Muchas de sus canciones son hoy en día universales y fueron versionadas por grandes artistas como Rod Stewart, Ray Charles, Rory Gallagher, Elvis Presley o Tina Turner.
Nacido y criado en un pequeño pueblo del sur de Luisiana, creció cosechando algodón y maíz y pronto mostraría su interés por el blues y los sonidos de sur como el cajun, el zydeco, el folk o el country.
Todo ello le inspiraría para escribir canciones y después de conocer un cazatalentos que vio en el un genio inconformista, este le facilitaría un contrato con el sello ubicado en Nashville, Monument Records a finales de 1967.
Sin embargo sus primeras canciones apenas tuvieron ningún impacto mediático ni comercial hasta que un tema suyo llamado “Polk Salad Annie” alcanzaría entrar en el top 40 debido principalmente a que el propio Elvis Presley lo empezaría a incluir en sus conciertos de finales de los 60.
Cuando “Polk Salad Annie” comenzó a ser masivamente radiado por las emisoras de gran parte de los Estados Unidos, muchos creyeron en un principio que era una nueva canción de los Creedence Clearwater Revival, ya que su estilo era muy parejo al de las huestes de John Fogerty y compañía, sin embargo Tony Joe White era realmente un nativo de los pantanos, mientras que los Creedence eran de California.
“Black and White” lanzado a mediados de 1969, fue su primer larga duración y en el se muestra su maestría fusionando el blues, el zydeco y el hillbllly rock, mostrando un amplio muestrario de temas que se acercan incluso a los sonidos soul con esa voz profunda y muy personal que por muchos momentos se acerca a la de un negro.
Temas como “Don´t Steal My Love”, “Who´s Making Love “ o “Scratch my Back” muestran ese sentimiento negroide profundo, mientras las relaciones raciales en clave funky están presentes en cortes como “Soul Francisco”, la luminosa “Willie and Laura Mae Jones”, o logrando esplendorosas versiones de otros artistas como “Little Green Apples” o “Wichita Lineman”, conformando con todas ellas un soberbio debut de la mejor música de la América profunda.
Formados a finales de la década de los ochenta en Chicago, con su segundo trabajo titulado "Siamese Dream" lograron el éxito necesario para ser considerados una de las mejores y mas influyentes bandas de los noventa.
Un álbum el cual contiene una interesante mezcla de estilos sin dejar de lado su germinal sonido alternativo. Temas como las brillantes "Cherub Rock" con esos riffs aplastantes muy adictivos o "Today", muestran su faceta mas puramente rock, mientras la orquestada "Disarm" con ese tono oscuro y sombrío o la punk "Geek U.S.A", son junto a la acústica "Spaceboy" y la poderosa "Soma" lo mas atrayente de un álbum que esta entre lo mejor de toda la década de los noventa.
Esta banda fue de las primeras del país de los canguros en actuar ante grandes multitudes en los Estados Unidos, mucho antes incluso que los icónicos grupos australianos AC/DC o la Little River Band.
Su primer álbum grabado en vivo "Big Red Rock", esta compuesto por poderosas composiciones basadas en el blues rock con ligeros toques de jazz.
Sin embargo varios años después en su segundo trabajo titulado "Beyond", la banda apuesta por los sonidos mas cercanos al jazz rock combinando elementos de rock mas accesible.
Ayers Rock estaba compuesta por los vocalistas y guitarras Chris Brown y James Doyle, el batería Mark Kennedy, el teclista además de instrumentos de viento Col Loughnan y el bajista Duncan McGuire.
En "Beyond" esta banda australiana demuestra su enorme talento en cortes como la melódica y enérgica "Lady Montego", un tema en donde las influencias del swamp rock son mas que evidentes, así mismo la blues rock "Talkin´Bout You" es otro rock dinámico con predominio de los metales.
El ecléctico estilo de Ayers Rock esta presente en la rhythm and blues "Going´Home", mientras "Crazy Boys" es deudora del sonido mas jazzistico y complejo de Frank Zappa.
La polvorienta "Nostalgic Blues", la jazz rock instrumental "Big Red Rock" y la funk "Boogie Woogie Waltz", dan por finalizado un meritorio álbum de jazz rock enérgico y brillante, de otra de esas interesantes y desconocidas bandas que pese a su enorme calidad quedaron olvidadas en lo mas profundo de la historia de la música rock.
Dos años mas tarde publicaron “Decoration Day”, en donde la banda originaria de Georgia, vuelve con otro álbum conceptual después del mencionado “Southern Rock Opera”, pero esta vez las melodías se desarrollan entre sonoras construcciones guitarreras densas y oscuras, con ritmos lentos como flotando entre nieblas y olores funestos, evocando tristes recuerdos campesinos sobre tiempos pasados ya olvidados. De principio a fin, cada canción de este disco de claro corte roots-rock descarnado, sin disculpas y con tintes de rock mundano, se convierten en un clásico, ya que los maestros narradores Patterson Hood y Mike Cooley, desentrañan unas trágicas y escalofriantes historias sureñas de pueblos pequeños una tras otra.
Temas que invocan al infierno “Hell No, I Ain´t Happy”, aromas country como la triste “My Sweet Anette”, o la melancólica “Sounds Better In The Song”, conviven con sensibles baladas “Outfit” o oscuras reflexiones “Decoration Day”, que son el espejo de esas historias.
Todas ellas junto con otras tan brillantes como “Skin Hole”, “Your Daddy Hates Me” o “Heathens”, forman un hermoso álbum, tan sugestivo como amargo es el regusto de la tradición mas oscura y caduca del sur norteamericano, pero al mismo tiempo la mas romántica, aquella en cuyo espíritu se edifica una forma de sentir la vida y también la del sentir de su música mas ancestral.
Sus inicios se remontan a principios de la década de los 70 cuando el batería Lewis Ross reuniría a varios músicos para en un principio fundar una banda llamada Fox en la localidad de Mobile.
Estos músicos eran el vocalista y armónica Jimmy Hall, el guitarrista Ricky Hirsch, el teclista John David Anthony, el bajista Jack Hall y la corista Donna Hall.
Después de muchos meses de continuos conciertos en los clubs de su localidad natal, la banda decide trasladarse a la ciudad de Macon en Georgia, el núcleo principal musicalmente del rock sureño y sede del mítico sello Capricorn Records.
En 1971 gracias a unos excelentes conciertos como teloneros de The Allman Brothers Band, la Capricorn les produce su primer álbum homónimo “Wet Willie”, en el cual mostraron su peculiar estilo sureño impregnado de funk, gospel y boogie rock.
En este primer álbum sobresalían las potentes rock “Dirty Leg” y “Spinning Round”, la comercial y polvorienta “Low rider”, la funky “Rock and Roll Band” o la poderosa boogie rock “Shame, Shame, Shame”.
A partir de aquí Wet Willie llegarían a grabar siete álbumes mas de estudio, entre los años 1971 y 1979, obteniendo un sorprendente top ten con su tercer disco, “Keep On Smilin’”, en 1974, además de varios directos y recopilatorios.
A finales de 1976 Wet Willie obtendría el premio de música de los Estados Unidos en el Salón de la Fama de Alabama.
Ya en el 2014 la banda fue incluida el Salón de la Fama de Georgia por su brillante trayectoria en pos de la música rock y el rock sureño en particular.
Sin embargo no todo el repertorio que esta incluido en el doble álbum fue grabado en vivo, aquí aparecen algunas tomas grabadas en los estudios de la Columbia en New York durante los primeros meses de ese mismo año, por lo que técnicamente es un álbum "en vivo", que parte se grabó en el estudio. Generalmente, las pistas más cortas son de estudio, mientras que las pistas más largas son en su mayoría en directo con algunas partes de estudio agregadas. Debido a esto, la alineación de músicos es numerosa empezando por Miles Davis (Trompeta), Gary Bartz (Saxofon), John McLaughlin (guitarra), Keith Jarrett (teclados), Michael Henderson (bajo), Jack DeJohnette (batería), Airto Moreira (Percusión), Hermeto Pascoal (Percusión), Ron Carter (bajo), Steve Grossman (saxo soprano), Chick Corea (órgano), Herbie Hancock (piano eléctrico y órgano), Dave Holland (bajo) y Joe Zawinul (piano eléctrico).
En general, el ambiente del álbum es funky y jazz rock con muchos pianos eléctricos modificados y alterados. De vez en cuando se suaviza y se vuelve como una cámara sin percusión. Es difícil comparar esto con cualquier otro álbum anterior de Davis (estudio o en vivo), pero es similar estilísticamente al legendario “Bitches Brew”.
La inicial "Sivad" comienza en territorio funky jam rock, mientras que "Little Church" es jazz orquestal de vanguardia sin batería. La siguiente pista es "Medley: Gemini / Double Image" que comienza en el territorio del blues-rock, no muy alejado de la estructura musical de los primeros Led Zeppelin, que ha medida que transcurre se vuelve más disonante y vanguardista.
La suite "What I Say" comienza con un increíble redoble funky, con una gran interacción entre la guitarra de McLaughlin, la trompeta de Davis y el resto de la banda.
Las cortas "Nem Um Talvez" y “Selim” son temas de jazz orquestado muy vanguardista.
"Funky Tonk", como deja entrever su titulo, es otro largo tema de jazz funk rock, con percusiones complejas y grandes momentos de teclados eléctricos, aunque es la guitarra quien lleva el peso instrumental mientras que a medida que los demás instrumentos van cobrando protagonismo culminan en una improvisación controlada.
El final queda reservada para el tema mas largo "Inamorata and Narration" la cual es probablemente la pieza más vanguardista de todo el disco. Comienza en un modo funky de jazz-rock con Miles haciendo un solo en su trompeta wah-wahed. La música se vuelve más suelta e improvisada a medida que avanza, terminando en una especie de avant-jazz rock atmosférico.
“Live Evil” es sin duda uno de los mejores álbumes en vivo de Miles Davis, que con una espectacular portada esta considerado otra de sus obras cumbres.
Sus comienzos que se remontan a 1971 en Coburg, Alemania y son a menudo etiquetados como Krautrock. La música de un primer mini LP tiene como hilo conductor un sinfonismo definido dentro de sus dos canciones “Fool's Dance'” y “'Rainbow”'. A esto siguió un álbum completo que se atribuyen al género progresivo, titulado "Blind Man's Mirror", con un repertorio de temas que superan los 9 minutos de duración.
La columna vertebral de la banda la forma el excelente teclista Siggi Zeidler, el cantante Harald Kesselhack, el cual recuerda por su timbre de voz a Greg Lake (con un registro más bajo). Y por último, pero no menos importante, los brillantes solos de guitarra acústica de Thomas Möck que crea atmósferas místicas y flashbacks flamencos mezclados con frenéticos pasajes distorsionados de guitarra eléctrica, todos ellos unos músicos simplemente excepcionales.
“Blind Man´s Mirrors” comienza con “Strange Shore”, una introducción impresionante en donde Manni Greiner (bajo) y Matthias Helk (batería) toman la iniciativa, con un desarrollo exuberante de solos de guitarra y pasajes de jazz y sonidos ambient, una perfecta combinación de géneros, estilos y estados de ánimo.
La siguiente “Blind Man's Mirror” es una mini epopeya de 12 minutos que comienza con toda la banda tocando una sección musical fluida con teclados exuberantes, percusión frenética y una guitarra acústica, 12 minutos de puro prog rock con claras tendencias sinfónicas, mientras “Shangai” es un festival de sonidos con guitarras pesadas combinadas con exuberantes pasajes de teclado claramente inspirados en Rick Wakeman. “Back in Town” es otra canción larga (9,05 minutos), pero por primera vez adoptan por completo un estilo sinfónico puro, para cerrar este extraordinario álbum la misteriosa “Different Autumn”, que es la guinda del pastel, que va desde secciones folklóricas medievales hasta pasajes vibrantes y pesados, todo realzado por un órgano barroco que los mantiene en territorio sinfónico.
Cabe destacar que solo se imprimieron 700 copias de este álbum, y fue seguido en 1981 por su segundo álbum "Movements", que fue un sutil cambio estilístico despojándose del lado progresivo sinfónico para adoptar un sonido más convencional prog de los 80, pero igualmente de brillante resultado.
Su álbum debut, titulado "Observer", fue lanzado en noviembre de 1976, el cual cosecho una gran difusión en las radios de todo el estado de Wisconsin e incluso obtendría grandes elogios de critica en la revista Billboard.
Este álbum contiene los ingredientes genuinos de las raíces de la música norteamericana fusionada con el progresivo, como la inicial "Ride The Wind", un tema emparentado al sonido de Kansas, con grandes riffs de guitarras, sintetizadores pesados y un desgarrador órgano, a esta le siguen la boogie rock "Cat Eyes" y la comercial "Jamaican Holiday", dos temas que se alejan de su propuesta vanguardista inicial.
En la compleja "(Make It) Another Day", la banda muestra su versatilidad con una fusión entre el rock sureño y el rock progresivo, mientras "Spring Essence" es el tema mas purista de vanguardismo. La vena AOR vuelve con "Games Of The Lonely", para acabar con el tema homónimo, una magnifica epopeya con el que dan por cerrado un disco magistral del mejor rock progresivo de la América profunda.
Las canciones eran melódicas, texturizadas por fuertes riffs de guitarra y órgano. El álbum contenía seis pistas propias, (en su mayoría escritas por Uhlig). Es difícil nombrar aspectos destacados, ya que todo el material es realmente soberbio, empezando por la inicial “At First” hasta la brillante “Speed Is Coming Back”, este ultimo un corte dramático de guitarras blues y órgano oscuro, o la escalofriante “Past Has Gone” con la se cierra una primera cara soberbia.
Abriendo la segunda cara nos encontramos con “Prädudium/Use Your Feet” quizás el corte que mejor muestra sus influencias clásicas, mientras el tema que da titulo al álbum es un tour de forcé que brinda la oportunidad para el lucimiento instrumental de todos sus componentes. El álbum acaba con “Funny Guys”, una especie de tributo a John Sebastian Bach, que pone la nota de color a este fenomenal trabajo de estos alemanes.
Lamentablemente Murphy Blend se disolvieron poco después de grabar este álbum. Posteriormente Andreas Scholz participó en el grupo progresivo Blackwater Park en 1971, mientras que Wolf-Rudiger Uhlig lo haría como musico invitado en el tercer álbum de la mítica banda germana Frumpy, "By The Way", en 1972.
Su formación estaba compuesta por el organista y voz, John Morgan, el guitarrista Don Whitaker, el bajista Phil Shutt y el batería Mick Walker y sus orígenes se remontan al año 1968 cuando lograron un contrato con el sello Carnaby, subsidiaria de la Columbia británica y un año después lanzaron su primer álbum homónimo.
En este primer trabajo la fusión de diferentes estilos es mas que evidente, en el se dan cabida sonidos psicodélicos, el folk, el blues y sonidos progresivos.
La inicial “Orpheus and None For Ye” muestra la faceta psicodélica con el órgano y los sonidos oscuros al mas puro estilo The Crazy World Of Arthur Brown, por su parte la blues progresiva “I Want You”, la dinámica instrumental “The Yodel“ o la excelsa blues rock “Yorkshire Blues” conforman un disco consistente y muy bien logrado.
El posterior “Age Machine” (1970), pese a contener ciertas dosis de vanguardismo progresivo esta mas orientado a los sonidos folk y pop mas previsibles.
Un año después John Morgan grabaría el álbum “Kaleidoscope” con una orientación mas pop que pasaría totalmente desapercibido
Otra desconocida banda para el gran publico europeo son Eric Quincy Tate, un estupendo grupo de rock sureño originarios de Texas que tuvieron el privilegio de compartir el sello discográfico y los escenarios durante gran parte de la década de los setenta con los míticos The Allman Brothers Band.
Aunque formados a mediados de los sesenta no fue hasta finales de esa década cuando gracias al empeño de Tony Joe White ficharían por el sello Capricorn Récords, una discográfica especialista en las bandas sureñas afincada en Georgia.
En su primera formación Eric Quincy Tate estaba formada por el bajista David Cantonwine, el guitarrista Tommy Carlisle, el batería Donnie McCormick y el vocalista y segundo guitarra Wayne Sauls.
En 1970 logran publicar su primer larga duración bajo el titulo homónimo en donde muestran una inteligente fusión de rock, funk, blues y sutiles sonidos jazzisticos.
Este interesante primer álbum les abre la puerta para telonear a los mencionados The Allman Brothers Band, en unos conciertos donde esta banda mostraba un innegable talento para las jams extensas de brillante rock con acercamientos a los sonidos soul, blues y country rock como queda demostrado en cortes como "Stonehead Blues", "Try A Little Harder" o "Hooker House".
Dos años después llegaría el segundo y su mejor obra "Drinking Man´s Friend", en el cual sobresalen la rock and roll "Brown Sugar", la blues rock "Whiskey Woman Blues" o las brillantes "Another Sushine Song", "Water To Time" o "Texas Sand", todas ellas impregnadas con los sonidos pantanosos y polvorientos de los estados del sur de los Estados Unidos.
Posteriormente esta banda seguirá publicando con cierta frecuencia álbumes con una buena acogida en los sectores del rock sureño como "E.Q.T" (1975) o "Can´t Keep A Good Band Down" (1977), este ultimo el epitafio de la banda hasta muchos años después cuando regresaron con el álbum "Thirty-Seven" (2007), en donde retomaron el atractivo sonido de blues rock sureño con un trabajo meritorio muy bien recibido por sus innumerables fans.
Este tercera oleada estuvo abandera por los ya consabidos Iron Maiden, Samson, Praying Mantis, Angel Witch o Diamond Head, y es precisamente esta ultima la que facturaría uno de los discos mas emblemáticos del genero como es “Lightning To The Nations”, publicado en 1980 y que representa uno de los trabajos mas memorables del heavy metal británico de todos los tiempos.
Diamond Head se habían formado cuatro años antes en la ciudad británica Stourbridge por el guitarrista Brian Tatler, el cantante y guitarra Sean Harris y el batería Ducan Scott, un año después se les uniría el bajista Colin Kimberley. Con esta formación y bajo el sello independiente Happy Face publicaron casi a finales de 1980 este “Lightning To The Nations”.
Compuesto por media docena de canciones, todas ellas arrolladoras e intensas, como queda demostrado en la frenética “Helpless”, las penetrantes “It´s Electric” y “Sweet And Innocent”, la siniestra “The Prince”, la sensacional “Am I Evil?” o la excelsa “Sucking My Love”.
Encuadrados en el sonido grunge de finales de los ochenta, Screaming Trees tuvieron unos inicios difíciles, su visión musical no fue siempre comprendida por una buena parte del gran publico y no seria hasta bien entrada la siguiente década cuando empezaron a ser considerados por parte del publico y la critica especializada.
“Sweet Oblivion” fue su espaldarazo definitivo, en donde dejaban atrás definitivamente su rock denso y oscuro con pinceladas psicodélicas y el sonido garaje, para derivarlo hacia un hard rock típico de la década de los 70.
Un álbum que contiene una colección muy atractiva de piezas como las soberbias “Shadow Of The Season”, “More Or Less”, “No One Knows”, “Nearly Lost You” o “Butterfly”, conformando con todas ellas su mejor obra, la cual les abriría el camino en las listas norteamericanas, alcanzando un sorprendente cuarto puesto en el Billboard y mas de trescientas mil copias vendidas solo en el mercado americano.
Sin embargo y pese a la enorme calidad que este álbum atesora, tuvo una discreta recepción inicial por parte de la critica y por un sector de sus fans mas incondicionales.
En “Thunder Seven”, el trío canadiense mostraron su talentosa versatilidad con un álbum grandioso en donde aparecen joyas emblemáticas del hard rock como la portentosa “Spellbound” y la brillante “Cool Down”. “Rock Out, Roll On” pese a tener un protagonismo menor es un medio tiempo vistoso y pegadizo, la cual es el contrapunto a las mas complejas con cierto regusto progresivo “Time Goes By” y “Killing Time”.
El resto estaba compuesto por la comercial “Follow Your Heart”, un tema puramente AOR que catapultaría al disco a lo mas alto de las listas de éxitos, la delicada “Midsummer´s Daydream”, la sublime “Time Canon” o la instrumental blues “Little Boy Blues”, las cuales cerraban un álbum de gran hard rock atemporal, que muy pocas bandas como Triumph sabían hacer de manera tan sobrada y solvente.
Con una producción deslumbrante gracias a Martin Birch, la banda mostraba aquí sus claras influencias provenientes del jazz y el progresivo como queda demostrado en la inicial "Vas Dis", una extraña e inusual mezcla de scat jazzistico y hard rock poderoso. Por otro lado el característico vuelo de guitarras gemelas a cargo de la dupla Andy Powell y Ted Turner aparecen en la sensacional "Pilgrim" y en la poderosa boogie rock "Jail Beat", mientras los indicios de los futuros derroteros musicales la encontramos en la sutil "Alone" y en la pastoral folky "Lubally".
Para finalizar con la melódica y compleja "Valediction" y la cruda blues rock "Where Were You Tomorrow", en donde el juego de las guitarras gemelas ejecutadas soberbiamente, es secundado por una de las mejores secciones rítmicas de la década de los 70, compuesta por el batería Steve Upton y el bajista Martin Turner.
Formada a finales de los ochenta por dos ex-miembros de una banda llamada Terraplane; Luke Morley y Danny Bowes (guitarra y voz, respectivamente), quienes decidieron comenzar una nueva aventura con un nuevo proyecto al que llamaron Thunder, y que además contaba con el guitarrista Ben Matthews, el baterista Gary James y el bajista Mark Luckhurst, facturando un soberbio debut titulado "Backstreet Symphony" en 1990, logrando una gran difusión y consiguiendo el prestigio suficiente para actuar en el mítico "Monsters of Rock" de ese mismo año como cabezas de cartel.En este álbum debut la banda mostraba un rudimentario hard rock de gran factura gracias a composiciones íntegras de gran calidad en donde sobresalían cortes tan magistrales como “She´s So Fine”, “Dirty Love” o “Love Walked In”.
Dos años más tarde publicarían "Laughing On Judgement Day", en donde sin alejarse de la propuesta inicial del hard rock, dotan su estilo hacia el sonido blues rock heredero de los 70, pero acoplado con la frescura y la desenvoltura de los noventa.
En esta segunda entrega sobresalían cortes como la enérgica "Empty City", o los medios tiempos "Low Life In High Places" y "Better Man" que junto a la frescura de la brillante "Everybody Wants Her", demostraron que la banda no era flor de un día.
Sin embargo musicalmente esta banda sobresalía por sus enormes composiciones de inclinación pop rock, con una gran sensibilidad melódica fuera de toda duda, que por los hechos antes mencionados, la suerte siempre les fue esquiva.
“No Dice” fue su segundo álbum, después de un meritorio debut, el cual ya contenía algunas joyas como “Come And Get It”, tema escrito por Paul McCartney, y en donde la banda empezaba a tener la total libertad para componer su propio material.
Aquí aparecen gemas como las rock and roll “I Can´Take It” y “Love Me Do”, emotivas baladas melódicas “Believe Me”, “We´re For The Dark” o “Without You”, o las enérgicas “Better Days o “No Matter What”.
Algún tiempo mas tarde el cantante Harry Nilsson versionaría “Without You”, quien la haría mundialmente famosa y por la que posteriormente se desataría la polémica, ya que por entonces el grupo no percibiría las correspondientes regalías que les pertenecían por ley al ser los autores oficiales de la canción.
Pese a la incuestionable calidad del álbum y por caprichos del destino “No Dice” no tuvo el éxito merecido, quedando relegado a un vigésimo octavo puesto en las listas de éxitos.
Este radical cambio de estilo fue debido a los productores del álbum, Nile Rodgers y Arthur Blaker quienes reemplazaron su habitual genero de blues y jazz rock complejo, por un plus de comercialidad pegadiza y adictiva, muy propia del sonido ochentero, pero sin llegar nunca a la mediocridad.
Para la grabación de este album Jeff Beck contaría con las voces de Jimmy Hall, Karen Lawrence, Curtis King o David Spinner, además de Rod Stewart, quien puso la voz en el espléndido “People Get Ready”, el único sencillo numero uno del guitarrista y con un impresionante solo de guitarra.
Los omnipresentes teclados interpretados por Jan Hammer, Tony Hymas, Duane Hitchings y Jimmy Bralower estan presentes en todo el álbum, que aunque sin quitarle totalmente el protagonismo a la guitarra de Beck, son quienes llevan gran parte del sonido como queda demostrado en los cortes “Ambitious”, “Escape”, “Get Workin´” o “Night After Night”, como contrapunto en “Back On The Streets” y “Gets Us All In The End”, el conocido sonido de los riffs afilados y los solos arabescos de Jeff Beck están presentes en los que son sin duda, los momentos mas memorables del álbum.
Ese año de 1978 vio nacer al que muchos consideran uno de los mejores guitarristas de la historia, que junto a la voz explosiva de Roth y la contundente sección rítmica, nos dejaron uno de los discos debut mas exitosos y sorprendentes de la música rock.
La vibrante y enérgica “Runnin´With the Devil” inicia una formidable colección de cortes del mejor hard rock, que tiene continuación con la instrumental “Eruption” en donde Eddie usa de manera celestial su mítico “tapping” con las seis cuerdas, por su parte la brillante “You Really Got Me”, es una de esas versiones que superan con creces a la original de The Kinks.
La oscura “Ain´t Talkin´Bout Love”, la acelerada “I´m The One”, o las comerciales y pegadizas “Jamie´s Cryin” y “Feel Your Love”, son junto a otra versión, esta vez del viejo bluesman John Brim, “Ice Cream Man”, el resto de un repertorio extraordinario que lograría vender la friolera de 10 millones de copias a nivel mundial y que puso en órbita a Van Halen como una de las bandas punteras en el panorama del rock mundial e iniciando así una carrera tan relevante como magistral.
Este triple álbum, grabado durante la exitosa gira norteamericana promocionando al quinto álbum "Wings at the Speed of Sound", fue producto en parte para paliar los discos piratas en directo que circulaban por aquella época de los Wings, por lo que Paul McCartney incluso prepararía un spot comercial para la tv coincidiendo con la publicación del álbum.
Las tomas finales de este triple álbum fueron seleccionadas de entre mas de 31 conciertos por todos los Estados Unidos, en el del Forum de los Angeles, el del Madison Square Garden de Nueva York y en el de The Kingdom de Seattle durante los meses centrales de 1976, en todos los cuales tuvieron una afluencia de mas de 600.000 personas.
El repertorio de “Wings Over America" recorre lo mejor de toda la carrera de ex Beatle en solitario, temas de los Wings y algunas versiones de su banda madre The Beatles.
Entre las primeras estan la majestuosa "Let Me Roll", la rock "Medicine Jar", la frenética "Maybe I´m Amazing" o las inmortales "Venus and Mars", "Rock Show", "Jet", “Live And Let Die” o la pletórica "Call me Back Again", mientras el pasado Beatle esta representado por las eternas "Yesterday", "Lady Madonna", "The Long and Winding Road" o "Blackbird".
El álbum supuso un nuevo éxito comercial para McCartney, convirtiéndose en el quinto álbum del grupo en entrar directamente en el primer puesto en las listas estadounidenses, mientras en el Reino Unido alcanzó el puesto octavo, logrando varios discos de platino por sus multimillonarias ventas, demostrando con todo ello que Paul McCartney era el más rockero de los cuatro Beatle, el más entusiasta y sobre todo el que cosechaba y cosecharía el mayor éxito en el futuro.
Después de dos primeros álbumes de punk rock clásico como fueron “The Clash” (1977) y “Give ´Em Enough Rope” (1978), Joe Strummer y Mick Jones, sus dos líderes, empezarían a influenciarse de otros géneros como el ska, el pop mas comercial, el reggae, o el rock and roll, todo ello fusionado con su poderosa base de punk.
Con una simbólica y famosa portada, este “The London Calling” esta fundamentado en 19 cortes en donde la banda mostraba la madurez necesaria para ser seriamente considerados por la critica y el publico de finales de los setenta y principios de los ochenta.
Desde ecos a los sonidos jamaicanos con las brillantes “Jimmy Jazz” o “Guns Of Brixton”, hasta tremendos temas rockabilly como “Brand New Cadillac”, pasando por cortes con claro acento new wave como “Lost In Supermarket” o la funky pop “Lover´s Rock”, son argumentos mas que suficientes para considerar este memorable álbum, en uno de los mas importantes de la historia de la música popular.
En esta primera entrega la banda estaba formada por Beeb Birtles en la voz principal y guitarra, Ric Formosa como guitarrista solista, Graham Goble en la guitarra rítmica y voces, Roger McLachlan al bajo, Derek Pellici a la batería y Glenn Shorrock como cantante y harmónica.
De entre todos los temas de este primer trabajo sobresalen notablemente el medio tiempo “Emma”, y las melódicas y comerciales “It´s A Long Way There” y “Curiosity (Killed The Cat)”, este ultimo su hit mas importante en el mercado australiano.
La country rock “Lady and Me”, la contundente “Statue Of Liberty” y la tierna “I Know It” completan un sobresaliente debut que les permitiría conseguir su primera gira mundial, en un principio como teloneros de Queen y posteriormente de la Average White Band, logrando un gran reconocimiento en tierras norteamericanas, un éxito que pronto se vería reflejado en sus tres siguientes trabajos “Diamantina Cocktail” (1977), “Sleeper Catcher” (1978) y “First Under The Wire” (1979), logrando con todos ellos varios discos de oro y tres discos de platino por sus enormes ventas solo en el mercado norteamericano.
Formada a finales de los 60 en los Ángeles, su primera formación estaba compuesta por el mencionado Lowell George (guitarra, voz y harmónica), Bill Payne (teclados y voces), Roy Estrada (bajo y voces) y Richie Hayward (batería y voces).
Todos ellos eran músicos contrastados que habían pertenecido a bandas como los Mothers of Invention de Frank Zappa o afamados instrumentistas de sesión para otros artistas.
Gracias al productor Russ Titelman, en 1970 lograron un contrato con el sello Warner, y un año después vería la luz el primer álbum titulado homónimamente y compuesto por un total de once temas, la mayoría escritas por Payne y George, el cual sentaría las bases de lo que la banda haría en los años sucesivos.
Pese a no tener un estilo aún muy definido, “Little Feat”, es uno de los debuts mas interesantes del rock norteamericano de principios de los 70, con una gran variedad de estilos e influencias.
Temas puramente rock como “Snakes On Everything”, “Hamburger Midnight" o “Strawberry Flats”, contrastan con las country rock “Truck Stop Girl” o “I´Ve Been The One”, las brillantes “Brides Of Jesus” y “Willin´”, este ultimo uno de los temas estandarte de Little Feat o temas blues como la versión del mítico Howlin´Wolf, “Forty-Four Blues/How Many More Years”, en donde sobresale la inconfundible voz de George y la slide guitar de Ry Cooder.
The Enid compuso una música que tenía la estructura y la ambición de la música clásica y que sonaba clásica pero magistralmente ejecutada con un conjunto de rock.
“In the Region in the Summer Stars” fue su álbum debut publicado en 1976, el cual se convertiría en un símbolo del rock progresivo hasta catalogarse como banda de culto dentro del género.
Este primer álbum de The Enid, se parece más a la música de Ennio Morricone que al rock progresivo "típico" de los años 70. ¿La música clásica reinventada? Posiblemente. De hecho, al escuchar sus 39 minutos, vienen a la mente escenas y extractos de películas, a través de una orquestación pomposa, frases deslizantes de guitarra, piano de ensueño y partes de flauta. El estado de ánimo cambia bastante a menudo de lo épico/grandioso/aterrador a la tranquilidad y sosiego total y viceversa para completar la danza de las emociones.
El sentimiento de calidez se retrata en "The Lovers" y "The Sun", la aventura y la épica en "Fool/The Falling Tower" y "The Devil" con esas atmósferas inquietantes, y el clímax de miedo están evocadas en "The Last Judgement" y "Death", revelando todas ellas la calidad y la inspiración detrás de este disco.
Si hubiera sido lanzado unos años antes, The Enid y su autor intelectual, Robert John Godfrey, no hubieran tenido una carrera tan turbulenta, y encima para rematar la faena si no se hubieran visto obligados a volver a grabar el álbum para una reedición en CD por razones legales ridículas, si alguno de estos factores hubiera sido diferente, sin duda consideraríamos a The Enid como una de las bandas progresivas de primer nivel de la década de 1970. Es posible que hubiesen tenido una segunda oportunidad, ya que forman parte de un grupo selecto de bandas, como Genesis, Yes, King Crimson o Gentle Giant, que podrían decir que forjaron un estilo único en esa década, que fue exclusivamente de ellos y podría ser reconocido instantáneamente como tal.
Sencillamente, ninguna otra banda logró reunir una combinación de técnicas y estilos de música clásica, la competencia técnica y musical de alta calidad, con esa amplitud y profundidad emocional como hicieron The Enid.
Esas partes inspiradas en Black Sabbath se encuentras en “Guts” con el cual se inicia un álbum con una sucesión de temas pesados de blues rock y heavy rock con algun contrapunto folk como la delicada “Everything In My Heart”.
La ortodoxa heavy rock “The Author” muestra el ritmo frenético del estilo de Budgie y la compleja y arreglada “Nude Disintegrating Parachutist Woman” ya nos ofrece la primera muestra real de lo que la banda harían en los próximos años.
El resto del álbum esta compuesto por dos excelentes piezas de blues rock como son “Rape Of The Locks” y “All Night Petrol”, la breve y acústica “You And I” y la infecciosa con reminiscencias a los Black Sabbath, “Homicidal Suicidal”.
Después de otro cambio de compañía discográfica, este vez bajo la ATCO, publican su tercer larga duración, “Strikes” con el cual logran las mieles del triunfo gracias en parte a la adecuada promoción del álbum por parte del nuevo sello y a una irresistible colección de grandes temas de rock sureño como “Highway Song” y “Train Train” que lo aúpan en el top 40 norteamericano, logrando vender un millón de copias en los siguientes dos años.
Pero sin embargo este álbum no solo vivía de las rentas de esos excelentes dos temas, aquí también aparecían adictivas versiones como “Whising Well” de Free, “Pay My Dudes” de Blues Image o “I Got A Line On You” de Spirit, con las cuales la banda aprovechaba esa antigua estratagema de recurrir a temas exitosos ya conocidos, pero dotándolos con su sello personal e inconfundible.
El gran recibimiento del álbum les abriría el camino comercial y una gran popularidad, y en los siguientes dos años la banda no dejaría de girar triunfalmente por todos los Estados Unidos junto a bandas consagradas como Foreigner, Journey, AC/DC o Blue Oyster Cult.
“Restless And Wild” sorprendió gratamente a la critica y a los fans por su impecable producción y por una serie de temas que siguen tan vigentes hoy en día, considerados como parte esencial de la historia del genero como la arrolladora “Fast As A Shark”, la elegante “Neon Nights”, las meritorias “Ahead Of The Pack”, “Shake Your Heads” y “Princess Of The Dawn” o el brillante tema que da titulo al álbum.
En definitiva, “Restless And Wild” contiene una soberbia retahíla de canciones repletas de enormes riffs metaleros a cargo de la dupla de guitarristas Wolf Hoffmann y Herman Frank con esa furia controlada, una base rítmica demoledora a cargo del batería Stefan Kaufmann y el bajista Peter Baltes, todo ello envuelto en la voz poderosa y cruda de Udo, una de las voces mas carismáticas del heavy metal mundial.
En los años 70 editaron dos álbumes, de los cuales, ''Harvest Time'', es considerado un objeto de colección entre los melómanos, alcanzando cifras que oscilan entre 500 y 1000 euros por un ejemplar del vinilo original. Su segundo álbum, ''Flying High, Running Fast'' (1978), fue lanzado bajo el nombre inglés de HARVEST, ello tal vez con la esperanza de buscar una mejor promoción en mercado internacional. Durante esos años, Elonkorjuu giraron por el norte de Europa y a menudo, participaron en los principales eventos de rock finlandeses y escandinavos, como los festivales Pori Jazz y Ruisrock.
Aunque se disolvió en 1978, la banda hizo su reaparición en 2003 y al año siguiente lanzó un nuevo álbum, ''Scumbag''. Este supuso un cambio en la dirección de su música, orientado en una vena de rock-blues pesado.
En 2010 la banda lanzo el doble en vivo ''Scumbag Goes To Theatre'' y en 2012 la compilación de 4 CD ''Seasons'', que incluye casi todo lo grabado por la banda.
Pero centrándonos en su álbum debut, Elonkorjuu ofrecen un ambicioso trabajo de hard rock con una atractiva fusión de diferentes géneros como el blues, el jazz, algunos toques de folk y ligeros sonidos progresivos, que pese a su poca cohesión final, es un álbum bastante meritorio y muy arraigado en el sonido típico de finales de los sesenta.
Cortes como la galopante “Unfeeling” o la musculosa “Swords” demuestran el poderío del órgano hammond y los penetrantes riffs de guitarra, mientras la psicodelia está impregnada en los temas “Captain” y "Praise To Our Basement”, o en sonidos sinuosos de guitarras jazzisticas y unas percusiones frenéticas como queda demostrado en el magnifico corte instrumental “Future”.
La acelerada rock “Hey Hunter” o la esquizofrénica “Old Man´s Dream” son junto a la arrebatadora “Me and My Fiend” otros de los momentos cumbres de este magnifico álbum ecléctico, enérgico y muy interesante para los amantes del hard rock germinal de finales de los sesenta.
Así pues aquí volvían a repetir Vinny Appice, Vivian Campbell y Jimmy Bain, con el añadido del teclista Claude Schnell y fue grabado en los estudio Caribou Ranch en el estado de norteamericano de Colorado durante los primeros meses de 1984.
“The Last In Line” contiene un repertorio repleto de trallazos como “We Rock”, la machacona y demoledora “The Last in Line”, la contundente “Breathless”, la frenetica “I Speed At Night”, la rítmica y melódica “Evil Eyes” o la pegadiza “Mystery”, todas ellas con ese acento continuista a los esquemas musicales de su álbum debut.
Sin embargo esta formula comenzaba a mostrar de manera sutil cierto agotamiento compositivo, síntomas que por otro lado no desmerecen en absoluto una de las obras mas emblemáticas de uno de los grandes vocalistas de la historia del heavy metal.
“It´Snaz” es el titulo del primer álbum en vivo de Nazareth, que grabado durante la gira posterior al disco “The Fool Circle”, en el Pacific Coliseum de Vancouver en Canadá, durante el mes de mayo de 1981, esta considerado uno de los mejores registros en vivo de la década de los ochenta y uno de los mejores cien álbumes en directo de la historia de la música rock.
Por aquel entonces la banda estaba formada por los miembros originales Dan McCafferty (voz), Manny Charlton (guitarra), Peter Agnew (bajo) y Darrell Sweet (batería), además de los músicos de apoyo John Locke (teclados) y Billy Rankin (guitarra).
Este soberbio doble álbum esta compuesto por un irresistible repertorio de sus grandes clásicos como las poderosas y contundentes “Telegram”, “Razamanaz”, “Dressed To Kill”, “Hair of the Dog” o “This Flight Tonight”, temas ajenos como la soberbia “Java Blues” o las electrizantes versiones de J.J.Cale, “Cocaine”, “Tush” de los ZZtop, o la de The Yarbirds “Shapes of Things”.
En esa misma línea siguen la poderosa rock “Downed”, la pegadiza “I Want You Want Me”, la comercial “You´re All Talk”, la incendiaria “Hello There” o la sombría “Southern Girls”, sin olvidarnos de la brillante y dinámica “Come On, Come On”, mientras las hard rock “Oh Caroline” y “Clock Strikes Ten”, aunque mantienen el buen nivel, son canciones mas previsibles pero que no empeñan en absoluto el resultado final de un álbum que fue considerado en el 2003 como uno de los álbumes mas influyentes de finales de los 70 por la revista Rolling Stone.
La recepción posterior les supondría su primer disco de platino por sus enormes ventas en el mercado norteamericano.
Había sido miembro de bandas tan legendarias como Soft Machine o Matching Mole, ejerciendo como baterista y cantante, grabando con estas algunos de los trabajos fundamentales del genero.
Después de este desgraciado accidente, la vida de Wyatt cambio radicalmente, postrado en una silla de ruedas se concentraría en tocar el piano y el órgano, así como diferentes instrumentos de percusión, aunque sin embargo su principal talento estaba en su voz única e inconfundible.
"Rock Bottom" seria el primer álbum después de este hecho tan trascendental, en el cual obtendría la colaboración algunos de los mejores músicos británicos de la época como Mike Oldfield, Richard Sinclair, Hugh Hooper o Fred Frith entre otros.
"Rock Bottom" es un álbum tranquilo y melancólico, un emocionante viaje a través de la mente de Wyatt, pero que también obtiene la hermosa instrumentación típica del sonido Canterbury.
En el se escuchan momentos escalofriantes y angustiosos, y todo el álbum resulta una joya absoluta del rock británico de todos los tiempos, aquí la voz de Wyatt nunca había sonado tan fabulosa como queda demostrado en las hermosas "Sea Song" y "The Last Straw", o soberbias composiciones como la hipnótica "Little Red Riding Hood Hit The Road", la melancólica "Alife" o la progresiva "Litte Red Robin Hood Hit The Road".
Todas ellas tienen los argumentos suficientes para ser considerada como una de las obras maestras del sonido Canterbury y todo un clásico atemporal de la música rock de todos los tiempos.
Nacidos a principios de los 70, en 1972 se darían a conocer en el mundo entero con su particular y grandilocuente música, con un álbum hermoso, muy elaborado y bastante complejo, en donde el excelente trabajo de la guitarra, una poderosa batería y los maravillosos teclados están ejecutados de manera brillante, todo ello acompañados por una de las mejores voces de todos los tiempos, cantando a todo pulmón y manteniendo el ritmo de cada pieza aquí expuesta.
Un álbum que comienza con "In Volo", un tema corto que gracias al uso de la flauta le da ese toque folk, junto a los sonidos de los sintetizadores y un deslumbrante coro femenino. Seguidamente aparece uno de los cortes por antonomasia del rock progresivo "R.I.P. (Requiescant In Pace)", en donde podemos apreciar la extraordinaria voz de Francesco di Giacomo, bajo un ritmo de piano jazzistico, una guitarra funky y elementos sinfónicos que a medida que transcurre se convierte en un hermoso cuento de hadas, pacifica y excepcional.
El preludio "Passaggio" da entrada a "Metamorfosi", una dinámica pieza progresiva con mucha influencia clásica y a la hipnótica suite "Il Giardino del Mago", una verdadera epopeya progresiva que se convierte en el segundo momento cumbre de este magnifico álbum.
Para acabar la banda nos deja la maravillosa y corta "Traccia", otra pieza basada en el piano clásico, voces corales y una especia de melodía folclórica con el que culmina una de las obras por excelencia del rock progresivo de los años 70.
Por alguna razón, Italia siempre ha sido un país con una gran tradición musical. Al pueblo transalpino constantemente le gustaron los dramas, las óperas y la música clásica. Desde el caótico sur hasta el ordenado norte, esto es algo común y aceptado en la vida cotidiana y cultural del pueblo italiano. Esta es sin duda la razón principal por la que aparecieron tantas bandas progresivas en Italia, desde su apogeo hasta nuestros días. Alguien dijo en una ocasión que probablemente haya más bandas progresivas en Italia que fans del genero. Exagerada o no esta afirmación, lo cierto es que muchas de esas bandas solo pudieron lanzar un solo álbum a pesar de la alta calidad habitual de sus trabajos. Y este es también el caso de Cervello.Cervello fue una banda italiana de rock progresivo fundada en Nápoles. Inicialmente llamaron la atención debido a la presencia del guitarrista Corrado Rustici, el hermano menor de Danilo Rustici de Osanna.Su único álbum "Melos" es en gran medida un trabajo conceptual y ambicioso basado en la mitología griega, y completamente infundado con las tradiciones de la gente mediterránea. La presencia de varios flautistas separados en la formación también aportó una dimensión sorprendentemente original al final de la obra. Lamentablemente Cervelló se separó a finales de 1973."Melos" es una obra de arte impresionante. La banda salió de la nada y lanzó un excelente álbum de gran calidad. Es oscuro, misterioso y rico en ritmos mediterráneos, con unas retorcidas letras sobre los antiguos mitos griegos y mucho más. Si hay alguna comparación con otras bandas en Italia, probablemente señalaríamos principalmente a Osanna, lo cual de hecho, no es algo realmente extraño. Al igual que la música de Osanna, la música de Cervello fortalece hábilmente los arreglos progresivos complejos y obsesivos con usos inteligentes de sabores folclóricos locales napolitanos, toques de jazz y fuertes estallidos de rock grandilocuente. Y al igual que la formación de Osanna, la formación de Cervelló consta de saxofones, flautas, bajo, guitarra, batería y, por supuesto voces."Melos" no es un disco inmediato ni de fácil escucha. Se necesita algo de tiempo y varias audiciones para conseguirlo. Una de las características definitorias de Cervello fue la ausencia total de teclados, algo inaudito en la escena del rock progresivo italiano y anglosajón.Todas las canciones de "Melos" son, con la excepción del cierre corto "Affresco", muy complejas y progresivas. Piezas como la blues pesada y oscura "Canto Del Capro", la melancólica "Trittico", la melódica y sombría "Scinsicne (T.R.M.)" o la dramática "Galassia" conforman uno de los pináculos de la escena progresiva italiana de los años 70, un álbum intrigante con una delicadez compositiva innegable que nada tiene que envidiar a las monumentales obras de los grandes del genero italiano como Premiata Forneria Marconi, Banco Del Muttuo Soccorso y Le Orme, pero que sin embargo en su momento paso totalmente desapercibido precipitando la disolución definitiva de Cervello.
Su formación original estaba compuesta por el teclista y bajo Kenny Aas, los baterías Kjell Asperud y John Lorck, el guitarra Janne Loseth, y el vocalista Roy Robinson.
Tomando como referencia a bandas punteras de la época como Led Zeppelín o Deep Purple, Titanic publicaron su álbum homónimo en 1970 en el cual sobresalía un repertorio cargado de sonidos de órgano pesado y guitarra, una poderosa percusión y unas melodías impactantes. Temas como "Searchin", "Somethins On My Mind" o "I See No Reason", son una perfecta muestra de su impetuoso estilo de hard rock de principios de los 70.
Un año después publican su segundo larga duración "Sea Wolf", con el que logran conquistar los mercados internacionales gracias a temas como la latín rock "Sultana" o la heavy prog "Sea Wolf", logrando llegar casi a la cima de las listas de éxitos del Reino Unido, alcanzando una sorprendente quinta posición (algo insólito para una banda extranjera que no provenía de EE. UU.).
Después de este ultimo álbum el teclista Kenny Aas abandona siendo sustituido por Helge Groslie, quien influye decisivamente en el sonido posterior del grupo, dotándolo de un estilo mas progresivo como queda demostrado en su tercer álbum "Eagle Rock", lanzando en 1973.
Esta tercera entrega es el momento culminante de Titanic, con un trabajo soberbio de hard rock progresivo con tintes psicodélicos como queda demostrado en la tremenda "One Night In Eagle Rock", la brillante “All Around You", la pesada "One Of Your Kind", la hard rock psicodélica "Dying Sun" o la progresiva "Maureen".
En los sucesivos años la banda siguió publicando discos con cierta regularidad como “Ballad Of A Rock´n´Roll Loser” (1975), “Return Of Drakkar” (1978) y “Eye Of The Hurricane” (1979), todos ellos de menos impacto comercial, muy alejados de su propuesta inicial con un sonido mas previsible hasta 1979, cuando se disolverían definitivamente, sin embargo volverían a reunirse con algunos cambios de formación en 1991 y en el 2008, publicando varios trabajos de escasa repercusión mediática.
Hoy en día sus dos primeras obras, “Supertramp” (1970) y “Indelibly Stamped” (1971), están consideradas dos clásicos contemporáneos, fundamentalmente por la gran diferencia con el sonido que los harían mundialmente famosos años mas tarde.
Sin embargo, su primer álbum contiene argumentos mas que suficientes para considerarlo como una verdadera banda progresiva.
Conformados en un principio como cuarteto, en donde figuraban Rick Davis, teclados y voces, Roger Hodgson, bajo, guitarras acústicas, cello, flageolet y voces, Robert Miller, batería y percusión y Richard Palmer, guitarra eléctrica y voces.En este primer trabajo mostraron su ecléctico sonido progresivo con piezas sobresalientes como las epopeyas “Maybe I´m a Beggar” y “Try Again”, la blues progresiva “It´s A long Road”, las suaves y planeadoras “Aubade and I Am Not Like The Other Birds Of Prey” y “Words Unspoken”, o la contundente rock progresiva “Nothing To Show”.
Pese al varapalo comercial, este debut es una excelente muestra progresiva que no desmerece en absoluto a otras muchas obras publicadas por la misma época y que tuvieron mucha mas repercusión mediática y comercial.
