Larry Carlton

Larry Carlton es uno de los grandes guitarristas del jazz, su estilo polivalente y su enorme talento lo ha demostrado en una fructífera carrera de mas de 50 años, dejando tras de si mas de treinta álbumes en solitario en donde a navegado entre el jazz fusión, jazz rock, el blues y el rock.
Además de sus discos en solitario, ha sido uno prolífico músico de sesión colaborando en cientos de grabaciones para otros artistas entre los que se encuentran Steely Dan, Al Jarreau, Michael Franks, Spyro Gyra o Randy Crawford entre otros muchos mas.
Incluso ha compuesto diferentes bandas sonoras para series de TV y del cine como la famosa serie “Hill Street Blues”, lo que que le valdría ganar el premio Grammy en 1981.
Su primer trabajo fue el álbum “With A Little Help From My Friends” lanzado en 1968, el cual tuvo una gran aceptación por parte del publico y la critica a nivel mundial. Ya a principios de los 70 pasa a formar parte de la banda de jazz rock The Crusaders, con quienes graba once álbumes empezando por “Crusaders 1” (1972), hasta “Those Southern Knights” (1976), sin embargo este ultimo ya como músico invitado, y participando en posteriores trabajos del grupo, aportando en todos ellos sus propias composiciones y su estilo melódico con su famosa guitarra Gibson ES-335.
Una guitarra que el propio Carlton le daría el apodo de “Mr.335”, creando incluso su propio estudio de grabación el cual llamaría “Room 335”.
Una vez abandono The Crusaders, Larry Carlton firmaría con la Warner Bros y lanzaría una retahíla de grandes álbumes enfocados al jazz fusión.
Entre esos álbumes destacan trabajos como el debut “Larry Carlton” (1978), el directo "Mr. 335: Live in Japan"(1979), o los brillantes "Sleepwalk" (1981), "Strikes Twice" (1981), "Eight Times Up” (1983) o "Friends"(1983).
Todos ellos con unas exquisitas producciones, repletas de ricos matices y una gran variedad de estilos en donde se dan cabida bajo el estilo jazzistico, el rock, el funk, el soul y el blues.
En 1985 con su noveno disco "Alone But Never Alone", logra alcanzar el número uno en el Billboard Jazz, e incluso consiguió otro premio Grammy por el tema "Minute by Minute" y recibió una nominación en la categoría "Mejor Interpretación de Jazz Fusión" por su álbum en directo "Last Nite" (1986).
A finales de la década de los ochenta publica su álbum mas rock hasta entonces “On Solid Ground”, pero antes de la salida de ese álbum tiene lugar un hecho que marcara la vida de Larry Carlton. Una noche a la salida del estudio de grabación, un individuo desconocido le propina varios disparos que esta a punto de acabar con su vida.
Este dramático hecho le llevaría a un largo proceso de hospitalización seguido de interminables y dolorosas sesiones de recuperación. Algún tiempo después el guitarrista empieza a reconstruir su vida personal y profesional disminuyendo drásticamente sus apariciones en vivo, aunque poco a poco retomaría su carrera como músico de sesión, llegando a la asombrosa cantidad de cerca de las tres mil colaboraciones a mediados de los noventa
A finales del siglo 20, participaría en el proyecto Fourplay, una súper banda de jazz formada por Bob James, Nathan East y Harvey Mason y con quienes ha grabado un total de diez álbumes.

Jane

Jane es junto a otras bandas germanas como Guru Guru, Amon Duul II o Grobschnitt, que aún hoy en día siguen manteniendo vivo el genero krautrock de principio de los setenta, conservando aquel espíritu que revolucionaria la música vanguardista de la música rock.
Fundada en 1970 en la ciudad de Hannover, durante toda su carrera Jane ha tenido innumerables cambios de formación, hasta el punto que a mediados de los noventa se formaron tres bandas paralelas con diferentes miembros originales.
Jane practicaban un estilo que mantenía la síntesis del hard rock progresivo con pinceladas psicodélicas y espaciales muy cercanas a los primeros Pink Floyd. Sus orígenes están en la banda psicodélica Justice Of Peace, los cuales publicaron un sencillo de escaso éxito y en donde contaban con los futuros miembros de Jane, Peter Panka (voz), Klaus Hees (bajo) y Werner Nadolny (saxo).
Ya como Jane, la banda se reestructurarían, formando Panka a la batería y voz, Hess a la guitarra, Charly Maucher al bajo, Berndt Pulst a la voz y Nadolny a los teclados.
Esta primera formación lanzaría el primer álbum “Together” (1972), un disco cargado de un pesado sonido de blues rock con toneladas de órgano Hammond y unos ritmos hipnóticos que fue recibido calurosamente por la prensa germana y obtuvo una buena acogida por parte de los fans al rock progresivo.
Pero a partir de aquí empieza el continuo cambio de integrantes, algo que por otra parte nunca mermaría la calidad del grupo.
Después de varias nuevas incorporaciones se publica “Here We Are” (1973), en donde continuaban con la misma formula musical que el anterior, pero aplicando mas armonía y la introducción de diferentes elementos como los sintetizadores, como queda demostrado en el tema espacial y sombrío “Out In The Radio”. En “Jane III” (1974), la banda deriva su estilo hacia sonidos mas abrasadores de guitarra hard rock, una propuesta que seguía presente en el cuarto álbum “Lady”, en donde los sonidos mas duros se veían reflejados gracias a las incorporaciones de músicos como el guitarrista Matthias Jobs, quien algún tiempo mas tarde pasaría a engrosar la banda de heavy metal Scorpions.
En 1976 llegaría una de las obras cumbres de Jane con el álbum “Fire, Water, Earth & Air”, en donde aparecían las enormes suites progresivas “Air (Let The Sunshine In) + The End” y la que daba titulo álbum.
El enorme doble en directo “Live At Home”, publicado un año después, no hizo mas que confirmar el auge creativo de Jane, logrando abrirse camino en los mercados internacionales como Estados Unidos, Gran Bretaña o Japón con un tremendo éxito de ventas.
Con unas atmósferas conceptuales mas oscuras, llegaría el séptimo album “Between Heaven and Hell” (1977), que siguiendo los paradigmas del rock progresivo, volvía a triunfar dentro y fuera de las fronteras alemanas.
Llegados a este punto, Jane se habían convertido, pese a sus innumerables cambios de integrantes, (siempre alrededor de su fundador Peter Panka), en una de las bandas favoritas de los alemanas, suizos o austriacos, ganando también muchos adeptos en Inglaterra y otros países.
En una onda similar, en 1978 llegaría “Age Of Madness”, con el cual se embarcaron en una exitosa gira por toda Europa. Sin embargo los signos del agotamiento creativo llegarían en el siguiente “Sign No. 9”, el cual adolecía de los ambientes espaciosos creados por los teclados en favor de un dominio mas predominante y convencional de las guitarras, por lo cual fue menospreciado por los fans mas puristas y perdió el interés del publico en general.
Ya en la década de los 80 la banda afrontaba una nueva etapa mas enfocada hacia los sonidos cercanos a la new wave, el jazz, las experimentaciones tecnológicas y el rock mas previsible con los álbumes “Jane” (1980), “Germania” (1982), “Beautiful Lady” (1986) o “Genuine” (2002), este ultimo un intento fallido de recobrar los sonidos de antaño.
A partir de la década de los noventa la banda se divide en diferentes ramificaciones como Lady Jane con Peter Panka como líder, Mother Jane con Hess como hilo conductor o Pater Panka´s Jane, los cuales han seguido publicando discos y actuando regularmente por Europa con cierto éxito conservando el gran legado que el rock alemán dejaría para la historia de la música.

Ginger Baker´s Air Force

Una vez acabada la aventura de Blind Faith, a finales de 1969, Ginger Baker quiso reunir una nueva banda a la que llamo Air Force, en un intento de crear una escuela de rock.
Todo surgiría tras un concierto en el que se reunieron algunos de los mas renombrados músicos de la época, como Steve Winwood, Denny Laine, Graham Bond, Chris Wood, Ric Grech o Harold McNair, además del propio Baker.
De esta simple reunión ocasional surgiría algo mas que esa colaboración en vivo, ya que todos ellos saldrían encantados con la experiencia vivida, gracias a la gran sonoridad y al feeling que conseguirán aquel día.
Fue entonces cuando Ginger Baker pensó en dar forma a una especie de escuela del rock y mantuvo las riendas esa fenomenal alineación, cuyo único patrón era que en ella podría a entrar a formar parte quien quisiera sin compromiso alguno.
Estaba claro que lo que en un principio quería idear Baker era a semejanza de lo que hasta ese momento ya llevaba en practica John Mayall, con la diferencia de que el propio Baker jamás podría ejercer el liderazgo que aquel mantenía en sus constantes proyectos, debido en parte al poco carisma que poseía y a su agrio carácter.

Poco después la banda realiza dos memorables conciertos en el Town Hall de Birmingham y en el Royal Albert Hall de Londres, ambos a finales de 1969.
Los resultados de ambos conciertos se derivan en unas excelentes críticas, las cuales precipitan que se publique en álbum el show realizado en Londres.
Este álbum en vivo titulado “Ginger Baker’s Air Force” fue publicado finalmente el 30 de marzo de 1970 para el mercado europeo y norteamericano. Debido a su duración fue confeccionado como un disco doble, el cual contenía ocho temas, la mayoría de ellos de una duración que sobrepasaban los diez minutos
Este primer álbum supondría un trabajo extraordinario en donde las fusiones del jazz, el rhythm and blues, el folk, y los sonidos étnicos eran muy elocuentes.
El álbum pronto escalaría las posiciones en los charts británicos y norteamericanos y es que para una banda la cual solo había ofrecido dos actuaciones en vivo, colocar con su primer álbum los puestos 33 y 37 respectivamente era algo sin precedentes hasta esos momentos.
Incluso la critica especializada, muy enemiga de las reuniones de los súper grupos, vieron con buenos ojos este insólito proyecto.
La impresionante formación de este primer álbum comprendía a Ginger Baker a la batería y percusiones, Denny Laine guitarra y vocales, Ric Grech al bajo y violines, Steve Winwood al órgano, bajo y vocales, Graham Bond al órgano hammond y vientos, Chris Wood a la flauta y vientos, Harold McNair a los vientos, Remi Kabaka y Phil Seamen a la percusiones, Bud Beadle, vientos y la vocalista Jeannette Jacobs.
Esta increíble formación lograba crear un clímax indescriptible debido en gran parte a la aportación de varias baterías y percusiones las cuales llegaban a transmitir un dialogo de enorme tensión y poderío.
Pero como era previsible y debido al ego y sobre todo al talento de sus integrantes, pronto empiezan a haber deserciones, por un lado el genio Steve Winwood abandona para reunificar a los míticos Traffic y con el se va Wood y Grech, por su parte Denny Laine es llamado por Paul McCartney para pasar a formar parte de su nueva banda Wings y más tarde y poco a poco seguirán el mismo camino el resto de la banda a excepción de Bond y Beadle que continuaron junto a Baker.
Con nuevos refuerzos como el saxofonista Steve Gregory, el bajista Colin Gibson, el percusionista Neemoi Acquaye y las coristas Catherine James, Aliki Ashman y Diane Stewart el grupo parecía que empezaba una nueva etapa realizando una larguísima gira por los Estados Unidos, en un intento de emular las sensaciones de unos nuevos Blind Faith.
Pero la enorme complejidad musical y el poco apoyo publicitario, hicieron de ese tour un fracaso absoluto, con unas ventas de localidades muy escasas, precipitando que el proyecto colapsara justo en el momento en que el grupo ultimaba la grabación del segundo álbum, “Ginger Baker´s Air Force 2” (1970).
Esto aceleraría la total desaparición del grupo a finales de ese mismo año, no sin antes haber dejado impreso su pase por la faz musical mundial con pruebas magistrales de la calidad que atesoraba el grupo mientras duro.
Varios años después Baker formaría el grupo Baker Gurvitz Army, grabando tres meritorios álbumes mas, aunque estos enfocados hacia los terrenos del hard rock, por su parte el otro único superviviente original y gran protagonista de la banda, Graham Bond y en medio de una gran crisis financiera, sentimental y con las secuelas de su recuperación a la adicción a las drogas, terminaría bajo las ruedas de un tren en la estación Finsbury Park de Londres el ocho de mayo de 1974

Van Der Graaf Generator

Este mitico grupo británico ha vivido una larga e intensa historia que daría lo mejor de sí entre 1969 y 1972, precisamente la mejor época del rock progresivo, pero que en los sucesivos 40 años ha seguido manteniendose como una de las mas longevas de la historia.
Considerada una de las bandas de este genero más destacadas de la era de los 70 y liderada por el incomparable e intenso compositor, vocalista, pianista y guitarrista, Peter Hammill, la agrupación supo crear un sutil rock sinfónico, en donde son características fundamentales las inflexiones y giros vocales, las letras existencialistas y las complejas composiciones instrumentales. Además, Peter Hammill tiene una brillante carrera como solista, que hasta nuestros días lo mantiene en constante actividad, convirtiéndose en una de las figuras de culto mas esenciales de la vanguardia de todos los tiempos.
Todo empezaría a mediados de 1967 en la ciudad de Manchester, cuando Chris Judge-Smith, se uniría a Peter Hammill y al teclista Nick Peame, para formar una banda  la cual bautizaron con el nombre de Van Der Graaf Generator, en honor a un físico nuclear norteamericano. De este primer núcleo saldría la primera formación oficial del grupo que además de los mencionados comprendían también a Hugh Banton al órgano, Guy Randolph Evans a la batería y Keith Ian Ellis al bajo.
En 1968 publican su primer elepé, “The Aerosol Grey Machine” (1969), un excéntrico trabajo que en un principio fue concebido como álbum solista de Peter Hammill, y que pasa totalmente desapercibido por la critica y él publico en general.
Seria justo después de este álbum cuando Tony Stratton Smith, un afamado periodista musical que acababa de crear el sello Charisma, se interesa por el grupo y les contrata y así al año siguiente, con el reemplazo de Ellis por Nic Potter y la incorporación del saxofonista David Jackson, editan su segundo álbum, “The Least We Can Do Is Wave To Each Other” (1969), un trabajo sobrecogedor y sorprendente, aquí el grupo ya muestra una faceta barroca con unos textos excelentes de Hammill, que hablan desde lo místico hasta lo cotidiano, pasando por la religión, la astrología...etc.
El grupo mostraba también aquí su lado gótico y atmosférico, en el que recreaban su propia versión del Apocalipsis, con referencias cruzadas al ocultismo y a la ciencia atómica nuclear, aparte de incluir el gran tema “Refugees”.
La música en si era intensa y furiosa por momentos, en donde dan cabida desde el jazz, hasta la psicodelia y al rhythm blues, el órgano electrónico de Benton, el sonido punzante del saxo de Jackson, el frenético ritmo de Evans y la inigualable voz de Hammill, crean un impacto sonoro impresionante y arrollador.
Temas como la opresiva “Darkness”, la melódica “Refugees” o la sutil “Out fo my book”, conforman un álbum que quedara como una obra maestra del rock progresivo.
Este lanzamiento consigue unas grandes criticas tanto de publico como de la prensa especializada y logra entrar én los charts británicos alcanzando muy buenas ventas.
Un año después aparece otro de sus grandes discos “H To He Who Am The Only One”, (1970), en donde continúan por la senda del anterior y confirman su sonido característico, sobresaliendo el sonido envolvente del órgano Hammond que involucra a la música en un estado mucho mas sepulcral y violenta, y en medio del tinglado electrónico aparece la guitarra de Robert Fripp, invitado de lujo en este álbum.
La siniestra “Killer”, la complejísima “The Emperor in His War-Room” o la melódica “House with no Door”, vuelven a poner al grupo entre la vanguardia del rock sinfónico de esa época.
Después de este ultimo álbum el bajista Nic Potter abandona el grupo y lejos de ser remplazado por un nuevo músico, el cometido de su instrumento fue sustituido por los pedales del órgano de Banton
Con la partida de Potter, la banda publica en 1971 un sofisticado álbum titulado “Pawn Hearts”, quizás la obra más ambiciosa del grupo, en la cual también contarían con la colaboración de Robert Fripp a las guitarras.
El grupo experimentaría aquí el modelo de “Foxtrot” de Genesis, con una larguísima suite de 22 minutos titulada “A Plague of lighthouse keepers”, secundada por las baladas “Lemmings” y “Man erg”, dos ejercicios deslumbrantes de art-rock
Pero a partir de aquí la banda empieza a encontrar una serie de dificultades, entre ellas las del propio Hammill, que desea un mayor protagonismo en solitario.
Tanto es así que Hammill disuelve la agrupación y comienza su carrera como solista, editando una serie de reconocidos trabajos como “Fool’s Mate” 1971, (nuevamente con la participación de Robert Fripp), “Chameleon In The Shadow Of The Night” (1973) y “The Silent Corner And The Empty Stage” (1974) este ultimo junto a Randy California, entre otros.
Pero mientras Hammill explotaba su imaginación lírica en sus trabajos en solitario el resto del grupo no se esta quieto y forman una banda a la que denominan Long Hello y con la cual publicarían un disco homónimo en 1974 bajo el sello Charisma sin ninguna repercusión comercial.
Un año después Hammill reforma la banda con la misma formación (Banton, Evans y Jackson), volviendo con el excelente disco “Godbluff” (1975). Un trabajo más terrenal, lejos de las grandilocuencias suites de antaño y las sepulcrales atmósferas del inicio.
Este nuevo album seria un notable regreso, con un Hammill más en el frente que nunca, el saxo y el órgano tomando un rol protagónico e incluso en pequeños detalles como el de la recreación del potente riff de “Killer” en el tema “Arrow”.
Aún así el propio Hammill no renuncia a la idea de seguir una carrera en paralelo y publica los álbumes “In Camera” (1974) y “Nadir´s big Chance” (1975), un pletórico ejercicio sonoro electrónico en donde se inventa el personaje de Rikki Nadir, un personaje clave a la inspiración del movimiento punk que llegaría mas tarde.
Un año después llegarían los álbumes de Van Der Graaf; “Still Life”, con una temática muy similar al anterior y “World Record”, en el cual Peter Hammill expande sus horizontes instrumentales dando más espacio a su guitarra eléctrica (a la que dedica una pieza completa llamada “Meurglys III”) y por vez primera a los sintetizadores. La experimentación resulta exitosa y permite al grupo no repetirse emulando los dos anteriores trabajos “Godbluff” y “Still Life”. Esto le da una personalidad propia a “World Record”. Además, este sería el último disco en el que participaría el saxofonista David Jackson y el organista Hugh Banton, por lo que el grupo acortaría su nombre simplemente a “Van Der Graaf” y cambiaría nuevamente de formato.
En cualquier caso son trabajos en los que exhibían un sonido más apretado y poderoso, y poco después se integra el violinista Graham Smith. Con el sonido de los vientos reemplazado por el violín y sólo bajo el nombre de Van Der Graaf, editan el disco “The Quiet Zone/The Pleasure Dome” en 1977 y al año siguiente el trabajo doble en directo, “Vital”, que fue su despedida, no precisamente notable por su calidad de grabación para lo que Van Der Graaf había hecho en años anteriores.
Ya empezada la nueva década de los ochenta llegarían varios álbumes mas; “Rock Heavies” (1980) y “Now & Then”, aparecido en 1986.
La carrera de Peter Hammill en cambio seguía sin ningún problema publicando interesantes trabajos y convirtiéndose de paso en una figura de culto para los seguidores del rock progresivo.
Trabajos como “Over” (1977), “The Future Now” (1978), “PH7” (1979), o “Black Box” (1980), eran caldo de cultivo para sus experimentaciones mas variadas, desde el rock convencional hasta casi un estilo minimalista, publicando en adelante numerosos trabajos todos ellos muy apreciados por los fans de alrededor del mundo.
Volviendo al grupo, ya en los ‘90 se reunieron para algunas grabaciones en vivo, además de editarse variadas recopilaciones, entre las que destaca “Maida Vale” de 1994, un recopilatorio de sus registros para la BBC entre el ‘71 y el ’76, donde todavía asombra la capacidad de la banda para tocar complejas piezas como “Darkness” y “Man-Erg”. En 1993 aparece “I Prophesy Disaster”, otra compilación que incluía el bonus tracks de un impresionante tema llamado ‘W’, claro ejemplo de una época intensamente bizarra.
Ya en el año 2005 el grupo vuelve a reunir la formación original para publicar el álbum “Present”, y después de este el grupo ya conformado como trío, sin Jackson han publicado los trabajos “Trisector” (2008) y “A Grounding in Numbers” (2011)
En definitiva Van Der Graaf Generator fue una de las pocas puntas de lanza del art rock británico en alcanzar reconocimiento, más que un status de culto, en Estados Unidos. La banda esculpió sólidos cimientos de un estilo gótico gracias al sonido del órgano Hammond de iglesia que desprendía el teclado de Hugh Banton, una vibra virtuosa en la compleja batería de Guy Evans y la lírica flagelante e intensamente existencialista de Peter Hammil. De hecho las oscuras y quejumbrosas visiones de este último fueron reconocidas por un personaje del punk rock de fines de los ‘70, como fue el mismísimo Johnny Rotten de los Sex Pistols.

America

Consideradas una de las máximas expresiones de folk rok melódico y comercial, America fueron una banda digna sucesora de los míticos Crosby, Stills, Nash and Young, con sabias composiciones de corte acústico-eléctrico junto a un sobresaliente trabajo con sus irresistibles melodías vocales
Formados a finales de los 60 en el Reino Unido cuando dos estudiantes hijos de militares norteamericanos destinados en una de sus bases en Inglaterra, Dan Peek y Gerry Beckley, se unen al británico Denny Bunnell y forman un trío acústico de folk, bajo el nombre de America.
Ya a comienzos de la década de los 70 cosecharon mucha popularidad en Inglaterra y telonearon para artistas como Elton John entre otros igualmente importantes en la escena de la música rock de la época.
En 1972 y gracias a su representante Jeff Dexter consiguieron firmar con la Warner Bros y publican su primer álbum "America" (1972), un trabajo producido por Ian Samwell y el propio Dexter, que contenía los hits "A horse with no name" y "I need you", dos estupendos temas de gran repercusión comercial, en especial "A horse with no name", una canción muy similar al estilo de los mencionados CSNY, que lograría el numero 1 en las listas de éxitos de Estados Unidos y de medio mundo, puesto que también alcanzaría el Lp.
La continuación a su debut sería el excelente "Homecoming" (1973), otro triunfal disco que incluía cortes tan emblemáticos como "Ventura Highway", "Only in your heart" o "Don't cross the river".
"Hat Trick" (1973), su siguiente larga duración, supuso un serio traspiés en la trayectoria de America, ya que no funciono comercialmente ni tenia la creatividad de las anteriores obras. El sencillo "Muskrat Love", tampoco obtuvo las ventas de los singles predecesores. El grupo necesitaba un estimulo y ese se produjo con la llegada de George Martin, el ex productor de los Beatles, que comenzó su colaboración con el grupo con la publicación del siguiente álbum "Holiday" (1974), un Lp que los devolvió a los primeros puestos de las listas con grandes canciones como "Lonely people" o "Tin man".  
En el siguiente "Hearts" (1975), otro disco producido por Martin, incluían el sencillo "Sister golden Hair", una canción que los llevo de nuevo al numero uno en singles. Los trabajos en álbumes eran algo inferiores a sus dos primeros Lps, pero sin embargo, en sus singles como en el citado "Sister golden hair", continuaban manteniendo a America entre los grupos de mayor éxito en el soft-rock. En el disco también incluían los temas "Daisy Jane" o "Woman tonight", dos canciones que se incluirían en “History" (1975), un recopilatorio que recogía sus mejores composiciones y que lograría un gran éxito comercial.
George Martin como productor y Geoff Emerick como ingeniero también ayudaron a America en "Hideaway" (1976), un irregular disco que contenía temas como "Today's the day", "Lovelight Night" o "Amber Cascades" y el meritorio "Harbor" (1977), un trabajo que sería el preludio de la marcha de Peek, quien abandono a sus dos compañeros para dedicarse a interpretar canciones de corte espiritual.
Beckley y Bunnell continuarían grabando con el nombre de America publicando los álbumes "Silent Letter" (1979), un buen trabajo que no recuperaba el fervor comercial de sus tiempos pasados.
Llegados a este punto George Martin puso punto y final a su colaboración con el dúo. Su siguiente trabajo fue el intrascendente "Alibi" (1982), continuado por "View from the ground" (1983), un Lp producido por el famoso ex componente de Argent, Russ Ballard, que contenía el single "You can do magic", un tema escrito por el propio Ballard que los coloco entre los puestos mas vendidos de las listas americanas.  
En "Your move" (1983) y "Perspective" (1984), intentaron enfatizar sus acercamientos a los sintetizadores de la época, pero los resultados no fueron satisfactorios y supuso la ruptura de la pareja, que diez años después volverían a grabar un nuevo disco titulado "Hourglass" (1994), en el que recuperaban su ultimo gran éxito, "You can do Magic". Su ultimo Lp en estudio sería "Human Nature" (1998), un trabajo publicado junto a varios discos en directo que recogían diferentes actuaciones en vivo, en donde rememoraban los grandes temas de su mejor periodo creativo y comercial.

Popol Vuh

Si algo caracterizaba al krautrock, era que gran parte de los grupos alemanes que se encuadraron dentro de este genero, perseguían objetivos musicales muy diferentes, contribuyendo así a definir un amplio abanico musical y escénico bastante heterogéneo, en donde grupos tan dispares hacían un fuerte común a la causa, ya sea por el robótico estilo de Kraftwerk, el sonido cósmico de Tangerine Dream, la agresividad de Faust, el progresismo de Eloy, el estilo hipnótico de Can o las dulces y estáticas composiciones de Popol Vuh.
Este ultimo grupo nacido en los suburbios de Múnich, debe su original nombre al libro sagrado “Quiche”, una tribu de indios descendientes directos de los Mayas.
Fundado por el teclista Florian Fricke, un virtuoso del moog y los sintetizadores, que reclutaría a Frank Fiedler, teclados y a Holger Trulzsch en las percusiones y debutan con el álbum “Affenstunde” (1970), en donde la unidad material e inmaterial de los sonidos y del microcosmos humano, y con mucho énfasis en la meditación mística e esotérica, es la predominante del álbum y con una nula aparición de melodías o ritmos sostenidos.
Este misma formula se repetía mas si cabe, en el segundo disco, “In den Garten Pharaos” (1971), en el cual intentaban concebir un potente medio terapéutico capaz de obrar sobre el espíritu y restituir la armonía y el equilibrio, por lo tanto un álbum hipnótico a la vez que sofisticadísimo.
Este álbum supondría en cambio una mayor instrumentación acústica en detrimento de la electrónica y que se demuestra claramente en su siguiente obra “Hosianna Mantra” (1972), un tremendo disco cósmico lleno de encanto con mucha espiritualidad cristiana y el mantra junto a las placenteras voces de la soprano coreana Djong Yun.
Pero además de todo esto y junto con el abandono de los sintetizadores en favor de guitarras y percusiones, el grupo tuvo por primera vez la ayuda externa de colaboradores que ayudaron a pacificar su música, músicos como el guitarrista Conny Veit, el oboe de Robert Eliscu, los violines de Fritz Sohnleiter o las percusiones de Klaus Weise.
Llegados a este punto las tradiciones del fundamentalismo budista y del hinduismo seguían alimentando las asombrosas ideas de Fricke, que terminarían por el abandono de sus germinales compañeros.
Aún así sus colaboradores en el anterior álbum participaran en la siguiente obra “Seligpreisung” (1973), en el cual Fricke nos acerca a la Biblia y se inspira en las
“Bienaventuranzas”, (Mateo 5, 1.12 y en Lucas 6, 20.26), según el, los retratos más fieles de Jesucristo y el modelo de vida más puro que el mismo nos propuso.
“Einsjager & Siebenjager” (1974), su siguiente obra nos dejaba una música más simple y delicada e incluso mucho más conmovedora, llena de cálidos matices poéticos, convirtiéndose para Fricke en una plegaria.
En “Das Hohelied Salomos” (1975), Fricke continuaba con los textos sagrados iniciados en “Seligpreisung”, aquí era el Rey Salomón y sus salmos el aludido.
En estos dos últimos trabajos Fricke había constituido nuevamente un verdadero grupo, y sus viejos colaboradores como Yung o Fichelscher habían pasado de pleno derecho a formar como miembros de Popol Vuh, además se unirían los músicos Alois Gromer, sitar y Shana Kumar, tabla.
Un año después y junto a Fichelscher grabaría “Letze Tage-Letze Nachte”, un disco que daría paso a “Yoga”, grabado ese mismo año en donde el propio Fricke junto a un nutrido grupo de músicos indios hacia un tributo a todos los adeptos a esta disciplina oriental.
A partir de aquí y ya entrada la década de los ochenta Fricke seguirá publicando obras de mayor o menor entidad, algunos de ellos muy meritorios, como “Die Nacht der seele”, junto al cantante de Amon Duul II; Renate Knaup (1979),  “Sei Still, Wise ICH Bin” (1981) el cual tuvo la colaboración de Klaus Schulze, “Ágape Ágape” (1983 o “Spirit of Peace”, este ultimo de hermosa factura.
Además intensificaría sus colaboraciones con el director de cine Werner Herzog y prestaría su talento para la composición de algunas de sus bandas sonoras, “Nosferatu” (1978), “Fitzcarraldo” (1982) o “Cobra Verde” (1988).
“For You and Me” (1981), “City Raga” (1995), “Shepherd´s Symphony-Hirtensymphonie” (1997) y “Messa di Orfeo” (1999), serian los últimos trabajos publicados por Fricke.
Desgraciadamente varios años después, Florian Fricke fallecería en Múnich (2001) dando por terminada la historia del grupo definitivamente.

The Crazy World Of Arthur Brown

Con solo un álbum publicado, Arthur Brown y su banda The Crazy World pasarían a los anales del rock con letras mayúsculas, y es que este “chiflado” y exótico personaje se convertiría mas tarde en la principal influencia teatral de bandas como Kiss, Alice Cooper o King Diamond.
Nacido a mediados de 1944 en North Yorkshire, al norte de Gran Bretaña, se licenciaría en filosofía en la Universidad de Reading y cursaría estudios superiores de derecho en Londres, allí Brown empezaría a interesarse por la música y además de fundar una pequeña banda de blues, llega a militar en numeroso grupos locales.
Ya en 1966 inicia un breve periplo en Paris en donde da rienda suelta a su pasión por el teatro, en esa época graba varios temas que son incluidos en la película de Roger Vadim; “la Curee”.
De vuelta a Londres forma su propia banda a la que denomina Crazy World of Arthur Brown reclutando para ello a algunas grandes promesas del pop-rock de la época.
Uno de esos músicos era el teclista Vincent Crane, además del batería Drachen Theaker.
Con esta formación el grupo publica el single “Devil´s Grip” (1967) en el que cuenta además con la participación de Jon Hiseman.
Un año después saldría a la luz el tema “Fire”, que se convierte en poco tiempo en un éxito arrollador, alcanzando los primeros puestos de las listas a ambos lados del Atlántico.
En este segundo single el grupo se había reforzado con el bajista Sean Nicholas, sustituido mas tarde por Nick Greenwood.
Casi al mismo tiempo se publicaría el único trabajo del grupo “The Crazy World of Arthur Brown” (1968), producido por el guitarrista de The Who, Pete Townshend, y que se convertiría en uno de los discos imprescindibles del rock psicodélico, llegando a trascender mas allá de su época.
El álbum llegaba en un momento crucial de la historia del pop, en aquellos años el flower power estaba en el cenit de explosión creativa y Brown lejos de seguir aquella corriente, se lanza hacia casi a lo absurdo con unos ingredientes dramáticos, procedentes sin duda de su pasado teatral con un estilo espontáneo e intenso, sonidos que hasta ese momento nunca se habían escuchado.
El álbum al igual que su tema más representativo “Fire”, llega hasta lo mas alto de las listas de éxitos y contribuye positivamente a las frenéticas giras que el grupo comienza hacer por Estados Unidos y Europa.
Unos conciertos llenos de elementos teatrales, pinturas faciales, esquizofrénicos disfraces, y efectos pirotécnicos, como el casco con llamas del propio Brown, llegando incluso la aparición en el escenario completamente desnudo
Estos disparates escénicos les llegaron a costar mas de algún disgusto con pequeños incendios que estuvieron a punto de abrasar al propio Brown o incluso de los propios escenarios, además de otras lindeces como salir al escenario totalmente desnudo, motivo por el cual le costaría ser expulsado de Italia o tener serios problemas con la justicia de numerosos países.
En la gira Norteamérica llegaron a telonear a Jimi Hendrix y incluso llegaron a contar con Carl Palmer que sustituirá brevemente a Drachen.
Pero a finales de 1968 el grupo se desintegra y Brown funda Kingdom Come, banda la cual estaba formada por Andy Daley a las guitarras, Michael Harris a los teclados, Phil Shutt al bajo y Martín Steer a la batería, con esta formación el grupo publicaría los álbumes “Galatic Zoo Dossier” (1971) y “Arthur Brown´s Kingdom Come” (1972), el primero de ellos enfocado hacia derroteros de space-rock y el segundo mucho mas psicodélico y experimental pero ambos trabajos igualmente extravagantes.
En abril de 1973 aparecería la ultima obra de este proyecto titulado “Journey”, un trabajo más progresivo si cabe, con pinceladas de blues rock que se convierte en uno de los grandes discos del genero.
En este ultimo trabajo Victor Peirano y Tony Uter habían sustituido a Harris y Steer.
Por esa época, Brown además participa activamente en el álbum de Alan Parsons, “Tales of Mystery and Imagination”, y tendría un pequeño papel en la película de The Who “Tommy” y grabaría y posteriormente giraría con el teclista Klaus Schulze.
Después de la aventura de Kingdom Come se lanza en solitario con desigual fortuna publicando algunos buenos álbumes muy apreciados por los puristas del genero, así se fueron sucediendo “Dance” (1974), “Chisolm in my Bosom” (1978), “Faster Than The Speed of Light” (1980) trabajo este ultimo junto a Vincent Crane, “Réquiem” (1982) o “Order From Chaos” (1994).
En el año 1997 firmaría junto a la banda germana Die Kruup una versión de “Fire” y poco después participaría en el álbum del vocalista de Iron Maiden, Bruce Dickinson, “Chemical Weeding”.
En adelante Brown se sumerge en dispares proyectos y asociaciones como la banda de space rock Hawkwind, con quien ya había colaborado a principios de los setenta, o fundando grupos acústicos junto a Tim Rose y Rick Patten, reformando a los Kingdom Come o creando una banda denominada Giant Pocket Orchestra, en donde recreaba el estilo germinal de los Crazy World.

McGuinness Flint

Efímera banda británica que a semejanza de otras coetáneas de la época, baso su estilo en el folk rock con ramalazos pop, tomando como influencia el sonido americano.             
Todo comenzó cuando hacia mediados de 1969 el grupo Manfred Mann se separan temporalmente y uno de sus componentes, el bajista Tom McGuinness decide formar una nueva banda junto al batería de John Mayall, Hughie Flint y bautizan el grupo como McGuinness-Flint.
Completarían la formación dos músicos y compositores escoceses que trabajaban por aquella época para el sello Apple de The Beatles, Graham Lyle y Benny Gallagher, además del teclista Dennis Coulson.
Después de firmar por Emi publican su primer álbum “McGuinness Flint” (1970)
que causa una gran sensación y que contenía su mayor éxito, el tema “When i´m dead and gone”, que logra encaramarse hasta el numero uno del ranking británico.

El álbum seria producido por uno de los personajes importantes de los Rolling Stones como era Glyn Johns y propicia que el grupo sea una de las sensaciones en la segunda mitad del año 1970.
Un año después llegaría “Happy Birthday Ruthie Baby” (1971), trabajo que pese a contener grandes temas como “Malta and barley blues”, les aleja un poco del impacto mediático del primer álbum.
Sin embargo este nuevo trabajo supuso para muchos un mejor logro que el anterior con una solida producción y con un estilo que sigue en el tono rústico que su antecesor pero con algunas introducciones jazzisticas.
Pero una serie de desastrosas actuaciones en directo precipitan el abandono de Gallagher y Lyle que deciden continuar por su cuenta como dúo.
Sus sustitutos serian Dixie Dean al bajo, John Bailey a la guitarras y Neal Innes a los teclados, con esta nueva formación se publicaría “Lo & Behold” (1972), un álbum tributo a Bob Dylan que pese a su gran calidad no obtiene el fervor del publico.
Después de este fracaso abandonaría la banda Coulson reemplazado por Lou Stonebridge, teclista que procedía del grupo progresivo Paladin, además la formación se ampliaría con otro nuevo guitarrista Jim Evans.
Con esta formación el grupo firmaría dos nuevos álbumes “Rainbow” (1973) y “C'Est La Vie” (1974), este ultimo el epitafio definitivo, ya que tras el, el grupo desaparecería definitivamente.
Una vez disueltos, se publicaría el álbum “Malt & Barley Blues BBC 1970-1974”, con temas grabados para sesiones de la BBC.
En un intento de volver a la magia del primer álbum se forma poco después el grupo Stonebridge-McGuinness, que llego a obtener un notable éxito en 1979 con “Oo-eh Baby” perteneciente al álbum “Corporate Madness”, para posteriormente ambos formar The Dance Band grabando varios discos de escasa repercusión como “Dance Band” (1979) y “Fancy Footwork” (1980), pero esta formación duraría poco, y algún tiempo después, tanto McGuinness como Flint, se unieron a The Blues Band liderada por el ex Manfred Mann, Paul Jones, grabando los álbumes “The Official Blues Band Bootleg Album” (1980) “Ready” (1980) “Itchy Feet” (1981) y “Brand Loyalty” (1982)
Un año después Graham Lyle y Tom McGuinness fundarían el grupo Lyle McGuinness Band publicando “Acting on Impulse” (1983).
Por su parte Gallagher and Lyle inician su carrera como dúo acústico vocal en 1972,debutando con el álbum “Gallagher & Lyle”, al que seguirán otros como “Willie and the lap dog” (73), “Seeds” (73), “The last cowboy” (74), “Breakaway” (76), “Love on the airwaves” (77), “Showdown” (78), “Lonesome no more” (79) y “The best of Gallagher & Lyle” (80). En 1976 obtuvieron varios hits, “l wanna stay with you” y “Heart on my sleeve”. Su canción “Breakaway” fue el tema principal del LP del mismo título de Art Garfunkel.
Ambos han escrito muchas canciones para otros artistas e incluso algunas de ellas fueron hits importantes, algunos de esos artistas fueron Joe Cocker, Michael Jackson, Stevie Wonder, Rod Stewart...y un larguísimo etc.

The Velvet Underground

Velvet Underground nunca fueron una banda de publico mayoritario, ni de fama desmesurada, ni siquiera de un moderado éxito comercial, pero su legado a servido a muchos otros que tras ellos vieron encaminar sus pasos en la senda del vanguardismo gracias a su influencia que aún hoy en día es imprescindible. Considerados como una de las bandas de culto por excelencia, sus descubrimientos sonoros y tanto la técnica como su vital e importante dimensión, fueron fundamentales en lo que luego se denominaría como música underground o progresiva, gracias a una serie de sonidos muy avanzados y unas sonoridades asombrosas para su época. Con una música que en muchos casos podríamos definir como cruel o terrorífica y aderezados con unos textos muy profundos y ásperos, llegaban al clímax sónico con un desenfreno que pocas veces se han visto en la historia del rock. La aventura de Velvet Underground nacería en el año 1964 en la ciudad de Nueva York, cuando dos incipientes y jóvenes músicos de fuerte personalidad se encontraron, por una lado John Cale y por otro Lou Reed.
Reed pese a su juventud ya estaba curtido en el mundo de la música, había pertenecido a varias bandas locales e incluso trabajo en un programa radiofónico, su pasión en sus primeros años era el free jazz y tenia a Ornette Coleman como su ídolo. Tiempo después y con la licenciatura de arte dramático, conseguiría un empleo como compositor para el sello Pickwick y escribía para algunas revistas de ámbito local. John Cale por su parte había emigrado a América desde Londres, donde había estudiado música clásica y debido a una beca aprobada para estudiar en los Estados Unidos, sin embargo como consecuencia de sus extremismos musicales, decide abandonar para participar en varios proyectos que resultarían unos fracasos estrepitosos. Cuando ambos decidieron fundar una banda y para ello tomaron el nombre de un polémico libro de contenido erótico y reclutaron a Stearling Morrison, bajo y a Angus MaClise, batería que junto a Reed que se encargaba de la voz y las guitarras y Cale que hacia lo mismo con los teclados y la viola eléctrica. Con apenas tiempo para integrarse, MaClise seria sustituido por Maureen Tucker, una joven de escasa preparación musical. Sus primeros conciertos llaman la atención de la comunidad artística de New York y sobre todo de su figura más llamativa Andy Warhol que pronto les pide componer algunas bandas sonoras para sus películas underground y otros proyectos audiovisuales. Pero Warhol pronto empieza a decidir de alguna manera en la banda y decide sustituir a Tucker por la actriz y cantante Nico que algún tiempo antes le fue presentada por el propio Bob Dylan. Nico alemana de nacimiento, tenia sobre sus espaldas una fascinante carrera como modelo y una cosmopolita educación, con medio centenar de lenguas habladas y una refinada presencia escénica. En un principio y convertidos en quinteto (finalmente Tucker seguirá en el grupo) el grupo realiza una gira a través de los Estados Unidos presentando el show de Warhol “Exploding Plastic Inevitable”, antes de que saliera a la luz su primer álbum publicado por el sello Verve y titulado “The Velvet Underground and Nico” (1967). En este primer álbum el grupo abarcaba temas poco mencionados en aquella época, como las drogas o el sexo, con temas crudos y nada lineales como “Venus in Furs”, “Femmale Fatale” o “Heroin”. El disco se publica en plena fiebre psicodélica y del flower power y su estilo perverso de desesperación, muerte, distorsión y ruido desgarrador contribuye notablemente a que pase totalmente desapercibido para el gran publico y de paso a la deserción de Nico descontenta por el resultado. Ese mismo año el grupo graba el tenebroso y en cierto modo experimental “White Light / White Heat”, un trabajo más sólido debido al olvido por parte de sus dos principales líderes de consideraciones de carácter comercial y grabado en una sola sesión. El álbum se convierte igualmente en el menos accesible y demuestra el alejamiento de los pensamientos hippies de la época, sus textos son caóticos y la indiferencia hacia las reglas preestablecidas es bastante elocuente. Temas como las ásperas y desordenadas “Lady Godiva´s”, “Sister Ray” o la historia horrenda de “The Gift”, son una buena muestra de ello. Después de este álbum, que volvería a fracasar estrepitosamente en el ámbito comercial, Cale abandona la nave para seguir una carrera en solitario y su puesto es ocupado por Doug Yule con quien graban “The Velvet Underground” (1969), un trabajo más convencional en donde el grupo evoluciona hacia un sonido mas relajado y con una instrumentación muchísimo mas esmerada. Con este álbum la critica por fin les empieza a valorar y temas como la delicada “Pale blue eyes”, la optimista “Beginning to see the light” o las hermosas y simples “What goes on?”, “Candy Says”, y la jazzistica y grotesca “Afterhours” acercan al grupo a un mayor publico de oyentes en detrimento de sus fans más hardcore, que les dan la espalda observando el cariz que este va tomando desde la marcha de Cale. “Loaded” (1970) fue considerado por muchos como su álbum más decepcionante, debido en parte a su falta de distintivos afines al grupo como la originalidad y riesgo, que sin embargo resultaría su trabajo más limpio y profesional, el cual contenía dos joyas como “Sweet Jane” y “Rock and Roll”. A mediados de ese mismo año y después de una serie de actuaciones en el Max´s Kansas City, Reed abandona el grupo y en los sucesivos meses todos sus integrantes harán lo mismo, siendo Doug Yule quien lleva las riendas del grupo hasta su total desaparición en 1973. Antes se publicaría el álbum “Squeeze”, disco que se alejaba totalmente del estilo caótico del grupo hacia terrenos mas mainstream muy cercanos al country rock. Pero la historia del grupo no acaba ahí, un año antes de su separación definitiva, la Atlantic Records publicaba el horrendo por la calidad sonora, disco en directo “Live at Max´ Kansas City” y unos años después también se publicaría el directo “1969 The Velvet Underground Live”, que era un formidable documento sonoro del grupo. A mediados de los ochenta se publicaría el interesantísimo “VU”, compuesto por grabaciones rechazadas del periodo 68-69 y que nunca fueron publicadas y varios años después otro documento de parecido contenido seria el álbum “Another View” (1987). Un año después fallecerían Nico (1988) y algunos años antes Stearling (1995) y MacLise (1979). En 1992 el grupo volvería a reunirse para una serie de conciertos, por entonces la banda la formaban Lou Reed, John Cale y Maureen Tucker, y años después volverían a hacerlo (2009) conmemorando los cuarenta años de su fundación.

Henry Cow

Henry Cow esta considera una de las bandas de culto por excelencia, pioneros de art-rock y encuadrados en el rock progresivo, se caracterizaban por sus claras ideologías políticas.
Su nacimiento coincidiría con las revueltas estudiantiles que se produjeron en medio mundo en 1968.
Sus principales fundadores serian precisamente dos estudiantes de la Universidad de Cambridge, por un lado Fred Frith y por otro Tim Hodgkins, ambos ya habían tenido una breve experiencia como dúo de música experimental, un estilo que fue definido en esa época como neo-Hiroshima.
Después de esta primera y breve experiencia, se les unen Andy Powell, Rod Brooks y David Atwood, formando así la primera formación de Henry Cow.
Pero el grupo pronto se vuelve una formación inestable y muy cambiante ya que en el transcurso de los siguientes años el grupo sufre un continuo ir y venir de músicos hasta que una maqueta del grupo llega a la radio estatal británica y logra ser premiada en el famoso programa de John Peel, Top Gear.
A partir de aquí la formación se reduce y se consolida con Frith (guitarra, violin, teclados y voz), John Greaves (bajo, teclados y voz), Chris Cluter (batería) y Hodgkins (teclados y instrumentos de viento).
Ya a mediados de 1973 se les uniría Geoff Leigh un multiinstrumentista con cierta fama en los circuitos de rock underground británico y con esta formación el grupo pública el álbum “Legend”.
Antes de este debut el grupo se había labrado cierta reputación entre la crítica y el público en general, gracias a sus apariciones en pequeñas campañas políticas por lo que el disco fue acogido con cierto entusiasmo.
Después de la publicación de este disco el grupo intensifica notablemente las apariciones públicas con una serie de conciertos y sobre todo, la oportunidad de telonear al grupo alemán Faust, que hacían un tour por las islas británicas en esa época.
El grupo además participa con notable éxito en el concierto ofrecido en el Ding Wall´s de Londres llamado “Greasy Truckers Party” y del que posteriormente se extraería el material para su doble álbum en vivo “Greasy Truckers: Live at Dingwall´s Dance Hall” (1973).
Llegados a este punto, el grupo vislumbraba claramente su estilo, desde las influencias de la esquizofrenia de Frank Zappa, hasta la subversiva música de los mencionados Faust, pasando por clara connotaciones de compositores clásicos como Varese o Stranvisnky.
El grupo habría logrado fusionar todos estos estilos sugestivos, filtrándolos con un gusto y unos criterios bastante personales, con la improvisación como parte central de su música, bastante mas acuciada en directo, siguiendo la tradición de las mejores freeband.
En aquella época la crítica hablaba de su música como la más estructurada, mas que la de cualquier otra banda de rock de esos momentos.
El grupo posteriormente y aprovechando el moderado éxito de su debut, obtiene ventajosos contratos para actuar por media Europa, de las que sobresale una exitosa gira junto a Captain Beefheart.
Posteriormente sufre una nueva deserción ya que Lindsay Cooper (oboe, contrabajo y flauta), sustituye a Leigh y enseguida publican su segundo álbum en estudio “Unrest” (1974), un trabajo mucho más homogéneo que el primero, en parte debido por las exploraciones cada vez más brillantes del grupo.
Una vez publicado este nuevo disco, Cooper abandona la banda dejando una fugaz pero interesante aportación al grupo, además Frith se lanza en solitario con el álbum personal “Guitar Solos” (1974).
Poco después el grupo decide unir fuerzas junto al la formación de la misma escudería Virgin, Slapp Happy y juntos publican el álbum “Desperates Straights” (1975), que pese a contar con la enérgica y poderosa voz del cantante de los Happy obtiene unos discretos resultados.
Mientras tanto el grupo se sumerge en una actividad artística bastante frenética, con multitud de conciertos de los que sobresale el ofrecido en Paris a mediados de 1975 junto al gran Robert Wyatt.
A finales de ese mismo año el grupo vuelve a entrar en los estudios para grabar “In Praise of Learning”, álbum que vuelve a contar con la extravagancia de los Slapp Happy.
Este nuevo trabajo dista en parte de los anteriores discos, que aunque denotan una mayor cohesión instrumental, también les aleja del virtuosismo individual de cada miembro a favor de un sonido más compacto e incisivo.
Por otro lado las letras de tornan mas violentas y el mensaje político es aún mas pronunciado con un claro acento radical, entrando claramente en el estatement del rock in oppsition, con unas claras letras muy comprometidas y bastante complejas que son un claro reflejo de las estructuras musicales de las composiciones del grupo.
Este compromiso político les vuelve a poner en el candelero de la actualidad de la época. En 1975 seria Greaves quien abandona la banda y es sustituido por el violonchelista George Born.
Poco después el grupo rescinde su contrato con Virgin y sus miembros aprovechan para dar rienda suelta a sus inquietudes personales con una seria de trabajos en solitario.
Fred Frith seria el más activo publicando su “Guitar Solos 2” (1976) y colaborando en proyectos de artistas como Brian Eno, Residents o Robert Wyatt.
Lindsay Cooper por su parte se integraría temporalmente en grupos coetáneos como Egg, Hatfield and the North, National Health o Mike Oldfield.
Como consecuencia de estos escarceos por territorios bastante alejados del estilo habitual del grupo, todos estos músicos pierden a su regreso al seno del grupo, el espíritu inicial y su status emocional.
A partir de aquí las continuas diferencias entre los miembros de Henry Cow desembocan en la ruptura definitiva de la banda no antes sin haber publicado a modo de epitafio el álbum “Western Culture” (1978), un sobresaliente ejercicio de rock instrumental que apenas tiene mayor repercusión, que la de los fans mas acérrimos del grupo.
Poco después la banda anuncia oficialmente la separación de la banda con una escueta declaración en la que subrayan que no descartaban posibles colaboraciones en el futuro, pero nunca como Henry Cow, por varios motivos entre los que destacaban su imposibilidad de poder hacer más progresos musicales en el futuro.
Mas adelante tanto Frith, Cutler y Krause seguirán actuando juntos, bajo el epígrafe de Art Bears con los que publicarían los poco comercialmente afortunados “Hopes and Fears” (1978), “Winters Songs” (1979) y “World as it as Today” de 1981, trabajos que sin embargo resultarían bastante interesantes musicalmente.
En los últimos años se han publicado varias Box-Sex en conmemoración de los 40 años de la fundación del grupo, así en el 2006 se lanzaría “Henry Cow Box”, donde contenía todos los álbumes publicados por el grupo así como singles y un directo, varios años después llegaría “The 40Th Anniversary Henry Cow Box Set”, con temas inéditos y un DVD con la única grabación visual que se conoce del grupo, grabada en Suiza en 1976.

Bad Company

Esta superbanda surgida de las cenizas de los míticos Free, constituiría una de las más formidables formaciones de hard rock de los años 70, con algunos trabajos que son considerados entre los mejores del género.
Una vez disuelto Free, tanto Paul Rodgers como Simón Kirke, decidieron fundar una nueva en donde dar rienda suelta a sus inquietudes hard rock alejados del rhthym & blues de su banda germinal, por lo que contrataron al ex bajista de King Crimson, Boz Burrell y al guitarrista ex Mott the Hoople, Mick Ralphs, y dieron el nombre de Bad Company a este nuevo proyecto.
Además seria Peter Grant (manager y mano derecha de Led Zeppelin), quien los dirigiera y firmaron un contrato con el sello Swang Song, compañía propiedad de los propios Led Zeppelin.
Así en mayo de 1974 se publicaría el single “Can´t get enough”, que seria el adelanto al primer lp del grupo “Bad Company”, editado un mes mas tarde, y que se convertiría en su mayor éxito, además de una de las canciones mas emblemáticas de la historia del hard rock.
El álbum pese a no tener sorpresas desde el punto de vista técnico y musical, se encarama hasta el primer puesto en las listas americanas y al numero 3 en las listas británicas, debido en parte al sabor indomable de su salvaje hard blues rock, sus pinceladas de heavy metal y unos textos muy simples pero igualmente contundentes.
De este disco sobresalían, además de “Can´t get enough”, la envolvente “Bad Company”, la blues-rock “Rock Steady” o la ritmica “Movin´on”.
Un año después llegaría “Straight Shooter”, álbum que mantenía el mismo esquema que el anterior aprovechando el dicho “si algo funciona, no lo toques”, y en donde sobresalían los temas de rock potente “Good Lovin´Gone Bad”, “Feel like making love” o “Deal with the preacher”.
El disco obtiene grandes ventas a ambos lados del Atlántico y logra colocar al grupo entre los grandes de la época. “Run with the pack” (1976) el siguiente álbum conseguiría un disco de platino, (el tercero consecutivo), permaneciendo en las listas casi un año y aunque seguían manteniendo la misma formula poco a poco iban introduciendo ritmos mas funky y cierta dosis country sobre todo a sus medio tiempos.
Llegados a este punto el grupo había conseguido vender más de 5 millones de álbumes de sus tres primeros trabajos y además arrasaban en sus multitudinarios conciertos en prácticamente todo el mundo.
Sin embargo su álbum “Burnin´Sky” (1977) resulta un paso atrás y no logra el éxito de sus anteriores trabajos.
Con “Desolation Angels” (1979), comenzaba cierto declive debido a la explosión punk y al sonido del nuevo heavy metal y sobre todo por la inclusión de elementos electrónicos como los sintetizadores, en cualquier caso obtiene mejores resultados que el anterior y logra un disco de platino.
Con “Rough Diamonds” (1982) el grupo se sumerge en una profunda crisis, ademas Peter Grant pierde el interés por la banda y los conflictos internos crean un ambiente hostil dentro de su seno.
Un año después el grupo se disuelve; cada miembro se sumerge en proyectos solitarios, colaboraciones o entran a formar parte de nuevos grupos, Kirke pasa a liderar a los Wildlife, Paul Rodgers publica su primer álbum en solitario “Cut Loose”, Boz Burrell entra en la súper formación Nightfly junto a Micky Moody y poco después Jimmy Page llama al propio Rodgers para su nueva formación llamada The Firm.
Unos años después la noticia de que Bad Company volvía a publicar un nuevo álbum dejaría sorprendido al mundo entero, en efecto Kirke, Ralphs y Burrell reflotaban al grupo con un nuevo vocalista Brian Howe, además de ampliar la formación con el teclista Greg Dechert. Ese nuevo álbum se titularía “Fame and Fortune” (1986), trabajo producido por Keith Olsen, que pese a notar la ausencia de la voz de Rodgers el grupo mantendría el status bastante alto gracias a una inteligente dosis de hard rock con muchas connotaciones AOR debido sin duda a la sabia mano de Olsen. Pese a ser un buen álbum no logra el éxito apetecido por lo que el siguiente álbum “Dangerous Age” (1988) prescinden del teclista Dechert y de Olsen y el nuevo productor Terry Thomas será quien se encargue de los teclados y la propia producción.
Este nuevo trabajo obtuvo mejores resultados y una buena aceptación por parte del publico con un disco de oro y varios éxitos como “Shake it Up”, “One Night” o “No Smoke without a fire”.
“Holy Water” (1990) seria un enorme éxito en cuanto a ventas y criticas del público, con un sonido más AOR, los sencillos “If you Needed Somebody” y “Holy Water” auparon al álbum hasta el primer puesto de las listas de éxitos.
“Here comes trouble” (1992), el siguiente disco obtendría un moderado éxito, al que seguiría el directo “What you hear is what you get” (1993)
Con este ultimo álbum vendría el abandono de Howe sustituido por el vocalista Robert Hart con quien grabarían los aceptables “Company of Strangers” (1995) y “Stories Told & Untold” (1996).
Unos años después la formación original publicaba el recopilatorio “The Original Bad Company Anthology” que contenía cuatro nuevas canciones.
Una gira posterior seria la antesala del fin definitivo de la banda original a priori, pero en el 2001 el grupo realizaría una exitosa gira por USA e Inglaterra de la que se extraería el material para un nuevo disco en directo “Merchants of Cool”. Posteriormente el grupo volvería a pasar a la inactividad regresando Rodgers a su carrera en solitario.

Faust

Faust fueron una de las bandas más egocéntricas y subversivas del llamado krautrock alemán, que con una música en muchos de los casos demasiado cruda, agresiva, extremadamente experimental y rematadamente demente, constituyo una de las avanzadillas del movimiento germano y posiblemente una de las más influyentes e importantes del género.
Además Faust eran curiosamente los más cultos de dicho movimiento, bastante politizados y por lo tanto los más cultivados, que estaban al tanto de las vanguardias artísticas: el absurdo, el dadá, la música concreta, el minimalismo, la anarquía, pero también las novedades del rock inglés y norteamericano.
El grupo mostró durante casi toda su carrera un hermetismo sobre sus identidades reales y en las portadas de sus álbumes solo se mencionaba sus nombres artísticos sin dar a conocer cuales eran los diferentes papeles de cada miembro dentro del grupo.
Estos miembros eran Werner Diermaier Hans Joachim Irmler, Arnulf Meifert, Jean-Hervé Péron, Rudolf Sosna y Gunther Wüsthoff.
A principios de 1971 el grupo tuvo su clamoroso debut con el álbum lapidariamente titulado “Faust”.
En este primer álbum en donde solo habían tres temas, el nivel es sobresaliente por la gran creatividad ofrecida, con mucha experimentación y muchas variedades, un trabajo único, lleno de sonidos yuxtapuestos, pausas muy inesperadas, tanto vocal como instrumentalmente, y con dosis de space rock, con sonidos de sintetizador que le da un cierto sonido ambiental. Al igual que otras bandas como Amon Düül II, Faust también saben perfectamente como plasmar lo acústico y lo electrónico al mismo tiempo, dando entrada a inteligentes sonoridades dinámicas pero con fuertes bases rítmicas.
Desde este primer álbum el grupo demostraba ser provocativo por devoción, infringiendo las reglas de cualquier estructura melódica y escogiendo el alucinante camino de un rock basado en ritmos eléctricos irregulares y convulsivos, aprovechándose de la electrónica con el objeto de una pura destrucción sonora.
Ya en 1972 llegaría “So far”, su segundo álbum que no contaba con la participación de Meifert.
En este segundo álbum encontramos al grupo sumergido en una onda sonora muy cercana a los Pink Floyd de esa época, (“Atom Heart Mother”) o a los Velvet Underground con un sentido mas minimalista en algunas fases del disco, pero a la vez igual de hostil y oscuro como el primero.
Con el tiempo este álbum se convertiría en una de las piezas de culto por excelencia, además de ser considerada una de las obras maestras del genero krautrock.
Poco después grabarían un álbum extraño, casi con un estilo Trance, junto al violonchelista norteamericano Tony Conrad titulado “Outside the dream syndicate”.
Posteriormente lograrían un ventajoso contrato con Virgin con quien publicaría el extravagante “The Faust Tapes” (1973) y el convencional “Faust IV” (1974).
Después de este último trabajo el grupo cesa oficialmente, aunque han seguido manteniendo cierta actividad que se ha visto sumergida en un continuo misterio.
Entre esporádicas apariciones en giras y conciertos dispares, el grupo realizo una gira por USA a mediados de los noventa y posteriormente por el Reino Unido, y desde entonces siguen girando ocasionalmente.
En todos estos últimos años se ha publicado diverso material del grupo, tanto composiciones que fueron desechadas para sus álbumes originales así como nuevo material.
Con el paso de todos estos años Faust se convirtió en un verdadero grupo de culto tanto por parte del publico como de los músicos vanguardistas, que les ven como el sinónimo europeo de Frank Zappa.
A mediados de los 80 la compañía discográfica Recommended publicaba la interesante antología “Return of a legend/Munich & Elsewhere”, en donde se recuperaba temas nunca antes publicados.

Slade

Una de las bandas mas curiosas a la vez que de las mas sinceras musicalmente, fueron Slade, dominadores de la escena Glam, que junto a la violencia escénica de Sweet, al glamour de Marc Bolan y al sentido del humor de Gary Glitter, fueron los reyes absolutos de un genero que tuvo su época dorada en la primera mitad de los años 70. 
Ellos a diferencia de todos los anteriores, no contaban con una imagen tan llamativa, no eran la típica representación visual del Glam transgresora, sino mas bien pintoresca, sus pintas de campesinos con pantalones a rayas, con sombreros y tirantes, les daban un look desenfadado y humorístico, su estilo “tranquilo” y rural les llevo a atraer a un publico mas heterogéneo y proletariado, que sin embargo en sus multitudinarios conciertos eran presas de una excitación pocas veces vistas en la escena rock.
Todo empezaría cuando varias bandas locales de Birmingham llamadas Rockin´Phantoms, (liderada por el guitarrista Noddy Holder) y IN´Betweens, en la que estaban el también guitarrista Dave Hill y el batería Don Powell, cruzan sus caminos y terminan con el resultado de una reorganización de esta ultima con la incorporación de Holder y el bajista Jimmy Lea.
IN´Betweens ya habían publicado varios singles de escaso éxito antes de la nueva formación como fueron “Take a Heart”, “Can Your Monkey do the dog”, “Oop Oop I do” y “Little Nightngale” (1965).
Después de una actuación del grupo, el productor norteamericano Kim Fowley se queda fascinado por el talento y potencial de aquellos chicos y les propone producir su siguiente single.
Ese single se publicaría a finales de 1966, “You Better Run”, una versión de un éxito de The Young Rascals, que aunque tuvo una buena aceptación, no lograría entrar en las listas de éxitos.
Poco después y ante el abandono de Fowley el grupo vuelve a sus actuaciones terminando en las Bahamas, en una gira la cual en principio les tomarían varios meses y que solo terminan realizando unas pocas semanas, al quebrar el club que los contrata.
Ante tal contratiempo, el grupo decide buscar ellos mismos unas actuaciones extras para poder conseguir el dinero necesario para regresar a Inglaterra y durante algún tiempo permanecen en las islas, el cual también aprovechan para escuchar canciones y sonidos rock que aún no habían llegado a Europa.
Así el grupo empezaría a incluir en sus repertorios, algunas versiones de Steppenwolf, los Amboy Dukes y Nazz (“Born to be wild”, “Journey to the center of your mind” y “Open my eyes respectivamente”).
Una vez regresaron a su país, firman un contrato con el sello Fontana y cambian el nombre por el de Ambrose Slade y publican su primer álbum titulado “Beginnings” (1969), un trabajo básicamente de versiones de artistas como Frank Zappa, The Beatles o The Moody Blues y las antes mencionadas de Steppenwolf o Amboy Dukes.
Este trabajo deja bastante indiferente al gran publico pero que sin embargo no así a Chas Chandler, el ex -bajista de The Animals que decide promocionarlos acortando su nombre por el de simplemente Slade.
Bajo este epígrafe el grupo publica varios singles mas que resultan transitorios “Wild Wings are blowing”, “Shape of things to come” o “Know who you are” (1970), hasta que a principios del siguiente año, el tema “Get down and get with it”, otra versión, esta vez del cantante Bobby Marchan, entra en las listas de éxitos.
Ese mismo año se publica el álbum “Play it Loud”, un tímido anticipo que seria la antesala de lo que estaba por llegar.
A partir de aquí el rock salvaje y cadencioso de Slade comienza una escalada frenética, a finales de 1971 “Coz I luv you” les lleva hasta el número 1 absoluto, una canción de ritmo enloquecedor y con un sonido de violín que seria la formula en los siguientes éxitos del grupo.
Otro éxito arrollador,” Look wot you dun”, seria la antesala del nuevo álbum “Slade Alive!” (1972) que lograría subir hasta el segundo puesto en las listas de éxitos, estallando así la Slademania por toda Gran Bretaña.
Casi a finales de este mismo año el grupo lanza un nuevo álbum “Slayed?”, que se convierte el numero uno al instante, trabajo este que contenía las memorables “Take me back´ome” o “Mama weer all crazee now”.
Llegados a este punto el grupo había llegado a crear un identidad propia y muy personal con un estilo desenfadado y campechano, que lejos de lo transcendental y con un rock popular y festivo, fueron labrándose una gran reputación por toda Gran Bretaña y gran parte de Europa.
“Sladest” (1973), confirmaría el momento de gloria del grupo con otro numero uno, puesto que también alcanzaría el siguiente Lp “Old New Borrowed and Blue” (1974).
Despues de algunos nuevos éxitos como “Merry Xmas Everybody” o “Far far away”, llegaría “Slade in Flame” (1974), banda sonora que resulta un paso atrás en sus expectativas comerciales y “Nobody´s tools” (1976) trabajo este, con el que intentaron entrar en el mercado norteamericano sin suerte, y así comienza el declive del grupo junto con la decadencia del genero.
“Whatever Happened to Slade?” (1977), seria prácticamente el epitafio del grupo, en un momento en donde el punk lo arrollaba todo con su furia iconoclasta.
A partir de aquí el grupo seguirá manteniéndose en constantes giras y publicando discos esporádicamente, hasta que 1980 son invitados a participar en el festival de Reading, consiguiendo el éxito entre un publico joven que apenas les conocían y que venían predispuestos a escuchar heavy metal, tan de moda en esos momentos.
En lo sucesivo el grupo publicaría numerosos trabajos algunos de ellos incluso entraron en las listas de éxitos, pero por norma general pasaban con mas pena que gloria.
Muchos de los grupos posteriores reconocerían que han sido Slade su principal influencia, entre otros Kiss o Cheap Trick, y otros muchísimos artistas han versionado muchas de sus canciones a lo largo de estas últimas décadas, algunas de ellas obteniendo soberanos éxitos como ocurriría en 1984 con la banda norteamericana Quiet Riot y su versión de "Mama Weer All Crazee Now". 

Slade entre 1971 y 1976 lograron entrar 17 veces en el "Top 20", con seis números uno, tres de ellos entrando directamente en ese puesto, y otros tres y dos éxitos en los puestos segundo y tercero, respectivamente. Vendieron, además, más singles que ningún otro grupo en los años 70. Una presencia semejante en las listas sólo es comparable, de hecho con la de los Beatles y sus 22 canciones entre las 10 más vendidas en una sola década (años 60). Hoy día el grupo es considerado como un precursor del punk británico de la segunda mitad de la década y uno de los grupos más importantes e influyentes del rock británico de todos los tiempos.

Stealers Wheel

Una de las bandas de culto por excelencia dentro del folk rock británico, que con solo tres álbumes se merecieron el respeto y la admiración del público a principios de la década de los años 70 fueron Stealer´s Wheel.
Herederos de la esencia Beatle y las estructuras musicales de Crosby, Stills and Nash, con un preciosista sonido pop y con unas melodías precisas y unas estupendas armonías vocales.
Sin embargo la historia de Stealer´s Wheels, es a la misma vez parte de la historia de su líder, (o uno de sus lideres), Gerry Rafferty, que mucho antes de que fundara el grupo junto a otro de los grandes y mas decisivos compositores británicos como fue Joe Egan, ya había tenido éxito en la banda The Humblebums con la que compartió protagonismo con los músicos Tam Harvey y el posterior actor Billy Connolly.
Con esta germinal banda grabaría los álbumes “Humblebums” (1969) y “Open up the door” (1970), dos trabajos enfocados hacia el folk con suaves melodías y cierta sonoridad orquestada los cuales obtuvieron cierta repercusión en las listas de éxitos.
Una vez disuelto el grupo, Rafferty decidió continuar su propia carrera en solitario y aprovechando el sello con quien había grabado con su anterior grupo decide publicar su primer álbum en solitario “Can I Have my Money Back” (1971), disco en donde mostraba las influencias de The Beatles y su amor por el folk de su Escocia natal, el cual contenía meritorios temas como “New Street Blues”, “Mary Skeffington” o la canción que daba titulo al álbum.
En las sesiones de grabación de este primer álbum ya participaría su amigo de la infancia Joe Egan, poniendo las voces en casi todos los temas, sin embargo ambos ya habían firmado un single de escasa repercusión en 1966.
Finalmente el álbum recibe buenas críticas por parte de la prensa, pero apenas logra el beneplácito del gran publico y se diluye sin apenas hacer ruido. Pero tal fracaso resultaría la antesala de lo que estaba por venir ya que Rafferty y Egan ven un vínculo muy fuerte el cual quieren explotar y deciden fundar juntos una banda a la que bautizan como Stealer´s Wheels.
Durante meses el dúo se recluye para componer y ensayar junto a otros músicos, los cuales terminarían formando parte del grupo como el guitarrista Paul Pilnick, el bajista Tony Williams y el batería Rod Coombes.
Después de firmar por la incipiente compañía A&M records, creada poco antes por Herb Alpert, entran en el estudio y son producidos por los famosos productores norteamericanos Leiber & Stoller.
El resultado es el disco “Stealer´s Wheel” (1973), un excelente trabajo de folk rock con tintes psicodélicos y con un claro acento beatle.
Temas como la Beatle “Stuck in the middle with you”, la hermosa “Late Again” o el art rock “You Put something Better Inside”, conforman un trabajo que es considerado por muchos como una obra maestra del genero.
Esta formidable colección de grandes temas, aúpa al álbum a entrar en las listas, (nº50), e igualmente el tema “Stuck in the middle with you”, resulta un bombazo a ambos lados del Atlántico, y se encarama en las primeras posiciones de los Charts norteamericanos.
Pero poco después de la publicación del álbum, Refferty decide abandonar la banda sin argumentar claramente su decisión y no participa en la gira posterior la cual hace en su lugar Luther Grosvenor que provenía de los Spooky Tooth, igualmente el bajista Delisle Harper haría lo mismo con Williams.
Sin embargo casi a finales de 1973 Refferty retorna al grupo y junto a Egan reforman la formación con nuevos miembros, reclutando a los músicos Chris Mercer saxo, Andrew Steele batería, Bernie Holland guitarra y al harmonicista Chris Neill.
Con esta nueva formación el grupo volvería a entrar en los estudios para grabar su segundo álbum “Ferguslie Park” (1973), otro excelente trabajo que contenía entre otras grandes canciones la conocida “Everything will turn out fine”.
En “Right or Wrong” (1975), su siguiente álbum, el grupo ya se había reducido a el dúo Refferty-Egan y aunque resulta un trabajo con una alta calidad compositiva, temas clásicos de folk and pop y atemporales, comercialmente su aportación resultaría completamente nula.
Poco después Raffery y Egan comienzan a estar en desacuerdo en el rumbo a seguir, que junto a la falta de éxito empeora su relación y deciden dar por terminada la historia del grupo y reanudar uno y comenzar el otro sus propias carreras en solitario.
Rafferty por su parte se vería obligado a un retiro forzoso ya que por problemas contractuales con su antigua compañía no puede grabar durante ese periodo, hasta que en 1977 logra un contrato con United Artists y publica su segundo álbum “City to City”.
Este disco significaría un best seller de la musica, un trabajo lleno de folk rock con reminiscencias Dylanianas y ecos Beatles, y que contenía el hit “Baker Street” que marcaría la carrera posterior de Rafferty. Con un inconfundible sólo de saxo (compuesto por él mismo e interpretado por Raphael Ravenscroft), una canción que inspirada en una calle londinense, se convirtió en una marca registrada en la carrera del autor, además, en el disco se encontraban otros memorables momentos como la fantástica “Right Down the Line” o las meritorias “Island” o “Stealin Time”.
El disco consigue varios momentos históricos, por un lado llegar hasta el numero uno en las listas norteamericanas, colocar al unísono el tema Baker Street en los primeros puestos en medio mundo y ser el álbum en desbancar la banda sonora “Saturday Night fever”, después de muchos meses de estar en lo mas alto de los charts.
Joe Egan por su parte publicaría los álbumes “Out of Nowhere” (1979) y “Map” (1981) ambos injustamente infravalorados por la crítica antes de perderse en el olvido más absoluto.
Un año después de “City to City”, Rafferty volvería a repetir otro masivo éxito con un nuevo álbum “Night Owl” (1979), en donde volvía a repetir la formula del anterior disco con una amalgama colección de piezas de soft rock de las que sobresalían las estupendas “Get it right next time” o “Days Gone Down”.
Con “Snakes and Ladders” (1980) completaría una trilogía de álbumes todos ellos de una grandísima calidad y muy afortunados comercialmente, pero que igualmente suponen el principio del fin de Gerry Refferty, que seguiría publicando trabajos asiduamente como “Sleepwalking” (1982), “North and South” (1988), “On a Wing and a Prayer” (1992), “Over my Head” (1994) o “Another World” (2000), que serán ignorados en parte debidos a su negativa a realizar giras y conciertos de presentación de los álbumes mencionados, así como por su constantes desordenes personales causados por su excesivo consumo de alcohol que paulatinamente minarían su salud.
En 1988 Mark Knopfler le invitaría a colaborar en su álbum “Local Hero”, además de colaborar asiduamente con Richard Thompson y los Fairport Convention en algunos de sus trabajos como productor.
Llegado el nuevo siglo, Rafferty se volvería a reunir con su viejo amigo Joe Egan para regrabar viejos éxitos, volvería a colaborar con el ex lider de Dire Straits, o publicaba canciones las cuales promocionaba en su web o produciría el debut del grupo The Proclaimers.
Sumergido cada vez más en el mundo del alcohol y después de pasar varias veces ingresado en los hospitales, Rafferty fallecería el 4 de enero del 2011 cuando se encontraba trabajando en una nueva colección de canciones que dejo terminadas y que pronto aparecerían de manera póstuma.

The Groundhogs

Esta banda desconocida por el gran público, llego a rivalizar con las formaciones mas punteras del blues rock de finales de los años 60 y principios de los 70 como fueron Ten Years After, Cream, los Bluesbreakers de John Mayall o los germinales Fleetwood Mac, aunque también es cierto que sin el éxito ni el impacto mediático de todas ellas.
Formados originalmente en 1963 en Londres por el guitarrista Tony McPhee, que formó el grupo, tomando el nombre de un tema del legendario bluesman John Lee Hooker. Tal fue ese hecho que incluso la banda llego brevemente a llamarse John Lee’s Groundhogs. De esta manera incluso llegaron a telonear al propio John Lee Hooker en algunos de sus conciertos en las Islas británicas por aquella época.
The Groundhogs no llegarían nunca a ser considerados uno de los grupos mas fundamentales del llamado blues británico ni tampoco llamaron la atención por su creatividad, pero en cambio si fueron muy bien considerados dentro del circuito de blues rock de la época con algunos memorables trabajos que aún hoy en día son muy apreciados.
Con un estilo en donde la improvisación era uno de sus signos de identidad con grandes dosis de riffs básicos pero muy bien ejecutados, esta banda nunca llegarían a dar el salto a los Estados Unidos, como las mencionadas anteriormente, pero sí lograrían algunos de los mejores momentos de la historia del British blues.
Quizás la falta de una mejor presencia vocal y sus complicadas y en algunos casos sofisticadas y comprometedoras letras, mermarían su posible impacto en aquellos años. Por otro lado, en ocasiones lograron desviar la forma del blues por caminos insospechados, gracias a la fuerza creativa de su líder, T.S. McPhee.
Sin embargo The Groundhogs fueron muy populares en Gran Bretaña, estableciendo tres de sus álbumes en el Top Ten de principios de la década de los 70.
La primera formación además de McPhee, la conformaban John Cruikshank a la voces, Tom Parker pianista, el batería David Boorman y el bajista Pete Cruikshank, hermano del mencionado vocalista.
Con este plantel lograrían grabar el tema “Shake It” a principios de 1965 bajo el sello local Interphon, que pasa totalmente desapercibido.
Ya a mediados de 1966 y gracias al pequeño sello Planet, se publica bajo la denominación John Lee´s Groundhogs el single “I´ll Never Fall in Love again”, que apenas tiene repercusión y que contaba con la participación del propio John Lee Hooker y Terry Slade.
Después de este fracaso el grupo se disuelve y el propio McPhee crea el grupo Herbal Mixture, una banda, que evolucionaba hacia terrenos mas psicodélicos en detrimento del blues, bien refrendado en el single “Someone to love me” (1966). Después de este experimento, McPhee paso a pertenecer a The John Dummer Blues Band, hasta que a finales de 1967 reactiva nuevamente a The Groundhogs, reclutando al vocalista Steve Rye y al bateria Ken Pustelnik, siendo Pete Cruikshank el único de la formación original que McPhee mantuvo en esta nueva singladura.
Con esta nueva formación se publicaría el directo “Scratching The Surface” (1968), un buen trabajo que contenía meritorios temas como la folkie “Rockin´ Chair”, o la rítmica “Waking Blues”, un año después le seguiría el álbum “Blues Obituary” (1969), este ultimo con el grupo convertido en un trío, debido a la marcha de Rye.
En este último álbum, McPhee ya comenzaba a mostrar su cara mas sarcástica, confeccionando una portada casi de humor negro, en donde se observaban a los integrantes del grupo en una ceremonia fúnebre, metiendo el ataúd en el cual se encuentra “el cuerpo” de la guitarra en un coche funerario. Un guiño sin duda en plan humorístico, para plasmar el ocaso del Blues Británico, que iba perdiendo terreno ante los nuevos estilos musicales como el heavy rock o los sonidos vanguardistas que venían pisando fuerte en esa época.
Llegados a este punto el grupo logra consolidarse entre las bandas punteras y hay quienes les llegan a comparar con Cream, en pleno auge en aquellos momentos, pero aunque compartían varias similitudes, ambas eran un trío, en ambas su líderes eran grandes guitarristas muy técnicos e incluso el propio McPhee llegaba a tener cierto parecido vocal a Jack Bruce, pero sus composiciones eran totalmente opuestas y muy diferenciadas, mientras Cream creaban grandes temas de potente y vigoroso blues rock abierto al gran publico, The Groundhogs mostraba unas composiciones un tanto oscuras e irónicas y demasiado encriptadas para entender lo que realmente querían expresar, lo que mermaría su accesibilidad hacia el gran publico.

Una muestra de ese sarcasmo que tenía McPhee lo deja en claro con su tercer álbum titulado “Thank Christ For The Bomb” (1970), un título que expresaba con gran ironía, una parte negra de la historia de la humanidad.
Este álbum mostraba una enorme crudeza, pereciendo un disco temático antimilitarista, con largos temas improvisados sobre estructuras sencillas y a la vez muy duras, sobresaliendo temas como el hard rock “Darkness is no Friend”, la enigmática “Status People” o el crudo blues rock de “Strange Town”.
Pero pese a lo inaccesible de su contenido, el álbum logra colarse en las listas, logrando llegar hasta la novena posición en los Charts Británicos.
“Split” (1971), seria el siguiente eslabón del grupo, un trabajo que aunque menos sofisticado que el anterior, seguía conteniendo un mensaje turbio y tosco, con claras alusiones al orden establecido y que suponía otro complicado guion, el cual era difícil descifrar.
En esta ocasión el disco se parecía mas a un álbum concepto que a un álbum convencional en si, el cual narraba los efectos producidos en la mente del ser humano después de haber consumido diversas drogas, dividido en cuatro largas partes, McPhee experimentaba sonidos muy cercanos al hard rock con toques lisérgicos y psicodélicos con una amalgama de sonidos y efectos muy variados e interesantes.
Para muchos el grupo consigue con este álbum llegar a su cota más alta, considerándolo como una obra maestra, mostrando el grupo todo su talento y creatividad.
La crítica y el público recibirían con entusiasmo este nuevo trabajo, logrando superar al anterior hasta llegar al quinto puesto de las listas de éxitos británicas, manteniéndose durante meses en esa posición.
Tal éxito, les catapulta hasta el punto de que son los elegidos para telonear a los mismísimos Rolling Stones en la gira Europea de 1971.
Un año después aparecería “Who Will Save The World? The Mighty Goundhogs”, un álbum con claros alejamientos de la esencia blues de los anteriores trabajos y con elementos muy cercanos al rock sinfónico con la introducción del mellotron y las típicas estructuras progresivas predominantes en muchos grupos británicos de principios de los 70.
“Hogwash” (1972), continuaría una senda muy parecida al anterior disco y seria igualmente un trabajo de punto y aparte por parte de la banda, que se toma un largo respiro de varios años, los cuales aprovecha McPhee para publicar su disco en solitario “The Two Sides of Tony McPhee” (1973)
A partir de aquí McPhee manejaría a su antojo al grupo disolviéndolo y reactivándolo continuamente y publicando trabajos de forma asidua, la gran mayoría de menor calidad, destacando algunos muy meritorios como “Solid” (1974), “Crosscut Saw” (1976) o “Black Diamond” (1976), alternandolos con los mediocres “Razor´s edge” (1985), “Back Against The Wall” (1987), “Hogs on the Road” (1988), “No Surrender” (1989) o “Foolish Pride” (1993), además de media docena de álbumes en solitario.
Hoy en día el grupo sigue en activo ofreciendo conciertos y giras esporádicamente por Gran Bretaña y Europa además de ser uno de los grupos más asiduos de festivales de rock y blues del viejo continente.
En definitiva una de las bandas mas olvidadas que actualmente goza de una segunda juventud, pero que durante algunos años fue bastante infravalorada y olvidada a pesar de su efímera fama que obtuvo a finales de los sesenta y principios de los 70 y que fueron sin duda uno de los grandes alicientes que dieron vida al British blues y al blues rock en su época dorada.