Pero llegados a este punto la carrera de Stewart había sido cuanto menos trepidante, alternando discos en solitario de gran recibimiento en donde mostraba su enorme talento con su voz ronca y su imagen espontánea de sex symbol, con la de otros proyectos paralelos, como participar en la banda de Jeff Beck Group y haber grabado con ella el legendario “Truth” (1968) o su pertenencia a otra de las bandas legendarias como fueron The Faces, facturando trabajos de enorme calidad, algunos de ellos considerados obras maestras de la música rock como “Long Player” (1971) o “A Nod´s As Good As A Wink” (1971)
Este escocés apasionado del fútbol, a las mujeres y un empedernió bebedor, había vivido una carrera repleta de éxitos a ambos lados del Atlántico y en 1976 estaba en la cúspide como uno de los mas respetados artistas de la música rock.
Este seria el segundo trabajo bajo el sello Warner Bros, la discográfica con la cual había firmado una vez acabado su contrato con la Mercury Records y también su segundo lanzamiento después de trasladarse a vivir a los Estados Unidos.
“A Night On The Town” fue grabado en los Cherokee Studios de Los Ángeles durante los últimos meses de 1975 y los primeros meses de 1976, y para la grabación Rod Stewart contó con la participación de algunos de los mas reputados músicos del área californiana como los guitarristas Steve Crooper, Joe Walsh o David Lindley, los bajistas Laland Sklar y Willie Weeks, los teclistas David Foster y John Jarvis, los baterías Al Jackson y Andy Newmark, o la sección de vientos Tower of Power entre otros.
Si ya con el anterior “Atlantic Crossing” Stewart se acercaba a los sonidos de la música rock californiana, empapado de rock and roll, soul y aromas bluesy, en este “A Night On The Town”, confirma esa tendencia otorgándole mas vigor a las canciones y un mayor empaque rock, pero todo ello envuelto en su sonido característico como queda demostrado en temas como “Tonight´s The Night (Gonna Be Alright)”, “Fool For You”, “The Killing Of Georgie” o las revisiones de temas de otros artistas como “The Firts Cut Is The Deepest” de Cat Stevens o “Pretty Flamingo” de Manfred Mann, sin dejar de mencionar esas joyas como son “Big Bayou” y “The Wild Side Of Life”.
La recepción posterior a esta segunda aventura americana, le valdría obtener varios discos de platino y numerosos números unos a nivel mundial, un éxito arrollador, que desde la época de su álbum “Every Picture Tells a Story”, no había conseguido superar.
Pero tras tantos años transcurridos, las cosas habían cambiado sustancialmente en el seno de The Allman Brothers, por un lado habían cambiado de discográfica, siendo ahora la Epic Records con quienes publicaran este nuevo álbum, después de años de hacerlo con la famosa Capricorn Records. Por otro lado su formación había variado con las incorporaciones del guitarrista Warren Haynes, el bajista Allen Woody, el teclista Johnny Neel y el baterista Jai Johanny Johanson, mientras seguían permaneciendo en la misma, su líder Gregg Allman, el baterista Butch Trucks y el guitarrista Dickey Betts.
“Seven Turns” contiene parte de lo mejor hecho por la banda desde los tiempos del enorme “Idewild South” de 1970, con piezas soberbias como el blues rock “Gambler´s Roll”, el vigoroso rock “Good Clean Fun”, la jazzistica instrumental “True Gravity”, las irresistibles bluesy “It Ain´t Over Yet”, “ Shine It On” y “Loaded Dice” o la country rock “Seven Turns”.
En esos años Neil Young se dedico a lanzar álbumes de diferentes géneros, muchos de ellos alejados de su propuesta única y original, con unas extrañas experimentaciones que incluyeron sonidos tan dispares como la new wave, el country, los sonidos jazzisticos, acercamientos alarmantes hacia la electrónica, el rockabilly o el folk mas rural, alternándolos con otros de claro corte rock, desconcertando con todo ello a su larguísima legión de fans incondicionales y de paso a su discográfica la Geffen Records.
En 1989 Neil Young por fin se libera de las cadenas tortuosas de ese discográfica, (palabras suyas), y ficha por el sello Reprise y lanza el álbum “Freedom”, con el cual cerraba su época mas polémica y controvertida.
En “Freedom” regresa el Neil Young mas crudo y visceral y que junto a los Crazy Horse factura un álbum eléctrico y vigoroso que culminaría con el soberbio “Ragged Glory”, de un año mas tarde.
Como ya había ocurrido en el álbum “Rust Never Sleeps”, la versión acústica de una canción, es la misma que en su versión eléctrica será el epilogo del disco, y es la encargada de abrirlo. Esta canción es nada mas y nada menos que uno de sus grandes himnos, la rock contundente “Rockin´In The Free World”, pero el resto del repertorio de este álbum no desmerece en absoluto a esta, ahí están la folk cadenciosa y progresiva “Crime In the City”, la densa y lisérgica “Don´t Cry”, la polvorienta balada cantada junto a Linda Ronstadt “Hangin´On A Limb”, la hipnótica “Eldorado”, la poderosa “On Broadway” o la atmosférica “No More", otro de sus momentos cumbres.
Con “Freedom”, el mundo de la música rock volvía a recuperar la mejor versión de Neil Young y el álbum que todos sus fans esperaban ansiosos que hiciera, pero que viendo los precedentes mas inmediatos, ya dudaban que volviera a hacerlo.
Estos dos enormes álbumes fueron firmados por los músicos Max Middleton, Robert Ahwai, Dick Morrissey y Jim Mullen.
Aunque para la gran mayoría de los fans del estilo del funk-jazz, puedan creer que ese genero es exclusivo de los músicos norteamericanos como George Benson, Bob James o The Crusaders entre otros muchos, es un dato erróneo, el cual realmente no es del todo cierto. No hay que olvidar que en Gran Bretaña a mediados de los 70 también hubo una pujante escena de jazz-funk, liderada principalmente por bandas como Shakatak y Level 42.
"Another Sleeper" y "Cape Wrath" son dos obras están entre los mejores discos del género realizados en Gran Bretaña, con un sonido encantador y romántico e influenciados por los sonidos de la costa oeste norteamericana, aunque con una sensibilidad británica única y original. En gran parte de la música de "Another Sleeper", particularmente en los ritmos fluidos de "Dance by the Light of the Moon" de Robert Ahwai y en "Partial Eclipse / Total Madness" de Max Middleton, donde el piano Fender Rhodes y los exuberantes arreglos de cuerdas otorgan al álbum una excelente combinación con un efecto instrumental maravilloso.
Junto a las composiciones originales del saxofonista tenor Dick Morrissey; "Return to Tooting Broadway", "Cape Wrath" o "Night Song" del guitarrista Jim Mullen también se incluyen versiones del soul como "Lovely Day" de Bill Withers o del jazz como "Soul Eyes" de Mal Waldron.
Estos trabajos demostraron que, en el mejor de los casos el jazz-funk británico se equiparaba casi al mismo nivel al jazz estadounidense y de hecho tenía su propia identidad con un brillante y original sonido.
Una obra que pese a ser grabada a principios del año 1971 en el famoso Castillo de Herouville, fue publicado un año después, por una parte debido a que en realidad es la banda sonora de la pelicula francesa “La Valle”, del director Barbet Shroeder y así con ello, coincidir con el estreno de dicha cinta cinematográfica y por otro para no coexistir con la salida del cuarto álbum de PF, “Meddle”, que aunque fue grabado posteriormente seria lanzado casi a finales de 1971.
Pese a estar considerado otro de los álbumes transitorios de PF, “Obscured By Clouds”, es una obra excelente que rezuma unas melodías inconfundibles con el sello característico de la banda, destacando una magnifica instrumentación y una interesante narrativa. Sin embargo dista en parte de su usual sonido, con una estructura musical que se alejan en cierta medida del rock progresivo conceptual de sus obras anteriores y posteriores. En cambio aquí Pink Floyd exploran la libertad musical a modo de improvisación, además de contener pasajes menos atmosféricos y mas convencionales y con cierto tono psicodélico.
El álbum se inicia con la instrumental y atmosférica que da titulo al LP, a la que sigue la rock vibrante e igualmente instrumental “When You´re In”, la relajada “Burning Bridges”, y la densa “The Gold It´s In The...” la cual es junto a “Childhood´s End”, los momentos mas cercanos al sonido habitual de PF, mientras el resto esta mas enfocado a las imágenes de la citada película, como la extraña “Absolutely Curtains”, o las relajadas “Stay”, y “Wot´s ..Uh The Deal”, mientras la enérgica “Free Four”, pone el color psicodélico.
A diferencia de la anterior banda sonora de Pink Floyd, “More” de 1969, en esta optaron extrañamente por un formato de canción mas convencional y menos densa y atmosférica, lo que supuso una gran desviación al enfoque mas progresista y creativo de la banda en aquellos momentos, en los que experimentaban y estaban en pleno proceso de identificación musical, algo que se intuía en el citado “Meddle”, o en el anterior a este ultimo, “Atom Heart Mother” y que explotaría definitivamente en el siguiente y monumental “The Dark Side Of The Moon”
En su primera etapa, este cuarteto ingles no se alejo de los parámetros del pop rock con algún coqueteo al progresivo y durante los años finales de la década de los sesenta eran habituales en diferentes clubs de Londres como el Marquee y realizaron algunas giras con The Moody Blues, The Nice, The Troggs o King Crimson.
Su formación estaba compuesta por el guitarrista y vocalista Mick Ware, el teclista Bon Hodges, el baterista Derrick Gough y el bajista Paul Kendrick.
Ya como Czar entrarían en los estudios de grabación y dejaron su talento en el álbum homónimo que fue lanzando en 1970, un trabajo este mas orientado a los sonidos progresivos y vanguardistas, con un amplio uso del mellotrón, disminuyendo así sus concesiones al pop de su etapa anterior.
En este primer y único álbum, destacan piezas como la audaz con acercamientos al jazz progresivo "Tread Softly On My Dreams", una clara muestra de las influencias de los germinales KC, a esta la sigue la épica sinfónica "Cecilia", para acabar la primera cara del álbum con la vigorosamente progresiva "Follow Me". Ya en el lado dos aparecen la intensa "Dawning Of A New Day" o las brillantes "Beyond The Moon” y "A Day In September", las cuales son el colofón de este interesante disco de esta magnifica y olvidada banda.
Como les ocurriría a otras tantas, Czar no lograrían el éxito deseado, hecho este que precipitaría su desaparición un año después. Ya en el 2007 se reedito este único álbum con material extra que estaba destinado a la grabación de un segundo disco que nunca fue publicado.
El sustituto de Hagar seria un cantante desconocido que pertenecía a una banda local del área de Los Ángeles llamado Bob James, además el líder del grupo, el guitarrista Ronnie Montrose amplio la banda con un quinto miembro, el teclista Jim Alcivar. Con esta nueva formación, en la que también estaban el batería Denny Carmassi y el bajista Alan Fitzgerald, se publico a finales de 1975 “Warner Bros. Presents”, un trabajo que destacaba de entrada por su preciosista portada, imitando al cartel de una producción cinematográfica de Hollywood de gran presupuesto.
Gracias al diferente tono de voz del nuevo cantante y a la profundidad instrumental de los teclados, el estilo de Montrose sufre un ligero cambio con respecto al contundente hard rock de sus dos primera obras.
Aún así, el singular sonido de la banda sigue presente con los originales y únicos riffs de la guitarra de Ronnie Montrose como queda demostrado en las enérgicas “Matriarch”, “Dancin´Feet” y “Back Train”, sin embargo “All I Need”, “Lucky Man” y “Clown Woman”, son el contraste perfecto con una faceta mas comercial y cercana al rock melódico, algo que también ocurre con la mas experimental y progresiva “Whaler”, que en resumidas cuentas convirtieron a este disco en otra obra fundamental del rock americano.
Sin embargo hubieron bandas que siguieron adelante con su propuesta, con mas o menos creatividad y algunos cambios sonoros, pero manteniendo su filosofía original sin dar el salto suicida hacia los sonidos simples y comerciales. Una de esas bandas fueron Jethro Tull que en la segunda mitad de los setenta habían dejado álbumes de profuso folk rock en donde predominaban las guitarras acústicas y la melodiosa y clásica flauta de Ian Anderson, volviendo a sus orígenes en donde el blues y el folk eran su estilo característico
Estos álbumes fueron el folk rock “Minstrel In The Gallery”, el medieval “Songs From The Wood” y el melódico folk “Heavy Horses”, sin embargo para su duodécimo álbum titulado “Stormwatch”, la banda dio un paso al frente para derivarse hacia los sonidos mas duros muy cercanos por momentos al hard rock, un estilo que habían dejado atrás desde los tiempos del “Aqualung”, de principios de los setenta.
Líricamente también supuso un cambio radical, en contrapunto al mas alegre y optimista “Songs From The Wood” y el mas oscuro “Heavy Horses”, en este “Stormwatch” la banda muestra la preocupación por el medio ambiente, y el pesimismo derivado del crecimiento económico excesivo y sin control, todo ello bajo el estilo sarcástico y habitual de Ian Anderson. También es resaltable, después de su ostracismo en los álbumes anteriores, la vuelta de Martin Barre, el cual cobra un gran protagonismo con sus poderosos riffs y endureciendo su sonido de guitarra como queda demostrado en la inicial y agresiva “North Sea Oil”, a la que sigue la dinámica y oscura “Orion”, “Home” por su parte es un paso atrás hacia los sonidos mas folk, en donde sobresalen los arreglos de cuerda de un inspirado David Palmer.
Mientras “Dark Ages”, es de los pocos momentos en donde se mantiene una estructura progresiva, por su larga duración de casi diez minutos, en la cual se desarrolla una especie de epopeya corta con cierto dramatismo en su desenvolvimiento. La marcial “Warm Sporran” da paso a uno de los temas mas duros, “Something´s On The Move”, a la que sigue la nostálgica “Old Ghosts”, la acústica Dun Ringill” y la elaborada “Flying Dutchman, para acabar con la instrumental “Elegy”, un tema que es el final perfecto a un álbum tan oscuro como al mismo tiempo agradable.
“Stormwatch” sigue siendo al día de hoy uno de los trabajos mas subestimados de Jethro Tull, y esto de alguna manera marcaría el final de una era. Igualmente seria el ultimo de su eterno bajista John Glascock, que fallecería en medio de esta grabación, después de una operación quirúrgica a corazón abierto. A partir de aquí la banda se refugiara en los sonidos mas electrónicos sin perder nunca su esencia original, como quedaría demostrado en los siguientes álbumes “A”, “The Broadsword And The Beast” y “Under Wraps”.
Un álbum que comienza con la acelerada “Exciter” y su intro espectacular a cargo del batería Les Binkis, quien debutaba después de sustituir a Alan Moore como miembro de pleno derecho en Judas Priest, a la que se suma el vertiginoso ritmo secundado por los potentes riffs de la dupla Tipton y Downing y la intensa voz de Rob Halford. Este primer trallazo da paso a la agresiva “White Heat, Red Hot” y a la socarrona versión de los Spooky Tooth , “Better By You, Better Than Me”.
El resto no le va a la zaga empezando por la homónima "Stained Class” y “Saints In Hell”, dos cortes que muestran ese hard rock visceral y vertiginoso, mientras la arreglada y dinámica “Beyond The Realms Of Death” es otro de los momentos sublimes de uno de los mejores discos de los Judas Priest y al mismo tiempo una obra maestra del heavy metal.
Sin embargo antes de ello, Survivor ya habían lanzado dos enormes trabajos, "Survivor” de 1979 y su continuación “Pemonition", de varios años después, los cuales les habían abierto la puerta del genero con estupendos trabajos repletos de rock contundente y melodioso.
Ester tercer álbum empujado por el sensacional tema homónimo, todo un clásico imperecedero de la música rock y celebre por su aparición como tema principal en la película “Rocky III”, llevaron en volandas a un disco que además contaba con una retahíla de adictivas composiciones, producto de la creatividad de sus guitarristas Frankie Sullivan y Jim Peterik, todas ellas orientadas a las radio formulas.
“Eye of The Tiger” esta compuesto por nueve temas que van desde el rock setentero con gancho comercial como “Hesitation Dance” y “The One That Really Matters”, hasta irresistibles baladas melódicas “Ever Since The world Began”, cautivadores medios tiempos como “I´m Not That Man Anymore” o “Children Of The Night”, hasta épicas composiciones como “Silver Girl”, mientras la mencionada “Eye Of The Tiger” es el punto culminante del álbum con ese atractivo ritmo de batería y su celebre riff.
“Eye Of The Tiger” conseguiría un disco de platino por sus enormes ventas y un premio Grammy, cifras que fueron superadas por el posterior y quinto álbum de la banda, “Vital Signs” publicado varios años mas tarde.
Sin embargo Survivor nunca llegarían ni de lejos a las cifras de ventas ni de popularidad de otros clásicos del AOR como el primer álbum de la banda liderada por Tom Sholz, “Boston” (1976), “Hi Infidelity” (1980) de Reo Speedwagon, “Escape” (1981) de Journey, el debut de Foriegner “Foreigner” (1977) o el cuarto álbum de Toto; “Toto IV”, todos ellos con ventas que superaron ampliamente a este magnifico “Eye Of The Tiger”.
Esta banda surgió de las cenizas de otra banda holandesa llamada September, la cual había lanzado varios singles de escaso éxito a principios de los 70 y que posteriormente cambiarían su nombre por el definitivo de Cargo. Su formación estaba constituida por los hermanos Ad y Jan de Hont, ambos guitarristas, el bajista Willem DeVires y el batería Denis Whitbread.
Este único trabajo contiene cuatro extensos cortes en donde las líneas de guitarras se entremezclan con frenéticos dúos guitarrísticos al unísono al mas puro estilo de los británicos Wishbone Ash.
Debido a la larga duración de las cuatro pistas, hay el suficiente espacio para la improvisación con poderosos riffs, sonidos ácidos, solos de todo tipo y un estilo jam eléctrico alucinante, todo ello impregnado en melódicas voces.
La inicial "Cross Talking" como bien da a entender su titulo, es un formidable tema de guitarras duales increíblemente ejecutadas y una poderosa sección rítmica que secunda perfectamente la sensación de que esta tocada en directo. "Summerfair" es un tour de force de quince minutos con sonidos relajantes, mucha improvisación y arrolladores sonidos psicodélicos. Mientras "Sail Inside", comienza con un potente hard rock que termina en otra jam instrumental.
Sin embargo y pese a que tuvieron una buena repercusión por parte de la critica, el álbum pasaría inadvertido por el escaso apoyo promocional de su discográfica, quedando relegado al ostracismo mas absoluto, motivo por el cual la banda desaparecería a finales de 1972, pero dejando para la posteridad, otro álbum esencial en la historia del rock progresivo europeo de la década de los 70.
Esta singular banda estaba encuadrada dentro de un variopinto estilo que fusionaba los ritmos latinos emparentados con Santana, el afro rock de Osibisa y elementos del jazz y el funk fusionados con el jazz progresivo.
Su formación estaba compuesta por ocho componentes, cinco de ellos conformaban la habitual sección de rock, batería, bajo, órgano Hammond, guitarra y voz, y el resto eran músicos de vientos y percusión.
Después de rodarse durante algunos años por diferentes clubs de Londres, consiguen un contrato con el sello Dawn con quienes publican su único álbum “Afreaka!”, un magnifico trabajo en donde el ritmo y la enérgica música atrapan al oyente desde la inicial y trepidante “Past Present And Future”, un tema instrumental de nueve minutos espléndidos de brass rock, la vena jazz rock esta en “Disillusioned Man”, en donde se acercan a los tratamientos musicales de bandas como Chicago o Blood Sweat and Tears. En la exótica “Another Country”, la banda muestra su lado ecléctico con un tema sórdido y elegante. Para la segunda cara se reservan sus momentos mas progresivos con la inquietante “Hymn To Mother” y la psicodélica y dinámica “Mercy (Variation No.1)”. Después de la publicación de este disco, el grupo se embarco en una extensa gira por el Reino Unido junto a otras bandas del mismo sello discográfico como Camus o Heron, además de alguna aparición estelar en la BBC británica.
La grabación de un posterior maxi-single seria la ultima aportación oficial de esta banda, desintegrándose algún tiempo mas tarde por la falta del éxito pese a la enorme calidad que atesoraban. Su único álbum, con el añadido de algunos temas que nunca fueron publicados, ha sido reeditado continuamente estos últimos años tanto en el mercados británico como el norteamericano y japonés, obteniendo un cierto entusiasmo entre los seguidores a los sonidos oscuros del progresivo de la década de los setenta.
Si “Selling England By The Pound” había supuesto su álbum mas británico y el posterior “The Lamb Lies Down On Broadway”, su propuesta mas americana, este en cambio es el mas bucólico y atmosférico de todos ellos, y pese a contener momentos trepidantes y dinámicos, pierde parte de la esencia de una sus señas de identidad como es la guitarra de Steve Hackett.
A diferencia del anterior y predominantemente instrumental “A Trick of the Tail”, publicado ese mismo año de 1976, pero diez meses antes, aquí prevalecen los sonidos nostálgicos, oscuros y otoñales, que contrastan con el sonido vigoroso y contundente de su predecesor.
Al repasar los surcos de este “Wind and Wuthering”, nos tropezamos con la inicial “Eleventh Earl of Mar”, un corte que trata un tema histórico como fue la rebelión de Jacobite en Escocia, hecho acontecido en el siglo dieciocho, mas allá de la interesante narrativa, este es uno de sus temas mas contundentes, con un Collins pletórico en las voces, y un enorme trabajo de teclados por parte de Tony Banks. La melancólica y atmosférica “One For The Vine”, da paso a otra pieza relajada como es la preciosista “Your Own Special Way”, para finalizar la primera cara del álbum con la instrumental “Wot Gorilla”, un corte hecho a la medida de Phil Collins y su lucimiento con las baquetas.
La arreglada y melódica “All In A Mouse´s Night”, ya deja entrever por donde irán los derroteros musicales de Genesis en lo sucesivo, hecho que se vera refrendado en el siguiente “...And Then There Where Three”, a esta le sigue la elaborada y épica “Blood On The Rooftops”, mientras la siguiente “Unquiet Slumbers For The Sleepers”, es el momento mas gélido y triste del álbum, una pieza instrumental que es el interludio de la también instrumental “In That Quiet Earth”, un corte espectacular, dinámico y progresivo en donde por fin aparece de manera clara y concisa la guitarra de Hackett, a su vez el final del tema enlaza con la atmosférica y renacentista “Afterglow”, la cual se convirtió en uno de los grandes clásicos de Genesis. Después de la salida de este álbum, la banda se embarcaría en una gira mundial apoteósica, actuando para grandes audiencias de mas de cien mil personas y de la que se extrajo gran parte del repertorio que iría a parar al doble álbum en directo “Seconds Out”, publicado un año después.
Formada por cuatro excepcionales músicos que provenían de cuatro míticas bandas, empezando por el ex guitarrista de Matching Mole, Phil Miller, el ex bajista de Caravan, Richard Sinclair, el teclista Dave Stewart, ex miembro de Khan y el batería Pip Pyle, ex componente de Gong.
Con solo dos álbumes publicados, esta formidable banda heredaría parte de la esencia de las bandas anteriores de sus miembros, junto a los sonidos jazzisticos, el tono humorístico de los Mother Of Inventions de Zappa y la música vanguardista.
Bajo el titulo de un panel de trafico del norte de Londres, en este álbum la banda cuenta con las apariciones estelares del líder de los Soft Machine; Robert Wyatt, el trío vocal femenino The Northettes, y los músicos de viento Geoff Leigh y Didier Malherbe, el primero componente del grupo Henry Cow y el segundo de Gong.
Sin embargo describir con exactitud el estilo particular de Hatfield and the North, es bastante complicado, y aunque estén encuadrados dentro del entramado del sonido Canterbury, sonaban como ninguna otra banda de esa categoría. Ellos realmente no hacían rock como Caravan o Gong, y tampoco de manera excesiva hacían jazz, y al mismo tiempo aglutinaban ambos géneros de manera ingeniosa. El álbum al completo es sobresaliente con una banda que de manera sincronizada y dentro de una textura canterburiana, va desgranando una serie de temas que combinan complejas partes instrumentales y vocales con cierta improvisación y pasajes experimentales, por lo cual este álbum y el posterior “The Rotters´ Club”, están considerados unos exquisitos viajes a través de los sonidos progresivos y obras esenciales dentro de dicho genero.
