lunes, 30 de noviembre de 2020

Bill Bruford-One Of A Kind (1979)

El historial de Bill Bruford en la década de 1970 fue impresionante; bateria de los míticos Yes, King Crimson y U.K., tocando en una decena de discos, además de haber participado en albumes de Rick Wakeman, Steve Howe, Chris Squire, Roy Harper o Albsolute Elsewhere entre otros.
Nacido en 1947 en Kent al sureste de Inglaterra, sus orígenes en el mundo de la música se remontan a principios de los sesenta cuando influenciado por los grandes baterías del jazz como Art Blakey o Max Roach, decidio dedicarse profesionalmente al mundo del jazz y el rock, siendo incluso instruido para ampliar sus conocimientos y sus dotes instrumentales por el percusionista Lou Pocock, miembro de la Royal Philarmonica de Londres.
Su primera banda fue un cuarteto de jazz llamado The Breed con los que estuvo tocando en diferentes clubs de jazz de 1966 a 1967. Un año después pasaría a engrosar la primera formación de Yes con los que grabaría los albumes “Yes” (1969), “Time and Word” (1970), “The Yes Album” (1971), “Fragile” (1971) y “Close to the Edge” (1972), ademas de aparecer en el triple album en directo “Yessongs” (1973). Justo despues del mencionado “Close to the Edge” recibe la llamada de Robert Fripp para unirse a los King Crimson con los que grabaría cuatro albumes hasta 1975; “Lark´s Tongues in Aspic” (1973), “Starless and Bible Black” (1974), “Red” (1974) y “USA” (1975), reiniciando su aventura con los King Crimson años después con una serie de discos en la década de los ochenta y noventa, al igual que haría con Yes.
Aun así tuvo tiempo de publicar varios discos en solitario, "One Of A Kind" editado en 1979 fue su segundo trabajo donde contó con las colaboraciones de Allan Holdsworth a la guitarra, Dave Stewart a los teclados y Jeff Berlin al bajo.
El talento de todos estos músicos, las melodías variables y los solos de teclado de Dave Stewart, junto con la sensacional guitarra de Holdsworth bien apoyada por la sección rítmica de Bruford y Berlin conforman una colección de piezas progresivas aderezadas con mucha experimentación jazzística, con un resultado magnífico entre el jazz rock y rock progresivo.

Amon Düül II-Yeti (1970)

Originados a partir de la comuna hippie alemana llamada Amon Düül, ellos profesaban las protestas políticas, la música y las artes plásticas. De esta especie de “organizacion” pacifica surgieron dos de las bandas germinales del krautrock, Amon Düül y Amon Düül II, siendo la segunda la que mas creatividad tuvo, llamando desde un primer momento la atención del publico y la prensa de su país, gracias al gran derroche musical que exponían.
Yeti, fue el segundo álbum de Amon Düül II y probablemente su mejor trabajo, un disco donde predominan los temas largos y la improvisación, con ello Amon Düül cumple así una de las características de esta etapa temprana del rock alemán. En parte esta tendencia a la improvisación era como una forma de 'atacar' al establishment musical anglosajón. Sin embargo en álbumes posteriores abandonarían por completo esta tendencia. El misticismo predomina sobre todo, en sus dos primeros álbumes: Phallus Dei y Yeti. Este último es un trabajo imprescindible para todos los amantes del rock progresivo. Música complicada, temas místicos (aunque alejado del estilo de Popol Vuh) y bastante oscuros en sus letras y en su música que se combinan para dar lugar a este “Yeti”, considerado una obra maestra del krautrock.
“Yeti” supone la lógica progresión natural de su debut “Phallus Dei”, mejorando musicalmente sus estructuras, concebido como un doble album, el primer disco estaba basado en canciones simples mientras que el segundo contenía improvisados temas, todo ello envuelto en una especie de concepto. Algunos de los temas aparecidos aquí se convirtieron en elementos básicos en sus conciertos en los próximos años, con una amalgama fusión de blues, rock acido, opera, raga, música psicodélica y folk, todo ello aderezado con un toque humorístico casi medieval.

Little Feat-Sailin´ Shoes (1972)

Originarios de Burbank en California, Little Feat ha sido una de las más grandes bandas de rock norteamericanas de los setenta por su técnica, inventiva, vitalidad, inspiración y sonoridad. Su secreto residía en el surrealismo bizarro, a veces desgarrado, de sus letras, irónicas y con gusto por el sinsentido, y en su sonido, una síntesis particular.
Liderado por Lowell George, un personaje de gran carisma que comenzó su carrera en Los Ángeles tocando para varios grupos, entre ellos Standells y Factory, para posteriormente pasar a formar parte de Mothers of Invention de Frank Zappa.
Tras dejar la banda de Frank Zappa y junto al bajista de la misma banda, Roy Estrada fundaría Little Feat, además del baterista Richard Hayward y el pianista Bill Payne.
El grupo actuaría durante algún tiempo en Los Ángeles y Houston, atrayendo rápidamente la atención del público, en parte gracias a la gran reputación de Lowell George.
La música de Little Feat es densa y cuidada, una síntesis original de blues, boogie, country, gospel, rhythm and blues de Nueva Orleans y Memphis y ecos del rock californiano.
Su consagración definitiva vendría con su segundo disco "Sailin´Shoes", un magnífico disco que contiene el angustiado "Trouble", el boogie-country "Tripe Face Boogie", el country blues "A Apocalitical Blues" y "Willin´" una de las clásicas folk del grupo. Este álbum elogiado con entusiasmo por la prensa especializada y especialmente por la revista Rolling Stone, cuenta con la colaboración del estudio gráfico Neon Park, que ilustraría todas sus portadas con una extravagante imaginación popular.

Armageddon-Armageddon (1975)

La carrera de Keith Relf fue cuanto menos fascinante, el fundador de The Yardbirds compartió momentos memorables en esta mítica banda junto a Eric Clapton, Jimmy Page y Jeff Beck, tres de los más grandes guitarristas de la historia, luego fundó la formidable banda Renaissance con la que haría dos magníficas obras de folk, blues y música con raíces americanas “Renaissance” (1969) y “Illusion” (1971). A mediados de los 70 formaría junto a varios ex miembros de la banda Steamhammer, Martin Pugh (guitarra) y Louis Cennamo (bajo) el grupo Armageddon. El baterista Bobby Caldwell completó la formación y gracias a Peter Frampton, amigo de Relf, consiguieron un contrato con A&M Records, con quien publicaron el álbum "Armageddon" a mediados de 1975.
Un disco donde Relf deja atrás su sonido americano para dedicarse de lleno a los sonidos primitivos del hard rock, basado en un estilo rítmico consistente y complejo y apoyado en el trabajo de las guitarras de Pugh, con sus tremendos riffs de heavy rock. Un album que fue grabado con las incógnitas de tener que competir con algunos de los mejores discos publicados en ese año y por lo que optaron por un sonido más sucio y menos pulido, más real y crudo que algunas de las joyas editadas en ese momento.
Aún así "Armageddon" contiene grandes momentos como el "Buzzard" inicial, donde Pugh muestra su gran habilidad en las seis cuerdas, o "Silver Tightrope" un excelente tema con aires psicodélicos o la zeppeliana "Last Stand Before".
Sin tiempo para promocionar el disco, Relf moriría electrocutado tocando la guitarra poco después, (12 de mayo de 1976), dejando el legado de su enorme trabajo con The Yardbirds, Renaissance y con este de Armageddon.

domingo, 29 de noviembre de 2020

Earth & Fire-Atlantis (1973)

A finales de los 60 y principios de los 70 Holanda fue la cuna de grandes bandas, algunas de ellas ya han tenido cabida en este blog (Focus, Ekseption, Shocking Blue o Golden Earring) pero aun nos quedan algunas cuantas mas que merecen ser comentadas. Una de ellas es Earth & Fire (no confundir con la banda norteamericana de funk, R&B y rock, Earth Wind & Fire). Esta banda fue formada a finales de los sesenta por los hermanos Chris y Gerard Koerts, guitarra y teclados respectivamente y la vocalista Jerney Kaagman originarios de la ciudad de Voorschoten al sur de Holanda.
Su mentor fue el componente de Golden Earring, Barry Hay, quien les ayudo a dar el salto definitivo en el mundo de la música. Sus primeros pasos discográficos fueron a base de una serie de singles exitosos en las listas holandesas. Estos sencillos fueron incluidos en su primer album "Earth and Fire" publicado en 1970, que se basaba en los elementos clásicos del rock psicodélico de la epoca, con buenos arreglos y grandes influencias del rock que se hacia en la costa oeste norteamericana como los Jefferson Airplane.
Sin embargo a partir de segundo album "Song Of The Marching Children" (1971), la banda incorpora elementos mas progresivos a su música como el uso intensivo del Mellotron y producto de ello su estilo se torna progresivo con sonidos de órganos y mellotrones secundados por sutiles acordes y grandes solos de guitarra.
De este segundo album destacan la crescendo progresiva "Storm and Thunder" con multitud de teclados, guitarras y con la preciosa voz de Kaagman, mientras la solemne suite "Song Of The Marching Children" es un prodigioso tema de 18 minutos con un desarrollo sublime.
En 1973 se publicaría su tercera obra titulada "Atlantis", un album que seguía el mismo patrón de su anterior trabajo, con temas conceptuales en donde el mellotron seguía teniendo el protagonismo principal como en la inicial suite "Atlantis", cerca de 17 minutos de soberbia música progresiva, o en la hipnótica "Fanfare” y en la magistral “Theme of Atlantis”.
En lo sucesivo la banda seguirá publicando trabajos hasta finales de la década de los ochenta pero con un sonido mas comercial alejados de la experimentación y el progresivo de enorme calidad de estos tres fantásticos albumes.

sábado, 28 de noviembre de 2020

Teaze-One Night Stands (1979)

En lo mas profundo de las estanterías de discos siempre se encontraban grupos que por alguna razón nadie les daba mucha importancia, mas concentrados en los discos de los Deep Purple, Led Zeppelin, Rush, Pink Floyd, Gong o cientos de artistas y grupos que las copaban, pero sin embargo de vez en cuando te daba por pillar uno de esos discos de grupos "raros", darles una oportunidad y…quedabas pasmado!. Teaze era una de esas bandas, condenados al cajón de las ofertas de vinilos, una banda oriunda de la ciudad canadiense de Windsor que publicaron cinco albumes del periodo comprendido 1977-1980.
Formados por los guitarristas Mark Bradic y Chuck Price, el bajista y voz Brian Danter y el bateria Mike Kozak, sus inicios se basaron en versiones de clásicos de los 60 y 70 como Alice Cooper, Grand Funk o MC5.  Sus dos primeros albumes tuvieron un relativo éxito y varios de sus temas incluso fueron masivamente radiadas por las radios FM como "Sweet Mysery" entre otras, logrando con ello hacer un gira mundial de la cual se extrajo el directo "Tour Of Japan".
Para su tercer album son fichados por la Capitol Records con quienes publican el excelente "One Night Stands" (1979), el cual consigue un gran éxito en las listas del hard rock americano. En este album la banda muestra un poderoso hard rock, acompañados por ricas melodías, con un estilo que les emparenta de alguna manera con sus compatriotas Triumph e incluso con Rush en ciertos momentos. Poderosos medios tiempos como "Back In Action" y "Young & Reckless" con la energica y melodica voz de Danter, quien tiene cierto tono vocal parecido a Steve Perry de Journey, y unas energicas guitarras secundada por unos magníficos teclados. El resto muestra el buen gusto de la banda por los medios tiempos y las power baladas como "Touch The Wind", Loose Change" o Hartless World". Un gran album de hard rock de un gran grupo olvidado...como tantos otros.

Warpig-Warpig (1970)

Destinados al ostracismo por causas del dichoso destino Warpig fueron otra de esas cientos de bandas que no tuvieron la suerte necesaria o no estuvieron en el lugar adecuado para triunfar y que con solo un maravilloso album de heavy rock han pasado a convertirse en una banda de culto.
Originarios de Ontario, Canada, Warpig se fundaron en 1968 de la mano del guitarrista Rick Donmoyer, el teclista y voz Dana Snitch, el bateria Terry Hook y el bajo Terry Brett. Su único album fue publicado en 1970 bajo el sello Fonthill Records, y en el podemos apreciar una variada influencias de los géneros de la epoca, con un acid rock impregnado de grandes riffs de guitarras y colchones de teclados que nos recuerdan a las bandas británicas de los 70. Desde la inicial “Flaggit” nos trasladan a sonidos purpleianos con esos punteos y riffs y el órgano Hammond rellenando el resto, en "Tough Nuts" el sonido se va hacia los Black Sabbath mas psicodélicos, "Melody With Balls" es un blues rock acelerado que contrasta con la sinfónica "Advance Am", mientras "Sunflight" es un hard rock contenido, "U.X.I.B." es el tema mas progresivo del disco y en el tema final "The Moth" la banda hace un guiño lejano a los sonidos de los Doors mas viscerales.
A partir de aquí la banda no pararía de girar con algunos de los mas grandes grupos de aquellos momentos como Wishbone Ash, Savoy Brown o Frank Marino y sus Mahogany Rush. Posteriormente intentaron grabar un segundo album que nunca se llevaría a cabo por diferencias entre sus integrantes, acabando esta aventura lamentablemente en flor de un día.

viernes, 27 de noviembre de 2020

Starcastle-Starcastle (1976)

Acusados por la critica por ser meros imitadores de Yes, Starcastle fueron una de las bandas pioneras del rock progresivo norteamericano junto a Styx o Kansas.
Originalmente llamados Pegasus y Mad John Fever, sus orígenes se remontan a principios de los setenta hasta que finalmente en 1974 se deciden cambiar el nombre por Starcastle y firman un contrato con Epic Records quien les produce su primer album publicado en 1976.
Para este primer album la banda estaba formada por Terry Luttrell quien había sido vocalista de los primeros Reo Speedwagon, el resto lo componían Matthew Stewart, guitarra, Stephen Hagler guitarra y voces, Gary Strater Bajo, Herb Schildt, teclados y el bateria Stepehn Tassler. Su album debut titulado hononimamente, es su obra mas conocida y a la vez la que mas éxito tuvo, un disco brillante, con un sonido pulido, grandes armonías vocales, y una instrumentación sobresaliente, en donde las comparaciones con Yes son mas que evidentes, con la diferencia que Starcastle dota a su música un ligero toque mas pop rock que el barroco progresivo del grupo británico. Temas como la extensa y dinámica "Lady Of The Lake", la melódica "Elliptical Seasons" o las progresivas "Forces" o "To The Fire Wind" son junto a la épica "Sunfield", lo mejor de un album magnifico de rock progresivo.

IL Balletto Di Bronzo-Ys (1972)

Bajo la sombra de bandas coetáneas como Banco del Mutuo Soccorso, Premiata Forneria Marconi, Le Orme o otras destacadas del progresivo italiano, IL Balletto Di Bronzo, fueron una de las pioneras del genero en el país transalpino. Fundados en Napoles a finales de los sesenta, no seria hasta la entrada del teclista Gianni Leone cuando darían el salto a la popularidad con el album "Ys" publicado en 1972. "Ys" seria el segundo trabajo de esta banda que estaba formada ademas del citado Leone por el guitarrista Lino Ajello, el bateria Giancarlo Stinga y el bajista Vito Manzari. Constituido como un album conceptual "Ys" se basa en cinco movimientos destacando los largos temas "Introduzione" y "Epilogo"  donde los teclados de Leone, un virtuosos de la escuela de Keith Emerson, y su interacción con las voces, bateria y el trabajo de las guitarras, con grandes arreglos y un insinuante sonido de mellotron conformaron un album ambicioso y una de las joyas olvidadas del progresivo italiano.

Jody Grind-One Step On (1969)

Jody Grind fueron una banda de proto progresivo británica surgida a mediados de los sesenta que bajo el liderazgo del teclista Tim Hinkley, grabarían dos albumes que hoy en día son considerados de culto por los seguidores del genero progresivo. Reformados a partir de la banda The News, Hinkley incorporaría al bateria Barry Wilson y al guitarrista Ivan Zagni decididos a buscar nuevos sonidos derivandolo hacia un estilo mas psicodélico con tintes de blues y rock. Su primer album es sin duda el mas significativo de la banda, "One Step On" publicado en 1969, ya muestra un estilo muy particular y propio, en donde sobresale una musculosa pieza de 20 minutos "One Step on; In My Mind/Nothing At All/Interaction/Paint it Back", que dividida en cuatro partes muestra una gran épica con solos de guitarras , bateria y órgano Hammond y que encarna perfectamente los orígenes del rock progresivo británico.
El resto de temas mantienen un alto nivel que transforman el estilo psicodélico a un proto prog con la inclusión de una sección de vientos dando mucha profundidad y variedad al sonido en general. La amalgama de fusiones que van desde el jazz, el blues y el rock muestran un contundente sonido progresivo, en algunos momentos algo caótico pero con interesantes sonoridades.
Con un posterior segundo album, menos experimental y mas convencional, acercandolo al rock duro progresivo, la banda se disolvería dejando dos formidables albumes en su efímera carrera discográfica.

Gravy Train-Staircase To The Day (1974)

De entre todos los grupos británicos del underground progresivo de principios de los setenta están Gravy Train, que durante el periodo comprendido entre 1970 y 1974 publicaron cuatro interesantes albumes en donde su mayor virtud eran sus sonidos progresivos, en los cuales las guitarras estaban en la vanguardia con una excelente fusión de teclados, flauta, bajo y bateria. Formados por el guitarrista Norman Barratt en la ciudad de Lancashire al noreste de Inglaterra en 1969, estaba formada ademas de Barratt por Barry Davenport como bateria, J.D. Hughes como teclista, flautas y vocales y el bajista Lester Williams. En su primer album publicado bajo el sello Vertigo, “Gavy Train” (1970), ya se podían intuir las influencias de bandas como Jethro Tull gracias a su rhythm and blues y el folk rock, bajo una solida música progresiva y con ciertos acercamientos al hard rock.
Después de los albumes "(A Ballad) A Peaceful Man" (1971) y "Second Birth" (1973), llegaría su obra mas completa "Staircase To The Day" (1974), este ultimo publicado bajo el sello Dawn, el sub sello progresivo de Pye Records.
Con una espectacular portada diseñada por Roger Dean, "Staircase To The Day" es un album que presenta una estupenda colección de temas que sintetiza la escena del rock progresivo de la epoca. Desde la inicial "Starlight Starbright" se puede observar que la banda había conseguido un sonido mas cohesionado que en los albumes anteriores. En parte esto fue debido a la incorporación de un segundo guitarrista (George Lynon), así como la producción por parte de Vic Smith, quien había producido los albumes de Black Sabbath "4" y Judas Priest "Rocka Rolla".
Es tal vez por ello que los sonidos de flauta son relegados a un papel secundario, apareciendo sólo en los temas “Staircase To The Day” con un gran trabajo de Mellotron y en la acústica “The Last Day”. Otros Temas como "Never Wanted" nos recuerdan a los Uriah Heep mas progresivos, mientras "Busted In Schenectady" tiene el encanto de los psicodélicos Pink Floyd con esa interacción de bajo y Mellotron. Por otro lado la banda muestra su lado mas pastoral con las acústicas "Bring My Life On Back To Me" y "Evening Of My Life", en donde se muestra las dotes de su vocalista Barratt y el órgano de Hughes.
"Staircase To the Day" es un gran album que después de escucharlo detenidamente, nos hace cuestionar que uno se pregunte por qué o cómo no lograron el éxito como lo hicieron algunos de sus contemporáneos con trabajos de su misma envergadura o incluso de menor factura.

Sammy Hagar-Loud & Clear (1980)

Sammy Hagar salto a la fama como el vocalista de Montrose en los imprescindibles  "Montrose" (1973) y "Paper Money" (1974), dos clasicos del rock americano, a partir de aquí, Hagar comenzaría una fulgurante carrera en solitario que le llevaría a publicar cerca de una docena de albumes en donde su rol como cantante se vio reforzado por sus excelentes dotes como guitarrista.
Albumes como "Sammy Hagar" (1977), "Danger Zone" (1980), "Standing Hampton" (1981), "Three Lock Back" (1982) o "VOA" (1984)  le valieron la suficiente reputacion para ser el elegido en 1986 el sustituto ideal de David Lee Roth en Van Halen.
En el momento de mas esplendor en su carrera se publicó el directo "Loud & Clear", (1980) una reedición del directo "All Night Long", publicado unos años antes, que incluyó parte de unas magníficas y tremendas actuaciones del guitarrista en diferentes ciudades de la costa oeste norteamericana durante la gira posterior al album "Musical Chairs" (1977) .
Entre las pistas de este álbum en vivo se encuentra una impresionante versión electrificada del legendario "Young Gilrs Blues" de Donovan, un blues hipnótico con un final abrasador. Pero también contenía canciones incendiarias como la trepidante "Red", la melódica "I´ve Done Everything For You" o la frenética "Bad Motor Scooter". "Loud & Clear" es un explosivo directo en donde Hagar demostraba todo su arsenal de tremendos temas rock y su impresionante carisma en el escenario, facetas que luego aportaría sabiamente en su estancia en Van Halen.

jueves, 26 de noviembre de 2020

Ozric Tentacles-The Yumyum Tree (2009)

Ozric Tentacles es una banda fundada a mediados de la década de 1980, en Somerset, un condado al suroeste de Inglaterra, Creada por un grupo de jóvenes relacionados con la música progresiva y el rock electrónico. Al principio eran habituales en el Festival de Glastonbury donde vendían sus canciones en casetes.
No sería hasta 1989 cuando lanzaron su primer disco "Pungent Effulgent" bajo el sello independiente Dovetail Records y distribuido por Snapper Music.
La música de Ozric Tentacles es una amalgama versátil de rock instrumental psicodélico y espacial, influenciada por el rock progresivo de bandas como Gong, Pink Floyd y el krautrock de principios de los 70.
A su primer disco le siguió una serie de soberbios trabajos todos centrados en la misma dirección, entre los que destacan "Erpland" (1990), "Jurassic Shift" (1993) o "The Hidden Step" (2000). En 2009 llegaría "The Yumyum Tree", su duodécimo álbum, que contiene una sugerente mezcla experimental con elementos orientales, ritmos electrónicos, funk, paisajes etéreos, guitarras ácidas e hipnóticas y potentes líneas de bajo, con una impresionante gama de instrumentos, todos esto convenientemente enmarcado en un exitoso equilibrio de relajación, frenesí e intensidad.
Una banda que produce una música tan fascinante y seductora que ha atraído a cientos de miles de fans en todo el mundo.

Baker Gurvitz Army-Hearts On Fire (1976)

Ginger Baker era un músico inquieto, después de disolverse Cream, a cada paso que daba se inventaba una nueva formula para tal vez de esa manera recurrir al éxito obtenido junto a Eric Clapton y Jack Bruce. Después de sus escarceos con Blind Faith y Ginger Baker´s Air Force al principio de los 70, se vería inmerso en un nuevo proyecto, esta vez junto a los hermanos Adrian y Paul Gurvitz, conformando un power trío al mas puro estilo Cream, llamados Baker Gurvitz Army. Sin embargo esta vez su estilo se torna mucho mas crudo y primitivo con un rock que se aleja del virtuosismo de sus bandas anteriores. Su legado fueron los albumes "Baker Gurvitz Army" (1974), "Elysian Encounter" (1975), y "Hearts On Fire"" (1976). En este ultimo la banda se había ampliado con el teclista John Norman y el vocalista Mr. Ships, el cual incluso ya había participado en el anterior "Elysian Encounter”.
Producido por el habitual de Yes y Emerson, Lake and Palmer, Eddie Offord, "Hearts On Fire" es sin duda el mas completo de los tres trabajos. Desde el inicial rock pesado "Hearts On Fire" hasta "Neon Nights", con un lejano sabor a sus Cream, pasando por el cadencioso blues "Thirsty for the Blues", la bailable y adictiva "Dancing the Night Away", o la súper acelerada "Flying In and Out of Stardom", conformaron un pedazo de album que ha quedado sepultado bajo fantásticas obras que fueron publicadas en su misma epoca.

Speed, Glue & Shinki-Eve (1971)

Speed, Glue & Shinki fue otra efímera banda japonesa, que con solo dos albumes dejaron constancia de su enorme calidad y talento. Tras la Segunda Guerra Mundial y durante varias décadas en el país del sol Naciente se habían establecido muchas bases norteamericanas, por lo que hasta allí llegaban fácilmente los ecos de la incipiente escena musical underground  de Norteamérica, a modo de discos o en las diferentes emisoras de radios militares. Ya principios de los 70 en el país nipón existían un larguísimo numero de bandas que intentaban emular y demostrar su especial fascinación por la psicodélica, el jazz experimental, el rock progresivo, el blues rock y el hard rock. Una de estas bandas eran Speed, Glue & Shinki, un poderoso power trío que practicaban un hard rock blues muy psicodélico, áspero y acido, tanto como desmedido era el culto a las drogas de sus tres integrantes.
Su principal valedor era su guitarrista Shinki Chen, conocido en Japón como el Jimi Hendrix japonés, junto a el, estaban el bateria y cantante Joey Smith y el bajista Masayoshi Kabe, todos ellos asiduos a las anfetaminas y a las drogas de diferentes géneros.
Este despiadado trío facturo un album de debut tan visceral como arrogante, que lo único inocente que tenían era la bucólica portada del album, tres jovencitas de la epoca victoriana, todo un contraste por lo que ofrecían en su interior, un sonido de puro heavy blues corrosivo, aplastante y abrasador. Los pesados riffs de la inicial "Mr. Walking Drugstore Man" nos conducen al desgarrador blues "Big Headed Woman", mientras la densa "Stoned Out Of My Mind" o las psicodélicas viscerales "Ode To The Bad People" y "Keep It Cool" incendian nuestros oídos, una corrosiva colección de temas que conforman un torbellino album que paradójicamente acaba con la suave y acústica "Someday We´ll All Fall Down".

Roy Orbison-Mystery Girl (1989)

Roy Orbison fue uno de los grandes iconos del rock ´n´ roll, un hombre de apariencia frágil y quebradiza, pero que tenía una de las voces más eternamente emocionantes y al mismo tiempo más conmovedoras, una voz melódica y torrencial que no han encontrado alma similar en el mundo de la música.
Aunque su carrera se inició a finales de los años cincuenta, no sería hasta 1961 cuando publicó sus primeras canciones y en 1964 conseguiría uno de sus mayores éxitos "Oh Pretty Woman", que se sumaría a una larga lista de míticas canciones en la historia de la música popular.
Aunque sus inicios fueron rockeros, pronto su carrera se desviaría hacia un estilo más suave con baladas y medios tiempos con los que conseguiría otras 15 canciones entre las 40 primeras de las listas de éxitos.
Roy Orbison mostró una forma de cantar muy personal, llena de emoción, con una tesitura muy alta y muy bien estructurada con un crescendo muy efectivo que transmitía emoción al oyente.
La década de los setenta fue una epoca muy dura para Orbison, sus continuas publicaciones pasaban sin pena ni gloria, ademas al final de la misma tuvo severos problemas de salud y después de varias operaciones su vida ya no seria la misma.
En la década de los ochenta varias canciones suyas versioneadas por otros artistas le devolvieron al primer plano de la actualidad, por un lado Don McLean obtenía un éxito arrollador en medio mundo gracias a su tema “Crying”, lo mismo ocurriría con el tema “Oh Pretty Woman“ versioneado por el grupo Van Halen e incluido en su album “Diver Down”, por otro le habían otorgado el premio Grammy por el tema "That Lovin 'You Feeln' Again" cantado a duo con Emmylou Harris en 1981...pero sin embargo luego volvería a pasar inadvertido el resto de los años 80, hasta que en 1987 Jeff Lynne y George Harrison llamaron a Roy Orbison para que les ayudara a terminar una serie de canciones para un disco del propio Harrison en solitario, ... finalmente salieron varios discos de estos encuentros, por un lado "Vol.1" de los Travelling Wilburys y otro "Mystery Girl" de Roy Orbison.
Pero antes de que este álbum fuera lanzado oficialmente, Roy Orbison moriría de un ataque al corazón en Tennessee, por lo que el álbum que sería lanzado meses después, seria a título póstumo.
Un disco que se convirtió en una obra maestra del rock, testimonio de una calidad sobresaliente, gracias en parte también a sus amigos Lynne y Harrison, entre muchos otros (Tom Petty, Al Kooper, Steve Crooper ...) que supieron sacarlo del ostracismo por el que estaba pasando Orbison en esos momentos.
"Mystery Girl" es un disco que desborda sentimientos, melancolía, algo muy común en la música de Orbison, temas como "In the Real World" o "A love So Beautiful" son de puro sentimiento.
El elegante "California Blue", el soul "The only One", o el rock "(All I Can Do Is) Dream You", dejaron un disco tan fascinante como soberbio, con mucha nostalgia, lleno de vitalidad, que a modo de una gran despedida, puso a Roy Orbison en el lugar que se merecía y que nunca debió ni debe olvidarse.

Grover Washington Jr.-Winelight (1980)

Grover Washington Jr. es uno de los grandes saxofonistas de la música jazz, quien desde temprana edad desarrollaría un instinto natural con este instrumento y con el jazz en particular.
A menudo criticado por la prensa por su estilo comercial, Grover Washington Jr. lanzó una serie de álbumes en la década de los 70 que fueron exitosamente reconocidos por el público americano como los aclamados "Inner City Blues", "All The King's Horses" o "Mister Magic". lo que lo convirtió en una estrella, comenzando a colaborar con músicos como Eric Gale, Bob James o Dave Grusin.
En 1980 publica su mejor trabajo "Winelight", donde experimenta con el funk y el jazz fusión, un estilo que ya había explorado en algunos de sus trabajos anteriores.
En "Winelight" finalmente logra el reconocimiento internacional y también a la vez agrava su tensa relación con la prensa especializada de jazz, que en raras ocasiones dio una buena reseña de sus trabajos, al acusarlo injustamente de venderse a los sonidos comerciales. Curiosamente una década después este tipo de jazz denominado “smooth jazz” seria el exitoso resurgir de un genero que estaba en horas bajas.
"Winelight " contenia una colección de cuativadores temas como el exitoso "Just The Two Of Us" cantado por Bill Withers, "Let It Flow" con una antología en solitario del saxofonista, "Make Me A Memory" y el fantástico "Take Me There" llevaron este álbum a la cima en las listas de Billboard Top Jazz Albums, un segundo lugar en las listas de Soul y un increíble quinto puesto en las listas de álbumes pop, así como un disco de platino y dos premios Grammy en 1982.

Rainbow-Down To Earth (1979)

Después del album de Rainbow "Long Live Rock´n´Roll", Ronnie James Dio abandonaba la nave por discrepancias con Ritchie Blackmore, (Dio poco después pasaría a engrosar en los reformados Black Sabbath), por lo que el guitarrista de negro tuvo que buscar otro vocalista para seguir con su banda. El elegido seria Graham Bonnet, un extraña elección ya que este era un cantante muy diferente a Dio, con un aspecto menos diabólico y heavy que el pequeño elfo.
A estas alturas Blackmore quería entrar en la nueva década con un sonido mas ligero, menos barroco y mas americano, de ahí su controvertida elección, y la épica voz de Dio no encajaba mucho que digamos en esa dirección. Junto a Roger Glover, Don Airey y Cozy Powell, esta formación grabaría el album "Down To Earth", para muchos la ultima gran obra del grupo, sin desmerecer en absoluto el magnifico "Bent Out Of Shape" con Joe Lynn Turner a las voces.
La dupla Glover-Blackmore compone todos los temas menos el hit "Since You´ve Been Gone", una composición de Russ Ballard, un set list que comprende geniales temas como la soberbia "All Night Long" con ese frenético Riff convirtiendolo en un tema vivaz y un clásico de la banda, le siguen temas como la densa "Eyes Of The World", la espectacular "Makin´Love", la bluesy "Love´s No Friend", la adictiva "Since You´ve Been Gone", la hard rock comercial "Danger Zone" y la acelerada "Lost in Hollywood", que cierran un disco espectacular made "Man in Black".

miércoles, 25 de noviembre de 2020

Ekseption-Ekseption (1969)

Procedentes de Holanda, Ekseption fueron una banda considerada una rara Avis, que con su versión de la "Sinfonia nº 5 " en clave rock llegaría a los mas alto de los ranking mundiales en 1970, proyectandoles un protagonismo a un primerísimo nivel en el plano internacional por el que pasearon su flamante primer album repleto de temas clásicos vertidos de pop y rock.
En este primer album ademas destacaban las versiones de los clásicos "Dhrama For One", "Sabre Dance", Rhapsody in Blue" o "Dance Macabre Opus 40".
Formados alrededor de su líder Rein Van Den Broek, ellos supieron adaptar la música clásica con el rock, adelantados con ello a la experimentación sobre este campo que años mas tarde otras bandas harían como Sky, Emerson, Lake and Palmer o los alemanes Triumvirat.
Formados originalmente en 1958 como The Jokers no seria hasta 1965 cuando cambian el nombre por el de Ekseption y algunos años después publican su primer album "Ekseption" (1969).
Los siguientes discos seguirán un tónica muy parecida pero combinando las versiones de clásicos con temas propios, manteniendo una gran linea musical hasta finales de la década de los ochenta cuando publicaron su ultimo album "Ekseption ´89".

It´s A Beautiful Day-It´s A Beautiful Day (1969)

It´s A Beautiful Day son una de las bandas de rock psicodélico más grandes pero también mas olvidadas en la historia del rock, también son parte de la histórica controversia musical, debido a que Deep Purple usó esquemas de su canción "Bombay Calling" para usarla en la mítica canción "Child in Time" algunos años después.
Con un estilo donde capturaron el folk psicodélico con grandes melodías y sonidos armoniosos, It´ s A Beautiful Day lograría con su primer disco y con el posterior "Marrying Maiden" trabajos llenos de energía, sonidos muy frescos, muy imaginativos y sobre todo el enorme talento de músicos de gran virtuosismo. ellos supieron combinar a la perfección jazz, folk, música clásica y rock, gracias a la imaginación y creatividad de su líder, el violinista David LaFlamme. Formado por el violinista de formación clásica, cantante y compositor David Laflamme, junto a Linda Laflamme teclados, Pattie Santos voz, Hal Wagenet guitarra, Michael Holman bajo y el bateria Val Fuentesa, fueron desde el principio de su fundación unos asiduos al Fillmore West de San Francisco gracias al apadrinamiento del productor, promotor y dueño de la sala de conciertos Bill Graham.
Después de firmar un contrato con la CBS graban su primer album, el cual contiene una de las portadas mas hermosas del rock, y que musicalmente se convierte en una de las obras maestras surgidas por aquel entonces, con una serie de temas insuperables como la bella “White Bird”, la citada “Bombay Calling” es un tema instrumental que seria uno de los clásicos de su repertorio en vivo, y que junto a la psicodélica “Bulgaria” o la impresionante “Time Is” son de lo mejor de un album prodigioso.

Montrose-Montrose (1973)

Ronnie Montrose es uno de los grandes guitarristas norteamericanos de todos los tiempos, en 1973 fundo su propia banda Montrose, con los que publico cinco albumes de enorme calidad, algunos de ellos considerados obras capitales dentro del rock americano.
Su carrera había empezado años atrás tocando en discos de Edgar Winter, Van Morrison, Boz Scaggs o Herbie Hancock. Su primer album fue publicado en 1973 y contaría con Sammy Hagar como vocalista, Bill Church como bajista y Denny Carmassi a la bateria, ademas de Ted Templeman como productor.
En este primer album la combinación de la poderosa voz de Hagar con la guitarra de Ronnie Montrose crean una arsenal de clásicos del rock como las poderosas "Rock the Nation", "Bad Motor Scooter" o "Space Station #5", mientras "Rock Candy" es un tema de hard rock pesado y contundente, todos ellos junto a una gran colección de temas conformaron un album que sentó cátedra en el hard rock americano.

Eduardo Bort-Eduardo Bort (1975)

Eduardo Bort fue un compositor y guitarrista español que en 1975 firmo uno de los mejores y mas fascinantes discos del rock progresivo europeo, un album venerado por los seguidores del genero y los coleccionistas. Curtido en diferentes bandas en los sesenta, trabajaría como músicos de sesión en diferentes países europeos. En 1970 Bort empezaría a componer una serie de temas inspirados en los escritos de H.P. Lovecraft o Lord Dunsany y fundo su propia banda Yann, con quienes empezó a grabar en Madrid su album hononimo. Finalmente una de las maquetas es llevada a Londres donde el propio director de la EMI Joop Viser se muestra impresionado al escucharla, sugiriendo que se vuelva a grabar en Londres para ser promocionado y distribuido a nivel mundial desde allí. Sin embargo la negativa de algunos de los miembros de la banda de mudarse a Inglaterra da por tierra esta opción, perdiendo la compañía británica el interés por el disco.
Finalmente fue publicado por el sello Gong de Movieplay, no teniendo la promoción necesaria quedando relegado a un publico muy reducido de fans del progresivo en España.
"Eduardo Bort" esta inspirado en el relato del libro "días de Ocio en el Yann" de Lord Dunsany, en el el guitarrista valenciano recrea con su música los fantásticos parajes del libro. Un album que se muestra fascinante desde principio hasta el final, desde la inicial "Thoughts" dividida en dos partes diferenciadas, una primera mas pastoral y una segunda mucho mas enérgica, en "Wlaking On The Grass" su sonido se asemeja a los largos desarrollos de bandas como Camel o PFM, mientras la bucólica "Pictures Of Sandness" es un soberbio tema con sonidos psocodelicos y "En las riberas del Yann" es el mellotron quien cobra el total protagonismo otorgando una gran sonoridad y junto a los riffs de Bort nos recuerdan a los Yes de la epoca.
Después de este formidable album Bort lo presento en diferentes conciertos y festivales por Europa y Sudamerica e incluso en Japón, ademas de dedicarse a la producción de artistas como Iceberg entre otros.


Os dejo un enlace a su fascinante biografía:

Biografia Eduardo Bort 
 

Blodwyn Pig-Ahead Rings Out (1969)

Mick Abrahams es conocido por ser uno de los fundadores de Jethro Tull junto a Glenn Gornick, Clive Bunker y Ian Anderson, con los cuales grabaría el album debut "This Was" en 1968. Pero a renglón seguido Abrahams difiere con Ian Anderson sobre el camino a seguir musicalmente, por lo que decide abandonar la banda y fundar Blodwyn Pig en el año 1969, para lo cual recluto al bajista Andy Pyle, al bateria Ron Berg y al saxofonista Jack Lancaster. "Ahead Rings Out" fue su primer trabajo en donde la banda desarrollaba un blues rock pesado con acercamiento al jazz, un estilo que quiso imponer en Jethro Tull pese a las negativas de Anderson.
En este primer album ya destacan los impresionantes "Dear Jill", un blues con toque jazzisticos, el hipnótico blues "Up and Coming", la acelerada "See My Why", el blues rock "Ain´t Ya comin´Home, Babe?" o la interesante "Summer Day".
Un año después saldría "Getting To This" un trabajo mas experimental con un mayor protagonismo de Lancaster y sus influencias jazz de Roland Kirk. Después de aquí la banda se disolvería, hasta varias décadas mas tarde cuando Lancaster y Abrahams reactivaron la banda y volverían a grabar varios albumes mas.

Steve Miller Band-Fly Like An Eagle (1976)

Steve Miller es uno de esos músicos cuya pasión por el blues y el rock lo convirtió en uno de los mejores artesanos de esos estilos, con carisma y poder para crear grandes canciones, Miller es un creador de éxitos, pero nunca un protagonista ni una estrella rutilante, a pesar de la gran cantidad de discos de oro y platino que ha logrado a lo largo de su carrera.
Nacido en Dallas en 1943, a la edad de doce años quedaría impresionado por la revolución que significó el rock de Elvis Presley, y con un compañero de clase formaría su primera banda, ese compañero luego se convertiría en una estrella brillante: Boz Scaggs.
Después de varias bandas más, todas influenciadas por el soul y el rock, Miller se mudó a Chicago, donde tocó mucho blues y formo la banda The Goldberg Miller Band con Barry Goldberg.
Allí también grabaría sus primeros discos, pero no obtuvieron el éxito deseado. Tiempo después se mudaría a California donde formaría su banda definitiva The Steve Miller Band. Después de tocar en muchísimos conciertos durante bastante tiempo, grabaron varias bandas sonoras para documentales e incluso hicieron una gira junto a Chuck Berry.
En 1968 aparecieron los dos primeros álbumes de la banda "Children of the Future" y "Sailor", trabajos todavía bastante inmaduros y toscos, pero que vislumbran un futuro prometedor.
Durante el período de 1969 a 1973 grabaron cinco álbumes más, todos ellos con diferentes formaciones, hasta que en 1974 finalmente lograron el éxito con el álbum "The Joker", que se convirtió en el número uno en las listas de América y recibió muchos elogios y reconocimientos por parte del publico y la prensa especializada.
"The Joker" es un compendio de rock perfecto, sin excesivas implicaciones en su contenido. Dos años durarían la resaca de este exitoso disco, al que seguiría el soberbio "Fly Like an Eagle", con el que conseguiría cuatro discos de platino.
A diferencia de los sonidos basados en el blues de sus trabajos anteriores, para este nuevo disco Steve Miller se reinventa así mismo con un estilo de rock melódico, con aproximaciones muy sutiles al hard rock. Con el inicial y atmosférico "Space Intro" este álbum fue la mejor opción comercial de Steve Miller hasta la fecha, gracias a canciones como "Fly Like An Eagle" una de las icónicas de los setenta, la encantadora "Serenade", la tremendamente adictiva "Rock 'n' Free" o "Take The Money and Run" que fue uno de los éxitos del álbum en las listas de sencillos.

Al Stewart-Modern Times (1975)

En 1975 Al Stewart publicaba el album que seria la antesala de su mítico "Year of the Cat". Producido por Alan Parsons, "Modern Times" ya vislumbraba ese sonido  inconfundible que llegaría un año después. Este seria el ultimo album del escocés con la CBS, la cual no quiso renovarle su contrato tras cinco albumes con la discográfica americana. Con una portada de los famosos Hipgnosis, este fue su obra mas completa hasta ese momento con un trabajo sobresaliente del guitarrista Tim Renwick y unas composiciones muy logradas.
Para este album ademas de Renwick, Stewart contaría con músicos como Peter Wood, Andrew Powell, Gerry Conway o Simon Nicol. La soberbia producción de Alan Parsons y los arreglos orquestales de Andrew Powell se ven reflejados en temas como "Modern Times" o "The Dark and the Rollin sea", mientras la melódica "Carol" o la rítmica "Apple Cider Re-Constitution" son el colofón de este gran album.

martes, 24 de noviembre de 2020

Flower Travellin´ Band-Satori (1971)

Flower Travellin´Band fue una extraña banda japonesa que hacían un rock psicodélico con influencias del hard rock de finales de los 60. Fundados por el percusionista Yuya Uchida, ya había formado la banda Yuya Uchida and The Flowers en 1968 e incluso había publicado un album titulado “Challenge!”, un disco en donde la banda hacia versiones de grupos de la epoca como, Jefferson Airplane, Cream o Jimi Hendrix. Ya en 1970 y bajo el nombre definitivo de Flower Travellin´Band publican su primer trabajo “Anywhere”, que igualmente contenía versiones, esta vez de artistas como Black Sabbath, King Crimson o The Animals. Un año después llegaría su mejor obra, el alucinante “Satori”, en donde las influencias de Led Zeppelin, Black Sabbath, Uriah Heep o Deep Purple se verían refrendadas de manera apabullante.
Sin embargo lo que les hacia diferentes con sus grupos coetáneos era su transcripción exótico-espiritual  que engrandecieron su glosario de psico-progresismo con una contundencia expresiva que supera a gran parte a los grupos punteros del heavy metal de aquellos años.
La banda por entonces estaba formada por Joe Yamanaka como vocalista, el guitarrista Hideki Ishima, Jun Kozuki como bajista y el bateria Joji Wada.
Dividido en cinco partes “Satori”, es un album oscuro pero la vez descomunal, con unas guitarras poderosas y una sección rítmica demoledora. Un album memorable de principio a fin y que tuvo continuidad en el siguiente “Made in Japan” de 1972 con el que consiguieron la repercusión suficiente y definitiva para girar junto a los Emerson, Lake and Palmer o Jeff Beck Group.


Grateful Dead-Europe´72 (1972)

Grateful Dead han sido elevados a la categoría de mitos por la sociedad estadounidense, ellos son una leyenda y únicos como exponentes de las jam bands, su filosofía de vida y en particular, su música les han hecho tremendamente populares en todo los Estados Unidos hasta hoy en día, hasta el punto de que las camisetas con el mítico logo del grupo sea la mas vendida de la historia (hace algunos años se estimo en mas de 70 millones, la mayoría de ellas en Norteamérica).
Con una discográfica asombrosa, en donde solo Frank Zappa puede compararse a lo extenso de su catalogo, los Grateful Dead fueron evolucionado con diferentes experimentaciones durante sus diferentes etapas. Desde la psicodélica, hasta el folk y el country pasando por periplos de jazz, blues y rock e incluso por sonidos mas complejos y progresivos.
Ya a principios de los 70, sus obras "Workingman's Dead" y "American Beauty" (ambos de 1970, quinto y sexto album cronológicos), habían supuesto un cambio radical en su sonido, derivando hacia el folk rock y, apartando en parte su sonido más psicodélico de sus trabajos anteriores.
Estos dos álbumes fueron seguidos por varios años de giras mundiales donde exploraron esta nueva faceta manteniendo en vivo su lado psicodélico y sus interminables conciertos, que perfectamente podían superar las tres horas interrumpidas.
A finales de 1972 se publico el álbum triple "Europe ´72", grabado en diferentes conciertos de la gira europea y donde y como es habitual, la banda se expande salvajemente con blues vibrantes como "Cumberland Blues", jam blues psicodélicos "Truckin", cautivadores temas "Morning Dew", antológicos rock "I Know You Rider”, temas country "Tennessee Jed" o irresistibles jams rock "Brown Eyed Woman" y "Ramble On Rose".
Este mastodontico registro obtuvo un éxito sin precedentes tratandose de un triple album, con una ventas que superaron los dos millones de copias solo en el mercado norteamericano, sin contar las ventas alrededor del mundo. "Europe ´72" es uno de los grandes shows en vivo de la música rock, magnífico tanto por su sonido como por todo lo que esta mítica banda hacia en el escenario, con actuaciones soberbias, sublimes e impecables.

Poobah-Let Me In (1972)

Poobah son una banda de hard rock americano que son completamente desconocidos en Europa, pero que sin embargo son una leyenda en los Estados Unidos, en donde su poderoso hard rock hizo furor en la década de los setenta. Fundada en 1972 en Parkersburg, Virginia, por el guitarrista Jim Gustafson, con la ayuda del bajista Phil Jones, los cuales agregaron al bateria Glenn Wiseman y así conformando este power trío, todos ellos estudiantes de la escuela de secundaria. A los pocos meses, Poobah entraría en los estudios de grabación para sentar las bases de lo que se convertiría en uno de los álbumes por excelencia del hard rock norteamericano " Let Me In" (1972) con el que se inició un frenesí del rock 'n' roll que vería su continuación en una serie de grandes discos hasta nuestros días. Fusionando elementos psicodélicos de los primeros tiempos de Cream, con la pesadez de las guitarras distorsionadas de Black Sabbath, el álbum debut de Poobah pronto se convertiría en legendario, al igual que las heroicas guitarras de Jim Gustafson, y con ello la banda comenzó su ascenso constante hasta llegar al estatus de banda de culto.
Un album que comienza con la arrolladora "Mr.Destroyer" un tema que nos transporta a los primeros albumes de la banda de Tony Iommi y Ozzy Osbourne, la vena psicodélica la encontramos en "Enjoy What You Have" con una atmósfera realmente fascinante, "Live To Work" y "Let Me In" son poderosos hard rock y la extensa progresiva "Make a Man Outta You" y la visceral "Upside Down Highway" muestra la versatilidad del grupo.
La fuerza de este "Let Me In" y los posteriores incendiarios shows en vivo de Poobah les llevaron a conseguir abrir muchos conciertos para bandas como Canned Heat, Judas Priest, Alice Cooper, ZZ Top o Foghat.

lunes, 23 de noviembre de 2020

Joe Walsh-But Seriously, Folks... (1978)

En el año 1978 Joe Walsh tenia tras de si una carrera musical meteórica e impresionante, primero con The James Gang con quien grabaría cuatro formidables álbumes, luego con su proyecto Barnstorm publicando dos muy buenos discos, y luego publicando los álbumes en solitario "So What" y "You Can't Argue with Sick Mind", hasta que en 1976 se uniría a The Eagles sustituyendo a Bernie Leadon y grabando el fabuloso "Hotel California".
Dos años después de este fantástico trabajo, Walsh reanudaría su carrera en solitario paralelamente a The Eagles, lanzando el sensacional álbum "But Seriously Folks".
En este tercer trabajo todos los temas son brillantes y contagiosos, desde el alegre "Over and Over" hasta el irónico "Life's Been Good", pasando por piezas geniales como "Indian Summer" o el atmosférico "Theme from Boat Weirdos", incluso se permitió dejar fuera un soberbio tema como "In the City", que un año después será incluido en el siguiente album de The Eagles "The Long Run".
Sin duda una de las mejores discos de uno de los mejores músicos norteamericanos de la década de los 70 y una pequeña obra maestra del rock

Beggar´s Opera-Act One (1970)

Fundada a finales de la década de los sesenta en Glasgow, Beggar´s Opera fueron una importantísima banda de rock progresivo de los años 70. Formados alrededor del guitarrista Ricky Gardnier, su primera formación comprendia al teclista Alan Park, al bateria Raymond Wilson, al bajista Gordon Sellar y al vocalista Martin Griffiths.
Durante algun tiempo dieron conciertos por toda Escocia con material propio y versiones, hasta que firman un contrato con el sello Vértigo quienes les producen su primer album “Act One” publicado en 1970. El estilo de Beggars Opera en este primer álbum es mucho más dinámico y rápido que en álbumes posteriores, y también mucho más influenciado por la música clásica, hasta el punto que decidieron incluir fragmentos de muchas piezas clásicas (obertura de “William Tell” de Rossini o “In the Hall of the Mountain King” de Grieg, entre otros) en las dos pistas largas del álbum, “Raymonds Road” y “Light Cavalry”destaca la personalidad vocal Martin Griffiths. Temas totalmente dominados por las melodías de órgano del virtuoso Alan Park, destacando también los solos de guitarra vertiginosos y potentes de Ricky Gardiner. El sonido de Beggar´s Opera a veces recuerdan a los Deep Purple de la misma época. Por otro lado se observa que Beggars Opera fue sin duda una de las principales influencias de los progresivos irlandeses Fruupp.

Joe Satriani-Flying In A Blue Dream (1989)

"Flying in a Blue Dream" fue el tercer álbum del virtuoso guitarrista Joe Satriani, publicado en 1989, es un trabajo que tenía una expectativa inusual en el momento de su publicación, al ser el primero donde puso su voz para cantar en algunos de los temas del álbum.
A diferencia de su antecesor "Surfing With The Alien", Satriani presentó composiciones mucho más elaboradas, con una evolución experimental progresiva así como una duración mucho mayor que en los dos trabajos anteriores en los que apenas superaron los 35 minutos.
Con este disco Satriani volvería a ser nominado a los premios Grammy además de lograr grandes ventas en el mercado americano.
Un álbum lleno de exploraciones de diferentes estilos, desde tremendos ejercicios instrumentales como "Flying in a Blue Dream" o "The Mystical Potato Head Groove Thing", hasta cautivadoras melodías "I Believe", temas hard rock "Ride" o experimentaciones de guitarra como "The Forgotten (Parte 2)"o "The Bells Of Lal (Parte 2)".

domingo, 22 de noviembre de 2020

Funkadelic-Maggot Brain (1971)

Junto a Parliament, Funkadelic fueron los máximos exponentes de la fusión entre rock psicodélico, funk y soul, una síntesis fascinante que Jimi Hendrix llevaría a la cúspide creativa y que músicos como George Clinton explotaron hasta límites insospechados. Fundada originalmente en 1964 por George Clinton con músicos de la banda del Parlamient. Su concepto innovador se canalizó a través de las dos bandas mencionadas.
Mientras Parliament hacía un funk más suave basado en el rhythm and blues y los arreglos de cuerda y viento, Funkadelic practicaba un funk rock experimental, con potentes guitarras influenciadas por Jimi Hendrix con sonidos ásperos y crudos tomados de las bandas de hard rock de Detroit.
"Maggot Brain" sería el título de su tercer y definitivo álbum, publicado en 1971, un disco imprescindible en la historia del funk rock psicodélico y que influiría decisivamente en cientos de artistas posteriores. Su tema estrella es precisamente el que da título al disco, una epopeya de diez minutos donde su fantástico guitarrista Eddie Hazel desarrollando un impresionante solo de guitarra, aparentemente bajo los efectos de alucinógenos como el LSD. El resto del disco no se queda atrás con temas cautivadores como "Super Stupid", "Hit It And Quit It" o "Wars of Armageddon", esta última un sorprendente jam que cierra esta obra maestra del funk rock.

Rush-Grace Under Pressure (1984)

En 1984 Rush publicaron su décimo album titulado “Grace Under Pressure”, para el cual dejaron de trabajar con Terry Brown como productor, quien había firmado gran parte de la producción de los discos anteriores, para este buscaron un nuevo productor, y encontraron al experto Steve Lilywhite, productor habitual de U2, pero la negativa de este a ultima hora obligó a que el disco fuera producido por ellos mismos con la ayuda de Peter Henderson.
Si bien el grupo mantiene la calidad incuestionable de sus composiciones, el album refleja una época en que muchos de sus seguidores más antiguos se alejaron debido al aumento de la importancia de los sintetizadores en detrimento de las guitarras.
Incluye grandes canciones como "Distant Early Warning", "The Enemy Within", una canción con ritmo ska que es parte de la serie “Fear y "Afterimage".
La canción "Red Sector A" hace referencia a un campo de concentración y está inspirada en los recuerdos de Geddy Lee sobre las historias que le contaban sus padres, judios supervivientes de uno de estos campos.
El título del disco tiene relación con las distintas canciones ya que casi todas tienen como tema central situaciones en que el ser humano se siente bajo presión y como reacciona a la misma. En el interior del album puedes encontrar la famosa foto del huevo sometido a presión.
Además el disco cierra con una de esas canciones que no han entrado a formar parte de su repertorio de clásicos a pesar de merecerlo, la formidable "Between The Wheels".

Iron Maiden-Somewhere In Time (1986)

Tras la gira mundial de apoyo al disco "Powerslave", Iron Maiden ya había alcanzado parte de su inmortalidad gracias a dicho album y al posterior doble en directo, grabado durante el "World Slavery Tour", el formidable "Live After Death".
Con el listón muy alto, el grupo se dirigió sin demora a las Bahamas para grabar su sexto disco, con Martin Birch como productor.
Desde su publicación “Somewhere In Time” se convirtió en uno de sus trabajos mas importantes, empezando por su asombrosa portada del habitual diseñador Derek Riggs, que nos dejó un Eddie convertido en Cyborg en medio de una gran ciudad, clara alegoría del cambio tecnológico que Iron Maiden mostraba en este trabajo, debido en parte al uso de bajos y guitarras sintetizadas. Una portada que en alta resolución muestra infinidad de detalles relacionados con la historia de la banda como un cartel de Acacia Avenue, el Long Beach Arena, el Rainbow Theatre, el pub Ruskin Arms, un reloj que marca las 11:58 pm, un cine que proyecta “Live After Death”, “Ícaro” cayendo en llamas desde el cielo, un letrero de neón con el “Ojo de Horus”, la barra “Aces High” y mucho más.
Desde la inicial y progresiva "Caught Somewhere In Time", hasta la épica "Alejandro Magno" en referencia a la vida y obra de Alejandro Magno, pasando por himnos como "Wasted Years", la también progresiva "The Loneliness of the Long Distance Runner ", el rock arena" Heaven Can Wait" o el vertiginoso "Sea Of Madness", componen un disco espectacular, contundente y apoteósico.

Focus-Moving Waves (1971)

El segundo álbum de Focus "Moving Waves" encarna la síntoma indudable de que la banda había alcanzado su propia madurez musical, luego de un debut atractivo pero aún inmaduro como "In and Out of Focus" y una serie de idas y venidas que ocurrieron en el seno de la banda entre finales del año 1970 y principios de 1971. Con la incorporación del guitarrista Jan Akkerman y la entrada del baterista Pierre Van Der Linden, Focus canalizó por fin su dirección musical.
A partir de aquí, las obras de Thijs Van Leer y Jan Akkerman se beneficiaron enormemente de la peculiar vibración e instinto creativo que Van Der Linden mostró con su enorme estilo de percusión.
El tema de apertura de esta obra magistral comenzó con 'Hocus Pocus', un icónico prodigio de rock ardiente combinado con una humorística letra: no es de extrañar que sea una de las piezas más conocidas de Focus, la solemne 'Le Clocharde', la tristeza contenida de 'Janis' y la atmósfera etérea del tema hononimo nos muestran directamente la faceta más formalmente elegante de la visión musical de Focus.
Esta misma elegancia irresistible se reitera en 'Focus 2', un hermoso tema de jazz, y lo mejor está en la inmensa suite "Eruption", que ocupa los 23 minutos de la cara B del vinilo original. Concebido a partir de una idea de Van Leer, el conjunto se desempeña maravillosamente a través de secciones y sub-secciones sucesivas con una instrumentación asombrosa. Esta suite cierra de manera grandiosa y monumental un álbum verdaderamente formidable, “Moving Waves” es una de las obras maestras definitivas de la música progresiva.

Janis Joplin-Pearl (1971)

Janis Joplin es una de las cantantes de blues y rock más importantes de la historia, considerada por muchos la artista de rock femenina más influyente, que murió prematuramente a los veintisiete años por una sobredosis de heroína, convirtiendo este hecho en uno de los acontecimientos mas importantes de la historia de la música popular.
Con solo cuatro álbumes Joplin alcanzaría el estatus de diva del rock, su tormentosa vida le dio la capacidad de llegar a lo más profundo de cada canción, contando cada historia con su voz y acercar ese sentimiento al público.
Sus constantes viajes al San Francisco hippy de la época le proporcionaron la energía suficiente y el punto de locura necesario para mezclar su esencia negra con la energía del rock.
En varias ocasiones llegó a preguntar lo que le pasaría a su vida cuando no fuera la número uno y no fuera una estrella, y ciertamente no tuvo tiempo de enterarse, el 4 de octubre de 1970, fue encontrada muerta en una habitación de un hotel en Los Angeles.
Janis había roto algún tiempo atrás su colaboración con su banda Big Brother & The Holding Company, sus tiempos felices en San Francisco habían terminado y pasaba su tiempo más borracha que sobria, se peleaba constantemente con sus músicos en el estudio y su vida era solo física, con una falta de control mental y emocional.
Antes de su fallecimiento Janis Joplin se encontraba inmersa en la grabación de su nuevo disco "Pearl", el cual aún estaba por terminar, finalmente fue publicado con el material ya grabado y en el momento de su lanzamiento tuvo un éxito abrumador.
¿Qué podría salir de tal estado físico y emocional? ¿Qué grabación saldría del resultado de una vida tan convulsa? "Pearl" fue un disco aterrador, doloroso, desgarrado y al mismo tiempo magnífico.
Janis Joplin había logrado después de su muerte hacer su mejor y más completo trabajo, canciones como "Me and Bobby McGee", "Trust me", "A Woman left Lonely" o "Cry Baby" mostraban la más absoluta tristeza sin dejar de mostrar su lado más salvaje e indomable.
Y es que Janis logró en este asombroso álbum equilibrar su fuerza original y el dominio de la técnica en un estado emocional muy acentuado.

sábado, 21 de noviembre de 2020

Carole King-Tapestry (1971)

Carole King ya era una afamada compositora de éxitos para otros artistas cuando publicó su obra cumbre "Tapestry" en 1971.
Durante los años 60 Carole King junto a su marido y también compositor Gerry Goffin compuso innumerables éxitos para otros artistas como Bobby Vee, The Monkees, The Drifters, Aretha Franklin o James Taylor entre muchos otros.
Sin embargo, cuando se lanzó a su carrera en solitario, pasó desapercibido con su primer disco "The Writer", de poca fortuna, y no sería con su siguiente disco "Tapestry" cuando conocería las mieles del éxito con más de 25 millones de discos vendidos hasta la fecha, lo que da una idea de la calidad de este magnífico álbum.
Para este segundo trabajo, Carole recuperaría tres de las canciones que le había regalado a otros artistas como "Will You Love Me Tomorrow" esa canción de The Shirelles, "(You Make me Feel) Like a Natural Woman", que fue un éxito en la voz de Aretha Franklin y "You're Got A friend", que fue el número uno mundial cantado por James Taylor.
Todas estas joyas y otras nuevas composiciones como "It's Too Late" o "Feel The Earth Move", elevaron un disco que se convertiría en una obra maestra indiscutible de la música de cantautores.

Shadow King-Shadow King (1991)

Lou Gramm abandonaría Foreigner después de su album "Inside Information"(1987) para dedicarse a su carrera en solitario, una carrera que había empezado ese mismo año con la publicación de su album debut "Ready or Not" con el que consiguria un notable éxito, tanto el album como los sencillos "Midnight Blue" y "Ready Or Not", varios años después tendría continuación con su segundo larga duración "Long Hard Look" que aunque no tuvo el mismo recibimiento comercial que el anterior, se mantuvo a un alto nivel.
En 1991 Lou Gramm formaría Shadow King, una especie de superbanda en donde contaba con el bateria de Kiss Kevin Valetine, el bajista Bruce Turgon, y el guitarrista Vivian Campbell que había colaborado entre otros en la banda de Dio.
En el año 1991 publicaron su único album, titulado al igual que la banda, que se convirtió en uno de los mejores trabajos de rock melódico de los años 90. Con un repertorio basado en medios tiempos como las sobresalientes "Once Upon A Time", "Don´t Even Know I´m Alive" o "This Heart Of Stone" donde las melodías vocales cautivan a la primera escucha, y que se alternan con potentes temas de hard rock "What Would It Take" o "Anytime, Anywhere" o sublimes baladas como "Russia", que conforman uno de los discos esenciales del rock melodico. 

viernes, 20 de noviembre de 2020

Slade-Slade Alive! (1972)

Slade dio tres memorables conciertos entre el 19 y el 21 de octubre de 1971 en el Picadilly Circus de Londres de los cuales se extrajeron uno de los mas salvajes directos que se recuerdan "Slade Alive!". Con un repertorio cargado de versiones y temas propios, la banda de Wolverhampton dejaron una sobredosis de gran rock´n´roll visceral y adictivo.
Ya desde la inicial "Hear Me Calling" de los Ten Years After vislumbramos por donde van los tiros con una potente y incendiara versión, en "Darling Be Home Soon" de Lovin´ Spoonful la banda sabe también bajarse de los desenfrenos y hacer una sosegada versión muy melódica, mientras ""Get Down and Get with It" el grupo lleva la versión de Bobby Marchan a su peculiar boogie rock.
Para finalizar las versiones "Born to be wild" de los Steppenwolf es el tema mas caótico del album, en una explosión de hard rock desenfrenado. De los temas propios destaca "In Like a Shot from my Gun", con ese ritmo contagioso característico de Slade, al igual que "Know Who You Are", finalizando con la rock´n´roll "Keep on Rocking", logrando con este soberbio directo una segunda posición en las listas británicas en los UK Albums Chart.

Captain Marryat-Captain Marryat (1974)

Otra de las muchas bandas perdidas en el camino del infinito Universo rock fueron Captain Marryat, banda escocesa que tuvo el lastre de no haber nacido en Inglaterra.
Formados por el bateria Jimmy Rorrison, el bajista Hugh Finnegan, el guitarrista Ian McEleny, el teclista Allen Bryce y el vocalista Tommy Hendry, comienzan su andadura en su Glasgow natal. En 1974 publican un Lp con una tirada inicial de 250 copias bajo el sello independiente Thor Records. Durante sus conciertos estos discos se ponían a la venta en la entrada, conciertos por cierto en donde solían telonear a grupos como Nazareth o Alex Harvey Band. Con un estilo que iba desde el hard rock hasta el progresivo épico, y deudores de bandas como los primeros Deep Purple o Uriah Heep, Captain Marryat  lograron hacer un Lp tan memorable como antologico, "Songwriter´s Lament" es un espectacular tema progresivo en donde el órgano toma el protagonismo secundado por los acordes de guitarra y una sección rítmica poderosa, "Dance of Thor" en cambio es liderado por las notas de una guitarra hiriente y afilada secundada por el frenético ritmo de la banda, mientras la inicial y épica "Blindness" con un crescendo entre el órgano y guitarra nos recuerdan a los mencionados Uriah Heep.
Sin embargo es la extensa "It Happened to Me" el tema mas emblemático de este album, que demuestra el rock progresivo que esta efímera banda sabian hacer.
Actualmente este desaparecido album es cotizado a precios desorbitados, llegando algunos melomanos a pagar la increíble cifra de tres mil libras esterlinas por una de las copias de este album.

Jeff Beck, Tim Bogert & Carmine Appice-Beck, Bogert & Appice (1973)

En 1973 Jeff Beck dio por terminada su aventura con la Jeff Beck Group, desmantelando la formación, e iniciando otro proyecto a modo de un poderoso trío junto a Carmine Appice y Tim Bogert, una de las mejores secciones rítmicas de la época, con los que grabara el album hononimo "Beck, Bogert & Appice", un magnífico disco que fue criticado por algunos por su producción "menor" y también por no haber incluido a un buen vocalista. Nadie duda que este disco con Rod Stewart o incluso con Bobby Tench (sus dos vocalistas en la Jeff Beck Group) posiblemente hubieran ganado muchos más enteros, pero Beck no quiso darle demasiado protagonismo a las voces en este album, y decidio prescindir de ellos.
En cualquier caso, este disco fue la confirmación de la enorme calidad de los tres magníficos músicos, con un trabajo memorable en donde demuestran una gran compenetración entre los tres, y un gran feeling tanto en el plano de composición como en el instrumental. Temas como la blues rock "Black Cat Moan", la poderosa "Lady", el contundente rock "Why Should I Care About You Now" o las funk "Lose Myself With You" y "Superstition" dejan claro la enorme calidad del álbum. Sin embargo, para aquellos que cuestionaron la parte vocal, la banda demuestra en “Oh To Love You", "Sweet Sweet Surrender" o el magnífico "I'm So Proud" la suficiencia justa para demostrarles que estaban muy equivocados.

Henry Paul Band-Grey Ghost (1979)

Henry Paul Band es una de las bandas de culto del rock sureño que publico una serie de grandes albumes entre el periodo comprendido de 1979 y 1982. Fundado por el ex guitarrista de los Outlaws Henry Paul, el resto estaba formado por los guitarras Jim Fish y Bill Crain, el bajo Wally Dentz, el bateria Bill Hoffman y el percusionista Joe Lala. En 1979 hicieron su debut bajo el sello Atlantic Records con el album "Grey Ghost", un trabajo repleto de clasicos del southern rock como "So Long", Cross Fire", "Follin", "Lonely Dreamer" o la impresionante "Grey Ghost", un soberbio tema que recuerdan a las epicas "Free Bird" de Lynyrd Skynyrd o "Green Grass And High Tides" de los Outlaws y que fue escrita en memoria de Ronnie Van Zant.
Posteriormente grabarían tres albumes mas, hasta que Henry Paul volvería a integrarse en los Outlaws para el album "Soldiers of Fortune" de 1986.

Tony Banks-A Curious Feeling (1979)

Genesis se tomaron una largo descanso después del album "And Then There Were Three" de 1978, entre otros motivos estaban por medio los problemas de Phil Collins en su matrimonio y las ansias de Mike Rutherford y Tony Banks de completar algunos proyectos en solitario.
Así mientras Phil Collins estaba totalmente fuera de juego, Mike Rutherford se dedico a componer y grabar su album debut "Smallcreep´s Day" que aparecería en 1980, Tony Banks por su parte haria lo mismo con su album "A Curious Feeling" que seria publicado en 1979.
Tony Banks siempre fue el integrante de Genesis menos exitoso artísticamente, manteniendose a la sombra continuamente y el mas retraído de todos, sus mejores contribuciones a nivel compositivo con Genesis llegarían después del album "The Lamb Lies Down on Broadway", con la autoria de joyas como "A Trick of The Tail", "One For The Vine", "Afterglow", "Undertown", "Burning Rope", "Many too Many" o "The Lady Lies". Son precisamente las cuatro ultimas pertenecientes al "And Then There Were Three" el album donde mas protagonismo tuvo, y al mismo tiempo en donde habían mas composiciones suyas.
Por lo tanto no es de extrañar que "A Curious Feeling" tenga un sabor a ese album, con grandes orquestaciones a partir de su arsenal de teclados y la potente bateria de Chester Thompson.
Para este trabajo Banks confecciono un album conceptual basado en la historia del hombre y su paulatina perdida de cordura. Para el rol de vocalista Banks acudió a Kim Beacon que gracias al dramatismo de su voz fue el cantante idóneo para dar consistencia a esta obra.
En un album donde cualquiera de sus temas son destacables, son sin embargo la dramática "Lucky Me" o las progresivas "Forever Morning", "You", "Somebody Else´s Dream" o “The Waters of Lethe" las que acercaban al sonido característico de su banda madre.

Roger Glover-The Butterfly Ball and the Grasshopper's Feast (1974)

A principios de 1974 las relaciones en el seno de Deep Purple estaban en un punto muerto, en donde las tensiones internas terminaron por la salida de Roger Glover, invitado a ello por el irascible Ritchie Blackmore, siendo sustituido por el bajista Glenn Hughes.
A partir de aquí Glover se dedicaría a producir algunos trabajos de bandas como Nazareth, Judas Priest o Rory Gallagher entre otros ademas de seguir su carrera en solitario.
Ese mismo año 1974 Jon Lord el teclista de los Purple estaba trabajando en una obra basada en un libro infantil ilustrado de Willliam Plomer del siglo XVIII, para ello invita a Roger Glover asumiendo plenamente las tareas de producción, en lo que debería haber sido originalemente un album en solitario de su amigo Jon Lord.
Sin embargo una serie de contratiempos impidieron al propio Lord dedicarse y continuar con el proyecto, y Glover no se lo pensó dos veces y ademas de producir, seria el principal compositor de este album conceptual a modo de opera rock, y también se convirtiria en el director general de dicho proyecto.
"Butterfly Ball And The Grashopper´s Feast" es un doble album grabado a modo de opera rock, todas las canciones llevan la firma del Roger Glover, tres de las cuales fueron junto a Eddie Hardin, antiguo cantante y teclista de los Spencer Davis Group, y en otras dos aparecen como coautores Ronnie James Dio y Mickey Lee Soule, teclista de ELF, por entonces la banda de Dio.
El ex bajista de Purple estaba entusiasmado con esta iniciativa, que estaba ganando mucha relevancia, por lo que no tardo en llamar a una inmensa tropa de grandes músicos para que colaborarán en el album. Entre otros muchos acudieron a la llamada sus ex-compañeros en Deep Purple: Ian Gillan, Tony Ashton, David Coverdale, Jon Lord, ademas de Ronnie James Dio, Ray Fenwick, Eddie Jobson, John Lawton, o Glenn Hughes.  También contaría con algunos actores y cantantes de la escena musical de Londres. "Butterfly Ball…" es una obra agradable, muy cohesionada, y a diferencia de la critica de la epoca que la considero hermética e irregular, el resultado es una obra bien estructurada musicalmente con complejos arreglos y grandes instrumentaciones. Su principal atractivo reside en su faceta psicodélica con guiños al progresivo que incluso tiende una mano al pop.
Al año siguiente Roger Glover lograría llevar el espectáculo a Londres para presentar la obra en vivo, con la presencia de algunos de los músicos que intervinieron en las grabaciones de estudio, incluso participaría Ian Gillan que fue llamado apresuradamente por que el cantante oficial, Dio, cancelo a ultima hora su actuación…debido a las presiones de su nuevo jefe, Ritchie Blackmore, (Dio acababa de entrar a formar parte de los Rainbow) quien le prohibió tajantemente participar en el espectáculo.

Cactus-One Way...Or Another (1971)

Surgidos de las cenizas de los inconmensurables Vanilla Fudge, para muchos esta fue la mejor respuesta norteamericana a Led Zeppelin, y aunque ellos tenían muchos argumentos para ello, lo cierto es que el poder y la energía de Tim Bogert, Carmine Appice, Rusty Day y Jim McCarty era un rock menos pulido y mas visceral que las huestes de Page y Plant.
Después de un primer album sorprendente en donde sobresalían temas como "Parchman Farm" o "Feel So Good", llegaría su segunda y mejor obra "One Way…Or Another" publicado en 1971. Para este album seria el famoso Eddie Kramer quien les guiara en la producción del disco, y su labor se nota en la progresiva "One Way…", otros temas como "Rock´N´Roll Children" es pura dinamita en la guitarra de McCarty, mientras "Long Tall Sally" es un boogie rock contenido con un ritmo melódicamente adictivo.
Pero la banda también muestra su versatilidad y su vena psicodélica con la hipnótica "Feel So Bad", o la zeppeliana "Hometown Bust".
Cactus no tuvo mucha mas continuidad, después de dos aceptables albumes posteriores, terminarían disolviendose a finales de 1972, cuando Jeff Beck llamaría a Bogert y Appice para constituir el trío Beck, Bogert & Appice con los que grabarían dos estupendos trabajos pero mas enfocados a los sonidos blues.