El estilo del Atfer All es básicamente un jazz rock con toques progresivos, mezclando una amplia variedad de sonidos; rock, pop, blues, heavy psicodélico y sonidos latinos. El álbum contiene muy buenos momentos, un tanto arriesgados por la ambiciosa mezcla que imprimen a su música, logrando con todo ello el típico sonido post psicodélico de la época, y que por momentos dan paso a sonidos mas progresivos. Esa variedad y eclecticismo están presentes en la funk "Let It Fly", las jazzisticas "Blues Satin" y "Nothing Left To Do" y la progresiva "Intangible She". Otro dato destacado es la soberbia producción de este Lp, con una gran calidad de sonido, el cual no ha necesitado ser remasterizado en las ediciones posteriores en CD.
Algunas de estas bandas sonoras fueron un éxito tan rotundo que llegaron a vender millones de copias, ya solo dos de ellas, "Grease" y "Saturday Night Fever" superan los cincuenta millones. Pero además de esto la RSO tenia los derechos sobre algunos de los mejores y mas exitosos artistas de la década, entre otros estaban Eric Clapton o The Bee Gees, por lo que casi a finales de la década, este sello estaba entre los de mayor éxito financiero en el negocio musical. Sin embargo Stigwood era un magnate muy ambicioso y visionario y a mediados de 1977 quiso llevar al cine el legendario álbum de The Beatles "Sgt Peppers Lonely Hearts Club Band", adaptándolo libremente al musical que algunos años antes se había estrenado en los teatros de Broadway como "Sgt Peppers Lonely Hearts Club Band On The Road”.
Con un guion readaptado a modo de opera rock en tono acaramelado, mezclaba canciones de varios álbumes de The Beatles, además del mencionado "Sgt Peppers…" también aparecían canciones de "Abbey Road", incluso para lograr una cierta similitud, fue mucho mas lejos, logrando que el productor de The Beatles, George Martin y el ingeniero de sonido de esos míticos álbumes participaran como productores en la película. Dirigida por Michael Schultz fue estrenada el 21 de julio 1978 y en ella aparecen una multitud de artistas y actores famosos, Steve Martin, Paul Nicholas, George Burns, Aerosmith, Peter Frampton, Billy Preston, Alice Cooper o The Bee Gees, además de las apariciones fugaces de John Mayall, Elvin Bishop, George Benson, Rick Derringer, Dr.John, Jack Bruce, Curtis Mayfield y así hasta casi el centenar de grandes de la escena rock y pop de la época. Como gancho comercial Robert Stigwood aprovecharía los momentos de gloria que vivian en aquellos momentos Peter Frampton con su aplastante éxito "Comes Alive" y The Bee Gees con “Saturday Night Fever".
Sin entrar en la sinopsis de la película, la cual recibiría aplastantes criticas por la prensa de medio mundo, en lo estrictamente musical, sin llegar a lo extraordinario, si tuvo momentos de gran lucidez por parte de algunos de los músicos que intervinieron. Entre ellos estaban las versiones del tema "Come Together", por Aerosmith, "Got To Get You Into My Life" por Earth Wind and Fire", "Get Back" por Billy Preston, o casi todas las interpretadas por Peter Frampton y The Bee Gees. Sin embargo también aparecen algunas versiones ciertamente funestas como las interpretadas por Steve Martin, con una lúgubre "Maxwell´s Silver Hammer" para llorar, Sandy Farina con una versión medio verbenera de "Strawberry Fields Forever", la estrambótica “Because” por Alice Cooper junto a The Bee Gees o la excéntrica "Fixing A Hole" por George Burns.
El doble álbum fue lanzado una semana antes de que se estrenara oficialmente la película en los Estados Unidos, lo que serviría para que lograra el disco de platino por sus ventas anticipadas, antes de que el publico pudiera ver con sus propios ojos la esperpéntica película, que comercialmente fue todo lo contrario, un rotundo fracaso, básicamente por el bizarro guion, la participación grotesca de algunos actores que no estaban a la altura y una puesta en escena absurda, cómica y surrealista.
A partir de aquí, las carreras, fundamentalmente de Peter Frampton y The Bee Gees disminuyeron enormemente, o por lo menos durante algún tiempo, a causa de esta rotunda y pésima obra cinematográfica, que sin embargo se ha convertido en una película y un álbum de culto, que para bien o para mal ha pasado a la historia dentro de las excentricidades de la música rock.
Mientras Captain Beyond enfocaría su estilo hacia los sonidos progresivos, Warhorse continuaría un estilo hard rock con similitudes a Deep Purple.
Para fundar Warhorse, Nick Simper se unió al cantante Ashley Holt, al guitarrista Ged Peck, al teclista Frank Wilson y al batería Mac Poole. En 1970 Warhorse publican bajo el sello Vertigo su álbum homónimo, un excelente disco de hard rock impulsado por los sonidos del órgano Hammond de Wilson, los poderosos riffs de guitarra de Peck y la voz chillona de Holt, con un estilo que se asemejaba bastante a Vanilla Fudge pero sin dejar de lado el sonido Purple. Pronto son tachados de poca originalidad y de no intentar crear un sonido propio, y navegar con unas influencias de los Purple demasiado obvias. Aún así este primer álbum contiene momentos sobresalientes como la inicial y dinámica “Vulture Blood", la épica "No Chance", la poderosa "Burning", la heavy "Ritual" o las hard rock progresivas "Solitude" y "Woman Of The Devil". Dos años después llegaría el segundo y ultimo álbum de Warhorse "Red Sea", un disco menos equilibrado aunque con temas muy destacables como la soberbia heavy prog "Back in Time", la progresiva "Mouthpiece" o la hard rock "Red Sea". Algún tiempo después Warhorse desaparecerían por su escaso éxito y reconocimiento, un injusto final para un grupo que ciertamente tenia las habilidades y el talento para hacer grandes cosas, pero sus continuas comparaciones con una banda tan icónica como Deep Purple, les paso factura para terminar cayendo en el mayor de los olvidos.
Por regla general las bandas alemanas utilizaban el ingles y algunas de ellas incluso tenían sus propios vocalistas británicos, Epitaph era una de ellas, con el cantante y guitarrista Cliff Jackson. Epitaph se fundo en Dortmund a finales de los sesenta y además de Jackson estaba formada por el bajo Bern Kolbe y el batería Jim McGillivray. En 1971 este power trio empezaría a grabar material destinado a su primer álbum en Essex, Inglaterra, pero por razones desconocidas terminaron el álbum en los estudios Windrose de Hamburgo, en donde para la grabación final se uniría el guitarrista Klaus Walz.
Finalmente fue lanzado bajo el sello Polydor casi a finales de 1971, titulado homónimamente, este primer álbum contaba con cinco temas con un sonido heavy prog similar a las bandas británicas y en particular a Uriah Heep, sobresaliendo algunas piezas soberbias como las hard rock "Moving To The Country" y "London Town Girl", heavy rock progresivos "Hopelessy" o "Little Maggie" o ejercicios de rock psicodélico como la extensa "Early Morning".
En 1972 Epitaph grabaría su segundo LP "Stop, Look And Listen", en Berlín con un estilo estilísticamente muy parecido al primer álbum. Con estos dos prometedores trabajos la banda tenia por delante un futuro brillante por lo que la compañía norteamericana Billingsgate los contrata invirtiendo mucho tiempo y dinero en la grabación de un tercer álbum "Outside The Law" (1974). En este nuevo disco, el sonido era mucho mas pulcro, abandonando el estilo progresivo por un hard rock mas duro y directo. Después de una extensa y costosa gira por todos los Estados Unidos promocionando este ultimo álbum, el sello Billingsgate se declaro en bancarrota y la banda se vio obligada a disolverse en 1975 principalmente para no asumir las deudas de su compañía discográfica.
Ya en 1976 la banda reaparecería grabando una serie de álbumes enfocados al hard rock y el heavy metal y girando continuamente por Europa con mucha credibilidad y un moderado éxito que los mantiene como una de las mas respetadas bandas germanas del hard rock de principios de los 70.
Farm fueron una banda de blues rock sureño de finales de la década de los 60.Originarios del estado norteamericano de Illinois, su bagaje discográfico fue de un solo álbum, el cual para colmo fue de tirada muy reducida limitada solo a 500 copias. Su formación estaba compuesta por el guitarrista Del Helbert, el batería Mike Young, el bajista Jim Elwyn, y el cantante y guitarrista Gary Gordon que con la ayuda del percusionista Steve Evanchik grabaron una maqueta en los estudios Golden Voice en la ciudad de South Perkin y que finalmente se convertiría en un álbum titulado homónimamente lanzado en 1971. En este disco Farm muestran sus deudas con el rock sureño, el acid rock, el blues y el boogie rock. Con un repertorio basado en temas propios y versiones como la instrumental blues con grandes partes de guitarras "Jungle Song", la blues rock "Cottonfield Woman", la boogie rock “Let The Boy Boogie", o la versión de The Allman Brothers "Stateboro Blues". En definitiva un gran álbum olvidado y oscuro, con grandes sonidos de guitarras afiladas, unos ritmos muy sólidos, hábiles intermedios y un predominante sonido de órgano que cubre con capas sonoras los desarrollos de las cinco piezas de este estupendo trabajo de blues de los estados sureños norteamericanos.
Player fue fundada en Los Ángeles en 1976 por el bajista Ronn Moss quien ya tenia una amplia experiencia en la escena musical de la ciudad californiana, el resto estaba compuesto por el guitarrista británico Peter Beckett, el teclista y guitarra J.C. Crowley y el batería John Friesen. Durante algún tiempo se dedican a realizar conciertos como teloneros de Gino Vanelli, ganando una gran reputación en el circuito del rock californiano, ya por entonces interpretaban lo que algún tiempo después seria su gran éxito "Baby Come Back". Además de sus conciertos, la banda se dedico a componer temas enfocados hacia la grabación de un Lp, predominando un rock suave y elegante con gran importancia a las voces melódicas, unas guitarras con claro acento rock y pasajes de sintetizador y teclados. Para esto ultimo obtienen la ayuda del teclista Wayne Cook, que pasa a formar parte de la banda aunque no de manera oficial. Con el suficiente material compuesto, empiezan a buscar una discográfica quien les produzca un álbum. Finalmente seria la RSO quien les financia la publicación de su primer disco, que saldría al mercado el 1 de septiembre de 1977. Casi al mismo tiempo que su publicación y gracias al tema "Baby Come Back", la banda obtiene un éxito rotundo, llegando al numero uno de las listas del Billboard, permaneciendo en ese lugar la friolera de 32 semanas consecutivas. Pero este primer disco no solo se centraba en las excelencias de "Baby Come Back", el resto es una irresistible colección de melodías nada pretenciosas de elegantísimo rock con pinceladas pop de gran nivel como queda reflejado en las encantadoras "Come On Out", "Goodbye (That´s All I Ever Heard)", "Every Wich Way" o "Love Is Where You Find It", la atrayente rock "Cancellation", la funky "Movin´Up" o la sublime balada "Tryin To Write A Hit Song", conformando todas ellas uno de los mejores debut que se recuerdan. Un año después Player publicaría su segundo álbum "Danger Zone", con algunas de las mismas características de su debut, aunque imprimiendo un sonido mas agresivo que sin obtener el mismo éxito, alcanzarían el disco de oro por sus ventas y varios sencillos de impacto como "Prisoner Of Your Love" o "Silver Lining".
Después de un primer y incoherente álbum en donde las melodías pop eran el denominador común, en esta nueva obra, Genesis ampliaron sus horizontes hacia unos sonidos mas dinámicos y progresivos, con desarrollos instrumentales y dramáticos. Para este álbum la banda estaba compuesta por Peter Gabriel a la voz y diferentes instrumentos como la flauta o el acordeón, Tony Banks, teclados, guitarras y voces, Anthony Phillips, guitarras, Mike Rutherford guitarras acústicas, bajo, violoncelo y voces y John Mayhew batería. Grabado en los estudios Trident de Londres entre los meses de junio y julio de 1970 fue publicado a finales de octubre de ese mismo año. Ya empezando por la idílica portada del álbum la cual nos adentran en unos surcos sinfónicos desde el primer tema hasta el ultimo. Con un comienzo tan delicioso como “Looking For Someone”, con ese desarrollo precioso de guitarras y órgano, a la que siguen una serie de extraordinarias composiciones como la bellísima “White Mountain”, la preciosista “Visions Of Angels”, la bucólica “Stagnation” o la delicada “Dusk”, para terminar con la poderosa rock “The Knife”, que completaban la primera gran obra maestra de Genesis, la antesala de obras extraordinarias y emblemáticas que aún estaban por llegar como “Nursery Crime”, “Foxtrot” o “Selling England By The Pound”.
Después de varios cambios de formación, fichan por el sello Vertigo y entraron en los estudios Trident de Londres para grabar su primer álbum en 1971. En este debut homónimo la banda estaba formada además de Hooper y Jackson por los nuevos miembros Colin Williams como guitarrista y Malcolm Harker como bajista. Este debut esta cargado de muchos sonidos rítmicos y grandes pasajes musicales con un énfasis en los teclados y guitarras, con cierta atmósfera oscura sobresaliendo la inicial "God Is The Dog", una estupenda composición que resalta la profunda voz de Bon Jackson y los sonidos de órgano, mientras los pasajes progresivos como las soberbias "From The Film Of The Same Name", "Black Sunshine" o "Half Changed Again", no desmerecen a ninguna de las bandas punteras de la época. El resto del álbum es de una calidad excepcional logrando momentos sublimes de gran rock sinfónico. La escasa repercusión comercial posterior deriva en la disolución de la banda, dedicando la carrera posterior de cada miembro a diferentes proyectos por separado o concentrarse en otras cuestiones profesionales alejadas del mundo de la música.
Posteriormente la banda empieza a tener problemas con la prensa por no concederles entrevistas o intentar censurar las crónicas de sus shows, por lo que se granjean muchos problemas con incluso campañas en contra de la banda con el eslogan "Knuke The Knack" (derribad a The Knack"). Este hecho junto al tremendo impacto comercial de su primer álbum fragua el éxito su segundo trabajo "…But The Little Girls Understand" (1980), que pese a ser un digno sucesor de su predecesor, no cumplió sus mismas expectativas, mientras tanto la prensa arremetía contra ellos acusándoles de banda prefabricada, mediocre y de poca credibilidad.
Un ultimo álbum “Round Trip” (1981), seria la antesala de la disolución de The Knack, hasta que años después volverían a reanudar la carrera del grupo con una serie de discos que apenas tuvieron repercusión mediática mas allá de sus incondicionales fans.
Ya desde muy joven en los años 50, graba sus primeros discos en donde muestra sus influencias mas notorias que iban desde Charlie Haden hasta Django Reinhardt, pasando por uno de sus ídolos como era West Montgomery. A principios de los 60 grabaría uno de sus mas notables álbumes, esta vez enfocado hacia el blues, en donde se hace acompañar por el saxofonista Stanley Turrentine, el percusionista Ray Barretto, el contrabajista Major Holley y el batería Bill English. El álbum titulado "Midnight Blues", publicado bajo el sello Blue Note, es un exquisito paseo por los sonidos relajados del blues y jazz con una deslumbrante técnica por parte del propio Burrell con las seis cuerdas y del resto de los componentes de la banda en especial el saxofón de Turrentine. Temas lujuriosos como "Chitlins con Carne", el placentero "Mule", la melancólica "Soul Lament" o la entusiasta "Midnight Blue", demuestran el impecable dominio de Burrell con la guitarra, en un disco tan magistral como indispensable en la historia del jazz.
En 1973 The Temptations publicaron su décimo sexto álbum "Masterpiece", uno de sus últimos grandes éxitos grabado para la Motown y en el que se incluía la musculosa canción del mismo título de 14 minutos de duración, que lograría un aplastante éxito en las listas de US Billboard Pop y US Billboard R&B.
Para este álbum la banda contaría con la producción de Norman Whitfiel, uno de los pilares del sello de Detroit y considerado el padre del sonido Motown. Fruto del trabajo entre este productor y The Temptations, este disco logra estar a la altura de las mejores obras del soul y el funk psicodélico, empezando por el petulante titulo y la pretenciosa portada del disco con los rostros de los integrantes perfectamente alineados y petrificados, todo ello ya intuía lo que el productor quería demostrar con esta magna obra. "Masterpiece" es sin duda una obra maestra del soul psicodélico progresivo, con arreglos casi obsesivos, en donde sobresalen la poderosa sección rítmica con un sinuoso bajo, baterías contundentes adornado con instrumentos de vientos, cuerda, y unas sugestivas voces. La épica “Masterpiece”, un ejercicio de funk y soul progresivo con sonidos psicodélicos de guitarras, la soul con desarrollos complejos “Ma”, la funky bailable “Law Of The Land”, la funk “Plastic Man” o la atmosférica “Hurry Tomorrow”, componen un álbum sensacional realizado por una de las mejores bandas de soul de todos los tiempos.
En "Moon" Ray Owen presentaba un rock psicodélico con influencias de blues y funk, repleto de grandes riffs en algunos momentos muy saturados producto del sonido de los tres guitarristas (Owen, Gardner y McLean). En la funk rock "Talk To Me", aúna todo lo mencionado con un ritmo de bajo funk, en contrapunto la hipnótica y atmosférica "Don´t Matter" pone la nota pausada al frenético ritmo del álbum que retoma con la poderosa funk “Ouiji", o la hard rock con tintes psicodélicos "Hey Sweety", para acabar con la acida versión del tema de Jimi Hendrix "Voodoo Chile", uno de los momentos cumbres de un trabajo que fue considerado por la prestigiosa revista Classic Rock, una joya perdida del rock.
Con esta ultima Russ Ballard estaría desde 1969 hasta 1974, año el cual decide continuar por su cuenta, además de colaborar con otros artistas. Así ya en 1975 llegaría su primer disco en solitario “Russ Ballard”, al que seguirán otros con relativa frecuencia como “Winning” (1976) o “Russ Ballard & The Barnet Dogs” (1980). Sin embargo en donde realmente destaca es en una serie de temas que compone para artistas de la talla de Santana con el tema “Winning”, Rainbow con los hits “Since You´ve Been Good” y “I Surrender”, America con “You Can Do Magic” o el tremendo himno del heavy metal de los 80 “On The Rebound” de Uriah Heep. Ya en 1984 con su álbum "Russ Ballard-1984" (1984), logra un éxito significativo con su tema “Voices”, un trabajo repleto de rock adictivo y melódico. Su siguiente obra “The Fire Still Burns”, consolida finalmente su carrera con un repertorio de AOR adictivo con grandes estribillos, melodías pegadizas, ritmos contagiosos y unas composiciones soberbias con destacadas piezas como “Once A Rebel”, “Hey Bernadette”, “Your Time Is Gonna Come” o la irresistible y melódica “The Fire Still Burns”.
Este proyecto solo publico dos álbumes en los apenas tres años que estuvieron juntos, ambos de gran calidad, pero fue sin duda el álbum debut “Bad English” (1989), su mejor obra con un inicio deslumbrante gracias a la espectacular “Best Of What I Got”, a la que siguen las irresistibles “Heaven is a 4 Letter Word”, “Price Of Love”, “Ready When You Are”, “When I See You Smile” o “The Ghost In Your Heart”. Con este álbum Bad English dejaron claro el talento de estos cinco músicos y si bien es cierto que a esas alturas de la película no iban a sorprender al mundo con algo que ya no estuviera inventado, si fue un soplo de aire fresco al de por si, algo manido y en parte saturado genero del AOR que no pasaba por su mejor momento, por culpa entre otros motivos del auge de grunge o el resurgimiento del hard progresivo de finales de los ochenta y principios de los noventa.
Para este nuevo álbum Al Stewart junto a Alan Parsons contaría con una de sus piezas fundamentales en los arreglos pomposos de The Alan Parsons Project como es Andrew Powell, además de algunos de los colaboradores habituales de dicho proyecto; Stuart Elliott, Tim Renwick o Phil Kenzie, por otro lado estaban también los “escoltas” frecuentes de Stewart, Peter White y Peter Wood entre otros músicos que conformaban un impresionante elenco de reconocidos instrumentistas.
Todo ello se vería reflejado en un disco repleto de riqueza instrumental, con un rock melódico impregnado de folk, en los cuales tenían cabida elementos del pop y sonidos jazzisticos, mezclados con retazos de sinfonismo. “Time Passages” es un álbum que ya desde la hipnótica portada creada por Hipgnosis nos deja un sabor misterioso a la vez que relajante y que comienza con la canción del mismo titulo del álbum, adictiva y irresistible de cierto carácter melancólico, a la que siguen la alegre “Valentine Way”, la espacial “Life In Dark Water”, la country folk “Almost Lucy”, la sinfónica y épica “The Palace of Versailles”, la melódica “Song On The Radio” o la encantadora “End Of The Day”.
"Four Moments" obtuvo un gran éxito, y el tema "Rosanna", ganó un premio al mejor sencillo instrumental. "Windchase" su siguiente disco fue lanzado en 1976, y ambos álbumes son considerados por los críticos como clásicos del rock progresivo, destacando principalmente el ámbito del genero sinfónico australiano.
Poco después del lanzamiento del segundo álbum, la banda se separó. Millo y Pilt adoptaron el nombre de Windchase y lanzaron un álbum. "Symphinity" en 1977, el cual se mantuvo cerca del sonido de Sebastian Hardie, pero que no encontró el mismo éxito y ni el reconocimiento que el de su banda madre.
El resultado de este "improvisado" directo es básicamente un repertorio de temas jazz-funk con bastante electrónica, con destellos del talento de los cuatro músicos y que debido a la variedad y espontaneidad resulto un proyecto muy superior a los trabajos individuales de cada músico en aquella época. Entre lo mas destacado esta la inicial "Anteres", con un trabajo soberbio de Scott al saxofón, la melódica jazz fusión "Shadows", la vigorosa jazz funk rock "Some Punk Funk" o "On A Magic Carpet Ride", un ejercicio de jazz rock abierto a las excelencias de cada miembro del grupo. "Alivemutherforya" fue muy bien recibido por los críticos e incluso se vendería razonablemente bien, pero por debajo de las expectativas de la CBS Columbia, que nunca atribuyo este álbum a la discográfica oficial de Billy Cobham, lo que originaria después de la publicación de un álbum mas, la rescisión del contrato por ambas partes.
Tanto en este debut como el siguiente "Birds" (1975), ofrecen un rock sinfónico emocionante muy suntuoso, impulsado por la amplia gama de teclados de Rick (Hammond B3, sintetizadores ARP o Mellotrón), con un estilo principalmente instrumental, en donde los mencionados sonidos de Mellotrón y Hammond suenan majestuosos, apoyado por una sección rítmica poderosa. Una muestra del potencial de esta banda esta en la épica "King-Bird", tema perteneciente a su segundo álbum, un ejercicio progresivo de deslumbrantes ejecuciones de teclados, cambios de ritmos, guitarras eléctricas y una interacción dinámica. "The White Ladies", el tercer y ultimo disco aparecido un año después, evidencio la falta de ideas, pese a concebirse como un álbum conceptual, fue un discreto trabajo continuista sin las excelencias de sus predecesores, que terminaría prematuramente con la aventura de esta formidable banda holandesa.
El lugar elegido para estos conciertos fue el ya por entonces legendario núcleo del movimiento musical californiano, el Fillmore West de San Francisco. Con solo varios días de ensayo, ambos músicos junto con la colaboración del batería Skip Prokop y el bajista John Khan ofrecieron unos conciertos plagados de soberbias interpretaciones de clásicos del blues y del rock, que alternaron con composiciones propias. Durante estos conciertos ocurrió uno de los momentos mas curiosos, a Bloomfield le daría por coger el micrófono y debutar como cantante, nunca antes el mítico guitarrista había tomado ese rol en su ya por entonces dilatada carrera. Sin embargo para la tercera noche Bloomfield faltaría a la cita por estar varias noches de fiesta sin dormir, por lo que Al Kooper tuvo que improvisar reemplazando al guitarrista por unos jovencitos músicos que ya por aquellos días estaban empezando a destacar en el mundo de la música. Esos dos jóvenes eran Carlos Santana y Elvis Bishop (este ultimo, compañero de Bloomfield en la Paul Butterfield Blues Band). El resultado de todo ello fue el poderoso testimonio de la formidable química entre estas leyendas del rock, comenzando por el clásico de Bob Dylan “Highway 61 Revisited”, siguiendo con una gran variedad de melodías incluyendo el tema de Kooper y Bloomfield “Her Holy Modal Highness”, y un repertorio de versiones como “The 59th Street Bridge Song (Feelin´Groovy)” de Paul Simon, el clásico de Elvis Presley “That´s All Right”, “The Weight” de The Band, “Green Onions” de Booker T. y los MG´s o “Don´t Throw Love on Me So Strong” de Albert King.
Estos conciertos fueron tan aclamados e importantes que tuvieron que repetir las actuaciones en un intenso tour por diferentes ciudades de Norteamérica, concluyendo la gira en el otro recinto emblemático de la época, el Fillmore East de Nueva York los días 12 y 13 de diciembre del mismo año. Para estos últimos dos conciertos contaron además con la participación de Johnny Winter en el tema de B.B.King “It´s My Own Fault”, que lo interpreto a dúo con Mike Bloomfield y que muchos años después se recuperarían cuando se encontraron las cintas originales publicándolas como “The Lost Concert Tapes”. A partir de aquí la carrera de ambos es bien conocida por todos, Al Kooper seguirá como productor y músico colaborador para grandes como The Who, The Rolling Stones, Jimi Hendrix, Blood, Sweat and Tears, Bob Diddley, The Tubes, Roger McGuinn o Neil Diamond entre otros muchos, además de ser el responsable de descubrir a los legendarios Lynyrd Skynyrd. Por su parte Mike Bloomfield seguirá con una carrera fructífera, hasta su fallecimiento en 1981 aportando su magia con las seis cuerdas en álbumes propios y ajenos, colaborando en discos de Janis Joplin o Muddy Waters, o publicando los meritorios “If You Love These Blues, Play ´Em As You Please” (1976) o “Between A Hard Place and the Ground” (1979), dejando su legado a la leyenda que lo ha convertido en uno de los grandes guitarristas de la historia del rock.
Ya en
1973, en el citado Festival de Schaffler se logra reunir a los miembros originales de la banda menos el cantante
Flanders. En una actuación memorable e histórica, la banda interpreto un
excelente repertorio de blues, rock y country, como la versiones de los
clásicos del blues “Louisiana Blues” de Muddy Waters y
“Caress Me Baby” de Jimmy Reed, las country “Steves Song” y “Fly Away”, la folk
melódica “Catch The Wind”, la jam blues “Wake Me, Shake Me” o el
soberbio e hipnótico blues “Two Trains Running”.
Finalmente en el otoño de 1977 el LP “Rinding On A Tear” fue lanzado por Jupiter y distribuido por BMG Ariola a nivel nacional. Se estima que eventualmente las ventas subieron a 5000 copias, una asombrosa cifra para un grupo desconocido y con apenas promoción por parte de la discográfica. Este primer y único álbum contiene un sonido sinfónico absolutamente impresionante, un trabajo soberbio por parte de una banda consumada plenamente. Desde las melodías bien desarrolladas, hasta las ricas interacciones de órgano, bajo y solidas voces con un ingles correcto. El excelente desarrollo instrumental que Zomby Woof ofrece en este álbum los asemeja entre los sonidos sinfónicos de Nektar y el hard rock progresivo de Eloy. “Rinding On A Tear” esta considerado por muchos críticos como uno de los mejores trabajos del rock sinfónico alemán.
Poco surgió de las cenizas de otra de las legendarias bandas norteamericanas como fueron Buffalo Springfield, ya que dos de sus componentes; Richie Furay y Jim Messina con el añadido del batería George Grantham, el bajista Randy Meisner y el guitarrista Rusty Young fundaron esta banda en 1968. Una constante de Poco seria los continuos cambios de formación, Meisner abandonaría la banda antes de lanzar el primer álbum, “Pickin´Up The Pieces" en 1969 mientras Messina haría lo mismo después de grabar el disco en vivo “Deliverin” en 1970. Posteriormente Meisner ingresaría en The Eagles y Messina haría lo propio en el dúo Loggins and Messina. Sus puestos serian ocupados por el bajista Timothy B.Schmit (curiosamente B.Schmit sustituiría a Meisner en The Eagles años después) y el guitarrista Paul Cotton.
En 1972 Poco publicarían su quinto álbum “Crazy Eyes” y aunque ya el disco “Deliverin” fue el que había consagrado definitivamente a Poco, este “Crazy Eyes” seria su espaldarazo definitivo con un maravilloso trabajo que contiene todos los elementos imprescindibles para permanecer en el tiempo. Una obra repleta de canciones memorables y gloriosas, ocho cortes que se convirtieron en clásicos absolutos del grupo en donde la banda coquetea con diferentes matices musicales.
Desde el country “Blue Water”, hasta la instrumental “Fool´s Good”, pasando por “A Right Along”, un esplendido rock directo, mientras la country rock “Let´s Dance Tonight”, es la antesala de lo que The Eagles harían algún tiempo después, que junto a las restantes “Brass Buttons” y “Magnolia”, conforman un disco perfecto y tremendamente adictivo y toda una obra maestra del country rock.
Tras haber pertenecido a algunas de las mas importantes bandas del jazz rock y fusión, además de otros proyectos entre las que se encuentran la banda de Frank Zappa, Group 87 con Mark Isham o Missing Persons con Terry Bozzio, Patrick O'Hearn, combinó esa faceta, como músico de sesión, especialmente en el mundo del jazz antes de comenzar una brillante carrera en solitario. Sus colaboraciones en el mundo del jazz le llevaría a tocar el bajo con algunos de los grandes del genero como Joe Pass, Eddie Henderson, Dexter Gordon, Charles Lloyd o Joe Henderson.
A mediados de los ochenta firma por el sello Private, con el cual comenzaría a publicar diferentes trabajos en donde demostró ser un músico que creaba grandes atmósferas y ritmos precisos en contrapartida a la improvisación jazzística que que ya tenia tras de si con su dilatada experiencia y con la que había crecido profesionalmente.
Tras publicar su primer disco "Ancient Dreams", de ambientes oscuros y ritmos alegres, lanzo "Between Two Worlds", una obra que era más completa que su antecesor, hasta que en 1988 publicó su mejor álbum, el inmenso "Rivers Gonna Rise".
En “Rivers Gonna Rise”, O´Hearn fusiona las percusiones electrónicas y acústicas con los teclados y un énfasis en el bajo eléctrico, que junto a la ayuda de miembros de sus ex bandas como Terry Bozzio, Mark Isham, Peter Maunu y Warren Cucurullo, crea una experiencia inolvidable de ricos matices sonoros gracias a su frescura y homogeneidad con un disco clásico en el género de la nueva era.
Una obra que contiene memorables melodías como la contagiosa “Homeward Bound”, la soberbia “April Fool”, utilizada hasta la saciedad en las sintonías televisivas o las emisoras de radio, y que junto con las destacadísimas “The Stroll”, “Acadia” o “Forgivness”, completaban uno de los mas fantásticos y exitosos discos de la new age de los ochenta.
Mientras Sebastian Hardie practicaban un estilo mas enfocado hacia los sonidos mas melódicos del rock progresivo con muchos pasajes orquestados y clásicos, Windchase por su parte tomo prestados sonidos mas preciosistas con melodías líricas, un gran énfasis musical, guitarras y teclados bucólicos, mezcla de secuencias cantadas e instrumentales y unas letras mas alegres y despreocupadas.
El único álbum de Windchase fue publicado en 1977, en donde las influencias del guitarrista Mario Millo son mucho mas diversas, con ecos del jazz rock de Steve Morse, el sonido arabesco de Carlos Santana y el clasicismo de Steve Howe, mientras el teclista amplia igualmente sus horizontes con mucho mas protagonismo con el órgano Hammond. “Horseman to Symphinity”, es un ejercicio progresivo de cerca de nueve minutos con una gran interacción entre los solos de guitarras y el respaldo de los sonidos de órgano y una voces que recuerdan por momentos los timbres de John Wetton.
En “No Scruples”, el ritmo frenético se adueña con solos de sintetizador y riffs contundentes, la funk y contagiosa “Lamb´s Fry”, se acerca al jazz progresivo, mientras “Flight Call”, es un ejercicio de pop sinfónico exuberante muy refinado.
