monumentales.
“Closer” significaría un álbum mas fúnebre y sombrío que su predecesor con momentos funestos como la caótica “Atrocity Exhibition”, las electrónicas “Isolation” y “Decades” (el germen de los que después se convertiría en New Order), las sombrías “Passover” y “Heart and Soul”, la convencional y previsible “Colony” y las agónicas “Twenty Four Hours” y “The Eternal”.
Con apenas unos pocos años de existencia, Joy Division dejarían tras de si dos obras tan emblemáticas que hoy en día no solo son consideradas obras de culto y pequeñas obras maestras incuestionables, si no que también están presentes en la actualidad con tanta vigencia como cuando fueron publicadas.

Murasaki-Impact (1977)

Cuando estallo la guerra de Vietnam, los norteamericanos empezarían a utilizar sus bases en ultramar para bombardear regularmente el Vietnam del Norte con los imponentes B-52, una de estas bases aéreas fue Kadena en Okinawa, la cual pronto se convertiría en la mayor base estadounidense durante ese conflicto. Durante el tiempo que duraron las hostilidades, muchas ciudades de la isla experimentaron un auge económico muy importante gracias al trasiego de miles de soldados norteamericanos que partían desde allí al Vietnam y el numeroso personal civil y militar de dichas bases. Así las cosas, muchos norteamericanos buscaron el consuelo y el entretenimiento fugaz de la guerra a través de la música rock. Hasta esos momentos musicalmente la juventud autóctona de Okinawa estaba muy influenciada por los sonidos británicos de The Beatles, The Kinks o The Shadows y las bandas locales los emulaban con bastante acierto, pero pronto empezarían a tocar hard rock y blues rock para los soldados afincados en las bases aéreas. Actuar para este publico americano, (ya de por si bastante experimentado y conocedor del buen rock), ayudaría enormemente a estas bandas locales a desarrollar un estilo único y muy diferente al de las bandas del Japon continental e incluso los medios nipones lo denominaron como “el rock de Okinawa”. Pero entre todas las bandas que surgieron de ese movimiento, destacarían por encima de todas dos de ellas, por un lado Condition Green y por otro Murasaki, esta ultima fundada por el teclista George Murasaki junto a los hermanos Shiroma, Toshio y Masao, bajo y vocalista respectivamente, al batería Eiichi Miyanaga y a los guitarristas Kiyomasa Higa y Yukio Shimoji. Ya mediados de 1975 Murasaki fueron invitados a tocar en un Festival organizado por Yamaha en Osaka y después de una actuación memorable, la popularidad de la banda se dispararía definitivamente. Posteriormente con el patrocinio de un sello discográfico publican su primer álbum en donde su estilo de hard rock poderoso se combinaba con el órgano barroco y dos incendiarias guitarras los que les valió el apodo de los “Deep Purple japoneses”. Sin embargo seria su segundo álbum “Impact”, quien haciendo honor a su titulo, fue el verdadero impacto mediático de esta banda, un trabajo soberbio que los catapultaría como la mejor banda nipona y la mas popular, además de que todos sus integrantes fueran votados entre los mejores instrumentistas en sus categorías individuales. Un álbum que reboza grandes composiciones de puro hard rock como las herederas del sonido purple “Fly Me Away (From Home)” y “Just A Rock´n´Roll Band”, la frenética heavy rock “Let Me Go”, la hard progresiva “Mother Nature´s Plight”, o la blues rock “Take You For a Ride”.
En definitiva, “Impact” es un enorme álbum de hard rock que esta considerado una de las joyas del rock japonés y que nació gloriosamente en el contexto histórico de la Guerra del Vietnam y las ciudades que albergaban las bases cercanas estadounidenses.

Rare Earth-Get Ready (1969)

Rare Earth pasaron a la historia por varios hechos muy significativos, el primero por ser la primera banda de blancos por fichar por un sello enfocado exclusivamente a artistas de color como era la Motown y en segundo lugar por su emblemático tema “Get Ready”, una volcánica y musculosa canción de mas de veinte minutos que los colocaría en la cima de la música rock en 1969.
Formados a principios de los sesenta, no seria hasta finales de esa década cuando conseguirán el reconocimiento mundial, sin embargo durante todos esos años la banda reafirmaría un estilo peculiar en donde las influencias del jazz, el blues, el rock y la música negra les otorgaban un sonido diferente y muy atractivo.
Compuesto por el guitarrista Rod Richards, el batería y vocalista Pete Rivera, el bajista John Persh, el cantante Gil Bridges y el teclista Kenny James. Después de un primer álbum que pasaría bastante desapercibido “Dreams/Answers”, llegaría “Get Ready” un año mas tarde, con el que consiguen encaramarse hasta las primeras posiciones de las listas de medio mundo y un disco de platino por sus ventas.
En este álbum la banda manifestaba sus perfectas dotes instrumentales con un ritmo vivo y sostenido con poderosos temas como la inicial “Magic Key”, la hipnótica “Tobacco Road”, la soul “Feelin´Alright” o la psicodélica “Train To Nowhere”, además de la mencionada “Get Ready”. Para el siguiente álbum la banda se amplia a sexteto con la incorporación del percusionista Eddie Guzmán, cuya inclinación latina dota de una mayor profundidad musical a la rica amalgama de estilos fusionado por Rare Earth.
Los siguientes movimientos discográficos del grupo vuelven a tener un gran éxito y así tanto “Ecology” (1970), en el que destaca el tema clásico negroide “( I Know) I´m Losing You”, el siguiente “One World” (1971) y el directo “In Concert” (1971), les volvieron colocar en la cumbre con su sonoridad poderosa y contundente. A partir de aquí Rare Earth seguirían publicando regularmente álbumes de menos impacto comercial pero de gran calidad como “Ma” (1973), donde destaca la musculosa soul progresiva del mismo titulo, la cual ocupa toda la primera cara de LP o el siguiente “Back To Earth” (1975).

Ten Years After-Rock´N´Roll Music To The World (1972)

El noveno álbum de Ten Years After esta considerado un trabajo menor en comparación con los precedentes “Ssssh”, “Cricklewood Green” y “Space In Time”, tres obras maestras de poderosos blues rock con acercamientos a los sonidos jazzisticos y progresivos en donde dejaron temas clásicos como “Love Like A Man”, “50.000 Miles Beneath My Brian”, “Bad Scene” o “One Of These Days”, obteniendo por ello la reputación de los “Pink Floyd del Blues”, por parte de algunos de los sectores de la prensa británica de la época.
Sin embargo en “Rock´N´Roll Music To The World”, el grupo liderado por el genial guitarrista Alvin Lee, siguió demostrando estar en la cúspide del blues rock con un álbum que mantenía ese equilibrio de temas accesibles y magníficos como la blues espacial “Religion”, la experimental y progresiva  “Standing At The Station”, la boogie rock “You Can´t Win Them”, el contundente blues rock “You Give Me Loving” o el cadencioso blues “Turned Off Tv Blues”.
En definitiva un álbum con un gran feeling, experimentación, ciertas dosis de rock progresivo y blues clásico, que significaría el ultimo gran aporte de Ten Years After antes del mas previsible “Positive Vibrations” de dos años después, álbum este que significaría el epitafio de la banda hasta casi quince años mas tarde con el sorprendente “About Time”.

Eloy-Ocean (1977)

En 1977 la banda germana Eloy publicaban “Ocean”, uno de los mas prodigiosos álbumes del space rock que nunca se hayan concebido, una obra tan monumental como apoteósica. Estamos ante la sexta obra de una banda que se había reformado varios años antes después de su cuarto larga duración “Power And The Passion” de 1975, y de hecho en “Ocean” el único miembro original que aún permanecía era el guitarrista y líder Frank Bornemann, el resto estaba compuesto por el bajista Klaus-Peter Matziol, el teclista Detlev Schmidtchen y el batería Jurgen Rosenthal, todos ellos ya habían participado en el anterior “Dawn” de un año antes. “Ocean” es un álbum conceptual sobre el nacimiento, el ascenso, la decadencia y la destrucción de la Atlántida, un viaje apocalíptico a través de grandes capas de sintetizadores, poderosos riffs y solos de guitarra, que los convierten en una obra fascinante y al mismo tiempo bastante accesible. La inicial e impresionante “Poseidon´s Creation” abre el álbum de manera majestuosa, doce minutos apoteósicos de grandes interacciones de sintetizadores y guitarras épicas, esta deriva en la atmosférica “Incarnation Of The Logos”, mientras “Decay Of The Logos” contrasta por su hard rock poderoso con la space rock “Atlantis´ Agony At June 5Th”, el colofón y el clímax definitivo a esta asombrosa obra de los germanos.
Sin embargo “Ocean” fue duramente criticado por algunos sectores británicos por tacharla de sonar de manera muy evidente a los geniales Pink Floyd, hecho este que no influyo en el monumental éxito que este disco obtendría a nivel europeo, hasta el punto de estar considerada una de las obras maestras del rock progresivo del viejo continente.

Serene-Serene (1979)

A finales de los setenta, el krautrock prácticamente había dejado de existir, solo unas cuantas bandas seguían empeñadas en mostrar su potencial enfrascadas en un estilo que ya estaba en cierta medida desfasado. Entre esas bandas se encontraba Serene, los cuales conjugando de manera inteligente los sonidos melódicos y cercanos al pop de finales de la década, fusionados con dosis de rock progresivo facturaron un álbum que resultaría uno de los mas gratificantes y tardíos del genero. De sus surcos destacan las progresivas “Serenity” y “A New Man”, la techno pop sofisticada “Dream Stagnation” y la oscura y  compleja “We´ve Only Just Began”.

4/3 De Trio-Ersatz (2004)

4/3 De Trio, fueron una banda francesa muy influenciada por el estilo mas ortodoxo de los King Crimson de Robert Fripp y los sonidos oscuros con un rock progresivo con ciertas connotaciones acústicas y eléctricas y una orientación heavy rock. Tres años después de su extraño y poderoso primer álbum, la banda se disolvería a pesar de que tenían el material suficiente para un segundo disco.
La trágica muerte de su baterista Didier Pegeron en un accidente automovilístico, dieron al traste para ese segundo larga duración, que sin embargo finalmente fue realizado y grabado a modo de epitafio y en homenaje a su compañero fallecido. En este segundo álbum titulado “Ersatz” aprovecharon las demos que había dejado el mencionado musico grabadas para sin sustituirlo por ningún percusionista, incluirlas y completar esta nueva entrega y la ultima obra del grupo.
A diferencia del primer y mas progresivo “Faiblesse” (1998), este nuevo trabajo se caracteriza por ser mas sinfónico, con unas composiciones en su mayoría instrumentales, variadas y complejas que transportan al oyente a los pasajes atmosféricos, oscuros y cercanos a los sonidos crimsonianos y con una sabia mezcla de prog y jazz rock.
Pese a ser una grabación del 2004 no puede evitarse establecer paralelismos con el estilo progresivo de la década de los 70.
Un álbum que comienza con la majestuosa “Solmhinarm” una clara muestra de la energía y el dinamismo de esta virtuosa banda francesa, con múltiples capas de mellotrón y poderosas guitarras, a la que sigue la jazz rock “Ersatz”, la inquietante “Ayahusca”, y la atmosférica y pausada “La Blonde”, mientras “Kossmokardak” es un tour de force de 16 minutos apoteósicos y enérgicos, con solos de órganos y electrizantes interacciones de guitarras y sintetizadores que culminan una excelente obra de rock progresivo contemporáneo.

Arena-Songs From The Lion´s Cage (1995)

A mediados de la década de los noventa, dos de los mejores instrumentistas del neo progresivo, Clive Nolan, teclista de Pendragon y Mick Pointer ex batería de Marillion, unieron sus fuerzas para fundar Arena, una banda que a mediados de 1995 publicaba su enorme álbum debut, "Songs From The Lion´s Cage", considerado una de las joyas del genero progresivo de los años noventa.
Para esta primera grabación ambos músicos contaron con la colaboración del guitarrista de Marillion, Steve Rothery, el también guitarrista Keith Moore, el bajista Cliff Orsi y el vocalista John Carson. La propuesta de Arena en esta primera entrega estaba basada en los sonidos progresivos de los primeros Marillion, con reminiscencias a las grandes bandas de los 70 como Genesis o Yes.
Los sonidos de los elocuentes y omnipresentes teclados de Clive Nolan, la formidable precisión de Mick Pointer con las baquetas y el sobresaliente trabajo de guitarras y bajo, traen consigo un álbum tan espectacular como sorprendente y en donde sobresalen las épicas y progresivas “Valley Of The Kings” y “Solomon”, la poderosa “Out Of The Wilderness”, la melódica “Jericho” o la atmosférica “Crying For Help IV”. A partir de aquí la banda iría publicando con cierta regularidad una serie de obras de gran calidad como los posteriores “Pride” (1996), “The Visitor” (1998) o “Contagion” (2003) entre otras, hasta llegar a “Double Vision” (2018), la ultima gran aportación de esta formidable banda del neo progresivo.

Aerosmith-Get Your Wings (1974)

Pese al discreto recibimiento que supuso el debut de Aerosmith, la discográfica Columbia siguió apostando por ellos y un año después vuelven a confiar en la banda de Boston, financiando el segundo larga duración titulado “Get Your Wings”. Pero esta vez la compañía discográfica opto por coger el toro por lo cuernos y decidieron unilateralmente tanto el lugar de la grabación, los famosos The Record Plant de Nueva York, como a los productores Jack Douglas y Ray Colcord en sustitución de Adrian Barber. Jack Douglas era un aventajo alumno del mítico productor Bob Ezrin, elegido en un principio como el encargado en la mesa de mezclas, pero que en un ultimo momento declinaría la oferta en favor de su colega Douglas.
En este segundo álbum la banda abandona las influencias blues por un estilo mas hard rock, con un sonido mas pulcro y refinado a la par que mejor estructurado y mas equilibrado que el primero. La fantástica y fiestera “Same Old Song And Dance” da comienzo a este álbum, a la que sigue la no menos espectacular y decadente “Lord Of The Night”, la espacial “Spaced”, como bien indica su nombre esta cerca de los sonidos psicodélicos y el sapce rock tan característico de principios de los 70. La áspera “Woman Of The World” da paso a uno de los momentos cumbres con el clásico de los años cincuenta de Tiny Bradshaw “Train Kept A-Rollin´”, reinventada aquí de manera incendiaria. La oscura y con cierto tono progresivo “Seasons Of Wither” y la soul rock “Pandora Box” dan por finalizado un álbum que obtuvo un resultado sorprendente con varios discos de platino y una gran recepción por parte del publico norteamericano y la prensa especializada.

Jade Warrior-Released (1971)

Jade Warrior son una de las bandas de culto por excelencia, al mismo tiempo que es considerada una de las mas originales propuestas musicales de la historia de la música rock.

Ellos imprimían a su estilo una sabia mezcla de sonidos étnicos, jazz, psicodelia, folk, rock y vanguardismo.
En una anterior entrada se relata la biografía de esta peculiar banda, por lo que no vamos a extendernos con demasiados detalles sobre su historia, y nos centramos en su segundo álbum, aparecido en 1971 y que supuso un espectacular cambio con respecto a su debut, publicado ese mismo año y titulado homónimamente “Jade Warrior”. En esa primera entrega los sonidos estaban enfocados en elementos del jazz rock fusionado con la música africana, en un álbum experimental y vanguardista. Sin embargo este segundo trabajo se caracteriza por potentes y poderosos temas muy cercanos al hard rock como la inicial “Three-Horned Dragon Kill”, con un sonido heredero de Led Zeppelin, pero conservando esa percusión africana tan característica en Jade Warrior. La juguetona “Eyes On You”, con ese ritmo contagioso da paso al sonido mas habitual de la banda con las relajadas y atmosféricas “Bride Of Summer” y “Water Curtain Cave”, que desembocan en la lisérgica y contundente “Minnamoto´s Dream”, con unas afiladas guitarras al mas puro estilo de Jimi Hendrix, mientras la rock and roll “(We Have) Reason To Believe” contrasta con la épica “Barazinbar” la cual progresivamente se va desarrollando entre tribales percusiones y sonidos de flauta, para acabar con la bucólica y acústica “Yellow Eyes”. Este álbum tuvo una fría acogida por parte de los fans, sorprendidos por este radical cambio, motivo por el cual la banda volvería a retomar su estilo inconfundible en sus siguientes entregas para el disfrute de los mas fieles y acérrimos seguidores al progresivo.

Van Der Graaf Generator-Pawn Hearts (1971)

Con su cuarto álbum, Van Der Graaf Generator demostraron que estaban en la cúspide del rock vanguardista con una entrega que nada tiene que envidiar a la obras maestras de las grandes bandas como Yes, ELP, Genesis o Pink Floyd. Del mismo modo que el antecesor “H To He, Who Am The Only One”, este nuevo trabajo representa un estilo atrevido, de difícil escucha y extremadamente exigente, pero al mismo tiempo muy gratificante. Todos los elementos clásicos de VDGG se encuentran representados en este magnifico álbum, desde las letras abrasivas y oscuras de Peter Hammill, hasta los teclados de Hugh Banton, pasando por la precisión de la batería de Guy Evans y el toque único y original de David Jackson con el saxo y la flauta. Para enriquecer el matiz musical, Robert Fripp vuelve a ser el guitarrista invitado, agregando su peculiar estilo al espectro final de este lienzo musical. “En Pawn Hearts” la banda muestra madurez y una tremenda facilidad de ejecución, todo ello sin llegar a afrontar esta obra con los sonidos tan complejos e inteligentes de su anterior álbum.
Un álbum que por otra parte muestra un gran contenido lírico, tan profundo como el musical, pequeñas dosis de humor, extravagancia y una agresividad sónica. Desde la inicial y apocalíptica “Lemmings”, Hammill deja claro su mensaje por el cuestionamiento de la autoridad y la elección de nuestro propio camino sin creer en los gobiernos. La reflexiva y poética “Man-Erg” vuelve a enfrentarnos al retrato que Hammill hace del ser humano, y su capacidad universal de hacer el mal o el bien. Para la segunda cara se dejaba la suite “A Plague Of Lighthouse”, una de las mas asombrosas piezas del rock progresivo de toda su historia, un viaje alucinante en donde se mezclan pasajes melancólicos, poderosos, oscuros, catárticos y edificantes, todo ello barrido por los sonidos de mellotrones y la particular y afilada guitarra de Robert Fripp.  

Kansas-Masque (1975)

Tercer álbum de Kansas y el segundo que publicaron en el año 1975,  justo siete meses después de “Song For America”. Este hecho fue debido en parte a las presiones de la Epic Records que quisieron aprovechar el éxito comercial que supuso el mencionado “Song For America”, sin embargo tanta premura lastraría en parte este nuevo álbum que alcanzaría unas ventas mediocres, por lo menos en los primeros meses inmediatos tras su lanzamiento. Para esta nueva entrega la banda se dirigiría a Louisiana, a los In The Country Studios, pero manteniendo al mismo equipo de producción dirigido por Jeff Glixman.
Esta vez pese a componer un álbum de una altísima calidad, la banda no consiguen lograr un trabajo tan homogéneo ni equilibrado como el anterior. La comercial y adictiva “It Takes A Woman´s Love” fue el elegido como single promocional, el cual no ensombrecería ni por asomo a su hit anterior “Song For America”, por otro lado aquí ya aparecen varios de sus temas clásicos como la inmortal “Icarus-Borne On Wings Of Steel”, un potente rock con toques progresivos, o la pegadiza “Two Cents Worth”. La melódica “All the World” muestra la faceta mas sinfónica de Kansas, mientras las vertiginosas “Child Of Innocence” y “Mysteries and Mayhem” muestran la faceta mas rock del grupo de Topeka, para terminar con la progresiva y extensa “The Pinnacle” que culmina de esta manera un álbum que esta considerado un paso transitorio para la posterior confirmación de Kansas como una de las mas grandes bandas americanas de los años 70.

The Alan Parsons Project-The Turn Of A Friendly Card (1980)

Estamos ante otro de los grandes trabajos de The Alan Parsons Project, “The Turn Of A Friendly Card”, el quinto álbum de este magnifico proyecto es mismo tiempo su ultima gran obra en el plano progresivo. Siguiendo la estela de todos los anteriores trabajos, este también esta grabado a modo de obra conceptual, esta vez dedicado al mundo de los juegos y las apuestas en los casinos. Una idea original que surgió de la inspiración de cuando Eric Woolfson vivía en Montecarlo, uno de los lugares por excelencia de los grandes casinos de Europa. Para esta nueva entrega, Alan Parsons y Eric Woolfson volvieran a contar con la ayuda de gran parte de su equipo colaborador en los anteriores años. Así pues aquí aparecen David Paton al bajo, Ian Bairnson a las guitarras, Stuart Elliott a la batería, Chris Rainbow y Lenny Zakatek a las voces y coros, y Andrew Powell como arreglista y director de la The Philarmonic Orchestra.
Sin embargo este álbum, a diferencia de todos los anteriores, muestra un tono menos progresivo y mas pop, con un estilo mas comercial, debido sin duda a que el dúo quiso adaptarse a los nuevos tiempos y a la década que recién había comenzado cuando fue publicado. Un álbum que comienza con la fascinante y lírica "May Be To Price To Pay" con esos aires deliberados y siniestros, esta contrasta con la mas pegadiza e intrigante “Games People Play”, un tema de grandes arreglos y lujosas capas instrumentales que da paso a “Time”, con esos guiños a los Pink Floyd mas melódicos. La pegadiza pop “I Don´t Wanna Go Home” y la instrumental e irresistible “The Gold Bug” son el colofón a una primera cara que mantiene el listón bastante alto. Para la segunda cara nos encontramos con el tema principal del álbum, “The Turn Of A Friendly Card”, una mini suite dividida en cinco partes que sin bien no están muy conexionadas entre si, musicalmente ofrecen los momentos mas progresivos como la medieval “The Ace Of Swords”, la hermosa medio tiempo “Nothing Left To Lose”, con dos partes bien diferenciadas, una primera bucólica y una segunda mas enérgica, la rock “Snake Eyes” y las progresivas “Part One” y “Part Two”, dando así por finalizado un trabajo que si bien adoleció de cierta consistencia y de la épica habitual de obras anteriores, también es cierto que las grandes voces, las orquestaciones y los trabajos de guitarra lo colocan como una de las obras mas importantes de APP.

Marillion-Clutching At Straws (1987)

Cuarto álbum de Marillion y a la postre el ultimo con su líder y cantante Fish al frente, al mismo tiempo es sin duda su obra maestra, que sin embargo queda oscurecida por la magnitud comercial del anterior "Misplaced Childhood".
Para este trabajo el grupo, en realidad básicamente Fish, vuelve a afrontar un álbum conceptual, esta vez sobre las drogas y el alcohol, sustancias en las cuales el propio Fish estaba inmerso por aquellos años. A diferencia del anterior "Misplaced Childhood", en esta nueva entrega, la cohesión musical no esta tan definida, aquí el vinculo esta mas enfocado en las letras mas maduras y coherentes, predominando los estados mas emocionales como la tristeza y la resignación, todo ello cantado de manera fascinante por un Fish emocionante que de alguna manera esta pidiendo ayuda y que esta grabación sea el punto de quiebra para su salud, (de hecho después de esta grabación el propio Fish se recluyo en un centro de desintoxicación y rehabilitación durante algún tiempo). Musicalmente es el equilibrio perfecto entre el rock progresivo y los sonidos mas accesibles, en el hay mas sutileza, con muchos momentos emocionales y atmosféricos y en donde ningún instrumento toma el protagonismo por encima de otro, con unos suaves teclados que encajan de manera perfecta y unas guitarras deliciosas con unos excelentes solos muy melódicos y pegadizos.
Otro hecho destacado es la extraña y significativa portada que al igual que los anteriores discos fue realizada por Mark Wilkinson, dotándola de un logo diferente de manera sutil y una reveladora imagen del interior del pub británico Baker´s Arms, con personajes famosos recreados por Wilkinson en la escena interior del mencionado pub. Todos ellos con un denominador común; los serios problemas con con el abuso de las sustancias, y que defendían sus adicciones como una ayuda para su posterior creatividad o dicho de otra manera como una muleta para protegerse de la naturaleza surrealista de la fama. Ellos son Robert Burns (poeta nacional escocés), que murió a los 37 años de intoxicación etílica, Dylan Thomas (poeta nacional galés), murió a los 39 años por las mismas causas, Truman Capote (escritor y periodista, famoso por su novela "Breakfast at Tiffany´s), que murió a los 59 por una fatal combinación de alcohol, drogas y pastillas (probablemente suicidio), o Lenny Bruce (comediante y satírico social), que murió a los 40 años por una sobredosis de heroína. Además de estos aparecen tres personajes mas; John Lennon, James Dean y Jack Kerouac (asesinado el primero, muerto en un accidente automovilístico el segundo y de cirrosis el tercero), los tres compartían la misma filosofía de vida… vivir casi al limite.
La estimulante y enérgica "Hotel Hobbies", da comienzo a esta singladura por las vivencias de Torch (personaje representado por el propio Fish en tercera persona), en la melódica "Warm Wet Cicle", en donde se va narrando los peligros de quedar atrapado en el pub después del trabajo, todo ello bañado por los suaves rellenos de guitarra. La mas pop y melancólica "That Time Of the Night", dan paso a la atmosférica "Going Under", a la enérgica "Just For The Récord" y a la dinámica y politizada “White Russian”. Mientras el corte "Incommunicado", supone el momento mas comercial del álbum, un tema fuerte con un ritmo endiablado y adictivo. La irresistible y melancólica “Torch Song”, la contundente "Slainte Mhath", la encantadora "Sugar Mice" y la poderosa y progresiva "The Last Straw/ Happy Ending", dan finalizado a un álbum extraordinario y un digno colofón a la época dorada de Marillion.

Majic Ship-Majic Ship (1970)

Este es uno de esos discos que atrajo una mayor atención luego de que la banda ya estuviera disuelta, que cuando fue publicado originalmente en 1970 bajo el sello Bel-Ami.
Ello fue debido a la corta tirada inicial del álbum, lo que supuso que solo una limitada audiencia pudiera adquirir este sobresaliente lanzamiento de rock psicodélico.
Majic Ship estaba compuesto por el cantante Mike Garrigan, el guitarrista solista Phil Polimeni, el guitarrista rítmico Tommy Nikosey, el batería Rob Buckman y el bajista y organista Gus Riozzi, y eran originarios de Nueva York, ciudad en donde se fundarían a finales de 1966. Sin embargo y pese a sus aclamados conciertos y varios singles de éxito, no seria hasta el año 1970 cuando lograrían un contrato serio con la mencionada discográfica Bel-Ami. En este primer y único álbum, predominan el rock psicodélico, sonidos enfocados al rock duro y ramalazos del pop, todo ello revestido con poderosos riffs de guitarras fuzz entrecortadas y los sonidos de órgano. La poderosa “Nightmare”, la vibrante instrumental “Cosmo´s Theme”, la trepidante “Life´s Lonely Road” o la versión jam del tema de Neil Young “Down By The River”, son lo mas destacado de una publicación que mereció mucha mas suerte que la que tuvo.

McPhee-McPhee (1971)

Originarios de Australia, McPhee fueron una extraña y oscura banda de rock psicodélico que con un solo álbum publicado en 1971, esta considerada otra de esas rara avis del mundo del rock. Su formación estaba compuesta por el vocalista y organista Jim Daverell, la cantante Faye Lewis, el guitarra Tony Joyce, el batería Terry Popple y el bajista Benny Kaika. Su estilo estaba entre el proto rock progresivo y el acid rock, con un predominio de las poderosas voces, afiladas guitarras y un destacado órgano junto a una solida y contundente sección rítmica. Su único álbum publicado bajo el sello Violets Holidays, esta compuesto por temas propios y versiones como la espectacular “Southern Man” de Neil Young, la cual es llevada a un clímax psicodélico arrollador. Otra de las versiones destacadas es "Wrong Time" tema original de Spooky Tooth, que se torna en un tema épico de hard rock progresivo, mientras "Sunday Shuffle" muestra la faceta melódica del grupo con un buen numero de rock and roll adictivo, por su parte con "Indian Rope Man" retoman el hard rock con tintes progresivos. El tema de The Beatles "I Am The Walrus" cobra aquí un protagonismo relevante con una versión hipnótica y oscura repleta de rugosidad, para finalizar con la extensa jam psicodélica "Out to Luch". 

Gentle Giant-Playing The Fool (1977)

En parte oscurecido por otros discos en directo de la época con mas renombre, “Playing The Fool” es uno de los mejores shows grabados de la historia, el cual cuenta con una producción exquisita, una actuación memorable y una buena muestra de lo que una banda tan legendaria como Gentle Giant eran capaces de realizar sobre un escenario.
Grabado durante los meses finales de 1976 en diferentes ciudades europeas como Paris o Múnich, a lo largo de la gira posterior al octavo álbum de la banda “Interview”, muestra en perspectiva, las actuaciones exclusivas que esta banda hacia.
Si hay algo en el que Gentle Giant casi superaban a sus coetáneos progresivos, era como instrumentalmente en vivo tocaban de manera tan impecable una música tan compleja, aunque también es cierto que técnicamente ellos eran una de las bandas mas competentes de la década de los setenta. En este doble álbum todo es perfecto, desde los temas incluidos hasta la calidad del sonido, pasando por como la banda se las ingeniaba para poder tocar una gran variedad de instrumentos en sus intrincadas composiciones. Desde la inicial y enérgica “Just The Same”, el oyente intuye una actuación memorable para el resto del álbum. La dinámica “Proclamation” tiene unos arreglos diferentes a la versión de estudio contenida en el álbum “The Power and The Glory”, con una introducción de piano y rellenos de guitarra, mientras la compleja “On Reflection” con esos famosos coros, esta tocada prácticamente de manera idéntica a la versión original en estudio. Uno de los momentos cumbres llega con “Excerpts From Octopus”, con un publico entusiasmado y una impecable ejecución instrumental por parte de todos los miembros de la banda. De aquí hasta el final se van sucediendo una tras otra, las soberbias “Funny Ways”, “So Sincere”, “Free Hand” o el medley final “Peel The Paint/ I Lost My Head”, para concluir de esa manera un directo realmente brillante y antológico.

Virus-Revelation (1971)

Esta banda alemana de nombre que para cuando escribimos este post puede sonar peyorativo (por las razones obvias que no hace falta mencionar), fue fundada a principios de los 70 y solo publicaron dos álbumes interesantes pero de poca repercusión comercial y mediática en el momento de su lanzamiento.
Formados alrededor del núcleo compuesto por el guitarrista Werner Monka y el organista Dieter Krahe, la cerraban el vocalista y flauta Bernd Hohmann, el bajista Reinhold Spiegelfeld y el batería Wolfgang Rieke. Su estilo estaba fundamentado en el hard rock con influencias psicodélicas y retazos de space rock, en un estilo que podríamos encuadrarlo en el krautrock mas clásico. Su primer álbum es el que esta mas enfocado hacia esos sonidos con varios temas de largos desarrollos en donde dejan entrever sus influencias que iban desde los Deep Purple mas psicodélicos hasta los Pink Floyd mas espaciales.
Ya desde la inicial “Revelation”, la banda muestra esos viajes lisérgicos de los PF liderados por Syd Barrett, que sorprendentemente se va derivando en una pesada y oscura versión psicodélica del tema de los Rolling Stones “Paint It Black”, por otra parte “Endless Game”, es un dinámico hard rock progresivo con continuos cambios de ritmo que se termina por convertir en un extensa jam psicodélica. El resto del álbum va por unos senderos parecidos como “Burning Candle” y “Hungry Loser”, un claro guiño al sonido de Jimi Hendrix o la psicodélica y progresiva “Nur Noch Zwei Lichtjahre”.
Poco tiempo después varios de los integrantes abandonan debido a sus diferencias musicales y la banda se reforma con nuevos miembros con los que publican su segundo álbum “Thoughts”, en donde se alejaban de la propuesta musical del debut hacia los sonidos mas previsibles del hard rock clásico, hecho este que terminaría por truncar la carrera de esta estupenda banda germana.

Warm Dust-And It Come To Pass (1970)

Warm Dust fueron una banda oscura y casi desconocida que grabaría tres interesantes álbumes durante la primera mitad de los setenta y que curiosamente entre sus integrantes se encontraba un joven Paul Carrack, que con el tiempo conseguiría una gran fama como vocalista de Ace o Mike and The Mechanics, además de una reputada carrera como solista.
Su estilo estaba basado en un proto blues progresivo con gran predominio del órgano (instrumento a cargo del propio Carrack), con toques de jazz y una fuerte sección de vientos y que estaban emparentados con otras bandas coetáneas como Mogul Trash o los primeros Colosseum.
Ellos como muchas de las bandas londinenses de la época, provenían del blues de finales de los 60 y su formación estaba comprendida por el vocalista además de guitarra y harmónica, Dransfield Walker, Paul Carrack al órgano y guitarra, Dave Pepper, batería, Terry Corner, bajo, y John Surgery y Alan Soloman, ambos saxo, flauta, vibráfono y demás instrumentos de viento.
Su primer álbum titulado “And It Come To Pass”, fue un proyecto ambicioso para una banda novel, (un doble Lp), en donde el blues, los sonidos pesados de órgano y elementos del jazz y el rock eran la base de este primer trabajo del grupo. Aquí se observan las típicas improvisaciones derivadas del jazz dominada por el uso versátil de los dos instrumentos de viento, un estilo y una voz que nos recuerdan de manera lejana a los primeros Jethro Tull, sin su carisma teatral y una interesante mezcla de rock progresivo de clara inspiración clásica debido a las complejas y sofisticadas interacciones de todos los instrumentos. Momentos enérgicos entre el saxo y el órgano, extensos pasajes de órgano atmosféricos y partes mas caóticas dominadas por el saxo y las flautas.
Sin embargo este doble álbum peca de ser excesivamente largo, con algunos temas que perfectamente están incluidos a modo de relleno, algo que lastra en parte el resultado final de este enorme debut de Warm Dust. A Pesar de ello hay sobresalientes piezas como la folk melódica y progresiva “Wash My Eyes”, la psicodélica “Turbulance”, la jazz progresiva "And It Came To Pass," la extraordinaria versión del tema de Richie Havens "Indian Rope Man" o las bluesy “Keep On Trucking” y “Blues For Pete”. Sin llegar a ser considerado un álbum imprescindible, este debut supone una experiencia bastante intrigante, y pese a su inconsistencia, es un reclamo perfecto para los entusiastas de los sonidos oscuros de proto jazz rock progresivo de los setenta.