The Traveling Wilburys-Traveling Wilburys Vol.1 (1988)

Una rocambolesca sucesión de hechos casuales llevaría a que cinco de los mas grandes artistas del rock mundial coincidieran y unieran sus fuerzas para fundar la banda The Traveling Wilburys y lanzar varios álbumes entre finales de los 80 y principios de los 90.
Todo empezaría en cuando George Harrison (The Beatles) y Jeff Lynne (Electric Light Orchestra), finalizaban de componer y producir una canción para el decimoprimer álbum del ex Beatle “Cloud Nine”.
Lynne casualmente también trabajaba en los mismos estudios de grabación situados en Malibú en California, propiedad de Bob Dylan, produciendo el álbum “Mystery Girl” de Roy Orbison, por lo que ambos terminarían involucrándose en la composición de Harrison.
Poco después aparecerían en escena Tom Petty y Bob Dylan quienes igualmente colaboran en dicha grabación.
Esta asombrosa reunión de “amigos”, terminaría componiendo material para completar un álbum independiente que terminaría titulado “Vol 1” y firmado bajo el nombre de The Traveling Wilburys.
Publicado en octubre de 1988, este primer álbum, que estuvo compuesto por diez cortes de enorme calidad, era una fusión de los estilos de sus integrantes como el country, el folk o el rock entre los que destacaban las adictivas “Handle With Care”, “Dirty World”, “Tweeter And The Monkey Man” o “End Of The Line”.
Su recepción posterior fue tremendamente exitosa con mas de dos millones de copias vendidas en los primeros meses después de publicarse.
Sin embargo la carrera de The Traveling Wilburys fue breve. Dos meses después del lanzamiento de este primer disco, en diciembre de 1988, Roy Orbison fallecería de un ataque al corazón a sus 52 años.
Dos años más tarde, los cuatro restantes músicos publicaron un nuevo y a la postre su último trabajo, “Traveling Wilburys Vol. 3”, el cual se lo dedicaron a Roy Orbison. Finalmente, tras años de especulaciones sobre una nueva reunión, The Traveling Wilburys terminarían desapareciendo en el 2001, con el fallecimiento de George Harrison víctima de un cáncer de pulmón.

Santana-Festival (1977)

En 1977, Carlos Santana publicaría su octavo álbum titulado “Festival”, el cual esta considerado un lanzamiento transitorio entre su etapa de jazz rock latino y vanguardista y la psicodelia, hacia un estilo mas orientado al convencional rock latino y el pop mainstream.
En "Festival", Carlos Santana vuelve a inclinarse por ese rock impregnado de sonidos criollos y el pop más comercial como ya había mostrado en su anterior trabajo "Amigos" (1976), con una fórmula de canciones instrumentales que alcanzan un éxito moderado. Y si en el anterior álbum, el tema "Europa" sería el hit del disco, aquí tomaría el relevo "Revelations", un tema reflexivo con una explosión final de rock, funk y sonidos isleños.
El resto de “Festival” esta compuesto por las alegres “Let The Music Set You Free” y “Let The Children Play”, las cuales son junto a la rock “Reach Up”, la pegadiza “Try a Little Harder” o la instrumental “Jugando”, los mejores momentos de un entretenido disco en donde como es habitual sobresalen los intensos y apasionados solos de guitarra de Santana, los dinámicos teclados de Tom Coster y la impetuosa sección rítmica compuesta por José Chepito Areas, Raul Rekow, Gaylord Birch y Paul Jackson, logrando mantener el buen nivel de un álbum que comercialmente lograría un disco de oro en el mercado norteamericano.

The Tubes-The Tubes (1975)

Nacida de las cenizas de dos bandas locales de la zona de Phoenix en Arizona a principios de los setenta, The Tubes se hicieron mundialmente famosos por sus disparatados show en vivo, de gran impacto visual en donde su esencia teatral del rock and roll se transformaba en unos directos que escandalizaban a los sectores mas pudientes de la sociedad norteamericana y británica.
Su imagen corrosiva les granjeo no pocas polémicas entre la prensa y el publico puritano y conservador, pero al mismo tiempo se labraron el status de banda de culto y una amplísima legión de seguidores alrededor del mundo entero.
En 1975 bajo el sello A&M Records y con la producción de Al Kooper, publicaron su primer y homónimo álbum, el cual contenía un bizarro repertorio de temas corrosivos y sátiras alegorías a lo políticamente correcto en clave rock, con influencias post punk y ramalazos de hard rock.
Aquí aparecen cortes tan emblemáticos como la irreverente y divertida “Boy Crazy”, “White Punks On Dope”, una burlesca canción sobre la tediosa vida del joven norteamericano de buena familia o “Mondo Bondage”, una humorística denuncia a las costumbres sadomasoquistas, que compartían el repertorio con cortes mas convencionales como la compleja “Haloes”, la medio tiempo “Space Baby” o la vanguardista “What Do You Want From Life”.

Wishbone Ash-Pilgrimage (1971)

Segundo álbum de Wishbone Ash y su primera gran obra maestra. "Pilgrimage" es un excelente trabajo de hard rock enfocado a las dobles guitarras, con acercamientos a los sonidos complejos que ya se verían masivamente en el siguiente "Argus", de un año después.

Con una producción deslumbrante gracias a Martin Birch, la banda mostraba aquí sus claras influencias provenientes del jazz y el progresivo como queda demostrado en la inicial "Vas Dis", una extraña e inusual mezcla de scat jazzistico y hard rock poderoso. Por otro lado el característico vuelo de guitarras gemelas a cargo de la dupla Andy Powell y Ted Turner aparecen en la sensacional "Pilgrim" y en la poderosa boogie rock "Jail Beat", mientras los indicios de los futuros derroteros musicales la encontramos en la sutil "Alone" y en la pastoral folky "Lubally".

Para finalizar con la melódica y compleja "Valediction" y la cruda blues rock "Where Were You Tomorrow", en donde el juego de las guitarras gemelas ejecutadas soberbiamente, es secundado por una de las mejores secciones rítmicas de la década de los 70, compuesta por el batería Steve Upton y el bajista Martin Turner.

Jeff Beck-Flash (1985)

“Flash” supuso el noveno álbum de Jeff Beck, y sin duda el mas extraño y comercial de toda su carrera, con un claro sonido repleto de texturas de art pop moderno y new wave, debido a los estruendosos patrones rítmicos de los teclados, y que curiosamente le otorgaron un éxito notable en las listas de medio mundo.
Este radical cambio de estilo fue debido a los productores del álbum, Nile Rodgers y Arthur Blaker quienes reemplazaron su habitual genero de blues y jazz rock complejo, por un plus de comercialidad pegadiza y adictiva, muy propia del sonido ochentero, pero sin llegar nunca a la mediocridad.
Para la grabación de este album Jeff Beck contaría con las voces de Jimmy Hall, Karen Lawrence, Curtis King o David Spinner, además de Rod Stewart, quien puso la voz en el espléndido “People Get Ready”, el único sencillo numero uno del guitarrista y con un impresionante solo de guitarra.
Los omnipresentes teclados interpretados por Jan Hammer, Tony Hymas, Duane Hitchings y Jimmy Bralower estan presentes en todo el álbum, que aunque sin quitarle totalmente el protagonismo a la guitarra de Beck, son quienes llevan gran parte del sonido como queda demostrado en los cortes “Ambitious”, “Escape”, “Get Workin´” o “Night After Night”, como contrapunto en “Back On The Streets” y “Gets Us All In The End”, el conocido sonido de los riffs afilados y los solos arabescos de Jeff Beck están presentes en los que son sin duda, los momentos mas memorables del álbum.

Frank Zappa-Joe´s Garage Act 1 (1979)

En 1979 Frank Zappa publicó "Joe's Garage Act I", su álbum cronológicamente numero 48 como solista, sin contar los quince publicados junto a sus Mothers of Invention.
Ese mismo año "Joe Garage Act´s II" y "III", se lanzaría en un álbum doble y algún tiempo después los tres volúmenes se compilarían en un álbum triple.
En esta primera parte, Frank Zappa satiriza el estilo de vida estadounidense, la Cienciología, el fetichismo y otros temas como la censura en el mundo de la música.
Para este nuevo disco, Zappa utilizo la técnica llamada "xenocronía", que consistía en coger solos de guitarra de discos anteriores y superponerlos a nuevas canciones en el estudio de grabación.
Creada como una ópera rock, la historia recrea una distopía en la que bajo la idea demagógica de igualar a todos los seres humanos, se han creado leyes prohibitivas de todo tipo para que todo el mundo sea un criminal de alguna manera y así tener el control de toda la sociedad, de este modo la música ha sido prohibida y eso afecta al personaje principal de la historia, el melómano Joe.
Para esta mastodóntica grabación Zappa volvería a contar con un amplio elenco de músicos, entre los que estaban Patrick O´Hearn, Peter Wolf, Vinnie Colaiuta, Warren Cuccurullo o Terry Bozzio y fue grabado en los estudios Village Recorders, en Hollywood, durante los meses de marzo y junio de 1979.
El álbum en sí está lleno de una música excelente que va desde el funk "The Central Scrutinizer", hasta el enérgico "Joe´s Garage" pasando por el humorístico "Catholic Girls" o la reggae "Lucille Has Messed My Mind Up".

Frank Zappa and The Mothers of Invention-One Size Fits All (1975)

“One Size Fits All” supuso el ultimo álbum de estudio de Frank Zappa junto a sus Mothers Of Invention con quienes había grabado trece álbumes desde mediados de los sesenta.
Por ese año la formación de los Mothers estaba formada por George Duke a los teclados, Ruth Underwood a la percusión, Chester Thompson a la batería, Tom Fowler al bajo y Napoleon Murphy en los instrumentos de viento, además aparecen esporádicamente Johnny Guitar Watson y Captain Beefheart en varios de los temas de este álbum.
“One Size Fits All” es un trabajo mucho mas accesible y menos enrevesado que las anteriores obras de Zappa y contiene algunos de sus temas mas emblemáticos y complejos como es la jazz rock progresiva “Inca Roads”, en donde Zappa muestra su excelente dominio con las seis cuerdas, o “Can´t Afford No Shoes” un corte claramente R&B con un estilo funky demoledor.
El resto sigue su acostumbrada línea entre la seriedad instrumental y el toque humorístico y demente de sus satíricas letras como podemos escuchar en la balada vanguardista “Sofa”, la jam rock “Po-jama People”, la ecléctica “Florentine Pogen”, el boogie rock sarcástico “San Ber´dino” o la dinámica “Andy”.

Suzi Quatro-The Girl From Detroit City (2014)

Suzi Quatro esta considerada una de las grandes y mas importantes bajistas y cantantes de la historia y la primera que se convirtió en una mega estrella de la música rock.
Su extraordinario talento, la innegable elegancia y su gran capacidad para lograr que su sencillo rock and roll calaron muy hondo entre el publico, le granjeo innumerables éxitos en la década de los 70, en plena explosión del glam rock.
Su legado ha sido influencia fundamental en otras artistas como Joan Jett, Pat Benatar o Chrissie Hynde. Ella rompió moldes con su seductor traje de cuero, su carisma y su extraordinaria voz.
Himnos generacionales y ya clásicos contemporáneos como “Can The Can”, “48 Crash”, “Devil Gate Drive”, “Daytona Demon”, “Stumblin´In”, “If You Can´t Give Me Love” o “She´s In Love With You”, temas todos ellos pertenecientes a álbumes tan extraordinarios como “Suzi Quatro” (1973), “Quatro” (1974), “Your Mamma Wont´Like Me” (1975), “Aggro-Phobia” (1977) o “If You Knew Suzi...” (1978), fueron unos tremendos hits en los "Top of the Pops" de la década de los 70 durante la friolera de 101 semanas.
“The Girl From Detroit City” es un merecido homenaje en forma de box set recopilatorio, con cerca de un centenar de canciones en donde se hace un repaso extenso a toda su larga y fructífera carrera musical.

Queen-The Game (1980)

En 1980 Queen publicaron “The Game”, su octavo álbum, en el cual empiezan a mostrar su cara mas tecno y comercial y que al mismo tiempo se convierte en el trabajo que dividió a sus fans por su estilo demasiado mainstream.
Sin embargo, “The Game” guarda entre sus surcos una serie de temas que son de una incuestionable calidad, y que han pasado a la posteridad como lo mejor que hayan hecho como la funk disco “Another One Bites The Dust”, uno de sus temas mas emblemáticos y uno de sus grandes hits.
La épica “Crazy Little Thing Called Love” o la nostálgica “Save Me”, son musicalmente lo mejor de un álbum menospreciado por su fans mas puristas, pero que reboza gran calidad y que cuajaría el mayor éxito comercial a ambos lados del Atlántico hasta esos momentos.
De entre el resto destacan la poderosa funky rock “Dragon Attack”, la añeja “Play The Game” o la enérgica y sobresaliente “Need Your Loving Tonight”.
Pese al varapalo que recibiría por parte de un sector de la critica y de una parte de sus fans, “The Game” fue un punto de inflexión que marcaría un antes y un después en el devenir del futuro de la banda británica.

Bruce Springsteen-Born In The U.S.A. (1984)

Con su séptimo álbum, Bruce Springsteen mostraba su cara mas alegre y desenfadada confeccionando un trabajo repleto de temas patrióticos y de enorme fuerza emocional, donde exponía su callejero rock and roll con unas nuevas texturas electrónicas.
Desde su icónica y nacionalista portada, Springsteen acentúo las sensibilidad del americano medio y del patriotismo mas arraigado.
Sin embargo este álbum en el fondo muestra una especie de desilusión por la realidad de la vida cotidiana norteamericana, todo ello bajo el sarcasmo y el humor como queda demostrado en la representativa y enérgica “Born In The USA”, un tema pegajoso con la voz desgarradora de Springsteen, una alegoría a los veteranos de la guerra del Vietnam.
La melancólica “Cover Me” y la adictiva y sencilla “Darlington City” dan paso a la alegre rock and roll “Working On The Highway” para volver a la melancolía con la sentida “Downbound Train” y la simple y emotiva “I´m On Fire”.
Ya en la segunda cara aparecen la rebelde “No Surrender”, la triste y oscura “Bobby Jean”, las adictivas “I´m Goin´Down” y "Glory Days”, para acabar con la rítmica y todo un hit en las listas, “Dancing In The Dark” y la cálida “My Hometown”, que dan por finalizado un álbum que nos va relatando los valores de la sociedad norteamericana a través de unas historias en clave poética y musical.
Con este álbum claramente orientado hacia los terrenos del pop rock mas comercial y contagioso, Bruce Springsteen lograría su mayor éxito a nivel mundial, convirtiendo su figura en una solida estrella del rock de masas.

Jeff Beck-Who Else! (1999)

Diez años después de su ultima obra como solista (“Guitar Shop”, 1989), Jeff Beck, saldría de su largo retardo para confeccionar uno de los mejores trabajos enfocado a la guitarra eléctrica de la década de los 90.

En este “Who Else!” el guitarrista británico hace un despliegue musical impresionante, fusionando el rock con el  jazz, el blues y el funk, todo ello aderezado con los sonidos mas vanguardistas de los 90.
Un álbum repleto de sentimientos, sonidos antológicos, solos apoteósicos y notas arabescas soberbiamente interpretadas como queda demostrado en cortes como la bluesy “Brush With The Blues”, la vorágine electrónica “Psycho Sam”, la exótica “Blast From The East”, las rock “Space for the Papa” y “Even Odds”, la jazz rock “Angel (Footsteps)” o la delicada con inspiración celta “Declan”.
“Who Else!” fue el gran regreso de Jeff Beck, un álbum que esta casi a la altura de cualquiera de sus grandes obras de los 70 y 80, y que sonando fresco y sin perder un ápice su característico sonido, conserva su esplendoroso talento con las seis cuerdas que lo mantendría en la cúspide de la música rock en las puertas del nuevo milenio.

Fleetwood Mac-Live (1980)

En 1980 Fleetwood Mac publicaba el fantástico doble en directo "Live", donde se mostraba parte de las excelencias de la banda en vivo.
Fue grabado en diferentes localizaciones norteamericanas durante las giras posteriores a los álbumes ”Rumours" y “Tusk” durante los periodos que iban desde 1975 hasta finales de 1980.
Aquí están casi todos sus icónicos temas como "Sara" que se alarga en una coda de siete minutos, la épica y hipnótica "I´m So Afraid", esta ultima con un antológico solo de guitarra de Lindsey Buckingham o las eternas "Monday Morning", “Over & Over”, “Don´t  Stop”, "Dreams", "Oh Well", "Rhiannon" o "Landslide".
Además aparecen tres temas nunca antes publicados como son “One More Night”, “Fireflies” y la versión de los The Beach Boys, “The Farmer´s Daughter”.
El recibimiento posterior por parte de publico y la critica les llevaría a conseguir varios discos de oro y unas enormes ventas en el mercado británico y norteamericano, manteniendo el alto nivel de la banda y logrando al mismo tiempo otro de los grandes directos de la década de los 80 y de la historia de la música rock.

Todd Rundgren-A Wizard, A True Star (1973)

En 1973 Todd Rundgren se encontraba en su cúspide creativa, publicando una serie de álbumes brillantes y innovadores como fueron “Runt” (1970), “Runt, The Ballad of Todd Rundgren” (1971) y el excelso “Something / Anything” (1972). Con su cuarto lanzamiento, volvía al formato del álbum sencillo aunque de larga duración, con cerca de los 60 minutos en 19 canciones.
Para este grabación contaría con el apoyo de una gran cantidad de músicos de renombre como Rick Derringer, David Sanborn, Randy Brecker o Mike Brecker, entre otros muchos, los cuales enriquecieron la paleta musical de este sobresaliente cuarto trabajo del músico norteamericano.
“A Wizard, A True Star”, se divide en dos caras totalmente diferentes, una primera compuesta por doce composiciones cortas a modo de suite que representan un viaje desafiante en donde se pueden escuchar desde delicadas versiones como “Never Never Land”, del musical Peter Pan, hasta temas de una locura deliciosamente incoherente como “Dogfight Giggle”, pasando por la excelente “Zen Archer”, el momento mas progresivo y largo de esta primera cara del álbum.
Para la segunda, el musico se reserva su lado mas convencional pero conservando la fina diversidad de la cara anterior, en donde sobresalen algunos viejos temas del pop norteamericano con ese estilo característico del sonido Motown con las versiones de los Delftonics “La La La Means I Love You”, “Ooh Baby Baby” de The Miracles o la de The Impressions “I´m So Proud”, sin dejar de mencionar las de cosecha propia como son las fantásticas ”Sometimes I Don´t Know What to Feel” o el epilogo “Just One Victory”, que cierran de manera espectacular este soberbio trabajo de uno de los mayores genios de la música popular del siglo 20.

Frank Zappa-Zoot Allures (1976)

“Zoot Allures” supuso el decimoséptimo álbum que Frank Zappa firmaría en solitario y que fue publicado en medio de la efervescente época de la música disco de mediados de los setenta.
Para la grabación de este álbum Zappa recurriría a un gran plantel de músicos de sesión, (algunos de los cuales, mas tarde pasarían a ser habituales en sus posteriores grabaciones), entre otros se encontraban el batería Terry Bozzio, el bajista Roy Estrada, la teclista Ruth Underwood o el saxofonista Napoleón Murphy Brock, además de una sección de vocalistas en donde aparecían Davey Moire, Rubén Ladron de Guevara o Sparkie Lewis, mientras que el propio Zappa se encargaba de las guitarras, sintetizadores, teclados, voz principal y la producción del mismo.
En “Zoot Allures” Frank Zappa se alejo en cierta medida de su habitual sonido estándar para acercarse al rock mas directo y puro y si bien en muchos momentos del álbum alcanza ese estilo, también es cierto que en el fondo su música característica sigue estando presente en cada surco del disco.
Su peculiar humor sigue dominando la gran mayoría de cortes como la sórdida “The Torture Never Stops” o la humorística y divertida “Ms.Pinky”. Por otro lado “Wind Up Working In a Gas Station” y “Black Napkins”, son los momentos de rock directo antes mencionados, en donde los solos de guitarra de Zappa muestran su asombroso dominio con ese instrumento.
La instrumental “Zoot Allures” es uno de los momentos culminantes con su distintiva guitarra en primer plano, un lenta pieza mantenida de manera soberbia por un Terry Bozzio fuera de serie.
Para finalizar Zappa hace su particular guiño humorístico a la música disco, que por entonces estaba en un gran apogeo con su tema “Disco Boy”, otro espectacular numero de rock puro y un excelente cierre de un gran álbum de pura diversión y virtuosismo por parte de todo el plantel de músicos intervinientes.

Fleetwood Mac-Tango In The Night (1987)

Después de un lustro de silencio discográfico, en 1987 Fleetwood Mac regresaban con un nuevo álbum, “Tango In The Night”, su décimo cuarto trabajo, que venia precedido del disco “Mirage” publicado en 1982.
A mediados de 1986 Lindsay Buckingham había iniciado la grabación de un álbum en solitario, sin embargo al poco tiempo de comenzar, reuniría a sus compañeros de la banda y les pediría participar en las grabaciones, convirtiendo esa colaboración finalmente en un nuevo trabajo bajo la firma de Fleetwood Mac.
El resultado de esta reunión fue una obra de extraordinaria producción, de un exquisito sonido cristalino y un repertorio cargado de canciones pegadizas y adictivas que se movían entre el pop cercano a la new wave y el rock.
Las irresistibles y rítmicas "Everywhere”, “Little Lies”, “Seven Wonders” o “Big Love”, la retro “Caroline”, la bellísima “Mystifield”, la rock “Isn´t It Midnight”, la hipnótica “Tango in The Night” o la pop rock “Family Man”, se convirtieron todas en unos clásicos de la banda y pese al rechazo de la prensa especializada por considerarlos excesivamente comerciales, obtuvo el beneplácito de sus fans y el publico en general, que auparon al álbum hasta las primeras posiciones a ambos lados del Atlántico, con un éxito arrollador en las listas de medio mundo.
“Tango In The Night” se convertiría en el disco mas vendido de Fleetwood Mac detrás de su obra cumbre “Rumours” (1977), logrando unas ventas que superan los quince millones de copias a nivel mundial.

Neil Young and Crazy Horse-Re·ac·tor (1981)

“Señor, dame la serenidad para aceptar lo que no puedo cambiar, fortaleza para cambiar lo que puede ser cambiado, y la sabiduría para conocer la diferencia”. Con esta plegaria en latín, se inicia el undécimo álbum de Neil Young, flanqueado por sus inseparables Crazy Horse.
Si su titulo no estuviera ya ocupado por Bob Dylan, en lugar de “Re·ac·tor”, hubiera sido mas apropiado el de “Blood On The Tracks”, por que difícilmente se puede encontrar un álbum tan guerrero y con tanto coraje en sus surcos como este.
Con alusiones a temas poco recurrentes en los años ochenta como la Guerra del Vietnam, “Re·ac·tor”, fue lanzado a finales de 1981 bajo el sello Reprise, el ultimo con esta discográfica antes de que firmara un nuevo contrato con la Geffen Records, con la cual estaría gran parte de la década de los ochenta, iniciando con ello su época mas oscura y mediocre.
“Opera Star” de claro manifiesto rock en perfecta continuidad con “Rust Never Sleeps”, es el corte que inicia de manera abrumada este álbum, mientras en “Surfer Joe And Moe The Sleaze”, la personalísima guitarra de Young  juguetea sobre un fondo de voces para contarnos historias de borracheras, despilfarros y excesos obscenos en un tono mas tranquilo y melódico.
“T-Bone” y “Get Back On It”, son obsesivos y rítmicos homenajes a las raíces negras del rock, la primera en un tono histérico y la segunda mas cercano al boogie blues, con la que ponen punto y seguido a la primera cara del álbum.
La cara B es el desmadre rockero de Neil Young y su banda, empezando con la asesina “Rapid Transit”, a la que le siguen la machacona “Southern Pacific”, la sureña “Motor City” y esa pesadilla visceral titulada “Shots”.
Puro y duro rock, así es como mejor se define este álbum, el ultimo gran trabajo del canadiense hasta su resurgimiento musical de finales de la década de los ochenta con el soberbio “Freedom”, después de sus extraños meandros musicales que ocuparon todo su periplo bajo la mencionada y polémica discográfica comandada por David Geffen.

U2-The Unforgettable Fire (1984)

“The Unforgettable Fire” fue el cuarto álbum de la banda irlandesa U2 (el quinto si contamos el directo publicado a finales de 1983 “Under A Blood Red Sky”)
Grabado como todos los anteriores en los Windmill Lane de Dublin, este cuarto disco supuso la metamorfosis perfecta de la banda entre los álbumes “War” (1983) y “The Joshua Tree” (1987), un trabajo tan apoteósico como brillante en donde ya solo por el emblemático y extraordinario “Pride (In The Name Of Love) lo engrandece. Sin embargo el resto no le va a la zaga, como demuestran los cortes “The Unforgettable Fire” con ese aire nostálgico, la atmosférica “A Sort Of Homecoming”, la épica “Bad” o la poderosa “Indian Summer City”.
Con este álbum, U2 mostraban su época de mayor esplendor, en donde su faceta creativa y ambiciosa estaba en el punto culminante de su meteórica carrera.

The Rolling Stones-Black And Blue (1976)

En 1974 The Rolling Stones lanzaban su duodécimo álbum “It´s Only Rock´n´Roll”, el cual supuso la despedida de su guitarrista Mick Taylor. Este hecho llevaría a que Mick Jagger y Keith Richards buscaran un sustituto ideal para afrontar el futuro de la banda.
Durante algún tiempo se rumorearon los nombres de Rory Gallagher, Jeff Beck o Peter Frampton quienes declinaron la oferta, otros como Harvey Mandel o Wayne Perkins también estuvieron entre los nominados, recayendo el puesto finalmente en Ron Wood.
Ron Wood por entonces aún pertenecía a la banda The Faces y como tal solo podría colaborar como musico invitado en el siguiente álbum de los Rolling, “Black and Blue” publicado a mediados de 1976.
Por lo tanto la formación oficial de la banda en esos momentos estaba compuesta por Mick Jagger, Keith Richards, Charlie Watts y Bill Wyman, mientras que Ron Wood aparecería como músico invitado, donde además también se encontraban Billy Preston, Nicky Hopkins, Ian Stewart y los mencionados Harvey Mandel y Wayne Perkins.
“Black and Blue” fue grabado en diferentes estudios de Múnich, Nueva York y Florida bajo la producción de los propios Jagger y Richards y otros productores entre los que se encontraban Glyn Johns. Este nuevo lanzamiento contiene un repertorio basado en un estilo algo alejado del habitual e inconfundible rock´and´roll de los Rolling Stones, con una colección de temas diversos en donde salen a relucir sonidos como el reggae y el funk, además de una serie de canciones enfocadas a la jam instrumental.
Una faceta instrumental que opacaba de alguna manera las melodías vocales y que le llevaría ser considerado un álbum controvertido y transitorio, siendo recibido con cierto estupor por una parte de sus millones de fans.
Sin embargo terminaría logrando un disco de platino por sus ventas, un meritorio numero uno en las listas norteamericanas y un segundo lugar en las británicas.
La funky “Hot Stuff” abre esta nueva entrega con un ritmo discotequero, mientras el sonido clásico de los Stones esta presente en “Hand Of Fate”, con la siguiente “Cherry Oh Baby” vuelven a adentrarse en otros meandros musicales, esta vez con el reggae, finalizando la primera cara de la placa con la vibrante y espléndida jam “Memory Motel”. La segunda cara comienza de igual manera con la jam “Hey Negrita”, que sin embargo no tiene la intensidad de la anterior. Para acabar este versátil y atractivo disco, aparecen la stoniana “Melody”, la sentida balada “Fool To Cry” y la chulesca rock´n´roll “Crazy Mama” .

Manassas-Manassas (1972)

Una vez había acabado la multitudinaria, (al mismo tiempo que conflictiva entre sus integrantes), gira posterior al álbum “Deja Vu” de Crosby, Stills, Nash and Young, cada uno de sus miembros decidió seguir sus propios caminos, dejando atrás y de manera momentánea una de las mayores súper bandas jamás creadas.
Y seria Stephen Stills quien primero moviera ficha creando una nueva banda llamada Manassas, para lo cual llamaría al ex Byrds y ex Flying Burrito Brothers, Chris Hillman, al también ex Flying Burrito Brothers, Al Perkins y algunos de los músicos que habían participado en las grabaciónes de “Deja Vu”, como el batería Dallas Taylor y el bajista Fuzzy Samuels.
Con la incorporación de varios integrantes mas, entre los que estaban Paul Harris, quien por entonces pertenecía a la banda de B.B.King como organista y al percusionista ex Pacific Gas and Electric, Joe Lala, además de las colaboraciones especiales de varios músicos invitados como el bajista de los Rolling Stones, Bill Wyman, el líder de Grateful Dead, Jerry Garcia a la pedal steel guitar y Malcolm Cecil en los teclados, entran en los estudios Criteria de Miami y graban el doble álbum “Manassas”, el primer trabajo de esta súper banda de country y rock.
Dividido en cuatro caras con diferentes subtítulos, este primer álbum titulado homónimamente fue uno de los grandes lanzamientos de la década y aún hoy en día sigue considerado un lanzamiento extraordinario.
En la cara A del primer disco, titulado “The Raven”, podemos disfrutar de una mezcla de rock con fusiones latinas y entre las que destacan “Song Of Love”, con el sonido inmenso de las guitarras de Stills y Perkins, la fascinante “Rock & Roll Crazies / Cuban Bluegrass”, la jam rock “Both of Us” o la meritoria “Anyway”. Los sonidos campestres y rurales aparecen en el segundo disco “The Wilderness”, en ella aparecen cortes que se mueven entre los sonidos del country y el bluegrass como “So Begins the Task”, “Fallen Eagle, “Colorado” o “Don´t Look at My Shadow”.
Para el tercer disco titulado “Consider” los sonidos son orientados al folk rock con destacados temas como “Johnny´s Garden”, “It´s Doesn´t Matter” o "The Love Gangster”.
Cerrando este doble álbum con el cuarto disco subtitulado “Rock & Roll Is Here”, que como su titulo deja entrever es un homenaje a los sonidos blues y rock que comienza con las deudoras a los sonidos de los mejores CSNY, “Waht to Do” y “Right Now”, la epopeya jam “The Treasure” y la blues acústica “Blue Man”, esta ultima dedicada a tres de los grandes rockeros que habían fallecido en los anteriores dos años, el guitarrista Jimi Hendrix, el cantante Al Wilson de los Canned Heat y el guitarrista de los Allman Brothers, Duane Allman, todo un soberbio colofón a un álbum tan grande y apoteósico como la carrera de todos los legendarios músicos que intervinieron en su elaboración.

The Doors-Absolutely Live (1970)

Este fue el único registro en vivo de The Doors durante muchos años, y el único que publicaron durante el tiempo que estuvieron activos.
"Absolutely Live" es uno de los mas fascinantes dobles en directo de los años setenta, que entre lo mas llamativo esta el que no incluye ninguno de sus hits en las listas de éxitos, lo que demuestra su carácter original y demoledor.
Aquí sobresalen algunas versiones de Bob Diddley y Willie Dixon, demostrando con ello, dónde estaban sus raíces.
Un directo que se inicia con el clásico de Bob Diddley "Who Do You Love", que la banda llevan a su campo, y continúa con un “Medley” compuesto por las canciones “Alabama Song”, “Black Door Man”, “Love Hides y “Five To One”, que culmina en uno de los momentos épicos del álbum con "When The Music Over".
Luego llega el turno del fantástico "Break On Through" y sorprenden con la soberbia "The Celebration Of The Lizard", poema épico musical de 14 minutos de duración, que rematan soberbiamente con una extendida versión de "Soul Kitchen".
Con este doble en directo, The Doors demostraron que fueron únicos incluso para grabar álbumes en vivo, todo una obra maestra absoluta de la música rock.