Con Little Feat publico una serie de grandes obras como su álbum debut del mismo titulo, o los posteriores "Sailin´Shoes”, “Dixie Chicken” o “The Last Record Album”, sin dejar de mencionar el doble en directo “Waiting For Columbus”, todo un clásico de los discos en vivo.
No seria hasta finales de la década de los 70 cuando se decidiría publicar su primer álbum en solitario, "Thanks, I´ll Eat It Here", en donde mostraba su variopinto estilo musical, alternado temas de cosecha propia con versiones de artistas como Allen Toussaint o Rickie Lee Jones.
"Thanks, I´ll Eat It Here" muestra la enorme variedad de sonoridades musicales de Lowell George, como queda demostrado en el tema "What Do You Want The Girl To Do" en el cual confirma sus influencias de la música de Nueva Orleans, mientras las versiónes de Rickie Lee Jones "Easy Money", "I Can´t Stand The Rain" de Ann Pebbles o la de Jimmy Webbs "Himmler´s Ring", son adaptadas genialmente a su estilo ecléctico y versátil de manera brillante, por otro lado sus propias composiciones resultan atractivas como queda demostrado en los cortes "Two Trains" y "Twenty Million Things".
Para la grabación de este álbum Lowell George había contado con la colaboración de una parte de la flor y nata de la música de la costa oeste como David Foster, Bonnie Raitt, Nicky Hopkins, Jim Price, Michael Baird o Jim Keltner entro otros muchos.
Tras la publicación del álbum, Lowell George, formo una banda para promocionarlo en una serie de conciertos por todos los Estados Unidos, al mismo tiempo que anuncio la separación definitiva de Little Feat. Pero apenas le dio tiempo para empezar dicha gira, el 29 de junio de 1979, fallecería fulminado por un ataque cardiaco, dejando con su muerte un vacío irremplazable en la música norteamericana.
Posteriormente se celebraría un tumultuoso concierto en su homenaje en el Forum de los Ángeles en donde participaron su banda Little Feat, Bonnie Raitt, Jackson Browne o Linda Ronstadt entre otros. En los sucesivos años se han publicado varios álbumes de tributos de Lowell George como "Rock´n´Roll A Tribute Lowell George", con artistas como Randy Newman, Eddie Money o J.D. Souther, mientras otros artistas como The Black Crowes o Van Halen han hecho readaptaciones de temas suyos y otros como Christopher Cross le dedicaron canciones como la famosa y archiconocida "Ride Like The Wind".
En “Desolation Angels”, Bad Company abandonan de alguna manera sus raíces de blues por un rock poderoso y potente. La monumental “Rock´n´Roll Fantasy” abre este fantástico álbum, un tema que tiene todos los alicientes para convertirse en todo un clásico del rock, ritmo pegadizo, grandes melodías, un sonido pesado y unos estribillos irresistibles. “Crazy Circle” por su parte muestra a los chicos malos mas zeppelianos, con un tema acústico muy adictivo, con “Gone, Gone Gone” y “Evil Wind” asoma el hard rock de gran factura y enorme calidad. Con “Early in Morning” muestran su faceta mas sentida con una composición memorable. Para la segunda cara del álbum dejan sus momentos mas clásicos con la boogie rock “Lonely For Your Love”, la rock sureña “Oh Atlanta”, la country polvorienta “Take The Time” o la impresionante funky rock “Rhythm Machine”, para terminar este sobresaliente álbum con la épica medio tiempo “She Brings Me Love”.
“Desolation Angels” lograría un tercer puesto en las listas norteamericanas con varios discos de platino y volvería a colocar a Bad Company en la cúspide de la música rock, luego de varios años sin publicar un nuevo material desde aquel y prodigioso “Burnin´ Sky” de 1977.
Si en enero de ese año ya habían publicado su contundente “Bayou Country” en el que confirman el sonido del grupo, con ese primitivo y básico estilo que fusionaban el rock, el blues, el country, el soul y el rockabilly, en agosto lanzaban “Green River”, un álbum que mantenía un gran nivel dotando su sonido con mas contundencia y rotundidad, para ya a finales de ese año publicar “Willy And The Poor Boys”, con el cual terminan de consolidar su poderoso e irresistible rock con un lanzamiento que contenía memorables canciones como “Fortunate Son” y “Down On The Corner”. Sin embargo este soberbio cuarto álbum no solo vivía de las excelencias de esas dos canciones, además el resto estaba compuesto por tremendas composiciones como la rock and roll “It Came Out Of The Sky”, la country rock “Cotton Fields”, la cadenciosa “Feelin´Blue”, la adictiva rockabilly “Don´t Look Now”, la melódica rock “Midnight Special” o la bluesy “Side O´The Road”.
Durante gran parte de la década de los ochenta, el periplo musical de Eric Clapton estuvo marcado por álbumes de poco bagaje en términos de calidad y comercialidad, con trabajos bastante previsibles y muy alejados de sus obras de la década anterior. Así discos como “Another Ticket”, “Money and Cigarettes” y “Behind The Sun”, fueron experimentaciones muy apartadas de su estilo blues, mas enfocados en los sonidos electrónicos típicos de los ochenta, además con un descafeinado Eric Clapton, tanto en el plano compositivo como instrumental.
Casi al final de los ochenta llegaría su undécimo trabajo, “Journeyman” en donde recuperaba su estilo inconfundible y regresando a sus raíces blues. Grabado entre los estudios The Power Station en Nueva York y The Town House de Londres, durante gran parte de 1989, en los cuales colaborarían una retahíla de grandes músicos como Robert Cray (guitarra), Nathan East (bajo), George Harrison (guitarra), Pino Palladino (bajo), Phil Collins (batería), David Sanborn (saxo) o Daryl Hall (voces), entre otros muchos.
Un álbum que comienza con la espectacular “Pretending” que es junto a la encantadora bluesy “Running On Faith”, la pegadiza “Bad Love” y la soul rock “No Alibis”, lo mas brillante de este lanzamiento. Sin embargo su característico blues esta presente en los cortes “Before You Acuse Me”, “Old Love” y en la jazzistica “Hard Times”, mientras “Lead Me On”, “Run So Far” y “Anything For Your Love”, muestra el Clapton mas pausado con sus habituales y encantadoras baladas.
Con este álbum Eric Clapton volvía a figurar entre los primeros puestos de las listas de éxitos, obteniendo media docena de discos de platino y unas ventas superiores a los cuatro millones de copias a nivel mundial, además y lo que es mas importante, volvió a recuperar su credibilidad perdida durante algunos años como uno de los mejores guitarristas de la historia del rock.
Sin embargo, fue publicada una edición limitada de doble LP, que solo fue lanzado en Holanda por el sello Philips, donde curiosamente se si se incluyó "Supper's Ready", el cual por motivos obvios se convirtió a partir de entonces en una pieza de coleccionista.
Los cinco temas que aparecen aquí están sujetos a las previas explicaciones de Peter Gabriel contando brevemente las historias de las canciones a interpretar. El repertorio esta compuesto por vibrantes y poderosas versiones de los temas “Get´Em Out By Friday”, “The Return Of The Giant Hogweed”, “The Musical Box”, “The Knife” y la inicial, con una sombría e hipnótica entrada, “Watcher Of The Skies”.
Para la grabación de este nuevo álbum firmado como Neil Young and Crazy Horse, el guitarrista canadiense obtuvo la colaboración de sus tres ex compañeros en CSN&Y; David Crosby, Stephen Stills y Graham Nash, quienes ponen sus voces en el tema folk “Through My Salis”, el resto de músicos esta compuesto por el batería y voces Ralph Molina, el bajista y voces Billy Talbot, además del mencionado guitarrista Frank Sampedro.
En “Zuma” se escuchan ecos a álbumes como “Harvest” reflejado en acústica “Pardon My Heart”, o como “Everybody Knows This Is Nowhere” con la country rock “Lookin´For a Love”. El resto lo conforman temas de rock melódico como “Don´t Cry No Tears”, “Barstool Blues” o “Stupid Girls”, pero son las extensas y soberbias “Danger Bird” y la iconica “Cortez The Killer”, ambas una clara muestra del gusto por las improvisaciones guitarrísticas de Neil Young, las mas destacadas y piezas fundamentales en la carrera del mítico músico canadiense.
Sin embargo antes de su publicación la banda sufriría una perdida irreparable, como fue la muerte de su bajista Cliff Burton un año antes en un trágico accidente de carretera cerca de Copenhague, durante el traslado del grupo y su equipo para un concierto en dicha ciudad.
Algún tiempo después la banda recluta a un nuevo bajista, Jason Newsted, hasta entonces integrante de la banda Flotsam and Jetsam, con quien graban el EP de versiones “Garage Days Re-Revisited”, poco antes de entrar en los estudios para comenzar las sesiones para el siguiente álbum.
“...And Justice For All” fue publicado como doble LP y supuso el trabajo mas sombrío e instrumental de la banda hasta aquellos momentos, con densos sonidos de batería, de un ritmo frenético y vertiginoso de gran complejidad. Al mismo tiempo seria muy cuestionado por los fans por achacarlo de contener una grabación “defectuosa” deliberada, debido al escaso volumen del bajo, oculto siempre por las distorsionantes guitarras y la poderosa batería.
“...And Justice For All” esta compuesto por un soberbio y memorable repertorio de grandes cortes como las frenéticas “Blackened”, “Eye Of The Beholder” o “Harvester Of Sorrow”, las prolongadas y épicas “One” y “...And Justice For All” o la tremenda instrumental “To Live Is To Die”, situándolos con todo este arsenal de sobresalientes composiciones, en lo mas alto del heavy metal mundial, además de lograr una ventas multimillonarias, ocho discos de platino y una nominación a los premios Grammy en el apartado de mejor álbum del año.
Para cuando fue publicado este “Alive”, Kiss llevaban tras de si tres enormes álbumes de poderoso hard rock norteamericano, estos eran el germinal glam heavy “Kiss”, el mas crudo y visceral “Hotter Than Hell” y el desenfadado y convencional “Dressed To Kill”, todo este arsenal se vería reflejado en este asombroso y colosal doble en directo que fue grabado a mediados de 1975 en diferentes ciudades norteamericanas en plena fiebre de la kissmania.
Sin entrar en la polémica que siempre ha suscitado los retoques posteriores por parte del productor Eddie Kramer, (los cuales simplemente fueron debidos a algunos fallos en la calidad del sonido original), el repertorio de este álbum es de lo mejorcito que hasta esos momentos la banda norteamericana había hecho, empezando por la inicial y machacona “Deuce”, a partir de aquí la banda no da tregua con una serie de temas incendiarios y viscerales, que no dejan tiempo para el respiro, así se van sucediendo “Strutter”, “Hotter Than Hell”, “Firehouse”, “Nothin´To Loose”, “C´Mon And Love Me”, “Black Diamond”, “Rock Bottom” o “Rock and Roll All Nite”.
Sin embargo lo que no capta esta grabación, es la inmensa parafernalia que había alrededor de los conciertos de Kiss, como por ejemplo una espectacular puesta en escena, un formidable juego de luces, diferentes plataformas movibles, los espectaculares atuendos y sus maquillajes y un sin fin de atrezos que junto a la música, era el combinado explosivo y perfecto para sus antológicos y apabullantes conciertos.
Considerado uno de sus mejores trabajos, aquí Peter Hammill continua en esta tercera entrega con esas sensaciones tristes y melancólicas que ya mostraba en el anterior “Chamaleon In The Shadow Of The Night” o con sus álbumes junto a VDGG, y al mismo tiempo es su obra mas sinfónica y progresiva.
Cualquiera de las pistas que aparecen en este álbum podrían perfectamente pertenecer a la discografía de su banda madre, como las escalofriantes “The Lie” y “Forsaken Gardens”, otras como la que da titulo al Lp siguen una línea continuista que su predecesor “Chamaleon”, pero en un tono mas agresivo. La inicial “Modern” en cambio muestra el tono mas duro y arrollador de Hammill, con unas espeluznantes capas de guitarra interpretadas por Randy California, el quinto músico que participaría en la grabación de este disco y esos cantos frenéticos del propio Hammill, sobre el lado deshumanizado de la modernización.
La espiritualidad incendiaria de Peter Hammill continua en temas basados en el piano como “Wilhelmia”, la gótica “The Lie” o “Forsaken Gardens”, donde explora y se lamenta del lado destructivo del egocentrismo de manera progresiva, sonando muy similar a los ejercicios pomposos y barrocos del álbum “H To He, Who Am The Only One", demostrando también con ello, que una pieza puede ser tremendamente rockera sin guitarras, y son precisamente las guitarras las que dominan el tema “Red Shift”, con grandes riffs y texturas acompañadas de solos disonantes creando unas atmósferas que se acerca al blues eléctrico y psicodélico. El álbum finaliza con la extensa y efectiva “A Louse Is Not a Home”, sin duda el tema mas dramático y vigoroso en su parte final.
Pero “Who Are You” paso a la historia no solo por seguir conteniendo la esencia característica de The Who después de tantos años (en 1978 la banda había cumplido trece años desde su álbum debut), si no también por ser el ultimo con el batería Keith Moon, quien fallecería varias semanas después de la publicación del álbum, producto de una fatal combinación de medicamentos y alcohol.
Musicalmente “Who Are You” sigue una linea parecida a su antecesor “The Who By Numbers”, con unas excelentes canciones, unas brillantes y arrolladoras guitarras, una portentosa voz y una sección rítmica demoledora y precisa.
Temas como la soberbia que da titulo álbum, hoy en día, archiconocida por ser el tema de apertura de la mítica serie norteamericana “CSI”, o la melódica “Trick Of The Light”, hacen de este trabajo uno de sus mas brillantes obras, pero ademas el resto sigue estando a gran altura como la dinámica “New Song”, la sinfónica “Love Is Coming Down”, la adictiva “Had Enough” o la irresistible “905”.
Si ya en el anterior y sorprendente “Countdown To Extiction” la banda había mostrado su faceta mas heavy, en el siguiente “Youthanasia” fueron un paso mas allá, creando una obra mucho mas accesible, bajando una marcha a su vertiginosa velocidad y con unas voces mas cuidadas y melódicas.
Por entonces las huestes comandadas por el guitarrista Dave Mustaine estaba formada por la misma formación que sus tres anteriores trabajos; Marty Friedman (guitarra), Nick Menza (batería) y David Ellefson (bajo). Antes de la grabación de este álbum la banda fue sometida a una gran presión debido en parte al éxito del mencionado “Countdown To Extiction” y a las decisiones casi salomónicas de su líder Mustaine y su casi total control a la hora de componer el material para este álbum, finalmente todos los miembros participarían en todas las canciones de este nuevo disco.
"Youthanasia" es un álbum clave en la evolución del grupo, con grandes temas, destacando por encima de todas la emocionante “I Thought I Know It All”, la vertiginosa “Reckoning Day”, la oscura “Addicted To Chaos”, la comercial “Elysian Fields”, la espléndida medio tiempo “A Tout Le Monde” o la pesada y contundente “Family Tree”.
Si en el anterior “Angels Fall Firts” el teclista y líder de la banda Tuomas Holopainen, tomaba el rol de todas las voces masculinas, aquí pasa a ser del vocalista invitado Tapio Wilska, quien con su aguda voz contrasta con la de la cantante principal de la banda Tarja Turunen.
El resultado final fue realmente extraordinario con una serie de composiciones realmente brillantes como las heavy “Sacrament Of Wilderness” o “Stargazers”, la dinámica y compleja “Passion And The Opera”, las operísticas y progresivas “Devil & The Deep Dark Ocean” y “The Pharaoh Sails To Orion”, pero sin abandonar por completo sus influencias folk como demuestran las originales e innovadoras “Moondance” y “The Riddler”.
En 1991 la banda publicaría su tercer álbum “Strangeitude”, uno de sus mas aclamados discos para la comunidad progresiva y que junto al anterior “Erpland” (1990) y el posterior “Jurassic Shift” (1993) constituyen la trilogía de la mejor época de esta banda británica.
Un álbum que comienza con la ambiental y psicodélica “White Rhino” en donde las líneas de bajo son muy inventivas proporcionando un sonido excelente el cual enriquece enormemente la pieza. La enérgica y repetitiva “Sploosh”, es el clásico tema característico del grupo, mientras “Saucers” deja de lado los sonidos espaciales para derivar en una especie de jazz rock con múltiples efectos de sonido. La exótica e hipnótica “Strangeitude”, nos sumerge en unos ambientes arabescos con progresiones espaciales, retornando a los sonidos space rock con la dinámica “Bizarre Bazaar”, para acabar con la pieza mas progresiva y espacial “Space Between Your Eyes”.
Si hasta esos momentos Rush se habían mostrado como una de las bandas deudoras del sonido mas puro del hard rock de bandas como Led Zeppelin, con la publicación de tres álbumes soberbios y de gran entusiasmo, también es cierto que aun no habían terminado de cumplir con las expectativas tanto comerciales como estilísticas.
“2112” significo un punto y aparte en la carrera de los canadienses, esta fue la obra que necesitaban para dar el salto definitivo hacia el estrellato en el mundo del rock y lo lograrían de manera espectacular con un disco conceptual y asombroso, repleto de hard rock y pasajes progresivos al mismo tiempo, con una demostración de las cualidades virtuosas de cada miembro de la banda que los convertiría en adelante en los máximos valedores en sus respectivos instrumentos.
Los poderosos riffs de guitarra de Alex Lifeson son combinados a la perfección con suaves acordes de guitarras acústicas, eléctricas y solos antológicos, mientras Geddy Lee alcanza con su voz una interpretaciones sublimes y perfectas, que junto a la impecable batería de Neil Peart, utilizando todo tipo de percusiones, muestran a un percusionista que en muchos momentos parece sobrehumano con unas interpretaciones alucinantes.
La conceptualidad del álbum es producto de la enorme imaginación de Neil Peart, quien sobre una idea futurista de ciencia ficción, convierte a esta obra en un viaje apoteósico, con una gran variedad de textos creativos que son acompañados por un enorme derroche instrumental épico y fascinante.
La inicial suite “2112”, una epopeya de casi 20 minutos, dividida en siete partes épicas, es todo una clara demostración de intenciones, aquí el trío combina perfectamente los pasajes duros con otros momentos progresivos y atmosféricos, convirtiendo a esta pieza en uno de los momentos cumbres del genero.
En esta suite destacan de manera sobresaliente “Overture”, “The Temples Of Syrinx” y “Gran Finale”, todas ellas repletas de cambios de ritmo y de asombrosa virtuosidad.
El resto no le va a la zaga con las tremendas y épicas “A Passage To Bangkok” y “The Twilight Zone”, las bucólicas “Lessons” y “Tears” y la potente rock “Something For Nothing”.
“2112” es una de las obras imprescindibles del rock y no solo por su valor histórico, si no también por el tremendo aporte musical que el trío dejaría para la posteridad con esta obra maestra absoluta de la música rock.
