Formados en 1968 por el guitarra Martin Quittenton, el vocalista, guitarra y harmónica Kieran White, el también guitarrista Martin Pugh y un sección rítmica compuesta por el bajista Steve Davy y el batería Michael Rushton.
En 1969 publicaron su álbum debut que estaba claramente arraigado en la segunda ola del British Blues, compitiendo en primera fila con las coetáneas Savoy Brown, Ten Years After y Fleetwood Mac. Sin embargo este primer lanzamiento tenia los suficientes matices progresivos para ser del agrado de los prog heads de la época.
Ese mismo año llegaría "MK II" el segundo trabajo en donde la propuesta de blues rock se amplia con elementos progresivos, con una serie de temas que tenían la fuerza y garra del poderoso hard rock y unos arreglos muy pulidos y vanguardistas. En este segundo álbum Steamhammer había sufrido varios cambios de integrantes, entrando el batería Mick Bradley y el saxofonista y vientos Steve Joliffe, quienes reemplazaron a Rushton y Quittenton.
En "MKII" destaca poderosamente la epopeya de casi veinte minutos "Another Travelling Tune", con una gran interacción de riffs pesados, un ritmo blues y un complejo desarrollo instrumental.
"Mountains" publicado en 1970, fue el tercer lanzamiento y su trabajo mas completo, en donde seguían con su propuesta inicial de blues rock, aderezados con pinceladas psicodélicas y elementos progresivos.
Aquí aparecen soberbias piezas como la jam blues "Riding On The L&N", la funk psicodélica "I Wouldn´t Have Tonight", la delicada "Levinia", la oscura "Mountains" o la boogie rock "Hold That Train".
"Speech" el cuarto y ultimo trabajo de Steamhammer llegaría un año después, y cuenta con las colaboraciones del ex The Yardbirds y Renaissance Keith Ralf y su hermana la cantante y también miembro de Renaissance, Jane Relf.
En "Speech" la banda toma un rumbo definitivamente mas progresivo introduciendo elementos del jazz rock pero con su esencia blues original. La siniestra y aterradora "Penumbra" con sus 23 minutos da comienzo a este cuarto trabajo, con una intro fascinante y en donde se dan cabida desde pasajes frenéticos hasta momentos mas pausados en un desarrollo totalmente progresivo, ya en la segunda cara del LP aparece la hard rock blues "Telegram", diez minutos de sonidos lisérgicos y progresivos con unas afiladas guitarras y un ritmo enloquecedor, terminando con "For Against", una tema vanguardista y extravagante de riffs de guitarras y solos de batería.
Poco después de la publicación de este cuarto álbum, Mick Bradley fallece a causa de una leucemia no detectada, este funesto hecho precipita la disolución de Steamhammer de manera definitiva.
En apenas cuatro años Steamhammer fueron una de las mas interesantes bandas del circuito del blues progresivo británico, pero que debido a ese trágico acontecimiento, sus constantes cambios de formación y a una competencia brutal con otras bandas coetáneas de mayor peso especifico, les relegaron al status de grupo de culto.
En sus comienzos esta banda practicaba un estilo basado en el soul y la psicodelia para que gradualmente se fueran orientando hacia los sonidos de la costa oeste estadounidense.
Con la colaboración con Quincy Jones, contribuyeron a la banda sonora de la película 'Toy Grabbers' y luego aparecieron en la película 'Connecting Rooms'. En 1966 ganaron el famoso premio 'Beat Contest', organizado por la revista musical británica Melody Maker. Eso les llevó a firmar un contrato con el sub-sello progresivo Deram de la discográfica Decca. Después de varios sencillos de escaso impacto comercial, obtuvieron la colaboración del productor Lou Reizner, con el cual grabaron su álbum debut, “Crossroads Of Time” en 1968 en Londres y lanzado a principios de 1969 por el sello Mercury Records.
Este primer álbum es una colección de canciones impregnadas de psicodélica y sonidos típicos de los 60 con un buen órgano y elementos del rock progresivo temprano, rhythm & blues, pop, elementos jazzisticos, y influencias orientales, destacando las bluesy “Croosroads Of Time” y "Love is the Law", (ambas escritas por Graham Bond), las psicodélicas “Inspiration For A New Day” y “Prodigal Son”, o las brillantes "I Wonder Why" y "World of Emotion", además de varias versiones muy bien logradas como “7+7 Is” del grupo Love, y la emblemática “Yesterday” de The Beatles, todas ellas impregnadas con el característico sonido beat de los sesenta.
Posteriormente la banda publicaría su segundo álbum titulado “In Fields Of Ardath”, lanzado en la primavera de 1969 en el cual ya no aparecía Wyndham Reese, y que estaba mas orientado a los sonidos progresivos, pero sin dejar su amplia variedad de influencias del rock psicodélico, el blues, el jazz, sonidos exóticos y la música clásica.
Posteriormente Gary Pickford-Hopkins se convertiría en uno de los dos cantantes principales de la banda de acompañamiento de Rick Wakeman en sus álbumes “Journey To The Center Of The Earth” (1974) y “The Myths And Legends Of King Arthur And The Knights Of The Round Table” (1975). Además haber pertenecido durante algún tiempo a la banda de hard blues rock Wild Turkey, mientras John Weathers pasaría a engrosar durante muchos años el puesto de batería principal de los míticos Gentle Giant y posteriormente de la banda psicodélica y progresiva Man.
Manteniendo el núcleo principal de la banda que grabaría sus últimos trabajos, en donde destacan el guitarrista Mick Ronson, la sección rítmica compuesta por Trevor Bolder y Mick Woodmansey y la exquisita producción de Ken Scott, Bowie vuelve a encargarse de los sintetizadores, el mellotron, el saxo, las guitarras rítmicas y las voces que son secundadas por las vocalistas Linda Lewis y G.A. MacCormack.
Pese a perder un ápice de fuerza en favor de la melodía, “Aladdin Sane” sigue conservando grandes destellos como lo demuestran la poderosa “Watch That Man”, la compacta “The Jean Genie”, la enérgica “Aladdin Sane”, la melódica “Drive-In Saturday”, la contundente “Cracked Actor”, la épica “Time” o la espesa “Panic In Detroit”, para acabar como colofón con la hermosa "Lady Grinning Soul", que hacen de este álbum otra de las obras maestras del camaleónico Duque Blanco. Mientras en el plano comercial “Aladdin Sane” conseguiría un numero uno en la listas británicas y lograría acceder entre los veinte primeros del Billboard estadounidense, obteniendo con ello, un disco de platino y varios discos de oro por sus ventas.
Este faraónico triple álbum, fue el tercer trabajo del ex Beatle, después de sus experimentales “Wonderwall Music” y “Electronic Sound”, ambos lanzados cuando aún pertenecía al grupo de Liverpool.
Compuesto por algunos temas suyos que fueron desechados en su época Beatle, el resto son nuevas composiciones que ocupan los dos primeros discos mas un tercero compuesto por temas improvisados durante las sesiones de grabación tituladas “Apple Jam” y fue producido por Phil Spector durante gran parte del año 1970 entre los estudios propiedad de The Beatles, Apple Studios, los Trident Studios y en los Abbey Road de la Emi en Londres. Para la grabación de este mastodóntico álbum, George Harrison contó con la colaboración de una amplísima legión de reputados músicos como Alan White (Yes), Jim Gordon (Traffic), Gary Wright (Spooky Tooth), Pete Ham (Badfinger), Peter Frampton (Humble Pie), Ginger Baker (Cream), Eric Clapton (Cream), Gary Brooker (Procol Harum), Bobby Keys (The Rolling Stones), además de Ray Cooper, Billy Preston o sus ex compañeros de The Beatles, John Lennon y Ringo Starr, entre otros muchos mas.
Este triple álbum sorprendió a gran parte del publico y los críticos debido en gran medida por su modesto rol relegado a eterno segundón (en este caso el tercero), a la hora de componer canciones para los Fab Four. La cantidad de temas de gran calidad que en el atesora es asombroso, destacando el particular “Wall Of Sound” característico de Phil Spector, incluyen la adictiva “My Sweet Lord”, las resplandecientes “Wah Wah” y “What Is Life”, la agresiva “Let It Down”, la enorme “All Things Must Pass”, la acústica “If Not For You” o las maravillosas “Ballad Of Sir Frankie Crisp (Let It Roll)”, “Run Of The Mill” o “Isn´t It A Pity”
“All Things Must Pass” fue numero uno en numerosos países alrededor del mundo, alcanzando unas ventas superiores a los siete millones de copias y varias nominaciones a los premios Grammy.
A.F.T. es un álbum que sin llegar al heavy rock pleno ni estar encuadrado totalmente en el jazz rock es una brillantísima demostración de como la técnica y la disciplina clásica pueden utilizarse en una banda de rock.
El álbum esta esta compuesto mayormente por la suite “The Great Panjandrum Wheel” la cual abarca casi media hora y constituye la mayor parte del álbum, una composición enormemente ambiciosa para un cuarteto de sólidos instrumentistas repleto de armonías complejas y un potente ritmo.
Las bravuconearías de los solos y arpegios de guitarra y los compases embriagadores de todo el disco son constantes mostrando un hard rock barroco con acercamientos al prog y unas dificultosas estructuras jazzisticas.
Sin embargo pocos previeron su ascenso y su estrellato mundial que comenzaría en 1969 con su álbum “Hot Buttered Soul”, un trabajo en donde Hayes combinaba los entornos del jazz con sonidos hipnóticos y los largos desarrollos, con fusiones de funk, soul y psicodelia, todo ello bajo unas guitarras fuzz y oscuras y su voz profunda y cortante.
Después de este álbum llegaron dos trabajos en una línea continuista con extensos temas, arreglos meticulosos y una gran complejidad orquestada.
En 1971 Isaac Hayes lanzaría dos álbumes dobles, por un lado la banda sonora de la película “Shaft” y por otro “Black Moses”.
Con el primero, Isaac Hayes conseguiría su álbum mas exitoso, obteniendo un Oscar a la mejor banda sonora y un premio Grammy, y con ello catapultaría al artista al estrellato mundial, gracias en parte a la canción principal del disco.
En “Shaft”, Hayes combino sabiamente el funk exuberante y contundente con temas instrumentales suaves y delicados, todo ello bañado en lacónicos y sutiles sabores de jazz.
Ese infalible sentido melódico de Hayes brillaría en temas evocadores y atmosféricos como “Bympy´s Lament”, la suave y repleta de vibraciones “Elliés Love Theme”, la alegre “Cafe Regios”, con la cual evocaba ese sonido heredero de West Montgomery, la atrevida y contundente “No Namen Bar” o la deudora del compositor Burt Bacharach “Early Sunday Morning”, todas ellas con unos sofisticados arreglos de cuerda y vientos que se complementaban con los contornos melódicos de Hayes y el estilo requerido por Hollywood.
Meses mas tarde Hayes llegaría a su pico creativo, lanzando otra obra descomunal, “Black Moses”, en donde basaría su sonido en el estilo de “Hot Buttered Soul”, pero agregando fusiones mas eclécticas y expandiendo así su enorme lienzo musical.
Formados en Londres en el año 1967 por el guitarrista Richard Thompson, su primera alineación la completaban el vocalista Ian Matthews, el bajista Ashley Hutchings, la vocalista Judy Dyble, el batería Martin Lamble y el vocalista y guitarra Simon Nicol, todos ellos con una notable formación académica, algo que se vería reflejado en la exquisita y variada técnica instrumental y en la composición de sus canciones.
Su propuesta inicial abarcaba diferentes estilos que iban desde el tradicional folk británico, hasta elementos del folk y el country norteamericano deudor de artistas como Bob Dylan o Tim Buckely, con ramalazos de música cajun.
Esta amalgama de estilos se vio refrendado en el primer álbum el cual contenía diferentes versiones como “Jack O´Diamonds” de Bob Dylan o “I Don´t Know Where I Stand” de Joni Mitchell, además de un claro sabor al folk americano.
Después de unas decepcionantes ventas, la banda cambia de sello por su descontento con la promoción de este primer lanzamiento por parte del sello Polydor y firman con la británica Islands Records. Además la vocalista Judy Dyble es sustituida por la cantante Sandy Denny, una experimentada cantante de folk que ya había tenido cierto éxito con su carrera en solitario, o colaborando con el grupo británico de folk progresivo Strawbs.
Este cambio seria fundamental para el devenir de Fairport Convention, la voz distintiva de Denny fue una de las características de los posteriores álbumes de la banda.
“What We Did On Our Holidays“ su siguiente larga duración, seguía por la senda folk del anterior pero con unas melodías vocales mas ricas gracias a las voces de Denny y Mathews y un estilo mas ecléctico.
Casi a finales de ese mismo año llegaba la tercera entrega “Unhalfbricking”, una clara muestra del sutil desvío de Fairport Convention hacia los terrenos del folk progresivo gracias a los brillantes pasajes de los sonidos rock de la guitarra eléctrica de Richard Thompson y unas estructuras mas vanguardistas.
Sin embargo durante las sesiones de grabación de este álbum Ian Matthews abandonaría debido a sus discrepancias musicales con el líder Richard Thompson, producto de esa orientación hacia terrenos mas experimentales, alejado del folk tradicional.
Un trabajo que contiene brillantes composiciones como la progresiva “A Sailor´s Life”, las dramáticas “Who Knows Where The Time Goes”, “Autopsy” y “Genesis Hall” o alegres melodías folk como las versiones de los temas de Bob Dylan “Million Dollar Bash” y “Percy´s Song”.
En los sucesivos años Fairport Convention seguirán facturando exquisitos discos como “Liege & Lief”,(1969) “Full House” (1970) “Angel Delight” (1971), "Babbacombe´Lee” (1971), o “Rising For The Moon” (1975), pero los continuos cambios de formación les restarían la cohesión y la creatividad musical de sus sublimes primeras obras.
“Mystical Adventures” fue su octavo álbum en solitario, publicado en un momento en el que el auge de los sonidos progresivos, entre ellos el jazz rock, no se encontraban en su mejor momento.
Igualmente “Mystical Adventures” significaría el epilogo de su mejor etapa con una serie de trabajos de gran jazz rock versátil, con influencias progresivas como son “Upon The Wings Of Music” (1975), “Aurora” (1976), “Imaginary Voyage (1976), Enigmatic Ocean (1977), “Cosmic Messenger” (1978) o “A Taste For Passion” (1979).
"Mystical Adventures” es igualmente uno de sus álbumes más accesibles para el gran público, otorgando mas protagonismo a su banda y sus desarrollos instrumentales, pasando a un segundo plano su liderazgo instrumental, aunque sin embargo siguen apareciendo sus solos de violín tan característicos
Para esta grabación Ponty contaría con un plantel donde aparecían el percusionista Paulinho Da Costa, el guitarra Jamie Glaser, el bajista Randy Jackson, el teclista Chris Rhyne y el batería Ray Griffin.
Un álbum que tiene a los sintetizadores, el piano eléctrico, el vocoder de Rhyne y las percusiones de Paulinho Da Costa lo mas novedoso de su sonido.
La primera cara esta enfocada a la suite del mismo titulo del álbum, que dividida en cinco partes es un perfecto ejercicio de jazz progresivo muy en la onda de los trabajos de la Mahavishnu Orchestra. Un extenso tema en donde todos y cada uno de los músicos tiene un gran protagonismo, desde el órgano de Rhyne, hasta la poderosa guitarra de Glaser, pasando por una sección rítmica eficiente y el violín de Ponty que de manera intermitente deja claro su impronta con su enorme talento
La segunda cara comienza con la progresiva “Rhythms Of Hope”, mientras la extraña e inusitada “As” da paso a “Final Truth”, dividida en dos partes, con una primera con el estilo clásico de Ponty y una segunda mucho mas atmosférica y oscura, para cerrar con la jazz sinfónica “Jig”, la cual culmina este trabajo considerado uno de los mejores discos del jazz rock de los ochenta.
Abandonando sus grandes desarrollos divididos en múltiples movimientos de sus obras anteriores, aquí el músico griego se enfoca en sonidos electrónicos mas terrenales y contemporáneos, que de alguna manera se adapta a los tiempos modernos con una obra mas atractiva para el gran publico.
Un álbum que contiene joyas como la animosa “The Motion Star”, en donde Vangelis deja su impronta y que nos recuerdan obras tan emblemáticas como su clásico “Spiral” de los setenta, o esa maravillosa composición llamada “Will Of The Wind” con esos sonidos de elocuentes sintetizadores, luego aparece otra monumental composición “Metallic Rain” la cual demuestra el gran talento del músico griego al combinar las poderosas percusiones con un clímax sonoro cercano al rock emulando los sonidos de guitarras distorsionadas.
La espacial “Elsewhere” es un remanso de paz entre tanto frenesí sónico, la cual da entrada a otro memorable tema como es la rítmica y enorme “Dial Out” con una desarrollo in crescendo que termina de manera apoteósica. Llegados a este punto aparece la operística “Glorianna (Hymn a la Femme), un tema que será antesala del sonido de algunos de sus álbumes posteriores, o la comercial “Rotations Logic" con esos aires orientales y una batería sincopada.
En la recta final aparecen la melancólica y encantadora “The Oracle Of Apollo” con esta característica composición de arpa de Vangelis, y la épica siniestra “Message”, uno de los momentos mas conmovedores. Mientras “Ave” es otro tema rítmico con que se nos antoja sin ser una mala composición, lo mas flojo del trabajo, para terminar con dos de las mejores piezas de este “Direct”, por un lado la sensible y delicada “First Approach” y por otro, la apoteósica “Intergalatic Radio Station”, que como su nombre deja entrever es un tema cósmico y épico, con el cual da por finalizada un LP admirable que se suma a las incontables obras extraordinarias del mítico músico griego.
Sin embargo a Bob Dylan le empezaría a quedar pequeño ese genero y decidió ampliar horizontes, por lo que se dispuso a electrificar su sonido, empezando así una nueva aventura musical, convirtiéndose en una de las máximas influencias de gran parte de la música posterior.
“Highway 61 Revisited” seria el punto de partida de ese nuevo sonido de Bob Dylan, para lo cual el musico de Minnesota forma una poderosa banda compuesta por Mike Bloomfield, Harvey Brooks, Al Kooper, Charlie McCoy, Paul Griffin, Bobby Gregg o Sam Lay. Con este plantel de lujo Bob Dylan realiza un álbum tan memorable como histórico, el cual sentaría cátedra en el mundo del rock.
Compuesto por una retahíla de canciones celebres como la inmortal “Like A Rolling Stone”, todo un clásico de la música rock con esa solida base rítmica y una concluyente y memorable melodía. Por su parte “Tombstone Blues” muestra genialmente ese blues típico del guitarrista Mike Bloomfield aderezado con un ritmo country. Mientras la espectacular folk rock “Desolation Row” o la sabor a blues “From a Buick 6” dan paso a la cadenciosa y sentimental “Ballad Of a Thin Man” con un Al Kooper extraordinario a los teclados o la atractiva folk blues “Just Like Tom Thumb´s Blues”, conformando entre todas ellas una de las obras maestras de la música rock y uno de los álbumes imprescindibles del siglo 20.
Pero haciendo un poco de historia nos situamos en el verano de 1975, justo cuando Led Zeppelin se disponen a iniciar su tour mundial promocionando su doble álbum “Physical Graffiti”, ocurre el infortunio, su cantante Robert Plant sufrió junto a su mujer un grave accidente automovilístico ocurrido en la isla griega de Rodas, en donde pasaban unos días de vacaciones y el cual esta a punto de costarles la vida.
Ese accidente y la posterior recuperación, supondría la cancelación de dicha gira y un largo retardo que duraría casi un año, hasta que incluso con un Plant aún convaleciente empezaron las sesiones de grabación del siguiente álbum “Presence”, que seria publicado a mediados de 1976.
Aprovechando esta interrupción, la Atlantic Records decidió publicar “The Songs Remains The Same”, un directo y una película grabada tres años atrás, durante los días del 27 al 29 de julio de 1973 en el Madison Square Garden de Nueva York, unos shows pertenecientes a la gira posterior al álbum “Houses Of The Holy”. Sin embargo, el laborioso proceso de mezclas y grabación en los estudios atrasaría la salida de este, hasta justo unos meses después de la publicación del mencionado “Presence”. Otra de las razones de ese retraso, fue la inconformidad del Jimmy Page sobre la calidad de las cintas grabadas esa noche, las cuales consideraba que no eran las mas idóneas para su publicación.
Dejando a un lado la película, la cual es básicamente imágenes del concierto mas una introducción de sus cuatro componentes en diferentes situaciones de su vida privada y cotidiana, el disco contiene momentos memorables como son los 27 minutos de “Dazed and Confused”, que por otro lado dada su larguísima duración se vuelve por momentos bastante tediosos, o las atronadoras “Rock and Roll” y “Whole Lotta Love”, igualmente destaca la clásica “No Quarter”, el blues “Since I´ve Been Loving You” o la extensa “The Rain Song” sin dejar de mencionar los casi diez minutos del solo de batería de John Bonham en “Moby Dick”.
Pero es sin duda una versión extendida de “Stairway To Heaven”, el momento cumbre de este álbum, en donde todos los miembros de la banda muestran una ejecución sobresaliente e impecable.
La recepción posterior por parte del publico, fue un numero uno en las listas británicas y un segundo lugar en las listas del Billboard, además de numerosos discos de platino por sus ventas a nivel mundial.
También con este album, la banda anglo-francesa daba por cerrada la trilogía comenzada un año antes con los discos “Flying Teapot” y “Angel´s Egg”, todos ellos junto a este que hoy nos ocupa, álbumes conceptuales sobre los Pothead Pixies del planeta Gong. En “You”, los Pothead Pixies se enfrentan a la trilogía Tolkien, aniquilándola por completo, burlándose de esta manera de la historia sombría de esa trilogía, prefiriendo la no menos absurda, historia del planeta Gong y su mitología.
Para esta ocasión la banda consigue repetir casi la misma formación que sus dos obras anteriores, un hecho insólito en una banda que destacaba por sus entradas y salidas continuas de integrantes.
Gracias a la perfecta sincronización de Steve Hillage, Pierre Moerlen, Tim Blake y los vientos de Didier Malherbe, el sonido se vuelve muchísimo mas atmosférico y cósmico, convirtiendo a este álbum en un verdadero trabajo de jazz y rock progresivo y no el bizarro, perturbante y disparatado estilo de sus predecesores.
“You” comienza con los temas cortos y triviales “Thoughts for Naught” y “A P.H.P.'s Advice”, piezas casi narrativas para la introducción a la siguiente y funesta “Magick Mother Invocation”, la cual es la intro de las cósmicas y espaciales “Master Builder” y “A Sprinkling Of Clouds”. Rara vez en la carrera de Gong, lograrían ser tan cautivadores con esos ritmos repetitivos y asombrosos como ocurre con estas dos impresionantes piezas de space rock.
Ya en la segunda cara, la inconsistente y extraña “Perfect Mustery”, da paso a un nuevo viaje alucinógeno de paraíso musical con la jazz rock cósmica “The Isle Of Everywhere” y la vanguardista “You Never Blow Trip Forever”, en donde la interacción de la guitarra de Hillage, queda profundamente subrayada por los teclados y las capas etéreas de los sonidos de los sintetizadores de Tim Blake.
“You” es sin duda alguna una obra tan admirable como asombrosa de una banda que baso gran parte de su carrera de un absurdo y bizarro estilo, que fue tan venerado como al mismo tiempo repudiado por la amplísima comunidad de fans del rock progresivo.
