Sin embargo en donde realmente destacaba esta banda eran en sus explosivos directos, con una fuerza imparable entre la armónica de Magic Dick, la ardiente guitarra de J.Geils y la tremenda voz de Peter Wolf.
Todo ello quedo reflejado en su directo “Full House” publicado en 1972 y grabado en el Cinderella Ballroom de Detroit, el cual se convirtió en el punto culminante de J.Geils Band. Un directo que esta considerado uno de los grandes registros en vivo de los setenta y que contiene un repertorio fulminante e incendiario como las trepidantes “Firts I Look At The Purse” o “Looking For A Love”, la jam “Whammer Jammer”, la R&B “Hard Drivin´Man” o la blues “Server You Right To Surffer”.
Si bien la banda encontraría más tarde un gran éxito en las listas a principios de los 80, el fanfarrón y blues rock de su propuesta inicial los convirtió en uno de los grupos mas solicitados en las giras estadounidense, una época en donde llenaban estadios durante el periodo comprendido entre 1971 y 1974.
Después de este enorme directo llegaría su siguiente álbum de estudio “Bloodshot” (1973), el cual se convirtió en el lanzamiento mas exitoso de la banda hasta esos momentos, alcanzando el décimo puesto en las listas del Billboard, mientras el siguiente “Ladies Invited” (1973), aún conteniendo grandes momentos, fue el principio de su época mas previsible, alejados de su contundente propuesta inicial, pero que sin embargo reforzaría el estatus de la J.Geils Band como una de las mejores bandas del rock americano de principios de la década de los setenta.
Sin embargo el éxito mundial les llegaría por fin en 1981 gracias a su álbum “Freeze Frame”, todo un numero uno en las listas Billboard, el cual contenía las adictivas y comerciales “Centerfold” y “Freeze Frame”, temas con un claro acento pop sin alejarse totalmente de su planteamiento original con acercamientos al funk, convirtiendo este en su trabajo mas ecléctico y experimental.
La primera canción que surge de este álbum es nada mas y nada menos que “Tunnel Of Love”, un espectacular tema de ocho minutos y tal vez la mejor composición de toda la carrera de Knopfler, y que al mismo tiempo, es una de las canciones mas faraónicas de la música rock, ocho minutos repletos de pasajes instrumentales evocadores, cambios de ritmo, y una melodía pegadiza y ágil, todo ello bañado por la voz de Knopfler que envuelve y cubre cada frase. Un tema que sin embargo detrás de todo ello esconde mucha ironía sobre las relaciones y la pasión.
La frágil y inocente “Romeo and Juliet”, es al mismo tiempo un tema cautivador y dulce.
La siguiente “Skateaway” parece reducir la carga emocional de las dos anteriores con su sonido directo y algo desenfadado. Llegados a mitad del álbum aparece otro de los momentos álgidos con la pegajosa y pegadiza “Expresso Love” toda una declaración de intenciones por parte de Mark Knopfler, sobre lo que vendría algunos años mas tarde con su aclamado “Brothers In Arms”. Después de la folk con ecos a Dylan “Hand in Hand”, llega “Solid Rock” en donde la banda deja su flema y parsimonia británica atrás para descargar un poderoso tema muy en la línea de los arena-rock. Para acabar con la melancólica y tranquila “Les Boys”, la cual culmina un álbum que supero en ventas a su anterior “Communiqué”, logrando por ello media docena de discos de platino, aunque bastante alejado del impacto comercial de su enorme y soberbio debut de 1978.
Todo comenzó incluso antes de las sesiones de grabación del mencionado álbum, en esos momentos su cantante David Lee Roth empezaba a cuestionar el desvío estilístico de la banda hacia sonidos mas comerciales y electrónicos, algo que por otra parte era decisión unilateral del guitarrista Eddie Van Halen para darle a su estilo hard rock una visión mas moderna y actualizada.
Sin embargo el detonante para que el cantante decidiera abandonar la banda seria la colaboración del guitarrista en el álbum de Michael Jackson “Thriller” y mas concretamente en el tema “Beat It”. Este hecho se tradujo en la contratación de un nuevo cantante que después de sondear a varios candidatos, el puesto fue a recaer en el famoso cantante y guitarrista Sammy Hagar, reconocido a nivel mundial por haber pertenecido a bandas como Montrose, con quien grabaría los enormes “Montrose” (1973) y “Paper Money” (1974), además de una carrera bastante prolífica con álbumes muy meritorios dentro del genero hard rock americano como “Sammy Hagar” (1977), “Street Machine” (1979), “Danger Zone” (1980) o el espectacular directo “All Night Long” (1978).
Así pues con un nuevo frontman, Van Halen publicarían un nuevo trabajo dos años después del mencionado “1984” y titulado “5150” y que supuso un cambio radical al estilo del grupo, con unas composiciones mas maduras, unas letras menos joviales y que comercialmente volvió a triunfar cosechando una ventas que superaron los ocho millones de copias a nivel mundial.
Compuesto por nueve cortes, destacan la enérgica “Good Enough”, la comercial y pegadiza “Why Can´t This Be Love”, las dinámicas “Best Of Both Worlds” y “Get Up”, la AOR “Dreams”, la melódica “Love Walks In” o las contundentes “5150”, “Summer Nights” y “Inside”, estas tres ultimas, claros vestigios de la época anterior de la banda.
Su formación inicial estaba formada por el guitarrista Roye Albrighton, el bajista Derek Moore, el baterista Ron Howden y el teclista Alan Freeman. Su estilo estaba a medio camino entre el space rock psicodélico de los primeros Pink Floyd, el vanguardismo alemán de principios de los 70 y unas grandes dosis de hard rock.
Sin embargo su estilo siempre fue bastante original, en constante busca de un sonido propio y diferente a sus coetáneos. No obstante en sus primeros álbumes la tendencia musical del grupo estuvo mas cerca del rock progresivo y el rock psicodélico. En 1971 publicaron su primer álbum “Journey To The Center Of The Eye”, una antológica obra conceptual de rock psicodélico y underground, con sonidos espaciales y tremendos riffs de heavy rock. Con el siguiente y continuista “Tab In The Ocean” (1972), la banda consigue crear un disco repleto de rock progresivo épico con una excelentes armonías vocales e instrumentales. Después de un tercer lanzamiento “...Sounds Like This” (1972), mas enfocado hacia el hard rock mas convencional, llegaría otro de sus álbumes memorables “Remember The Future” (1973), que junto a los siguientes “Down To Earth” (1974) y “Recycled” (1975), conforman la trilogía mas progresiva de Nektar.
Pero centrándonos en “Remember The Future”, podemos apreciar que ya en esos momentos la banda había logrado alcanzar su madurez creativa y una progresión muy definida. Constituido por una suite dividida en dos partes, debido a la necesidades de los LP´s de vinilo, esta suite esta constituida por siete temas distintos combinados por varios interludios instrumentales. Todas ellas son composiciones autónomas que van fluyendo juntas de manera mas o menos natural, pero manteniendo una consistencia estilística lógica, mientras se va desarrollando el concepto del álbum. Esta estructura musical es muy parecida a la que años atrás ya habían utilizado The Moody Blues en sus discos conceptuales.
Pese a que musicalmente esta a un gran nivel, el factor meramente instrumental esta algo por debajo de sus publicaciones predecesores, aún así destacan las continuas interacciones de las guitarras, el órgano y el bajo, que junto a unas exuberantes armonías vocales, juegan un papel decisivo en el resultado final.
El dinamismo de “Remember The Future Part I”, contrasta con la mas progresiva y contundente segunda parte, logrando con todo ello una obra realmente completa desde el principio hasta el final.
A partir de la mencionada trilogía, los siguientes trabajos de Nektar se fueron diluyendo en obras de diferente signo musical, con sonidos mas orientados al rock melódico y mas comercial, como "Magic Is A Child" (1977) o "Man on The Moon" (1980), álbumes de gran clase y con buenas composiciones que sin embargo no lograrían el efecto que tuvieron con sus primeros lanzamientos.
Caravan históricamente fue una de las mas influyentes bandas que definieron el sonido Canterbury con grandes secuencias de jazz rock, envueltas en su espectacular instrumentación y este “Waterloo Lily” es sin duda uno de sus mayores aportaciones al estilo progresivo, con una pura redefinición de sus aspectos creativos que aportan al oyente una clara sensación de estar escuchando una gran aventura musical.
Sin embargo este álbum esta repleto de dinamismo debido a la fusión del progresivo con el jazz, derivado de la inclusión de un nuevo teclista como fue Steve Miller, un musico que fue parte fundamental de ese sonido jazz con sus armonías y solos con el piano eléctrico y que había reemplazado al mas melódico y progresivo David Sinclair.
Un álbum que muestra unas guitarras fluidas, unas grandes líneas de bajo complejas y efectivas al mismo tiempo que con un punto de improvisación y como habíamos mencionado antes, un vivaz piano de jazz que por momentos toma el liderazgo de la música aquí contenida.
Un Lp que comienza con la divertida jazz rock “Waterloo Lily” , uno de los temas mas emblemáticos de toda la carrera del grupo, continuando con la suite “Nothing At All”, un extenso tema de fusión prominente en donde sobresale el piano de Miller, la solida y potente “Aristocracy”, o la fenomenal y progresiva “The Love In Your Eye”, son sin duda una de las mayores contribuciones de Pye Hastings al repertorio de Caravan, en donde cada miembro de la banda tiene el espacio adecuado para brillar de manera notable, destacando de manera memorable, la guitarra del mencionado Hastings y el piano eléctrico de Miller.
Para finalizar este extraordinario disco aparece la pop pegadiza “The World Is Your”, que sorprendentemente no fue publicada en single.
No obstante y pese a la enorme calidad de este álbum, fue defenestrado por los fans mas puristas de la banda al considerarlo demasiado jazzistico y muy alejado de las raíces germinales del grupo.
En adelante la banda acometería sus siguientes trabajos con el abandono de Richard Sinclair y Steve Miller, dos piezas fundamentales que tuvieron repercusión en el siguiente "For Girls Who Grow Plump In The Night ", que bajo la dirección de Pye Hastings volverían a recobrar su sonido enfocado a la melodía de sus obras anteriores y a un estilo mas progresivo, aunque tenuemente alejados del espíritu inicial del sonido Canterbury.
Formados alrededor de la figura de Ashley Kozak, manager por entonces del cantautor británico Donovan, quien tuvo la sugerente idea de constituir un grupo que hicieran una especie de folk rock británico aderezado con los sonidos pop de la década de los 60. Para ello reuniría a una serie de músicos con bastante experiencia que venían precedidos de bandas de claro corte progresivo y psicodélico de finales de los 60.
Empezando por el cantante y compositor Terry Shaddick, el cual se consolidara como líder del grupo y el único miembro estable en una banda que pasaría por diferentes cambios de formación a lo largo de los tres años que duraría la carrera de Tranquility.
Gracias a Kozak consiguen un contrato con la discográfica Epic Records, quienes les financian su primer larga duración en 1972 titulado genéricamente "Tranquility". En esta primera entrega, la banda muestra un suave y híbrido estilo entre los sonidos del flower power de la costa oeste norteamericana y el folk británico, con atractivas melodías vocales e influencias mas que evidentes de The Beatles.
En este primer álbum destacaban la folk rock "Try Again", la pop "Look at the Time, It´s Late", la agradable melodía de "Lady Of The Lake, o las herederas del sonido Beatle "Oyster Catcher" y "Black Current Oyster"
Después de este disco la banda se embarca en un largo tour por los Estados Unidos teloneando a The Byrds, en donde cosechan cierto éxito entre los norteamericanos por ese suave folk rock que podían emparentarse de manera lejana con bandas como America o Crosby, Stills and Nash.
Después de esta gira, la banda regresaría a Inglaterra y grabarían su segundo álbum "Silver", con el cual confirman su tendencia folk rock y pop, pero con un mayor protagonismo en los arreglos, agregando instrumentos como los sintetizadores o el mellotrón, obteniendo así mayor profundidad y complejidad a su sonido característico.
Temas como la psicodélica "Can I See You", contrastan con otros de clara influencia Beatle como "Dear Oh Dear" o "Nice And Easy", que junto a la melódica pop rock "Eagle Eye", son los cortes mas destacados, secundadas con otras de menor calado como la mas compleja "Whip Wheel", la country rock "The Driver´s Engine", la puramente rock "Couldn´t Possibly Be" o la vodevil "Nice and Easy", que cerraban un trabajo que pese a no lograr el éxito esperado, les llevarían a abrir conciertos para artistas de gran prestigio como Yes, Humble Pie, David Bowie o The Eagles, en una nueva y extensa gira por tierras americanas. Posteriormente la banda intentaría seguir abriéndose camino en los Estados Unidos con relativo éxito, hasta que en 1974 la Epic Records y debido a su poco bagaje comercial, decide rescindirles el contrato. Este hecho fue aprovechado por la discográfica británica Island Records para ofrecerles un nuevo contrato y con quienes publicaron el single promocional "One Day Lady", anticipo de un nuevo Lp, que sin embargo nunca fue grabado.
Este seria el detonante de la desintegración definitiva de la banda, a partir de aquí todos sus integrantes seguirán caminos diferentes, destacando por encima de todos la labor compositora de Shaddick, quien gracias a su talento crearía algunos éxitos posteriores para la cantante pop Olivia Newton-John.
“Rubycon” esta configurado como un viaje surrealista de ensueño, pero a la vez relajante y opresivo, con momentos espaciales y una gran carga emocional.
Sin embargo en comparación con el anterior álbum de la banda “Phaedra”, este es mas pausado, aunque durante su desarrollo haya momentos bastantes rítmicos, pero es el tono oscuro y disonante el denominador común de toda la obra.
“Rubycon” supuso un paso mas en la metamorfosis de la música sombría de TD que tendría su cenit creativo con los posteriores “Ricochet”, “Stratosfer”, “Clycone”, “Force Majeure” y “Tangram”.
Para muchos aquí estaba la mejor formación de toda la historia de la banda, algo en lo que personalmente discrepo, sin dudar de la capacidad instrumental y creativa de Chris Franke y Peter Baumann, siempre dejando fuera de cualquier duda a Edgar Froese, la mente creativa por excelencia de TD, pero por esta banda han pasado músicos de grandísimo prestigio como Klaus Schulze, Conrad Schnitzler o Johaness Schmoelling entre otros.
Lo que si es cierto es que esta formación seria la mas conocida y comercialmente la mas mediática a nivel mundial, publicando lo que se denomina la época progresiva de TD.
“Rubycon”, titulo sacado de un histórico río italiano de la época romana que tenia especial importancia en el derecho romano, al estar prohibido cruzarlo con su ejercito a cualquier general de Roma, es un álbum que nos transporta a otra dimensión, el disco perfecto para un experiencia audiófona, un viaje completo con grandes paisajes electrónicos vertiginosos, unos ritmos pulsantes, zumbidos analógicos profundos y estructura pinkfloydiana, convirtiendo a esta obra en una de las grabaciones esenciales de la década de los setenta.
En 1974 el joven Oldfield, nada dado al estrellato ni a las masas, se vio abrumado por fama sin precedentes del mencionado “Tubular Bells”, ello le llevaría a aislarse durante muchos meses en su casa de las afueras de Londres, en un lugar llamado “las colinas de Hergest Ridge”. Allí Oldfield crearía un estudio de grabación y empezaría a componer y grabar su siguiente movimiento discográfico, al cual titularía como el lugar donde residía.
Sin embargo el carácter musical de esta nueva entrega tiene un componente mas sinfónico y bucólico que su antecesor. Para ello Oldfield volvería a utilizar un arsenal de instrumentos que iban desde los órganos Farfisa, hasta las guitarras eléctricas y acústicas, pasando por mandolinas, gongs, oboes, campanas tubulares y un sin fin de artefactos musicales con los que se sirvió para crear otra obra monumental.
Compuesto por dos extensas partes, "Hergest Ridge Parts I y II", Oldfield logra entrelazar una etérea y asombrosa música que llega a su clímax total en la parte central de la segunda cara del álbum, en donde utiliza la asombrosa cifra de cerca de 100 guitarras superpuestas, logrando con ello uno de los momentos mas prodigiosos de toda su carrera y al mismo tiempo, de la historia de música popular.
Con este segundo lanzamiento, Oldfield consolidaba su desarrollo y su madurez como instrumentistas y como compositor, convirtiéndose en uno de los grandes genios de la música del siglo 20.
El álbum lograría colocarse en el primer puesto de las listas británicas, obteniendo varios discos de platino por sus ventas a nivel mundial, que sin embargo se quedaban a años luz del éxito de su predecesor.
Con un repertorio deslumbrante en donde sobresalían temas como su enorme hit en clave rock comercial “Carry On Wayward Son”, un tema enérgico y adictivo que aúpa al álbum hasta cotas antes no conseguidas por el grupo, entrando hasta el quinto puesto en el Billboard, logrando cinco discos de platino y unas ventas que superaron los siete millones de copias a nivel mundial.
Pero como es obvio este álbum no solo vivía de la magnificencia de este single, el resto era un compendio excelente entre las poderosas guitarras, el sugerente violín, grandes cascadas de teclados y la poderosa sección rítmica conformando con todo ello una pared sonora que resonaban de manera unánime.
Aquí están incluidos temas tan sorprendentes como la melódica progresiva “The Wall”, el rock dinámico “What´s On My Mind”, la compleja “Miracles Out Of Nowhere” y la mini-suite progresiva “Magnum Opus”, un pieza que nada tiene que envidiar a las míticas suites de los grandes grupos progresivos británicos. El resto sin llegar a tener las excelencias de las anteriores siguen conservando un sonido espectacular como la rock “Opus Insert”, la armónica “Questions Of My Chilhood” o la acústica y progresiva “Cheyenne Anthem”.
Ya después de este ultimo mencionado, Anderson incluso anunciaría públicamente que suspendería por tiempo indeterminado la actividad del grupo en vivo, en señal de protesta por las continuas criticas de la prensa, algo que empañarían aún mas su relación con los medios de comunicación. Sin embargo los siguientes movimientos de Ian Anderson con su banda fueron mas ecuánimes y previsibles, facturando varios álbumes que tuvieron mejores criticas y unas destacadas ventas. Así tanto “War Child” como “Minstrell In The Gallery”, se alejaban de los enredos musicales pasados para enfocarse en sonidos mas campestres y folk, fusionados con ramalazos de rock y una arquitectura musical mas simple.
Pero en 1976 Ian Anderson reanudaba los retorcidos argumentos literarios y musicales con otra obra conceptual enmarañada y que a la postre volvería a sembrar la polémica y titulada irónicamente “Too Old To Rock´n´Roll: Too Young To Die!”. A estas alturas de la película estaba claro que Ian Anderson hacia lo que le venia en gana y al mismo tiempo con ello les dejaba en claro a todos, que que no se vendería a lo políticamente correcto, hablando en términos musicales. Esta vez y tomando como argumento una respuesta clara a todos sus detractores, todo ello bajo una especie de comic, narra las aventuras de un ficticio cantante de rock ido a menos llamado Ray Lomas, a quien tachaban de hacer una música obsoleta, a lo que el cantante respondía manifestando su amor por sus viejos y gloriosos tiempos. Este argumento dio pie a ser considerado como una autobiografía del propio Anderson. El propio Anderson se termino por aburrir de la prensa por intentar obligarle a admitir que era una historia autobiográfica, basándose en el hecho de que en la portada del álbum aparecía una caricatura del propio Ian.
Polémicas aparte, el resultado de este nuevo álbum fue un híbrido entre el blues rock de los inicios y el rock melódico y sinfónico de sus álbumes mas progresivos, destacando los arreglos orquestales de David Palmer. Sin embargo en este disco la guitarra eléctrica de Martin Barre esta menos presente, quedando relegada a momentos puntuales en favor de un mayor predominio de las guitarras acústicas.
Los momentos mas progresivos están presentes en “Pled Piper” y “Big Dipper” en donde los teclados de John Evan cobran un gran protagonismo junto a los sonidos de flauta y los arreglos de cuerda. Otros momentos destacados están en el tema que da titulo álbum, sin duda el mas contundente, la blues rock “Taxi Driver”, la experimental y exótica “Salamander”, la emocionante “From A Deadbeat To An a Old Greaser” o las interesantes “Quizz Kid”, “Bad Eyed and Loveless” o “The Chequered Flag”.
Dirigidos por el teclista y cantante Burton Cummings y el guitarrista Randy Bachman, Guess Who alcanzarían su mayor éxito con el álbum y el tema homónimo “American Woman” en 1970.
Pero antes de que llegara ese rotundo éxito publicaron los álbumes “Wheatfield Soul” (1969) en donde aparecía el sugerente single “These Eyes”, un top ten en las listas, o cortes como las psicodélicas “Friends Of Mine”, “When You Touch Me” y “Love And A Yellow Rose” o el siguiente “Canned Wheat”, publicado también en 1969, en donde la banda endurece su sonido sin alejarse de su propuesta psicodélica y blues con temas como “No Time”, “Of A Dropping Pin” o la extensa jam “Key”.
Con “American Woman” el grupo consigue ser el primer grupo canadiense en obtener un numero uno en las listas norteamericanas gracias al tema del mismo titulo, una locuaz revisión a la decadente tradición americana desde el punto de vista canadiense.
Sin embargo el resto del álbum no estaba tan acorde ni tenia el nivel de sus dos anteriores obras, algo que en su momento pareció importar muy poco dada la notoriedad del single.
“American Woman” se convirtió en uno de los temas mas emblemáticos de la música rock con uno de los riffs mas famosos y versionados hasta la saciedad.
Después de este álbum, Randy Bachman abandona Guess Who para fundar una de las bandas abanderadas de rock americano de los 70 como fueron Bachman-Turner Overdrive, quedando Cummings como líder de Guess Who y seguir publicando álbumes de buena factura pero alejados del éxito y el reconocimiento de sus primeras obras.
La salida de este álbum también coincidiría con la explosión del heavy metal y el hard rock, estilos que estaban siendo abanderados por una serie de bandas que se encontraban atravesando su época de mayor esplendor como Deep Purple, Grand Funk Railroad, Led Zeppelin o Black Sabbath entre otros muchos mas.
Este cuarto Lp venia precedido de los exitosos “In-A-Gadda-Da Vida” y “Ball”, además de ello, después de este ultimo se produciría la deserción de su guitarrista principal, Eric Brann, quien había abandonado la nave debido a las continuas discusiones con el resto de la banda, su puesto seria ocupado no solo por un guitarrista, si no por dos al mismo tiempo, Larry Rhino Reinhardt y Mike Pinera, los cuales serian parte fundamental en el cambio de sonido hacia esos derroteros mas enérgicos.
Temas como la contundente hard rock “Best Years Of Our Life”, o la poderosa “Easy Rider”, son una buena muestra de este cambio, sin embargo no abandonan su lado mas acido como queda demostrado en las lisérgicas “New Day”, “Shady Lady”, “Slower Than Guns”, o la psicodélica y extensa “Butterfly Bleu”, mientras la vena bluesy esta presente en la cautivadora “Soldier in Our Town”.
Pese al cambio de estilo, “Metamorphosis” no alcanzaría los registros del anterior “Ball”, aunque si entraría en las listas entre los 20 mejores álbumes y obtener un single de cierta relevancia como fue “Easy Rider”, pero muy alejados del primer puesto que ocuparía el mencionado “Ball”, y por supuesto a años luz de su multimillonario y soberbio “In-A-Gadda-Da Vida” de varios años atrás.
Para este primer lanzamiento el malhumorado guitarrista había conformado una banda en la cual además de su presencia estaban Ronnie James Dio, con el que ya había entablado una gran amistad desde principios de los 70, cuando el pequeño cantante pertenecía a la banda Elf, el bajista Craig Gruber, el baterista Gary Driscoll y el teclista Mickey Lee Soule, todos ellos a excepción de Dio, serian despedidos poco después de la grabación del álbum, demostrando con ello el mal carácter y las decisiones salomónicas del guitarrista.
Grabado durante los primeros meses de 1975 en Múnich, fue co-producido por Martin Birch, Ritchie Blackmore y Ronnie James Dio y lanzando por el sello Polydor a mediados del mismo año. En este debut con una clara temática medieval y de fantasía épica, manifestaba claramente los derroteros por donde se dirigía el sonido de Rainbow y aparecen tres de los temas mas emblemáticos de toda la carrera del grupo, como son la descomunal “Man On The Silver Mountain” con ese riff mítico secundado por la espléndida voz de Dio, la nostálgica y épica balada “Catch The Rainbow” y la antológica “Sixteenth Century Greenslaves”, sin embargo el resto sin llegar a consolidarse y tener una gran relevancia, son piezas rescatables como la épica “The Temple Of The King”, la hard rock “Snake Charmer” o la versión instrumental de The Yardbirds “Stills I´m Said”.
Este debut siempre ha estado lastrado por los siguientes y soberbios sucesores, por lo que constantemente se ha mantenido como un álbum transitorio y menor en la carrera del Blackmore y su banda, pero que sin embargo tiene los suficientes alicientes para considerarlo una obra fundamental en el hard rock de los setenta.
“Tarkus” se erige como una de las compasiones a la altura de cualquier pieza clásica, representando el progresivo en su máxima expresión, al mismo tiempo que la mas pura, convirtiéndola en una obra maestra.
El resto del álbum, esta conformado con varios cortes situados en la cara B del LP original, de las que destacan por un lado la poderosa hard rock “A Time And A Place” y por otro la rock´n´roll “Are You Ready Eddy?”, las cuales quedan injustamente ensombrecidas por la grandiosa magnitud de la suite “Tarkus”, pero que demostraba la enorme diversidad musical del grupo.
Grabado durante una época en donde Deep Purple estaban a punto de desmembrarse debido a las enormes tensiones y los egos de cada uno de sus miembros, consiguieron con esta obra, la cima absoluta musicalmente, gracias a la enorme creatividad y el cenit instrumental logrado aquí.
“Machine Head” es sin duda uno de los mejores álbumes de guitarra de todos los tiempos, y no solo por contener la madre de todos los riffs con el inmortal “Smoke On The Water”, sin duda el tema mas famoso del rock de todos los tiempos, si no también por los duelos antológicos entre el poderoso e inquietante órgano Hammond de Jon Lord y la afilada guitarra de Ritchie Blackmore durante todos y cada uno de los cortes del disco. Pero al mismo tiempo las estructuras de las canciones son mucho mas intrincadas de lo que parece, con una gran interacción entre todos los instrumentos y al mismo tiempo parecen espontáneas.
Todo ello se ve reflejado en la inicial e incendiaria “Highway Star”, todo un clásico del grupo con ese histérico ritmo, la cual para muchos fue el arquetipo del speed metal, o en la soberbia y progresiva “Space Truckin”, mientras que “Lazy” muestra la faceta experimental y jazzistica del grupo, entretanto “Mayble I´m A Leo y “Pictures Of Home”, son cortes que ponen el momento sobrio a un álbum tan frenético como admirable de principio a fin.
Si con el disco “In Rock” se habían ubicado en el mapa mundial del heavy rock y con el siguiente “Fireball” llegarían a la confirmación definitiva, con “Machine Head”, les encumbrarían como verdaderas estrellas a nivel mundial, y que con el siguiente “Made In Japan” les situaría en la cúspide absoluta de la música rock en la década de los 70.
