Cliff Richard-From A Distance: The Event (1990)

Cliff Richard es junto a The Beatles, el artista británico más admirado de la historia, y no solo por los propios británicos si no también por todas las generaciones de músicos posteriores. Considerado el Elvis Presley inglés, tiene el honor de ser el impulsor del rock and roll en las islas británicas junto a su banda de aquella época The Shadows. Enumerar aquí sus éxitos es casi imposible, más de 46 álbumes de estudio, más de 150 singles, muchos de ellos números unos o más de 250 millones de discos vendidos, colocándose junto a The Beatles y Elton John a la cabeza de los más vendedores entre los artistas británicos, es solo parte de su impresionante legado y de su enorme éxito. Además de todo ello, tiene junto a Elvis Presley el récord de haber entrado en las listas de éxitos durante seis décadas consecutivas. Este legendario cantante tuvo un éxito arrollador en el Reino Unido antes que los Beatles irrumpiera en el mundo de la música. John Lennon llegó a decir en una ocasión: "antes que Cliff Richard en Inglaterra no había rock and roll", y George Harrison: "Sin Cliff Richard y los Shadows no hubieran existido los Beatles”. Richard ha logrado siete álbumes números uno en las listas de álbumes del Reino Unido en las décadas de 1960, 1970, 1980 y 1990, y ha acumulado 30 álbumes entre los cinco primeros y 47 entre los diez primeros. En 2023, con motivo de su 65 aniversario, lanzó el álbum "Cliff with Strings: My Kinda Life", un recopilatorio de sus éxitos clásicos, bajo los arreglos orquestales de Chris Walden. De entre esa infinidad de sencillos, álbumes en directo y en estudio, canciones de películas, discos recopilatorios etc, etc, uno de sus discos más representativos es este "From a Distance: The Event", una especie de recopilatorio en directo grabado los días 16 y 17 de junio de 1989 en el estadio de Wembley, y lanzado oficialmente como doble Lp a finales de 1990. Entre su repertorio aparecen algunas de sus imprescindibles canciones como "Summer Holiday", "The Young Ones", "In the Country", "We Don't Talk Anymore" o "Saviour's Day", las cuales se alternan con versiones de standards del rock and roll como "Good Golly, Miss Molly" de Little Richard, "Whole Lotta Shakin' Going On" de Jerry Lee Lewis, "Bird Dog" de The Everly Brothers o "C'mon Everybody" de Eddie Cochran.

Various Artists-41 Original Hits From The Soundtrack Of American Graffiti (1973)

En 1973 el prestigioso director George Lucas, famoso por dirigir películas como “Las Guerras de las Galaxias" o "Indiana Jones", escribió y dirigió el film "American Graffiti", una película ambientada en los primeros años 60 en la cual intentó reproducir fielmente la cultura juvenil norteamericana de aquellos años y lo que el rock and roll supuso para aquella generación. La película se convertiría en una de las más lucrativas de la historia del cine, con más de 200 millones de dólares de beneficio, entre la taquilla, los discos vendidos, o las ventas y el alquiler de las cintas de video VHS. Más allá de la película en sí, lo más llamativo de esta cinta cinematográfica es su impresionante banda sonora. Para ello Lucas hizo una minuciosa selección de 41 canciones que son fundamentales en los inicios del rock and roll. Todas ellas llegaron a triunfar masivamente en las listas de éxitos y no solo en el norteamericano, muchas de ellas también a nivel mundial. Desde el rock and roll de Chuck Berry, hasta el soul jazz de Booker T.Jones, pasando por los pioneros del género como Bill Haley and The Comets, Fats Domino, Del Shannon o Buddy Holly, el doo wop de The Platters o el surf de The Beach Boys.

The Rolling Stones-Black And Blue (1976)

En 1974 The Rolling Stones lanzaban su duodécimo álbum “It´s Only Rock´n´Roll”, el cual supuso la despedida de su guitarrista Mick Taylor. Este hecho llevaría a que Mick Jagger y Keith Richards buscaran un sustituto ideal para afrontar el futuro de la banda.
Durante algún tiempo se rumorearon los nombres de Rory Gallagher, Jeff Beck o Peter Frampton quienes declinaron la oferta, otros como Harvey Mandel o Wayne Perkins también estuvieron entre los nominados, recayendo el puesto finalmente en Ron Wood.
Ron Wood por entonces aún pertenecía a la banda The Faces y como tal solo podría colaborar como musico invitado en el siguiente álbum de los Rolling, “Black and Blue” publicado a mediados de 1976.
Por lo tanto la formación oficial de la banda en esos momentos estaba compuesta por Mick Jagger, Keith Richards, Charlie Watts y Bill Wyman, mientras que Ron Wood aparecería como músico invitado, donde además también se encontraban Billy Preston, Nicky Hopkins, Ian Stewart y los mencionados Harvey Mandel y Wayne Perkins.
“Black and Blue” fue grabado en diferentes estudios de Múnich, Nueva York y Florida bajo la producción de los propios Jagger y Richards y otros productores entre los que se encontraban Glyn Johns. Este nuevo lanzamiento contiene un repertorio basado en un estilo algo alejado del habitual e inconfundible rock´and´roll de los Rolling Stones, con una colección de temas diversos en donde salen a relucir sonidos como el reggae y el funk, además de una serie de canciones enfocadas a la jam instrumental.
Una faceta instrumental que opacaba de alguna manera las melodías vocales y que le llevaría ser considerado un álbum controvertido y transitorio, siendo recibido con cierto estupor por una parte de sus millones de fans.
Sin embargo terminaría logrando un disco de platino por sus ventas, un meritorio numero uno en las listas norteamericanas y un segundo lugar en las británicas.
La funky “Hot Stuff” abre esta nueva entrega con un ritmo discotequero, mientras el sonido clásico de los Stones esta presente en “Hand Of Fate”, con la siguiente “Cherry Oh Baby” vuelven a adentrarse en otros meandros musicales, esta vez con el reggae, finalizando la primera cara de la placa con la vibrante y espléndida jam “Memory Motel”. La segunda cara comienza de igual manera con la jam “Hey Negrita”, que sin embargo no tiene la intensidad de la anterior. Para acabar este versátil y atractivo disco, aparecen la stoniana “Melody”, la sentida balada “Fool To Cry” y la chulesca rock´n´roll “Crazy Mama” .

J.Geils Band-Live Full House (1972)

J.Geils Band fue una extraordinaria banda norteamericana de rock & roll y R&B, que publicaron una serie de grandes discos en la década de los setenta, los cuales permanecen como parte de lo mejor del rock norteamericano. En sus inicios a mediados de los sesenta, esta banda era un trío de blues acústico formado por el cantante y guitarrista Jerome Geils, el bajista Danny Klein y el armonista Richard Salwitz, posteriormente ya casi a finales de la década se les unirían el cantante Peter Wolf y el batería Stephen Bladd. Con esta nueva formación la banda deriva su estilo hacia los derroteros eléctricos del rock, el blues y el soul. Sus primeros cinco álbumes empezando por el debut “The J.Geils Band” (1970) y su continuación “The Morning After” (1971), constituyen dos antológicos trabajos de sonidos potentes de R&B aderezados con un descarnado rock and roll y grandes dosis de soul, en ellos destacan la poderosa “First I Look At The Purse”, la versión de Otis Rush “Homework”, la tremebunda “Hard Drivin´Man” o “Serves You RightTo Suffer”, esta ultima otra versión, esta vez del gran John Lee Hooker.
Sin embargo en donde realmente destacaba esta banda eran en sus explosivos directos, con una fuerza imparable entre la armónica de Magic Dick, la ardiente guitarra de J.Geils y la tremenda voz de Peter Wolf.
Todo ello quedo reflejado en su directo “Full House” publicado en 1972 y grabado en el Cinderella Ballroom de Detroit, el cual se convirtió en el punto culminante de J.Geils Band. Un directo que esta considerado uno de los grandes registros en vivo de los setenta y que contiene un repertorio fulminante e incendiario como las trepidantes “Firts I Look At The Purse” o “Looking For A Love”, la jam “Whammer Jammer”, la R&B “Hard Drivin´Man” o la blues “Server You Right To Surffer”.
Si bien la banda encontraría más tarde un gran éxito en las listas a principios de los 80, el fanfarrón y blues rock de su propuesta inicial los convirtió en uno de los grupos mas solicitados en las giras estadounidense, una época en donde llenaban estadios durante el periodo comprendido entre 1971 y 1974.
Después de este enorme directo llegaría su siguiente álbum de estudio “Bloodshot” (1973), el cual se convirtió en el lanzamiento mas exitoso de la banda hasta esos momentos, alcanzando el décimo puesto en las listas del Billboard, mientras el siguiente “Ladies Invited” (1973), aún conteniendo grandes momentos, fue el principio de su época mas previsible, alejados de su contundente propuesta inicial, pero que sin embargo reforzaría el estatus de la J.Geils Band como una de las mejores bandas del rock americano de principios de la década de los setenta.
Sin embargo el éxito mundial les llegaría por fin en 1981 gracias a su álbum “Freeze Frame”, todo un numero uno en las listas Billboard, el cual contenía las adictivas y comerciales “Centerfold” y “Freeze Frame”, temas con un claro acento pop sin alejarse totalmente de su planteamiento original con acercamientos al funk, convirtiendo este en su trabajo mas ecléctico y experimental.

The Rolling Stones-Beggars Banquet (1968)

En 1967 The Rolling Stones quisieron rivalizar con The Beatles y su "Sgt Peppers…" lanzando su extraño y confuso "Their Satanic Majestic Request", un álbum repleto de sonidos psicodélicos y temas complejos basados en los instrumentos electrónicos como los teclados que lastraría en demasía este disco difuso pero que a la vez era irresistiblemente adictivo.
La mala recepción posterior de este lanzamiento por parte de la critica y de gran parte de sus fans, que para ser justos tampoco fue tan mala cosechando puestos muy altos en las listas de éxitos a ambos lados de Atlántico, les llevaría a replantearse el camino a seguir en lo sucesivo. Así su siguiente movimiento discográfico significaría la vuelta a sus orígenes, repletos de sonidos acústicos, influencias blues y un desenfadado rock.
Esta vuelta a sus principios empezaría con su séptimo álbum “Beggars Banquet”, que desde su famosa y polémica portada, The Rolling Stones quisieron demostrar que su esencia seguía intacta de sucio y primitivo rock and roll, sin añadidos ni complejos arreglos como queda demostrado en temas como la impetuosa “Sympathy For the Devil”, uno de los mas memorables temas que esta banda creo jamás. Pero no solo de esta magnifica canción vivía este álbum, en el aparecen admirables cortes como la pesimista “No Expectations”, la soberbia “Jig-Saw Puzzle” o la incisiva “Street Fightin Man”.
Esa esencia blues de la que hablamos antes, esta presente en “Parachute Woman”, mientras los escarceos con la música tradicional norteamericana la encontramos en la country rock “Dear Doctor”, la folk “Factory Girl” y en la gospel “Salt Of The Earth”, para acabar así con otra de las monumentales obras que el combo liderado por Mick Jagger y Keith Richards dejaron para la posteridad.

The Rolling Stones-Exile On Main St. (1972)

A principios de los setenta The Rolling Stones se habían mudado a Francia huyendo del agobiante fisco británico y seria allí mismo en las tierras galas, cuando comenzarían a preparar su nuevo álbum, el que haría cronológicamente el décimo de su carrera. Sin embargo la estancia en Francia no seria un camino de rosas para el grupo. Para empezar las adicciones a las drogas de algunos de sus miembros, principalmente Jagger y Richards, el nefasto lugar escogido para la grabación del álbum, una mansión en donde residía habitualmente Keith Richards y su familia, cerca de Cannes, la cual tenia tras de si un turbio pasado, al ser un cuartel de la Gestapo durante la Segunda Guerra Mundial, además de las caóticas sesiones de grabación llevaría todo ello a unas polémicas y maratonianas semanas de total descontrol y desmadre sin precedentes. Durante esas sesiones todo se volvía frenético, desde la deficiente instalación eléctrica para los potentes y sofisticados equipos de estudio, hasta el ir y venir de infinidad de amigos y conocidos de la banda, (incluidos traficantes de drogas), sin contar el nutrido personal de grabación, encima a todo ello habría que sumarle los continuos parones en las grabaciones debido a las habituales ausencias de algunos de los músicos del grupo que se largaban para asuntos particulares, tanto desbarajuste significaba un tremendo caos que de alguna manera se termino integrando en el sonido final del álbum, con una infinidad de criticas por parte de la prensa especializada tras su publicación. Este hostil recibimiento se terminaría convirtiendo con el tiempo en la obra maestra del grupo, considerada como una de las mejores aportaciones del rock.
En este álbum la banda exploraba como nunca diferentes terrenos como el jazz, el soul, el gospel, el country, el blues o el rockabilly, con muchos momentos instrumentales a modo de jams, donde sobresalían una serie de brillantes canciones como la comercial “Tumbling Dice”, la rock “Rip This Joint”, la country “Torn And Frayed”, la barriobajera “Ventilator Blues”, la rock and roll “Shake Your Hips” o las tremendamente adictivas y muy stonianas “All Down The Line” y “Rocks Off”. Para muchos esta fue la ultima gran obra de The Rolling Stones, pese a que su docena de lanzamientos posteriores hayan sido muchos de ellos grandísimos álbumes, pero ninguno con la variedad, el frenetismo, y la genialidad algo desmadrada producto de su azarosa grabación de este mítico “Exile On Main St.”

The Rolling Stones-Some Girls (1978)

El final de la década de los setenta se caracterizo por la explosión de nuevos movimientos musicales que movieron a una parte del publico hacia ellos, como la música disco o la new wave. En ese marco The Rolling Stones publicaron uno de los álbumes mas variados de toda su carrera. "Some Girls" venia precedido por una serie de escándalos en los que se vio involucrado su guitarrista Keith Richards un año antes en tierras canadienses al ser acusado por posesión de drogas y para rematar la faena con un posterior affaire con Margaret Trudeau, la esposa del primer ministro canadiense Piere Trudeau. En medio de todos estos escándalos seria Mick Jagger el principal compositor del nuevo disco, en el cual denotan los gustos musicales del cantante en aquellos momentos. Publicado a mediados de 1978, el álbum gira alrededor del súper hit "Miss You", una canción que a ritmo de funky  y blues abre del disco de manera espectacular, sin que por ello deje de sonar típicamente a los Stones. El resto lo componen un repertorio vibrante y excepcional de temas sobresalientes como la rock´n´roll "When The Whip Comes Down", a la que siguen las incendiarias "Lies" y "Respectables", dos de los temas mas duros de toda su discográfica. Pero además también incursionan por los terrenos del soul con "Just My Imagination (Running Away With Me)”, la música country con "Far Away Eyes", o el punk tan de moda en aquellos años con "Shattered", acabando con la balada puramente stoniana "Beast Of Burden", demostrando todo ello que la inteligencia y la creatividad seguían siendo una de las características de la mejor banda de Rock & Roll del planeta. "Some Girls" obtuvo seis discos de platino solo en los Estados Unidos y unas ventas globales que superaron los 8 millones de copias.

Roy Orbison-Mystery Girl (1989)

Roy Orbison fue uno de los grandes iconos del rock ´n´ roll, un hombre de apariencia frágil y quebradiza, pero que tenía una de las voces más eternamente emocionantes y al mismo tiempo más conmovedoras, una voz melódica y torrencial que no han encontrado alma similar en el mundo de la música.
Aunque su carrera se inició a finales de los años cincuenta, no sería hasta 1961 cuando publicó sus primeras canciones y en 1964 conseguiría uno de sus mayores éxitos "Oh Pretty Woman", que se sumaría a una larga lista de míticas canciones en la historia de la música popular.
Aunque sus inicios fueron rockeros, pronto su carrera se desviaría hacia un estilo más suave con baladas y medios tiempos con los que conseguiría otras 15 canciones entre las 40 primeras de las listas de éxitos.
Roy Orbison mostró una forma de cantar muy personal, llena de emoción, con una tesitura muy alta y muy bien estructurada con un crescendo muy efectivo que transmitía emoción al oyente.
La década de los setenta fue una época muy dura para Orbison, sus continuas publicaciones pasaban sin pena ni gloria, además al final de la misma tuvo severos problemas de salud y después de varias operaciones su vida ya no seria la misma.
En la década de los ochenta varias canciones suyas versionadas por otros artistas le devolvieron al primer plano de la actualidad, por un lado Don McLean obtenía un éxito arrollador en medio mundo gracias a su tema “Crying”, lo mismo ocurriría con el tema “Oh Pretty Woman“ versionado por el grupo Van Halen e incluido en su álbum “Diver Down”, por otro le habían otorgado el premio Grammy por el tema "That Lovin 'You Feeln' Again", cantado a dúo con Emmylou Harris en 1981...pero sin embargo luego volvería a pasar inadvertido el resto de los años 80, hasta que en 1987 Jeff Lynne y George Harrison llamaron a Roy Orbison para que les ayudara a terminar una serie de canciones para un disco del propio Harrison en solitario, ... finalmente salieron varios discos de estos encuentros, por un lado "Vol.1" de los Travelling Wilburys y otro "Mystery Girl" de Roy Orbison.
Pero antes de que este álbum fuera lanzado oficialmente, Roy Orbison moriría de un ataque al corazón en Tennessee, por lo que el álbum lanzado meses después, seria a título póstumo.
Un disco que se convirtió en una obra maestra del rock, testimonio de una calidad sobresaliente, gracias en parte también a sus amigos Lynne y Harrison, entre muchos otros (Tom Petty, Al Kooper, Steve Crooper ...) que supieron sacarlo del ostracismo por el que estaba pasando Orbison en esos momentos.
"Mystery Girl" es un disco que desborda sentimientos, melancolía, algo muy común en la música de Orbison, temas como "In the Real World" o "A love So Beautiful" son de puro sentimiento.
El elegante "California Blue", el soul "The only One", o el rock "(All I Can Do Is) Dream You", dejaron un disco tan fascinante como soberbio, con mucha nostalgia, lleno de vitalidad, que a modo de una gran despedida, puso a Roy Orbison en el lugar que se merecía y por lo que nunca debe olvidarse su gran legado.

Slade-Slade Alive! (1972)

Slade dio tres memorables conciertos entre el 19 y el 21 de octubre de 1971 en el Picadilly Circus de Londres de los cuales se extrajeron uno de los mas salvajes directos que se recuerdan "Slade Alive!". Con un repertorio cargado de versiones y temas propios, la banda de Wolverhampton dejaron una sobredosis de gran rock´n´roll visceral y adictivo.
Ya desde la inicial "Hear Me Calling" de los Ten Years After vislumbramos por donde van los tiros con una potente y incendiara versión, en "Darling Be Home Soon" de Lovin´ Spoonful, la banda sabe también bajarse de los desenfrenos y hacer una sosegada versión muy melódica, mientras ""Get Down and Get with It" el grupo lleva la versión de Bobby Marchan a su peculiar boogie rock.
Para finalizar las versiones "Born to be wild" de los Steppenwolf, es el tema mas caótico del álbum, en una explosión de hard rock desenfrenado. De los temas propios destaca "In Like a Shot from my Gun", con ese ritmo contagioso característico de Slade, al igual que "Know Who You Are", finalizando con la rock´n´roll "Keep on Rocking", logrando con este soberbio directo una segunda posición en las listas británicas en los UK Albums Charts.

Mott The Hoople-All The Young Dudes (1972)

Mott The Hoople es el grupo que represento el enlace estilístico y cronológico entre el beat ingles de los años sesenta y el punk rock de los tardíos años setenta. En la edad de oro del glam rock, fue de los pocos que conservaron el autentico espíritu del rock´n´roll, mientras casi todos los demás erigirían la sofisticación tecnológica.
Fundados en Hereford al oeste de Inglaterra, su primera formación la comprendían el guitarrista Mick Ralphs, el batería Pete Watts, y el teclista Verden Allen. Mas tarde la Islands Records les ofrecería un contrato con la condición de añadir al cantante y guitarrista Ian Hunter. La agresiva presencia de Ian Hunter y su enorme talento de compositor le dieron nuevos bríos al grupo.
Sin embargo sus primeros cuatro álbumes no tuvieron el éxito esperado, acusados por su tosco rock´n´roll y por el descaro de su cantante en inspirarse en Bob Dylan.
Llegados a este punto en 1972 la banda esta a punto de disolverse y anuncian su separación oficial el 26 de marzo de ese año, no obstante es David Bowie, uno de sus admiradores mas ilustres, quien les convence de aplazar su decisión, al menos hasta que hubieran grabado y publicado un tema que el mismo había compuesto titulado “All The Young Dudes”.
Bowie les produjo el single, canto y toco el saxofón y les procuro un nuevo manager, Tony De Fries, el mismo que ya se ocupaba de los negocios del propio Bowie, quien también les consigue un nuevo contrato discográfico con la CBS.
En el verano de 1972 “All The Young Dudes”, llegaría al tercer puesto en las listas de éxitos británicas y se convertiría en uno de los clásicos de la historia del rock,
Bowie les produjo también el cuarto álbum titulado igualmente “All The Young Dudes”, en el que Mott The Hoople hallaban una nueva formula musical, aquí Hunter era mas original y carismático en sus interpretaciones vocales, las canciones estaban mucho mejor estructuradas y los arreglos eran mas eficaces.
Con este y el siguiente “Mott”, el grupo cosechaba finalmente el éxito, en este ultimo la banda incluso llegarían al top ten ingles con soberbias canciones como “Honaloochie Boogie”, “All the way from Memphis” y el efervescente tema “Roll Away the Stone”.

The Rolling Stones-Sticky Fingers (1971)

"Sticky Fingers", publicado en 1971, sería el primer álbum de The Rolling Stones fuera de la Decca Records y grabado bajo el sello de la propia banda, también fue el álbum en el que Mick Taylor estuvo presente desde el principio como miembro oficial del grupo.
Cronológicamente este álbum hacia el decimoprimer trabajo del grupo, disco que recoge muchos momentos de inspiración, creatividad y genialidad únicos, quizá solo comparable a las sesiones en Francia en las que se grabó "Exile on Main St." (1972) y con canciones que son historia viva del rock e historia viva de los propios Rolling Stones. “Brown Sugar”, el tema más emblemático y el buque insignia de "Sticky Fingers", ha sido desde su edición un tema que jamás ha desaparecido del set-list de los conciertos de la banda y es típicamente stoniana. Es uno de los temas más genuinamente rockeros del disco junto a “Bitch”, dentro de un álbum en el que por otra parte, hay una presencia importante del blues más clásico, y aunque continuista con el sonido creado en “Let It Bleed” publicado dos años antes, los Stones añadieron como parte fundamental del mismo, la generalización de los riff de guitarra de Richard y de las referencias oscuras en sus letras. El sonido y la actitud que se había alcanzado en este álbum, está en la sección de cómo debe ser y sonar una banda de rock moderno de cualquier manual de rock que se precie.  
"Sticky Fingers", no pudo ser adquirido en España con su portada original hasta el año 1979. La censura franquista consideró que su portada, en la que aparecía un pantalón vaquero con una cremallera que se podía bajar y tras la cual se simulaba un calzoncillo era una “obscenidad” que no podía bajo ningún pretexto ser mostrada a la juventud de aquella España. Del mismo modo, la censura franquista tampoco permitió que la edición española del disco de 1971, incluyera la canción “Sister Morphine” que fue sustituida por una versión en directo de “Let It Rock” grabada en la gira inglesa de marzo de 1971, que sería la cara b del single “Brown Sugar” en varios países.

Johnny Rivers-John Lee Hooker At Whiskey a Go Go (1969)

Johnny Rivers es uno de los músicos legendarios del rock and roll por su estilo incomparable e inconfundible, pionero en el auge de los álbumes en vivo y dando la verdadera importancia a los músicos que lo acompañaban en vivo, haciéndolos notar en las portadas de sus álbumes.
Este guitarrista, compositor y productor estadounidense, nacido en 1942, comenzó actuar a los 14 años y pocos años después fue un habitual en el mítico local "Whisky a Go Go" de Los Ángeles, donde grabó varios discos en directo.
Uno de ellos fue este "John Lee Hooker At Whiskey a Go Go", grabado en 1967, y publicado en 1969, donde Johnny Rivers interpreta versiones de temas míticos de la época como "Sunny", "I Can´t Get No Satisfaction", "Got My Mojo Workin´", "CC Ryder", o la fantástica "Oda a John Lee Hooker / Satisfaction", un jam atípico del mejor blues.
Johnny Rivers ganó 16 discos de oro y ganó dos premios Grammy a lo largo de su carrera y aunque hoy es un músico olvidado por las nuevas generaciones, su legado es incuestionable como uno de los más grandes del rock de todos los tiempos.

Dr.Feelgood-Sneakin´Suspicion (1977)

Fundada a principios de la década de los 70, Dr Feelgood es una banda de pub rock que tuvo sus mayores éxitos entre 1974 y 1979.
Formada por el guitarrista Wilko Johnson, el vocalista Lee Brilleaunx, el baterista John Martin y el bajista John B. Sparks. Esta legendaria formación se movieron entre el rock and roll y blues rock con influencias de grandes como Chuck Berry o Bob Diddley, logrando una gran reputación, principalmente con sus incendiarios directos en el circuito londinense de pubs y salas de conciertos.
Con los dos primeros discos tuvieron cierto éxito comercial, y en 1976 publicaron el álbum en vivo "Stupidity" con el que se consagraron definitivamente alcanzando el número uno en las listas británicas.
Un año después, llegaría "Sneakin´Suspicion", que aunque no tuvo la repercusión de su antecesor, esta considerado su mejor trabajo, aunque eclipsado comercialmente y de manera injusta por el auge del movimiento punk de aquellos años.
Con un repertorio cargado de R&B explosivo y alegre como "Nothin´Shakin", "Light Out", "Lucky Seven" o "You´ll Be Mine", este directo mantuvo el alto nivel de la banda, que sin embargo sería el último grabado por Wilko Johnson que abandonaría por desacuerdos musicales con el resto de componentes.

Slade

Una de las bandas mas curiosas a la vez que de las mas sinceras musicalmente, fueron Slade, dominadores de la escena Glam, que junto a la violencia escénica de Sweet, al glamour de Marc Bolan y al sentido del humor de Gary Glitter, fueron los reyes absolutos de un genero que tuvo su época dorada en la primera mitad de los años 70. 
Ellos a diferencia de todos los anteriores, no contaban con una imagen tan llamativa, no eran la típica representación visual del Glam transgresora, sino mas bien pintoresca, sus pintas de campesinos con pantalones a rayas, con sombreros y tirantes, les daban un look desenfadado y humorístico, su estilo “tranquilo” y rural les llevo a atraer a un publico mas heterogéneo y proletariado, que sin embargo en sus multitudinarios conciertos eran presas de una excitación pocas veces vistas en la escena rock.
Todo empezaría cuando varias bandas locales de Birmingham llamadas Rockin´Phantoms, (liderada por el guitarrista Noddy Holder) y IN´Betweens, en la que estaban el también guitarrista Dave Hill y el batería Don Powell, cruzan sus caminos y terminan con el resultado de una reorganización de esta ultima con la incorporación de Holder y el bajista Jimmy Lea.
IN´Betweens ya habían publicado varios singles de escaso éxito antes de la nueva formación como fueron “Take a Heart”, “Can Your Monkey do the dog”, “Oop Oop I do” y “Little Nightngale” (1965).
Después de una actuación del grupo, el productor norteamericano Kim Fowley se queda fascinado por el talento y potencial de aquellos chicos y les propone producir su siguiente single.
Ese single se publicaría a finales de 1966, “You Better Run”, una versión de un éxito de The Young Rascals, que aunque tuvo una buena aceptación, no lograría entrar en las listas de éxitos.
Poco después y ante el abandono de Fowley el grupo vuelve a sus actuaciones terminando en las Bahamas, en una gira la cual en principio les tomarían varios meses y que solo terminan realizando unas pocas semanas, al quebrar el club que los contrata.
Ante tal contratiempo, el grupo decide buscar ellos mismos unas actuaciones extras para poder conseguir el dinero necesario para regresar a Inglaterra y durante algún tiempo permanecen en las islas, el cual también aprovechan para escuchar canciones y sonidos rock que aún no habían llegado a Europa.
Así el grupo empezaría a incluir en sus repertorios, algunas versiones de Steppenwolf, los Amboy Dukes y Nazz (“Born to be wild”, “Journey to the center of your mind” y “Open my eyes respectivamente”).
Una vez regresaron a su país, firman un contrato con el sello Fontana y cambian el nombre por el de Ambrose Slade y publican su primer álbum titulado “Beginnings” (1969), un trabajo básicamente de versiones de artistas como Frank Zappa, The Beatles o The Moody Blues y las antes mencionadas de Steppenwolf o Amboy Dukes.
Este trabajo deja bastante indiferente al gran publico pero que sin embargo no así a Chas Chandler, el ex -bajista de The Animals que decide promocionarlos acortando su nombre por el de simplemente Slade.
Bajo este epígrafe el grupo publica varios singles mas que resultan transitorios “Wild Wings are blowing”, “Shape of things to come” o “Know who you are” (1970), hasta que a principios del siguiente año, el tema “Get down and get with it”, otra versión, esta vez del cantante Bobby Marchan, entra en las listas de éxitos.
Ese mismo año se publica el álbum “Play it Loud”, un tímido anticipo que seria la antesala de lo que estaba por llegar.
A partir de aquí el rock salvaje y cadencioso de Slade comienza una escalada frenética, a finales de 1971 “Coz I luv you” les lleva hasta el número 1 absoluto, una canción de ritmo enloquecedor y con un sonido de violín que seria la formula en los siguientes éxitos del grupo.
Otro éxito arrollador,” Look wot you dun”, seria la antesala del nuevo álbum “Slade Alive!” (1972) que lograría subir hasta el segundo puesto en las listas de éxitos, estallando así la Slademania por toda Gran Bretaña.
Casi a finales de este mismo año el grupo lanza un nuevo álbum “Slayed?”, que se convierte el numero uno al instante, trabajo este que contenía las memorables “Take me back´ome” o “Mama weer all crazee now”.
Llegados a este punto el grupo había llegado a crear un identidad propia y muy personal con un estilo desenfadado y campechano, que lejos de lo transcendental y con un rock popular y festivo, fueron labrándose una gran reputación por toda Gran Bretaña y gran parte de Europa.
“Sladest” (1973), confirmaría el momento de gloria del grupo con otro numero uno, puesto que también alcanzaría el siguiente Lp “Old New Borrowed and Blue” (1974).
Despues de algunos nuevos éxitos como “Merry Xmas Everybody” o “Far far away”, llegaría “Slade in Flame” (1974), banda sonora que resulta un paso atrás en sus expectativas comerciales y “Nobody´s tools” (1976) trabajo este, con el que intentaron entrar en el mercado norteamericano sin suerte, y así comienza el declive del grupo junto con la decadencia del genero.
“Whatever Happened to Slade?” (1977), seria prácticamente el epitafio del grupo, en un momento en donde el punk lo arrollaba todo con su furia iconoclasta.
A partir de aquí el grupo seguirá manteniéndose en constantes giras y publicando discos esporádicamente, hasta que 1980 son invitados a participar en el festival de Reading, consiguiendo el éxito entre un publico joven que apenas les conocían y que venían predispuestos a escuchar heavy metal, tan de moda en esos momentos.
En lo sucesivo el grupo publicaría numerosos trabajos algunos de ellos incluso entraron en las listas de éxitos, pero por norma general pasaban con mas pena que gloria.
Muchos de los grupos posteriores reconocerían que han sido Slade su principal influencia, entre otros Kiss o Cheap Trick, y otros muchísimos artistas han versionado muchas de sus canciones a lo largo de estas últimas décadas, algunas de ellas obteniendo soberanos éxitos como ocurriría en 1984 con la banda norteamericana Quiet Riot y su versión de "Mama Weer All Crazee Now". 

Slade entre 1971 y 1976 lograron entrar 17 veces en el "Top 20", con seis números uno, tres de ellos entrando directamente en ese puesto, y otros tres y dos éxitos en los puestos segundo y tercero, respectivamente. Vendieron, además, más singles que ningún otro grupo en los años 70. Una presencia semejante en las listas sólo es comparable, de hecho con la de los Beatles y sus 22 canciones entre las 10 más vendidas en una sola década (años 60). Hoy día el grupo es considerado como un precursor del punk británico de la segunda mitad de la década y uno de los grupos más importantes e influyentes del rock británico de todos los tiempos.

Bill Haley

Bill Haley fue uno de los más fascinantes artistas del Rock and Roll con mayúsculas. A diferencia de la mayor parte de los pioneros, el no venía del Sur (nació, en 1927, cerca de Detroit), carecía del atractivo físico típico de un rock star, sin embargo ya era un profesional con mucha experiencia cuando el rock´n´roll empezó a rodar a principios de los cincuenta.  Su primer amor fue el country, que tocó con grupos como The Four Aces, Johnny Clifton & His String Band y The Saddlemen, con los que grabó a partir de 1948, sin mucha fortuna algunos temas como “Too Many Parties” o “Candy Kisses”.  Fue en Filadelfia en 1951 cuando influido por los sonidos negros que tanto gustaban en la ciudad, grabó una excitante versión de “Rocket 88”, pieza del saxofonista Jackie Brenston, además de otros singles que apenas tuvieron repercusión.
Su grupo, que en 1952 se rebautizaría como The Comets debutando con el single “Stop Beatin´Round The Mulburry Bush” en donde acentuaba los ritmos, aprovechaba el tono metálico de las guitarras y exploraba las posibilidades percusivas del contrabajo. Haley cantaba canciones del gueto y usaba alegremente la jerga negra, pero tenía una voz blanca: se le entendía todo (y bien que se cuidaba Haley de obviar las letras de contenido escabroso). Posteriormente, el cantante explicó que no había ningún plan de mezclar diferentes estilos, que todo fue una concatenación de casualidades.
Aunque los Comets seguían presentándose en público con atuendos vaqueros,
iban incluyendo en su repertorio temas negroides, comprobando que funcionaban perfectamente a caballo de un show animado y altamente visual.
Canciones como “Rock the joint” y “Crazy man crazy”, eran construidas con gran sentido dramático que les abrieron las puertas de una discográfica fuerte, Decca Records.
Ya en 1954 publican una revisión dinámica de un viejo blues llamado “(We’re gonna) rock around the clock”. Fue un éxito moderado, eclipsado rápidamente por una potente interpretación de “Shake, rattle and roll”, grabada anteriormente por Joe Turner.
Haley ya era un hombre popular entre los jóvenes cuando su grabación de “Rock
around the clock”, apareció en el comienzo de “Semilla de maldad” (“Blackboard jungle” 1955), película de Richard Brooks sobre la violencia de los nuevos adolescentes; en una escena clave, los alumnos de un esforzado profesor (Glenn Ford), demuestran su desprecio destrozando su colección de valiosos vinilos de jazz.
Despreciando la moraleja de la película, los adolescentes se abalanzaron sobre “Rock around the clock”. El disco estuvo dos meses en el número uno de las listas norteamericanas, y sus ventas mundiales han llegado hoy a los 20 millones de copias. Haley, rechoncho y maduro, con su eterno ricito sobre la frente, se encontró encabezando giras y películas, e inspirando escenas de delirio.
Con esta nueva versión de los Comets, Haley se contorsionaba discretamente mientras su saxofonista, Rudy Pompolli, se tiraba por los suelos en pleno éxtasis, al igual que hacía el contrabajista Al Rex, con su instrumento. Posteriormente siguieron los éxitos discográficos, temas que hablaban de la inocente alegría de los nuevos ritmos: “Mambo rock” (1955), “Rock-a-beatin ‘boogie” y “See you later alligator”, (1956), “The saints rock’n’roll” y “Don’t knock the rock: Skinny Minnie” (1958).
Ya en 1956 se publicaría su primer larga duración “Rock Around The Clock”, al que seguirá poco después “Rock´n´roll Stage Now”, ambos una especie de recopilatorios de todos los singles publicados.
En 1957 el tema “Don´t Knock the Rock” volvería colocarse entre los primeros puestos de las listas de éxitos.
Pero la llegada de Elvis, fue decisiva en el posterior futuro de Haley, los jóvenes pudieron ver al rock and roll mas crudo y salvaje, sin pajaritas ni chaquetas a cuadros, sin esa compostura y esos refinamientos; Haley no resistiría esa comparación.
El inventor del rock and roll vivió un exilio dorado, emigrando al viejo continente. En Europa se le recibió como a un monarca, provocando alteraciones del orden público en el Reino Unido, y en el viejo continente, (Semilla de maldad llegó a estar prohibida en algunas ciudades de la República Federal de Alemania).
Pero siguió publicando temas y álbumes como “Bill Haley´s Chicks” o “Strictly Instrumental “(1959-60)
Terminó grabando para el sello mexicano Orfeón y posteriormente con la compañía sueca Sonet y su ultimo álbum seria “Live in London” (1974) publicado por el sello Atlantic.
En todos esos años nunca le faltaron actuaciones: tanto en los sesenta y en los setenta, nuevas generaciones descubrían el frenesí del rock and roll y allí estaba Haley dispuesto a demostrar que todavía era capaz de enardecer a un auditorio.
Bill Haley fue el instrumento inconsciente de una revolución cultural
cuyo alcance nunca pudo imaginar: comprendía la forma, la necesidad de crear
ritmos que dieran movimiento al cuerpo, pero estaba demasiado alejado de los jóvenes como para entender el fondo del rock and roll. En su descargo, recordemos que su grupo (con excelentes músicos, como Pompilli o el guitarrista Frank Beecher), desarrolló notables fórmulas instrumentales; Haley nunca abandonó la música que le hizo famoso, aunque se dedicara temporalmente a venderla como twist. Su final fue triste: abrumado por desgracias familiares y problemas contractuales, se retiró a Harlingen (Tejas), desde donde llamaba a viejos conocidos para soltarles monólogos que oscilaban entre fantasías nostálgicas y pesadillas paranoicas. Medio arruinado, alcohólico y enfermo, murió en la casa donde vivía en soledad a principios de 1981.

The Rolling Stones-Tattoo You (1981)

En 1981 las huestes lideradas por Mick Jagger y Keith Richards lanzaban su decimosexto álbum “Tattoo You” (el decimoctavo en el mercado americano), el cual esta compuesto por retales sin terminar que fueron desechados de sus álbumes anteriores, otorgándoles una precisa relectura para la ocasión.

Además de Mick Jagger y Keith Richards, el resto de la formación seguía siendo la habitual de los ultimos años; Ron Wood, Mick Taylor, Bill Wyman y Charlie Watts, además de las colaboraciones de Billy Preston, Nicky Hopkins, Ian Stewart, Pete Townshend o Wayne Perkins entre otros.

El repertorio aquí incluido se aleja de los eclécticos estilos de los últimos álbumes publicados, sosteniendo la base musical enmarcado en los sonidos del rock and roll mas orgánico y robusto, empezando por uno de los himnos de la banda, la contagiosa "Start me Up". El resto muestra una efectiva colección de canciones pegajosas y rítmicas como "Hang Fire", "Litte T&A" o "Neighbours", guiños a los sonidos ochenteros "Heaven" y "Worried About You", añejos blues "Black Limousine" o polvorientas canciones nostálgicas "Waiting on a Friend".

Pese a estar compuesto por canciones prescindibles en años anteriores, "Tattoo You" alcanzaría una ventas que superaron los ocho millones de copias a nivel mundial.

Bo Diddley

Bo Diddley fue un único e irrepetible musico considerado toda una leyenda de la música rock. Muy pocas veces un músico ha merecido tanto un calificativo de tal envergadura en el mundo del rock’n’roll como este cantante y guitarrista nacido en Mississippi, que apenas alcanzó la repercusión de otros compañeros de época, y que ha muerto a la edad de 79 años en su residencia de Florida a consecuencia de un fallo cardíaco, el segundo en pocos meses. Él fue un auténtico pionero. Inventó su propio nombre, se inventó su guitarra pero sobre todo inventó un sonido, el que ayudó a definir el rock’n’roll, tal y como hoy lo conocemos, el mismo que llena ahora la imaginería popular de eternos sueños adolescentes y desinhibidos, y el mismo que sacó a bailar a negros y blancos, mujeres y hombres, a un espacio compartido por primera vez en la historia del siglo XX. Bo Diddley realmente se llamaba Elias Mac Daniels pero pronto en la escuela decidió tener su propio nombre artístico, que tomó de una guitarra de origen africano. Los sonidos de ese continente más el propio devenir urbano en EE UU serían los que marcarían su vida. En Chicago, una de las mecas del blues, Diddley empezó tocando en esquinas y garitos de poca monta, pero sin éxito. Lo suyo no era el blues de primera generación. Tampoco lo clásico. Excéntrico e independiente, se hizo fabricar una guitarra rectangular que terminó convirtiéndose en todo un símbolo. Lo que este guitarrista versátil ofrecía era algo distinto, único e imperecedero, que él mismo llamó jungle sound (sonido de la jungla), y aprendido según sus palabras de tocar el violín de chaval con unos dedos demasiado grandes. Una especie de latido eléctrico, que liberaba el cuerpo y la mente con la misma fuerza. Insistentes fraseos y poderosas distorsiones acompañados de un verbo escurridizo y provocador, que dejaba con las faldas en la cabeza a la sociedad puritana de Estados Unidos, mientras los jóvenes de medio país, ellos y ellas, rompían el molde y desgastaban las suelas de sus zapatos con la misma emoción inocente con la que pedían su sitio en los nuevos tiempos. Temas como "Bo Diddley", "Hey Good Looking", "Mona" o "I'm a Man" rebosaban de ese espíritu. Sin embargo, este rhythm and blues primigenio y exuberante alcanzó aún más repercusión entre los suyos. Al poco de sacar sus primeros sencillos, Bo Diddley se convirtió en referencia absoluta de todo lo que estaba por venir. La rebelión juvenil que protagonizó Elvis Presley y el resto de alumnos de la clase del 55 contó con sus ritmos de la selva. Chuck Berry colaboró con él más que con ninguno y Buddy Holly interpretó sus canciones para llevarlas a un mercado más amplio. Poco después la conocida British Invasion (Invasión Británica), que revolvió con más ímpetu si cabe las cosas en los sesenta, escribió su nombre con letras mayúsculas. Los Rolling Stones le adoraban, los Animals le dedicaron una de sus mejores composiciones y el autobús mágico de los Who llevaba su gasolina. La estela no se apagó con el tiempo. Eric Clapton, tan receptivo a las buenas influencias, hizo por sonar como él en los Yardbirds y en solitario. Bruce Springsteen también le rindió tributo en su obra maestra, “Born To Run”, al incluir la canción “She’s the one”, que se ha convertido en una de las mejores interpretaciones en directo del músico que más corazones arrebata sobre un escenario. Los Pretenders hicieron lo propio con “Cuban Slide”. Incluso el punk se rindió a la sacudida de sus riffs. La mejor banda de aquel movimiento, The Clash, giró con él por EE UU en 1979. Más tarde llegó el nuevo rock norteamericano y grupos del underground como Long Ryders recuperaron sus sonidos. Una lista interminable. Su ritmo sincopado y vicioso ha sido posiblemente el más copiado de la historia del rock. Y seguirá así hasta que exista alguien con ganas agarrar una guitarra y producir sonidos excitantes, que celebren sin reservas la liberación individual y colectiva. El rock’n’roll siempre estará en deuda con Bo Diddley.

Chuck Berry-The Anthology (2000)

Chuck Berry es uno de los grandes pioneros del rock and roll, fue tan influyente como Elvis Presley o The Beatles, además de uno de los mejores compositores que ha conocido el estilo y pieza fundamental en la historia de la música rock.
Chuck Berry comenzó su larga carrera como compositor y guitarrista de rock and roll a mediados los años 50. Este legendario artista, compuso innumerables canciones que con el paso del tiempo se han convertido en clásicos del genero, como "Roll over Beethoven", "Johnny B. Goode", "Rock and roll music", "School day", "Carol", "Sweet little sixteen", "Memphis Tennessee", "Reelin' and rockin", "Around and around", "Little Queenie" o "Too much monkey business". Bandas como The Beatles y los Rolling Stones entre otros muchísimos, han hecho versiones de sus canciones hasta la saciedad. La canción "Roll Over Bethoven" llegó al puesto 29 de las listas, pero el disco de oro por esta canción se lo llevaron los Beatles en 1965. Chuck Berry influyó en músicos como Ritchie Valens, Bill Haley, Little Richard o Buddy Holly entre otros muchos. El creó el famoso "Duck walk" (paso del pato). Según cuenta la leyenda, un día llegó al concierto sin tiempo para cambiarse y para que nadie se diese cuenta de que tenía la ropa arrugada Berry empezó a moverse por el escenario como si fuera un pato. En 1972 su canción "My ding-a-ling", llegó a ser número uno en las listas de EEUU y Gran Bretaña. Entre los músicos que han pertenecido a las bandas que llegaron a telonearlo figuraban Bruce Springeteen o Steve Miller. Su música ha llegado hasta el espacio. En 1979 cuando la NASA mandó la sonda "Voyager" al espacio, dentro llevaba una cinta de música, como muestra de la civilización humana. Esa cinta contenía, además de la "Novena Sinfonia" de Bethoven y "La flauta mágica" de Mozart, la canción "Go, Johnny, Go, Go" de Chuck Berry. El músico ha ganado numerosos premios, entre ellos el Grammy que le dieron en 1984 por toda su trayectoria artística. Además, forma parte de dos Salones de la Fama: el de la música rock y el de los compositores. Sus riffs de guitarra han sido imitados hasta la saciedad por todos los guitarristas del rock. Su carrera artística fue de las mas longevas de la música rock, estando activo desde 1953 hasta el 2017, el año de su muerte.
En el año 2000 el sello Chess Records lanzaría el doble recopilatorio “Anthology” en donde se recoge 50 de sus mejores canciones, casi todas ellas clásicas del genero y piezas fundamentales de la historia del rock.

The Ramones

Marc Bell, nombre verdadero de Marky Ramone, es, junto a Thomas Erdélyi (Tommy Ramone), el único de la ficticia familia Ramone de su formación original que aún vive. Para ser justos, sólo Tommy es el único miembro fundador con vida, tras el fallecimiento del cantante Joey Ramone en 2001, del bajista Dee Dee Ramone en 2002 y del guitarra Johnny Ramone en 2004. Marky entró a formar parte de este proyecto, germen del punk rock antes de que Malcom Mclaren se inventase a los Sex Pistols, tras abandonar a Richard Helle y sus Voidoids, para sustituir a Tommy, primer batería y productor del grupo, que participó de la percusión en los tres primeros discos registrados por el grupo de Queens, y en la práctica los tres más completos y compactos de su historia: "Ramones" (1976), "Leave home" (1977) y "Rocket to Russia" (1977). Su primera aportación al universo Ramone sería en la grabación del cuarto disco, "Road to ruin" (1978), un trabajo de menor octanaje que los anteriores y en el que se intuía el fin de una etapa. En él aparecían temas como "I just want to have swomething to do", "Needles & Pins" o "I wanna be sedated o She's the one". Marky dejaría su sello en posteriores como "End of century" (1980), "Pleasant dreams" (1982) y "Subterranean jungle" (1983). Saldría del grupo a finales de 1982 para regresar de nuevo cinco años más tarde y hasta el fin definitivo de la historia en 1996. Su batería sonó otra vez con fuerza en "Brain drain" (1989). En la práctica, ha sido quien ha asumido el rol de defender el legado de la banda en los últimos años al tiempo que se ha multiplicado en proyectos como Marky Ramone & The Intruders, Speedy Kings y The Misfits, entre otros. 

The Ramones-It´s Alive (1979)

Grabado en el mítico Rainbow Theatre de Londres el ultimo dia del año 1977, “It´s Alive”, fue el primer directo de la banda neoyorkina The Ramones.
Un doble álbum que capta de manera perfecta uno de los típicos shows de esta banda y lo que representaban encima de un escenario.
Con casi una treintena de canciones la banda hace un extenso y minucioso repaso a todos sus clásicos en donde las claras influencias del rock and roll mezclado con el potente sonido del punk rock, dejaron un documentos histórico de abundante energía, feeling y pura diversión que ha pasado a los anales de la música rock, como uno de los directos mas divertidos y desenfadados.