Compuesto prácticamente por temas que pertenecen a los álbumes posteriores a “Close To The Edge”, a excepción del tema “Time And A Word”, recoge material perteneciente a los álbumes “Tales From Topographics Oceans”, “Relayer”, Going For The One” y “Tormato”. Un doble directo que contiene un total de siete temas grabados en diferentes localizaciones de Estados Unidos y Europa, que van desde la gira de 1976 en apoyo al disco “Relayer”, hasta la correspondiente al "Tormato" en 1978.
Este directo tiene la particularidad de escuchar a los dos teclistas de Yes de los 70, por un lado Patrick Moraz que aparece en los temas “The Gates of Delirium” y “Ritual (Nous Sommes Du Soleil)", ambos de la gira posterior al álbum “Relayer” y a Rick Wackeman que interviene en los cinco temas restantes pertenecientes a las giras de los álbumes "Going For The One” y “Tormato”.
El resto de la formación era la clásica de la banda durante toda esa década, compuesta por Steve Howe, Jon Anderson, Chris Squire y Alan White.
Sin embargo este lanzamiento fue una jugada comercial de la discográfica Atlantic Records, a modo de epitafio, ya que cuando fue publicado a finales de 1980, ya prácticamente no existían como banda, un año antes habían sufrido la primera separación de su formación mas clásica, con el abandono de Jon Anderson y Rick Wakeman, quienes fueron sustituidos por Trevor Horn y Geoff Downes para la grabación del disco “Drama”, publicado en agosto de ese mismo año, una formación que apenas tendría recorrido y que terminarían disolviéndose en los primeros meses de 1981.
Con otra portada icónica de Roger Dean, “Yesshows” es muy destacable por una serie de versiones que a diferencia de los temas originales de estudio, suenan con un toque mas poderoso y dinámico, como ocurre con “The Gates Of Delirium”, “Parallels” o “Time and A Word”, esta ultima con una dimensión muy distinta a la versión orquestada original.
Otro de las piezas que gana muchos enteros es “Ritual (Nous Sommes Du Solelil)” que tiene una reinterpretación algo diferente a la versión de estudio, pese a la gran calidad de la original.
En definitiva un excelente documento en vivo, en donde se puede observar el desarrollo musical de la banda, desde sus primeros años y su época gloriosa hasta el final de su etapa dorada.
Así fue como Jon Hiseman (batería) y Dick Heckstall-Smith (saxo), deciden seguir por cuenta propia lejos de la escuela blues de Mayall, y formar una banda para lo que reclutan al guitarrista James Litherland, al teclista Dave Greenslade y al bajista Tony Reeves. Después de denominar esta nueva aventura como Colosseum, no tardan en llegarles ofertas de algunas discográficas, siendo definitivamente la británica Fontana quienes les contratan y les producen su primer álbum “Those Who Are About To Die Salute You” que fue lanzando a principios de 1969. En este primer álbum Colosseum muestran un estilo que fusiona a la perfección el jazz, el swing, el blues, la psicodélica y pasajes de la música clásica, todo ello envuelto en sonidos de potente rock, como queda demostrado en temas como “Mandarin” o la desatada “Debut”, mientras la parte progresiva esta en “Beware The Ides Of March” una readaptación del clásico “Toccata y Fuga en re menor” de Johan Sebastian Bach, interpretado de manera asombrosa por un Dick Heckstall-Smith apoteósico.
Después de este fastuoso debut, la banda abandona el sello Fontana y fichan por Vértigo, con quienes a finales de ese mismo año publican su segundo álbum “Valentyne Suite”, el cual comienza de manera tan espectacular como su predecesor, con la poderosa “The Kettle”, un tema infectado de sonidos rhythm and blues y la guitarra incendiaria de Litherland, por un camino similar sigue “Elegy”, pero esta vez con Dick Heckstall-Smith en el rol protagonista con su saxo y una sección de cuerdas soberbia. Llegados a este punto la banda retorna a sus orígenes blues con la parsimoniosa “Butty´s blues” en donde un órgano contagioso y la sección de metales conforman una sobresaliente pieza que produce incredulidad.
La segunda cara del vinilo original esta reservada casi exclusivamente a la suite progresiva del mismo nombre del álbum, un extraordinario ejercicio en donde se dan la mano todos los ingredientes de la banda, con una actuación soberbia de todos sus componentes, empezando por el inteligente e innovador estilo con el órgano de Dave Greenslade, el preciso y rítmico bajo de Tony Reeves, el sonido apasionado de Dick Heckstall-Smith, el potente e intrincado tamborileo del batería Jon Hiseman y la locuaz guitarra de James Litherland.
“Valentyne Suite” es sin duda una de las obras maestras de la música progresiva de finales de los sesenta, que sin embargo a pesar de los orgásmicos que fueron sus composiciones, sus múltiples y obvias influencias, aun estando muy bien estructuradas, fue una de las razones, por la falta de una originalidad única, por la que nunca pudieron competir en creatividad con sus coetáneas, como por ejemplo si los fueron, bandas como King Crimson o Yes, por solo citar dos de las mas icónicas del rock progresivo.
Este hecho levanto no pocas controversias entre los aficionados del hard rock, sobre todo entre sus fans mas acérrimos, al tener que adquirir ambas versiones por no ser el mismo disco en realidad. El proceso de grabación también fue como se supone algo caótico, para empezar en las sesiones de grabación de la versión europea, el productor elegido fue en un principio Eddie Kramer, quien después de varias semanas fue sustituido por Martin Birch, al considerar varios de los integrantes su poca conexión con el espíritu musical de la banda. También durante todo ese proceso se cambiaron algunos de los que intervinieron como Micky Moody y Colin Hodgkinson, que fueron sustituidos por el guitarrista John Sykes y el bajista Neil Murray para la edición americana.
El resto estaba formado por David Coverdale (voz), Jon Lord (teclados), Cozy Powell (batería) y Mel Galley (guitarra y voces), además de los productores Keith Olsen, John Kalonder y Greg Fulginiti. Tamaña cantidad de personal convirtió a este álbum, en uno de los mas elaborados y difíciles en toda la carrera de la banda británica.
Además de todo ello, y sin contar los diferentes estudios utilizados tanto de grabación como las remezclas, la distribución por parte de las discográfica fue igualmente diferente, mientras en USA fue la Geffen Records en el resto del mundo se encargaría la Liberty Records y para rematar el clavo las fechas de salida tampoco coincidieron, empezando por la edición británica lanzada a principios de febrero, la del resto del mundo en marzo y la norteamericana casi a finales de abril.
Son sin duda las remezclas hechas por Keith Olsen las mas adictivas, con un sonido adecuado a los gustos del publico norteamericano, con un hard rock brillante y cristalino en comparación con el sonido mas crudo y primitivo de la versión europea, aunque es esta ultima la que mejor resalta las virtudes originales de Whitesnake.
Aun así el álbum esta rebosado de magnificas composiciones como la inicial y pegadiza “Slide It In”, la demoledora “Slow´n Easy” o la cautivadora “Love Ain´t no Stranger”. La hard rock “All Or Nothing” da paso a la añeja “Gambler”, que es la antesala a la vertiginosa “Guilty Of Love”, o la hard rock “Hungry For Love”, para acabar igual que al principio, con tres majestuosas canciones como son la directa y contundente “Give Me More Time”, la elaborada “Spit It Out” y “Standing In The Shadow” un solido hard rock que esta entre los mejores temas de Whitesnake.
El álbum como era de esperar tuvo diferentes acogidas en ambos mercados, mientras en los Estados Unidos obtuvo una gran acogida consiguiendo varios discos de platino y una ventas que superaron los dos millones de copias, en Inglaterra obtuvo un discreto recibimiento y numerosas criticas por las letras de doble sentido y por las remezclas del álbum. Aún así y pasado algún tiempo lograría alcanzar una novena posición en las listas británicas y unas aceptables ventas que sumado a las mundiales alcanzarían cerca de los cinco millones de discos vendidos en total.
Su primer álbum fue publicado por el sello Parlophone, una subsidiaria de Emi en 1970, y pese a fracasar comercialmente, obtuvo grandes elogios entre la critica y los fans. Este hecho les valdría para ser contratados como los teloneros de la banda de Eric Clapton, Dave Mason y Duanne Allman, Derek and The Dominos por los Estados Unidos durante algunos meses de 1970.
Una vez acabada dicha gira Hensley y Kerslake abandonan Toe Fat para fundar Uriah Heep y son reemplazados por el guitarrista Alan Kendall y el batería Brian Glascock, con quienes lanzaron el segundo y ultimo álbum de esta banda, “Toe Fat Two” a finales de ese mismo año de 1970.
Centrándonos en su primer álbum, con una sugestiva portada realizada por Hipgnosis, Toe Fat mostraban un enérgico hard rock con pinceladas bluesy y ciertas influencias progresivas, que de alguna manera nos recuerdan a los primeros Uriah Heep.
Enérgicos protos hard rock como la inicial “Tha´s My Love For You”, contrastan con la bluesy “Bad Side Of The Moon” o con la lisérgica y pesada “Nobody”, mientras “The Wherefors And The Why”, es una melódica composición psicodélica. Otros temas destacados son la hard rock “But I´m Wrong”, la boogie folky “Just Like All The Rest” o la rítmica y acida “I Can´t Believe”.
Después del segundo álbum la banda termina por desmembrarse y algunos de sus componentes deciden seguir caminos diferentes como el guitarrista Kendall quien pasaría a formar parte de la banda de los Bee Gees o el batería Glascock quien después de un corto periplo con la banda del ex Deep Purple, Rod Evans, Captain Beyond, ingresaría en The Motels para posteriormente colaborar con artistas como Iggy Pop o Joan Armatrading.
Durante seis años esta banda mantuvo la misma formación y con ella grabaron cuatro interesantísimos trabajos que se encuadran dentro de los mejor del panorama jazz rock instrumental de la década de los 70. Sin embargo a finales de la misma, se sucedieron algunos cambios significativos, por un lado dejaron el sello Capricorn por Arista Records, por otro, después del magnifico “Night Of The Living Dregs” de 1979, el teclista Mike Parrish abandona la banda y es sustituido por Terry Lavitz, el cual imprime con sus teclados ambientes mas sinfónicos que el anterior.
El resto de la formación estaba compuesta por el guitarrista Steve Morse, el batería Rod Morgenstein, el violinista Allen Solan y el bajista Andy West.
En 1980 llegaría el quinto álbum de Dixie Dregs, “Dregs Of The Heart”, el cual se convierte en su mejor obra hasta esos momentos. Un trabajo en el que destaca sobre todo la jam jazzistica y progresiva “I´m Freaking Out”, un majestuoso corte convertido en un tour de forcé sinfónico que se convierte fácilmente en una de las mejores composiciones de la banda.
No obstante el resto sigue la habitual tendencia musical del grupo, con la rockera “Road Expoense” la progresiva Bluegrass “Pride O´The Farm”, el jazz progresivo “Twiggs Approved”, el ejercicio sinfónico “Hereatfer”, la progresiva “The Great Spectacular” o la boogie jazz “Broad Street Strut”.
En definitiva otro imprescindible álbum de Dixie Dregs, en donde todos los músicos demuestran un gran virtuosismo, destacando sobremanera, la guitarra con sonidos hard rock de Steve Morse y un repertorio con grandes melodías de enorme y complejo pero al mismo tiempo accesible jazz rock.
A lo largo de todo ese tiempo fueron durante sus primeros años la banda de acompañamiento de Bob Dylan en su gira mundial de mediados de los sesenta, cuando aún se denominaban The Hawks, además de colaborar en la grabación del famoso “Blonde on Blonde”. Posteriormente y ya como The Band publicaron algunos de los mas grandes álbumes de la historia de la música norteamericana como son “Music From Big Pink” (1968), “The Band” (1969), “Stage Fright” (1970), “Before The Flood” (1974) o "The Basement Tapes" (1975), estos dos últimos junto al propio Bob Dylan.
Como colofón a su despedida, la banda junto al promotor Bill Graham, organizaron un concierto en el legendario Winterland de San Francisco, el día de Acción de Gracias de 1976. Ese día tan señalado para los norteamericanos, el mítico lugar estaba rebosante de publico, ansioso y consciente por ver algo memorable e histórico. Para la ocasión las cámaras del director Martin Scorcerse lo filmarían todo para una película posterior.
Esa noche además de la formación de The Band, compuesta por Rick Danko, bajo violín y voz, Garth Hudson, órgano, piano, sintetizadores y saxofón, Richard Manuel, piano, órgano, batería y voz, Robbie Robertson, guitarra piano y voces y Levon Helm, batería, mandolina y voz, participa una sección de vientos y otros músicos de apoyo entre los que destacan Allen Toussaint, Tom Malone, James Gordon o John Simon. También esa noche intervienen una serie de súper estrellas invitadas, entre los que se encuentran Ronnie Hawkins, Neil Young, Van Morrison, Muddy Waters, Paul Butterfield, Eric Clapton, Neil Diamond, Bob Dylan o Joni Mitchell.
El resultado final fue un triple álbum, además de la mencionada película, que fue publicado dos años mas tarde y que recoge fielmente una noche memorable con casi tres horas de duración y que aglutina un repertorio sublime con la interpretación de los clásicos de la banda como “The Night They Drove Old Dixie Down”, “The Weight”, “Up On Cripple Creek”, “Stage Fright” o “This Wheel´s On Fire” que se alternaron con canciones de los artistas invitados como “Helpless” de Neil Young, “Caravan” de Van Morrison, “Dry Your Eyes” de Neil Diamond, “Mystery Train” de Paul Butterfield o “Further On Up The Road” de Eric Clapton. Para el final se reservaron el clásico “I Shall Be Released” y varias jams interpretados por todos los que intervinieron en el concierto, incluidos el guitarrista de los Rolling Stones, Ronnie Wood y el ex Beatle, Ringo Starr.
Este triple álbum junto a la película se convirtió en una obra de culto para los norteamericanos y considerada una de las obras maestras de la música norteamericana de todos los tiempos.
En 1965 Ted Nugent había llegado a Detroit desde su Michigan natal, donde algún tiempo antes ya había fundado la primera encarnación de esta banda, que sin embargo apenas tuvo repercusión alguna. Una vez en la ciudad del motor, volvería a reformar los Amboy Dukes con una nueva formación, la cual estaba compuesta además del propio Ted Nugent, por el bajista Bill White, el baterista David Palmer, el vocalista John Drake, el guitarrista Steve Farmer y el teclista Rick Lober. Durante algunos años la banda se convierte en una de las sensaciones en los locales y clubs de la zona de Detroit y en 1967 publican su primer álbum “The Amboy Dukes”, el cual contiene un interesante repertorio de cortes psicodélicos, pinceladas del pop británico y un enérgico hard rock.
Sin embargo y debido al descontento con el resultado final la banda se reforma dando entrada al teclista Andy Solomon y al bajista Greg Arama con quienes graban el segundo Lp del grupo, “Journey To The Center Of The Mind”.
En este segundo álbum muestra una amplia variedad de sonidos que iban desde el blues rock hasta el hard rock, todo ello aderezado con pinceladas de sonidos ácidos y psicodélicos.
El gran trabajo de las dos guitarras a cargo de Nugent y Farmer son parte fundamental del sonido, que junto al acido órgano de Arama y una correcta sección rítmica dejaron temas como la homónima que da titulo al álbum, un estupendo corte de acid rock, a la que le siguen otras destacadas piezas como el blues rock “Mississippi Murder”, la proto psicodélica “Surrender To Your Kinks”, la poderosa folk rock “Scottish Tea” o la hard blues “Dr Slingshot”.
Luego de esto la banda publicaría varios discos mas; el experimental “Migration” (1968) y el mas previsible “Marriage On The Rocks/Rock Bottom” (1970) pero sin obtener el mismo reconocimiento de este “Journey To The Center Of The Mind”.
Ya a principios de los 70 y bajo el nombre de Ted Nugent and The Amboy Dukes, se publicarían varios álbumes mas, entre los que destacaba “Call Of The Wild” (1974), para finalmente ese mismo año terminar así la aventura de esta banda y comenzar así Nugent su propia carrera en solitario que desembocaría un año después con su espléndido debut.
Para cuando apareció este doble directo, Rare Earth ya habían publicado tres álbumes de estudio, entre ellos el monstruoso “Get Ready”, la obra que los encumbraba para siempre con el tema del mismo titulo que ha pasado a la historia como uno de los himnos de la música rock.
Rare Earth baso su explosiva música en el rhythm and blues fusionado con sonidos grooves, funk y soul, en una mezcla tan electrizante como musculosa y vibrante.
Los temas que componen este doble en directo fueron extraídos en diferentes conciertos celebrados durante gran parte del año 1971, en las ciudades de Miami, Jacksonville o New York.
Con la breve apertura de la funk psicodélica “I Just Want To Celebrate” se abre la primera cara de este álbum, para a reglón seguido y durante algunos segundos escuchar al batería Pete Rivera advertir al publico que tengan precaución sobre las posibles descargas eléctricas, debido a que gran parte de la audiencia se habían aglutinado muy cerca de las orillas del Atlántico, en una playa cercana al Florida Miami Stadium. Una vez dicho esa advertencia la banda comienza su rítmica maquinaria sonora interpretando gran parte de sus grandes hits como “Hey, Big Brother”, o “I´m Loosing You”, esta ultima un ejercicio soberbio de riffs funkys con un ritmo poderoso y vibrante con los que conforman la simbiosis perfecta entre la música blues y el soul.
Después de la jam musculosa “Get Ready” con sus casi 25 minutos de música enloquecida, llegan la rítmica “What´d I Say” y la psicodélica y progresiva funk “Thoughts”. Con este directo Rare Earth confirmaron que eran una de las bandas mas icónicas y solicitadas en los Estados Unidos de finales de los sesenta y principios de los setenta, con multitudinarias giras en donde llenaban grandes estadios por las ciudades norteamericanas donde pasaban y también con una gran presencia en las listas de éxitos con millones de discos vendidos.
Compuesto por ocho temas, “Sabbath Bloody Sabbath” se abre con el tema del mismo titulo, una densa demostración de los enormes riffs de Tony Iommi y la melódica voz de un enorme Ozzy Osbourne, que entre poderosos momentos de heavy metal hay interludios de sosiega exquisitez. La desenfadada y fluida “A National Acrobat” vuelve a poner de manifiesto todo lo anterior, con esos riffs dimensionales de Tony Iommi, la voz inconmensurable de Osbourne y la sincronizada sección rítmica compuesta por Geezer Butler y Bill Ward. El idílico paisaje del bosque de Dean fue sin duda la inspiración de tema instrumental “Fluff”, que rodeado de una aura mística y bucólica nos deja sonidos acústicos bañados en cascadas de teclados, este remanso de paz es la antelación de la frenética y al mismo tiempo compleja “Sabbra Cadabra”, que pone esa nota de color progresivo al álbum.
La oscura "Killing Yourself To Live” da paso a la parsimoniosa “Who Are You?” en donde los sintetizadores le roban el protagonismo a la contundente guitarra de Tony Iommi. En contrapartida a esta ultima aparece la vivaz y dinámica “Looking For Today” con otro trasfondo progresivo, para culminar con la orquestal y una reminiscencia lejana a los The Moody Blues, “Spiral Architect”.
Sin duda alguna la estancia en aquel mítico lugar medieval, le serviría a Black Sabbath para lograr inspirarse y componer una obra extraordinaria, repleta de momentos sublimes, que bajo el auspicio de su sonido heavy metal, lograron un álbum repleto de magia y efectividad.
Formada por dos ex integrantes de esta ultima, Dave Greenslade y Tony Reeves, teclados y bajo respectivamente a los que se sumaron el teclista y vocalista Dave Lawson y el ex baterista de King Crimson; Andy McCulloch. Su primera obra fue el álbum “Greenslade”, publicado en 1973, que con una estupenda portada de Roger Dean daba paso a uno de los mejores debuts dentro del rock progresivo, que con los inconmensurables sonidos de Mellotrón y órgano, respaldados por una solida sección rítmica, y un estilo en donde se intuían matices de jazz y blues que se fusionaban con el enfoque sinfónico de su propuesta, crearon cuatro grandes obras en el periodo comprendido entre 1973 y 1975.
Este primer álbum esta compuesto por siete pistas, tres de ellas instrumentales, destacando la ingeniosa con influencia blues “An English Western”, la eficaz y vertiginosa “Feathered Friends”, la jazz progresiva “Drowning Man”, la exótica “Temple Song”, la jazz rock “Melange” o la densa y oscura “What Are You Doing To Me”. Como colofón final nos encontramos con la épica “Sundance”, sin duda el tema mas impresionante del disco y que reúne todos los elementos recurrentes y peculiares de la banda en ocho espléndidos minutos de gran sensación progresiva.
Con en este debut, Greenslade mostraron su propuesta con un excelente repertorio de material progresivo, con grandes dosis de jazz y blues, convirtiendo esta muestra, en una de las obras mas respetadas del rock progresivo de la década de los setenta.
Así pues “Straight Shooter” continuaba la senda empezada con su antecesor, con ese rock añejo, unos arreglos perfectamente alienados y efectivos, riffs potentes con grandes influencias blues y un rock solido y adictivo. Con este álbum la banda liderada por Paul Rodgers dejaba claro que su debut no había sido flor de un día y se sacaron de la manga esta antológica continuación que mantuvieron unas altas expectativas con los fans y una excelente recepción tanto de critica como comercialmente.
Un lanzamiento que contiene un irresistible repertorio de grandes temas, empezando por las magistrales “Shooting Star” y “Feel Like Makin´Love” las cuales muestran el lado melódico de Bad Company, mientras las poderosas hard rock “Good Lovin´Gone Bad”, "Wild Fire Woman” y “Deal With The Preacher” muestran su faceta mas dura, mientras la vena melancólica esta reflejada en la tierna balada “Call On Me”.
Con este nuevo trabajo, Bad Company volverían a conquistar las listas a ambos lados del Atlántico, obteniendo por ello tres discos de platino por las enormes ventas a nivel mundial.
Con este nuevo disco no solo regresaban a su fiero rock, si no también a su ecléctico sonido, donde manejaban impecablemente una pluralidad de estilos diferentes, saliendo en la mayoría de las ocasiones airosos, como era norma habitual en esta banda escocesa. Y es que Nazareth, pese a estar siempre a la sombra de las icónicas bandas del hard rock, durante mucho tiempo llegaron a codearse de tu a tu con cualquiera de ellas, con una discográfica descomunal y soberbia, como queda comprobado en la gran mayoría de sus fantásticos álbumes.
“Bundles” pese a su escaso sonido innovador o experimental, suena muy diferente a todos sus lanzamientos anteriores, algo que en cierta medida decepcionaría a muchos de sus seguidores mas ortodoxos, y sin embargo es una espléndida obra enfocada al jazz rock y al jazz fusión. La incorporación de Holdsworth además proporciona ese toque rock que la banda siempre adoleció, dominado generalmente por los teclados y las experimentaciones.
El álbum se inicia con la suite “Hazard Profile”, la cual consta de cinco partes, una excelente pieza con un Holdsworth increíble con las seis cuerdas y una perfecta interacción con los teclados. El resultado es simplemente una gran fusión de jazz y rock que se mantiene vibrante gracias al poderoso trabajo de la batería de John Marshall. No obstante la dinámica de la suite se desarrolla con diferentes variaciones que van desde la siguiente y mas atmosférica parte 2, mientras las intros de las partes 3 y 4 sirven de antesala al ultimo de los capítulos con un ritmo vertiginoso en donde destaca un gran juego de guitarra, teclados y batería.
En este punto del álbum, estos nuevos Soft Machine muestran su lado mas rock, pero al mismo tiempo exhiben su faceta mas introspectiva y delicada como queda demostrado en la inquietante y ambiental “The Floating World” que junto a la jazz atmosférica “Bundles”, la jazz rock “The Land Who Waved At Trains” y la free jazz “Peff”, conforman una obra que esta considerada un icono del jazz rock y parte fundamental en el genero progresivo.
Emerson, Lake and Palmer por su parte no se quedarían atrás y lanzarían su espectacular “Brain Salad Surgery”, el primer trabajo que publicaron bajo su propio sello Manticore Records y que inicialmente iba a ser titulado “Whip Some Skull On Ya”, y que definitivamente fue cambiado en ultima instancia por el célebremente conocido por todo el mundo.
“Brain Salad Surgery” es quizás el trabajo mas poderoso de la banda, en donde el trío consigue la dominación total a su coherencia musical y al mismo tiempo el punto culminante en su creatividad con un Emerson mostrando que es el maestro del órgano Hammond y que domina de manera sobresaliente el piano y los sintetizadores polifónicos, Carl Palmer por su parte, ofrece una interpretación solida, rápida y muy compleja, demostrando que en esos momentos estaba en su mejor momento y un Greg Lake realzando con su excelente voz el sonido general gracias a su eco sutil y fresco, además de su interpretación con el bajo, que con su complejidad soporta perfectamente las abatidas de unos teclados y una batería muy exigentes.
“Brain Salad Surgery” tiene una obvia tendencia al jazz como revelan las partes mas frenéticas y complejas de piano y batería, aunque lo interesante es que a pesar de la destacadísima actuación técnica de los tres virtuosos músicos, todos los temas son realmente accesibles, melódicos y están perfectamente estructurados que a diferencia del anterior “Tarkus”, no es tan experimental e inaccesible. Un álbum que por otra parte tiene una espléndida portada, obra del famoso artista H.R. Giger, diseñada en ese estilo surrealista y celebre por sus dibujos futuristas y entornos tenebrosos, y que algún tiempo después fue reconocido mundialmente por su obra en la película Alien, aquel funesto octavo pasajero de la celebre y famosa nave Nostromo.
La suite progresiva “Karn Evil” es el tema estrella de este álbum, con sus constantes cambios de ritmo y su complejidad instrumental, la grandilocuente “Toccatta” es un asombroso ejercicio de experimentación tecnológica a cargo de los teclados de Keith Emerson, y la épica “Jerusalem” es una soberbia re-adaptación arreglada de manera tan notable como antológica, mientras en la jazzistica “Benny The Bouncer”, Carl Palmer muestra sus enormes habilidades en la batería. En el lado melancólico y pausado se encuentra la accesible y acústica “Still...You Turn Me On”, uno de los pocos remansos de paz y sosiego de este álbum agresivo y contundente.
Con esta obra ELP subieron definitivamente al Olimpo de los Dioses del progresivo, una obra catalogada como una de las mayores aportaciones al genero, que se auparía entre los mejores y mas vendidos discos en las listas de éxitos a ambos lados del Atlántico y que ha sido constantemente reeditado desde entonces con una gran aceptación por la comunidad progresiva y los seguidores al rock en general.
