miércoles, 10 de diciembre de 2008

Guns´N´Roses-Chinese Democracy (2008)

Quince años tardaría Guns´n´Roses en publicar su sexto álbum, "Chinese Democracy", el cual es también probablemente uno de los mas caros de la historia, costando alrededor de los 13 millones de dólares. Y es que el proceso de grabación de este álbum ha tenido de todo lo habido y por haber, desde la deserción de muchos músicos, suspensiones de lanzamientos, problemas con las discográficas...etc, todo esto sin contar con los habituales problemas de Axel Rose, un proceso de grabación que casi casi se asemeja al tiempo que se han construido grandes obras magnas en la historia de la humanidad.
Mas allá de esta exagerada consideración, el resultado de tanta espera (que a veces ocurre que a mayor expectación, mayor fracaso), es simplemente un buen disco sin mas, y es que el concepto tiempo se le ha ido de las manos al propio Rose, conformando un disco que mas bien parece grabado en la década de los 80, que en este nuevo siglo, a lo que referente al sonido se refiere, algo desfasado, aunque también deberíamos tener en cuenta que los Guns´n´Roses siempre han sido una clásica banda de rock atemporal. El álbum contiene buenos temas como por ejemplo "Street of Dreams", la hard rockera "Chinese Democracy", la blusera "Sorry", pero poco mas, ya que encontramos temas algo descolocados en el rol del grupo como "If The World" una especie de canción medio reggae y ambient, "Scrapped", un corte que no dice absolutamente nada y se manifiesta como un claro tema de relleno o "Madagascar", esta incluso parece que sin terminar de construir totalmente, una tónica que sigue el resto del álbum, que se antoja bastante frío y que no termina de cuajar. Y es que aquella fantástica formación que fueron los originales Guns´n´Roses, nunca habrían publicado este disco, mas que nada por que aquellos talentosos músicos hubiesen compuesto canciones con mucha mas calidad y corazón, que este nuevo disco de Axel Rose en solitario.

martes, 2 de diciembre de 2008

This Is Rock

Este mes la revista tiene como principal articulo el nuevo album de los Guns´n´Roses, ‘Chinese Democracy’ que probablemente se ha convertido en el disco más esperado de la historia del rock de todos los tiempos. Hace 15 años que empezamos a oír hablar de su existencia, de anuncios de lanzamiento, de suspensiones, de fugas de músicos de problemas de management y por supuesto de problemas propios de Axl Rose. Después de una angustiosa espera y algo más de 13 millones de dólares invertidos en su producción, la historia ha llegado a su fin
Ademas un merecido Tributo a las cuatro décadas que lleva en activo Yes, epítome y arquetipo de la década de los 70 junto a Led Zeppelin y Pink Floyd, recordando sus dos álbumes de 1972: ‘Fragile’ y ‘Close To The Edge’. Para algunos no fueron tan revolucionarios como King Crimson ni tan ambiciosos como Genesis, pero sí consiguieron reunir en su sonido los mejores atributos del rock, y sería imposible concebir el rock progresivo sin ellos.
Ademas la revista ha viajado al corazón de los USA. para estar presente en su concierto ensayo el 26 de Octubre en Wilkes-Barre de los AC/DC en su nueva gira, y seguir las fechas de Washington DC y New York. Y como colofón Miguel A. Suárez escoge los 30 temas que jamás escucharemos en esta gira.
Otro interesante reportaje es sobre Peter Green de el se ha escrito casi todo sobre la vida y obra de uno de los guitarras de blues y rock más legendarios. Desde que dejó Fleetwood Mac en 1970, temas como su experiencia con las drogas, sus problemas mentales, sus épocas de reclusión y su rechazo a seguirle el juego a las discográficas han sido tratados del mismo modo que la prensa trató a Syd Barrett durante su vida, de una forma oscura y carente de sentimientos.
Ademas de otras interesantes entrevistas y reportajes con musicos como Uli Jon Roth, Doro,Pendragon, Joe Bonamassa, Paul Rodgers, Porcupine Tree, Ac/Dc...etc
En las secciones habituales de la revista: The Essential: Status Quo Record Collector : Los Mustangs Pioneros Canned Heat, Backline: Festivales Verano, Steve Marriot, Triana, Tesla, Rick Springfield, Evergrey, Helloween, Tank, Girlschool, Enemy Rose, Judas Priest, Letz Zepp.
Novedades: Thin Lizzy, Peter Green, The Move, Megadeth, Guns N' Roses..
On Stage: Queen+PR, Pendragon, Firehouse, Ten Years After, MSG, Wayne Hussey, Extreme, Firewind...etc

martes, 18 de noviembre de 2008

AC/DC-Black Ice (2008)

Sin duda alguna este se ha convertido en el álbum mas esperado de los últimos años, sin contar con la ya aburrida y desesperante historia del "Chinese Democracy" de los Guns and Roses, y aunque la espera ha sido larguísima también es cierto que ha valido la pena, ya que los hermanos Young se han sacado de la manga otro de esos discos que marcaran historia a la larga ya trayectoria de esta considerada por muchos la mejor banda de rock de todos los tiempos.
Y han vuelto por donde saben hacerlo a la perfección con ese rock pesado y contundente que les hizo ya míticos en los años 70 cuando Bon Scott era el alma matter del grupo.
Además han contado esta vez con uno de esos productores (Brendan O´Brien), que parecen preferir estar en la sombra y no ser protagonista de la película y es que este nuevo disco suena perfecto, casi tanto que y salvando las distancias del tiempo con lo que eso conlleva (nuevas tecnologías), deja a míticos productores como John “Mutt" Lange o Rick Rubin en paños menores, sin desmerecer en absoluto la categoría de estos dos genios de la producción.
Un álbum donde el rock clásico toma el protagonismo perdido en trabajos como “Fly on The wall" o “The Razor´s Edge” donde el heavy metal era muy patente.
Temas como “Rock´n´train”, “Skies on Fire”, “Big Jack”, “War Machine” o “Smash n´ Grab” nos dejan tan buen sabor de boca que incluso parece estar escuchando canciones de la época gloriosa del "Back in Black", además de otras que sorprenden por su extraña relación con la banda como “Anything Goes" con ese toque “pop” o “Stormy may day” con un Angus utilizando por primera vez una slide guitar.
El resto de temas, quince en total, siguen la tónica general del álbum manteniendo intacta la leyenda de una banda que aunque tarden en editar nuevo material, nunca defraudan a los millones de seguidores que tienen por todo el planeta, sin duda alguna, una de los mejores noticias que le podían ocurrir al mundo del rock´n´roll.

lunes, 10 de noviembre de 2008

This Is Rock

El nuevo numero del magazine This Is Rock, correspondiente al mes de noviembre contiene innumerables entrevistas y artículos muy interesantes, por ejemplo la concedida por Angus Young acerca del nuevo trabajo de AC/DC, ademas de otros a artistas como Nils Lofgren, Yngwie Malmsteen, John Sykes, Pat Travers, Roger Glover, Phil Manzanera...etc.
En el articulo principal de la revista un extenso reportaje sobre la creación y posterior gira del álbum Brain Salad Surgery de Emerson, Lake and Palmer.
En otras secciones habituales de la revista: en The Essential se hace un repaso a la discográfica de Kansas, en record Collector esta vez le toca el turno al soul visto desde las ediciones en vinilo españolas.
Ademas de otras secciones como noticias, Pioneros (Aretha Franklin), agenda de conciertos...etc
En novedades se hace un repaso a lo mas interesante que ha sido editado recientemente como lo ultimo de Marillion, Tesla, Thunder, John Mellecamp, Brian Wilson, Gary Moore, Ritchie Kotzen, o Axel Rudi Pell entre otros.
Y en On Stage las crónicas de los últimos conciertos de Bryan Adams, Porcupine Tree, RPWL, L.A.Guns o Glenn Hughes.

viernes, 17 de octubre de 2008

Queen + Paul Rodgers-The Cosmos Rocks (2008)

El show debe continuar, “The Show Must Go On”, fue aquella canción que pertenece al album "Innuendo" (1991) que firmo Freddy Mercury (junto a sus compañeros) poco antes de morir y ya sabiendo la terrible enfermedad que padecía y por eso Queen (o al menos dos de sus integrantes, Brian May y Roger Taylor) han seguido girando y dando conciertos por todo el mundo junto a otro de los grandes cantantes de la historia como es Paul Rodgers.
Ahora han ido mucho mas lejos editando un nuevo álbum, con nuevo material, que aunque este firmado como Queen and Paul Rodgers el resultado final esta alejado de la épica y majestuosidad de la Reina, y las influencias son quizás más cercanas a lo que Rodgers ya nos tiene acostumbrados.
Habría que matizar que este "The Cosmos Rocks" es un estupendo disco de rock clásico, hecho por tres grandes músicos, sin embargo no podemos de dejar echar la vista atrás y hacer las odiosas comparaciones, ya que ellos han hecho lo que mejor saben hacer, buena música y buen rock, lejos de los típicos clones y lejos de intentar emular una época gloriosa pero ya pasada.
Quizás y aunque fuese mucho menos comercial, deberían haber firmado este trabajo con sus propios nombres, pero el mercado es el mercado y por eso esta elección.
Pero siempre y como decíamos antes, estarán las odiosas comparaciones, y para el monumental enfado y rabieta de muchos de sus fans y al mismo tiempo para la alegría de otros, ellos no han intentado engañar a nadie y han editado un disco muy variado y profesional, con una estupenda producción y una impecable ejecución, en donde por momentos encontramos ese sonido de Queen de antaño, pero muy de pasada, quizás a muchos les suene mas a trabajos de Bad Company, y es que la mano de Rodgers se nota y es bastante larga.
Un álbum en donde se dan cabida temas hard rock como “C-lebrity” o “Still Burnin´”, clásicos rock & roll al estilo de los Status Quo como “Cosmos Rockin”, temas blues deudores de los mejores Free como “Voodoo” o sutiles esencias de los Queen, con las baladas casi épicas "We Believe" o "Shome Things That Glitter", además de temas country rock como "Call me", y así todo un disco que gana a medida cada vez que se le escucha y dejando constancia de que es sin duda uno de los mejores trabajos de rock de lo que va de año, aunque el lastre que arrastra de los tiempos de Queen junto a Freddy Mercury, al cual esta dedicado este trabajo, pesa y mucho.

jueves, 9 de octubre de 2008

Metallica-Death Magnetic (2008)

“Death Magnetic” es el noveno álbum de  Metallica, que lejos de la línea del mediocre "St Anger", publicado cinco años antes, los norteamericanos vuelven por sus fueros con este nuevo lanzamiento, un hecho por otra parte que se convirtió en uno de los lanzamientos mas mediáticos de aquellos años, algo que compartieron con el  álbum "Black Ice" de los AC/DC, publicado ese mismo año del 2008.
“Death Magnetic” contiene un repertorio de meritorios temas y aunque es cierto que adolece de la épica de su etapa dorada, también lo es que en algunos momentos parecen recordar ese añorado periodo.
Y es que “Death Magnetic” es la vuelta de Metallica al sonido que les hizo famosos en los 80, cuando álbumes como “Master of Puppets”, "Justice For All" o el multimillonario "Black Album", les colocaron como la máxima referencia del heavy metal mundial.
Con este nuevo trabajo se alejan por fin de los sonidos pop y alternativos de los últimos discos y que a la postre les sirvió para perder una amplia legión de seguidores descontentos con el rumbo que estaban tomando musicalmente.
Cortes como "That was just your life", "All nightmare long", "My apocalypse", "Suicide & Redemption" o "Broken, Beat & scarred", casi podrían pertenecer perfectamente al repertorio de cualquiera de sus primeros álbumes. 

martes, 7 de octubre de 2008

This Is Rock

Ya esta a la venta el nuevo numero de la revista This Is Rock, correspondiente al mes de octubre (nº52), en este numero la portada y él articulo principal esta dedicado a The Beatles y su obra maestra el White Album, además de otras entrevistas destacadas como la realizada a Roger Hogdson, Richard Wright el recientemente fallecido teclista de Pink Floyd, Robert Trujillo de Metallica, comentando el ultimo album así como una interesante entrevista a Al Kooper.
Además este mes en la secciones habituales hay un especial sobre Grand Funk Railroad, también en la sección Record Collector esta vez se comenta los singles del grupo Los canarios, así como las secciones de novedades en donde entre otros se hace un repaso a lo ultimo de Metallica, Fight, Sebastián Bach, David Gilmour, Queen and Paul Rodgers o Joe Lynn Turner.
Todo esto se completa con otras entrevistas y noticias relacionadas con el mundo del rock.

martes, 16 de septiembre de 2008

Richard Wright

Richard Wright fue fundamental para crear el sonido psicodélico pionero que convirtió a Pink Floyd en la mejor formación del mundo. Sus atmosféricos órganos y sintetizadores, cargados de influencias del jazz, estaban en el primer plano de los temas de la banda. Otras veces brindaban un trasfondo fantasioso en el que el resto del grupo se podía sumergir.
Wright estudiaba arquitectura en el "Regent Street Polythenic" de Londres cuando conoció a Nick Mason y Roger Waters. En 1965 formaron los Architechtural Abdabs y posteriormente se les unió el estudiante de Arte, Syd Barrett y fundaron Pink Floyd. Se dieron a conocer en la escena artística underground de Londres "tocando música que las compañías discográficas no podían entender", como más tarde lo señaló el propio Wright. "Nunca tuvimos el deseo de ser famosos, de ser estrellas de rock and roll", indicó. Según sus propias palabras, el estilo musical de grandes del jazz como Miles Davis fue lo que más influyó en su forma de tocar los teclados. Barrett fue la fuerza creativa que lideró al grupo en sus inicios, pero el consumo de drogas lo llevó a un deterioro mental. El resto de la banda, sin embargo, no cayó en el uso de drogas duras. Wright probó ácido dos veces. La primera fue antes de estar en la banda, en lo que describió como una experiencia "muy placentera". La segunda no lo fue y lo hizo alejarse de por vida. "Es un error pensar que las drogas suministraron la inspiración de Pink Floyd", dijo. "Los que tomaban las drogas eran los asistentes a los conciertos". Después de la salida de Barrett y la llegada del guitarrista Dave Gilmour, la banda comenzó a redefinirse a finales de los '60 y comienzo de los '70, alejándose del pop excéntrico hacia el rock progresivo. Además de participar con sus teclados y con su voz como acompañamiento, Wright escribió muchas de sus canciones. Entre ellas se incluyeron la pieza instrumental de 13 minutos “Susyphuis” del disco “Ummagumma” de 1969 y “Summer'68” del “Atom Heart Mother”, el primero de los álbumes de la banda que ocupó el número uno. El siguiente disco, “Dark Side of the Moon”, de 1973, fue el canto del cisne de la banda.
Wright fue coautor en la mayoría de temas del álbum, incluyendo los temas “Breathe”, “Time” y “Us and Them”, pero su contribución más importante fue “The Great Gig in the Sky”.
En el siguiente álbum “Wish You Were Here”, los teclados de Wright tuvieron aun si cabe mayor protagonismo, siendo este disco el mas electrónico de la banda y en donde por muchos momentos se convierte en el instrumento solista del trabajo. El grupo se había convertido en una de las grandes bandas de los setenta y siguieron editando grandes discos, mientras que Wright también prosiguió una carrera como solista, editando el álbum “Wet Dream” (1978). Sin embargo, las relaciones entre los miembros de la banda comenzaron a deteriorase después del disco "Animals” (1977) y Waters terminaría despidiendo a Wright después del apoteósico “The Wall” en 1979. Waters amenazó con no lanzar el álbum si Wright se negaba a renunciar. Los otros miembros de la banda también se pelearon con Waters y en 1986 Gilmour y Mason comenzaron a trabajar en un nuevo disco sin él, “Momentary Lapse of reason”, Wright se reunió con ellos y continuaron grabando y dando giras con el nombre de Pink Floyd, luego de una larga batalla legal con Waters. Juntos hicieron dos discos más y dieron más de 100 conciertos en la gira para promocionar del álbum “The Division Bell” en 1994, que se convirtió en el tour más lucrativo del rock de la época. Después de eso, la banda entró en la inactividad. Wright lanzó otro disco como solista “Broken China” (1996), y terminó relajándose con su yate de 65 pies en las Islas Vírgenes. Navegar era su "terapia y consigue liberar todas las presiones que uno siente en este negocio", indicó. Wright se unió a su ex compañeros de grupo, con la excepción de Barrett, por última vez en el Festival Live 8 de Hyde Park en 2005. Desde entonces se especuló continuamente que el grupo podría volverse a reunir para hacer una gira. Pero con la muerte de Wright acontecida el 15 de septiembre del 2008, se cerro un capitulo de enorme importancia en la historia de la música rock.

martes, 26 de agosto de 2008

Journey-Revelation (2008)

"Revelation", es él decimo tercer álbum de Journey y el primero con su nuevo vocalista Arnel Pineda, que en sustitución del anterior Steve Augeri, debutaba exitosamente complaciendo con su extraordinaria voz a los millones de fans de la banda. En esta nueva entrega la banda sigue sonando como es habitual en ellos, con la grandilocuencia y la enorme brillantez que han mostrado siempre desde sus inicios a mediados de los setenta. La juventud y frescura del nuevo cantante es sin duda un soplo de aire fresco para los ya veteranos integrantes de la banda; Neal Schon, Ross Valory, Jonathan Cain y Deen Castronovo. Desde la magnifica hard rock melódica "Never Walk Away", hasta la contundente "Change For The Better", pasando por las preciosistas medios tiempos "Like a Sunshower" y "After All These Years", constituyen un trabajo repleto de composiciones brillantes, confirmándolos como una de las más grandes bandas de la historia del rock.

sábado, 2 de agosto de 2008

Neil Diamond-Home Before Dark (2008)

La asociación que Johnny Cash y Rick Rubin dejo patente en grandes discos en la ultima etapa del hombre de negro, vuelve ahora pero esta vez junto a Neil Diamond. Si ya antes los exquisitos "American Recordings" del duo-Cash-Rubin, fueron todo un éxito de criticas y ventas, con estas nuevas entregas junto a Neil Diamond no se quedan atrás, hay que decir que ya habían colaborado juntos en el álbum "12 songs", ahora con este nuevo trabajo titulado "Home before dark", volvemos a escuchar al gran Diamond con canciones honestas, con una voz impresionante y con la maestría de un reputado productor como es Rubin.
Además en el álbum colaboran músicos del calibre de Mike Campbell y Benmont Tench de los Heartbreakers de Tom Petty.
En definitiva un disco que recupera a uno de los grandes músicos de la historia con un trabajo exquisito y con una producción sencilla y con talento.

miércoles, 2 de julio de 2008

Eric Clapton

Eric Clapton esta considerado uno de los mas extraordinarios guitarrista de la historia,
tenaz defensor y apasionado del blues, ha sido un personaje fundamental en la historia de la música rock durante las ultimas cinco décadas.
Nacido el 30 de marzo de 1945 en la localidad británica de Ripley, perteneciente al condado de Surrey, Eric Clapton creció con sus abuelos, quienes le regalaron su primera guitarra cuando cumplió catorce años, comenzando así su innata senda artística, devorando y emulando a sus ídolos del blues como Muddy Waters, Robert Johnson o B.B. King. Con su progreso instrumental, el adolescente Eric fue perdiendo interés en los estudios y tras dejar el Kingston College of Art, volcaría sus esfuerzos y aptitudes en la creación de su primera banda, llamada The Roosters, un grupo de R&B con el que dio sus primeros conciertos en los clubes londinenses. Posteriormente se uniría al grupo Casey Jones & The Engineers.
Su primera gran banda serian los Yardbirds, grupo al que se incorporo en 1963 para sustituir a Tony Topham. En esta influyente formación profundizaría en sus raíces blues y conseguiría una meteórica fama gracias a su depurada técnica guitarrística entre los aficionados al R&B y a la música negra que asistían al Crawdaddy Club. Sus seguidores le terminarían apodando "Slowhand" (Mano Lenta). El compromiso con los Yardbirds se romperÌa tras grabar el grupo el single escrito por Graham Gouldman "For your love", al no estar de acuerdo con el cambio de sonido efectuado por la banda, pues abandonaban las raíces blues a favor de posturas pop mas comerciales.
Para continuar desarrollando su dirección blues se unió a los Bluesbreakers de John Mayall, uno de los grandes artífices del blues británico. Ahora su nuevo apelativo vendría determinado por una popular pintada en una calle de Londres, realizada por un seguidor que expresaba "Clapton is God". Nacía de esta manera el dios británico de la guitarra. Tras participar en multitud de conciertos y en la grabación de un álbum con los Bluesbreakers, “Bluesbreakers With Eric Clapton” (1966), Eric dejo a Mayall para crear en 1966 el grupo Cream, su banda mas representativa e importante, pues asentó los cimientos del power trío con una espectacular fusión ente rock, blues y los sonidos psicodélicos. Los otros integrantes del trío eran el bajista Jack Bruce y el batería Ginger Baker, ex miembros de la Graham Bond Organisation que se convirtieron en los complementos ideales para que Cream se erigiese en una de las formaciones mas importantes y exitosas de su época, grabando imprescindibles álbumes como "Fresh Cream" (1966), "Disreali Gears" (1967) o "Wheels of Fire" (1968). Tristemente y debido a disputas personales, el trío se separaría en 1969 tras una triunfal y apoteósica gira de despedida.
Ese mismo año, Eric, Ginger Baker y dos importantes miembros del rock británico de todos los tiempos como Steve Winwood (Spencer Davis Group y Traffic) y Rick Grech (Family y Traffic) formaron el supergrupo Blind Faith, proyecto que no tuvo continuidad a pesar de grabar un fenomenal álbum de titulo homónimo “Blind Faith” (1969). En 1970 y harto de su talante de estrella, Clapton decidió formar parte como simple guitarrista de la Plastic Ono Band de John Lennon y colaborar con la pareja Delaney & Bonnie, quienes habían actuado como teloneros de Blind Faith. Con su ayuda, Eric publico su primer álbum en solitario titulado simplemente "Eric Clapton" (1970), con canciones co-escritas en su mayoría con Delaney Bramlett, desde unos cimientos R&B y elementos de rock'n'roll, pop y country.
Con los músicos que acompañaban a Delaney & Boney, Clapton formaría Derek & The Dominos, grupo que obtuvo un gran éxito con la composición "Layla", incluido en el álbum “Layla & Other Assorted Love Songs” (1970), un clásico que contó con la participación de Duane Allman, acompañando a Eric en la guitarra. Esta canción estaba dedicada a Pattie, la por entonces mujer de George Harrison de la que Eric se había enamorado mientras colaboraba con el ex Beatle en la grabación del álbum "All things Must Pass" (1970).
Por esa época comenzaría un largo calvario para el gran guitarrista, al ser atrapado por las drogas y su adicción a la heroína, que incluso le llevaría a vender parte de sus emblemáticas guitarras para la adquisición de la droga. Cuando se encontraba al borde de la muerte, surgieron muchos compañeros de profesión en apoyo de Clapton, especialmente el líder de los Who, Pete Townshend, que organizo en su ayuda el concierto Eric Clapton At The Rainbow. Un multitudinario concierto que contaría con la participación de Ronnie Wood, Ric Grech, Jim Capaldi, Steve Winwood o Rebop Kwaku Baah y que algún tiempo después seria lanzando como “Eric Clapton´s Rainbow Concert” (1973).
Posteriormente se internaría en la clínica Harley Street para desintoxicarse de su dependencia. Años después el propio Clapton fundaría un centro de desintoxicación para drogo-dependientes al que llamaría Crossroads.
En 1974 regresaría los estudios para grabar el estupendo "461 Ocean Boulevard" (1974), disco que presentaba la exitosa versión de Bob Marley "I Shot the Sheriff", la cual llegaría al numero uno en las listas de éxitos. A este álbum le seguirían "There's One in Every Crowd" (1975), "No Reason to Cry" (1976), “Slowhand” (1977) o “Backless” (1980).
Antes había participado en la despedida de The Band, documentado en el triple álbum y la película “The Last Waltz” (1978). La década de los ochenta comenzaría con la publicación del doble en directo “Just One Night”, grabado en el mítico Budokan de Tokio.
Un año después llegaría “Another Ticket”, con el que vuelve a obtener un gran éxito, mientras los siguientes “Behind The Sun” (1985), y “August” (1986), obtienen un moderado impacto, pero manteniendo su estatus de gran guitarrista.
Ya casi al final de la década llegaría su mejor álbum de los ochenta “Journeyman” (1989), logrando dos discos de platino por sus ventas.
La década de los noventa empezaría trágicamente para Eric Clapton, el 27 de agosto de 1990, y mientras realizaba una gira junto al guitarrista Stevie Ray Vaughan, el helicóptero que los traslada después de uno de los conciertos se estrella, falleciendo el propio Stevie y varios de sus técnicos. Casi un año después, volvería a suceder otro trágico acontecimiento, su hijo Connor, el cual contaba con cuatro años de edad se precipita desde el piso 53 del rascacielos donde residía junto a su madre en Manhattan, falleciendo al instante.
Algún tiempo después Eric Clapton compondría uno de sus temas mas melancólicos y sentidos en memoria de su hijo Connor titulado “Tears of Heaven”.
Este corte fue incluido en su álbum “Unplugged” (1992), con el cual consigue unas asombrosas ventas de mas de 25 millones de copias a nivel mundial.
Varios años después el guitarrista vuelve a la senda de sus raíces blues con el soberbio “From the cradle" (1994) y posteriormente con el notable "Riding with the king" (2000), un trabajo en el cual que contaría con la colaboración de uno de sus grandes ídolos de juventud como B.B.King.
Posteriormente publicaría el diverso "Pilgrim" (1998) en donde coqueteaba con el soul y volvía a conseguir un enorme éxito gracias a los hits "Changes the World" o "My Father's Eyes". Su ultimo lanzamiento seria "Reptile" (2001), un álbum que le mantenía con éxito en la cúspide del rock en el nuevo milenio.

sábado, 28 de junio de 2008

Brewer & Shipley-Weeds (1969)

Vinculados a la contracultura norteamericana de finales de los sesenta, Brewer and Shipley es uno de los dúos mas respetados del folk rock melódico. 
Con un estilo a semejanza de otro de los grandes dúos norteamericanos como los míticos Seals and Crofts, su música estaba impregnada de melodías atractivas muy reflexivas, con temas recurrentes sobre los derechos humanos, el sueño americano, o referencias a las drogas como queda patente en su polémica canción de 1970 "One Toke Over The Line".
En 1968 bajo el sello A&M Records, debutaron con el álbum "Down in L.A.", en el cual la discográfica puso a su disposición, una serie de talentosos músicos como Leon Russell, Jim Messina o Jim Gordon, entre otros destacados artistas de la escena musical californiana.
"Weeds" lanzado un año mas tarde tenia la particularidad de publicarse bajo un nuevo sello discográfico, Karma Sutra Records, con la colaboración de Mike Bloomfield o Nicky Hopkins.
En esta segunda entrega destacaban varias versiones en clave folk rock, como "All Along The Watchtower" de Bob Dylan o "Witchi-Tai-To" de Jim Pepper.
Sin embargo seria con su tercera entrega "Tarkio" (1970), cuando lograron su mejor obra, una colección de canciones enérgicas y vibrantes de folk rock como la mencionada "One Take Over the Line", o las logradísimas "Song From Platte River" y "Fifty States of Freedom", en donde relatan entre otros asuntos, la perdida de las libertades personales, todo ello interpretado de manera excelente con un gran trabajo vocal armonioso.
"Shake Off The Demon" (1971) y "Rural Space" (1972), fueron sus siguientes movimientos discográficos, en donde siguieron produciendo brillantes colecciones de folk rock pese a no aportar hits relevantes, pero si algunas meritorias versiones como "Rock Me On The Water" de Jackson Browne, o "Blues Highway", del guitarrista de la Electric Flag, Nick Gravenites.  
Con todos estos álbumes, Brewer and Shipley lograron situarse entre los grandes del folk rock estadounidense, justo cuando el estilo estaba en la cúspide de popularidad, creando una exquisita musicalidad, con unas refinadas melodías armoniosas, muy atractivas para el gran publico.

jueves, 19 de junio de 2008

King Crimson-In The Court Of The Crimson King (1969)

Aunque antes de la publicación de este álbum, hubieron otros que contenían elementos del genero progresivo, es este “In The Court Of The Crimson King”, el que esta considerado oficialmente el primer álbum del rock progresivo. 
En este primera encarnación del rey carmesí, aparecían además de su líder indiscutible Robert Fripp, los músicos Greg Lake, Ian McDonald, Michael Giles, Peter Sinfield, Mel Collins y Jakko Jakszyk.
Aquí KC mostraba momentos de calma que contrastaban con mucha agresividad, instantes oscuros y siniestros con elementos de jazz y vanguardismo, en un trabajo que sin duda definió el genero. Un disco perfecto de principio a fin, que pasa de momentos frenéticos y poderosos a sinfónicos y progresivos en cuestión de segundos, como demuestra la frenética y caótica “21st Century Schizoid Man (Mirrors)”, en donde la banda al completo transmite una sensación de enfado y frustración con multitud de cambios abruptos, todo ello con una instrumentación compleja e innovadora y al mismo tiempo muy brillante.
Este contrasta con bucólica “Talk To The Wind”, con un Greg Lake inconmensurable en la voz, un trabajo soberbio de McDonald con la flauta, y un sonido que en muchos momentos nos dejan un regusto jazzistico. La pesimista y oscura “Epitaph”, es la muestra de la mejor característica de KC, con los sonidos melancólicos de la guitarra y el mellotrón, en un desarrollo musical atmosférico y muy complejo. La jazzistica “Moonchild”, es una de las antesalas de lo que luego se denominaría el jazz rock y fusión, con un gran trabajo instrumental de la guitarra de Robert Fripp y del resto de la banda.
El álbum acaba con el corte homónimo que incluye las partes “The Return Of The Fire” y “Witch And The Dance Of The Puppets”, una pieza con una atmósfera medieval, unas letras increíblemente descriptivas y mostrando mucha complejidad instrumental, imaginación, un gran ritmo y belleza incontenida.
"In The Court of the Crimson King" sigue siendo la piedra angular del templo progresivo y, por tanto una de sus piezas fundamentales dejando el camino abierto para que otras bandas posteriores tuvieran aquí su principal libro de influencias.

miércoles, 18 de junio de 2008

Gary Glitter-Remember Me This Way (1974)

La historia de Gary Glitter esta marcada por ser un eterno segundón dentro del Glam Rock, y pese a que durante un corto periodo de tiempo rivalizo con coetáneos como T.Rex o Sweet, el nunca lograría el éxito masivo ni el reconocimiento de estos o otros artistas encuadrados dentro de ese genero musical ambiguo de disfraces y lentejuelas.
Gary Glitter se llamaba en realidad Paul Gadd y solía salir al escenario disfrazado de Elvis Presley, con unos trajes esperpénticos repletos de lentejuelas, demostrando con ello su poco sentido del ridículo y al mismo tiempo su gran sentido del humor.
Su época gloriosa apenas duraría varios años en donde algunos de sus singles tuvieron éxito en las listas británicas, sin embargo su mayor aportación fue “Remember Me This Way” su tercer álbum, que ante la sorpresa general se colaría hasta el numero cinco de las listas. Grabado en directo en el mítico Rainbow Theatre de Londres, contenía parte de sus éxitos que estaban incluidos en sus dos primeras obras, como las divertidas “I´m The Leader of The Gang”, “I Love You Love Me Love”, “Do You Wanna Touch Me (Oh Yeah)”, o “Hello! Hello! I´m Black Again”.

miércoles, 11 de junio de 2008

Eric Martin

Eric Martín comenzó su carrera al final de los 70 en una banda de San Francisco llamada 415. Con ella teloneo a gente como Billy Squire, Hall & Oats, Journey, ZZ Top o Foreigner entre otros. La banda firmó por el sello Elektra, para grabar “Sucker for a pretty face” que fue lanzado con el nombre de Eric Martin Band en la que entre otros músicos estaba Troy Luccketta que posteriormente perteneció a Tesla, después de una exitosa gira como teloneros de ZZ TOP en 1985 con el “Afterburner Tour”, la banda se separa. Ese mismo año Eric saca su primer disco en solitario “Eric Martin”, con colaboraciones de lujo como Steve Lukater de Toto o Randy Jackson, muy conocido por haber participado con Journey o Bon Jovi entre otros. Sigue escribiendo y colaborando para músicos como Michael Bolton y en el año 1987 ve la luz un nuevo disco en solitario llamado “I’m only fooling Myself”, su mejor obra. En el periodo 1988-1989 Eric se asocia con Billy Sheehan, Pat Torpey y Paul Gilbert para formar Mr. Big. Pronto se convierte en una de las bandas más frescas del hard rock de la época que a pesar de estar llena de virtuosos talentos desarrollaron canciones accesibles a todos los públicos, basándose en un rock enérgico, alegre y con cadencia. Con dicha formación graban 4 discos de estudio- "Mr. Big", "Lean Into It", "Bump Ahead" y "Hey Man", consiguiendo su mayor éxito con el hit “To be With You” escrito por el propio Martín. En 1998 ve la luz su tercer disco en solitario, “Somewhere in the Middle”, este álbum tuvo muy buena aceptación en Europa y, sobre todo, en Asia, donde Martin tiene una amplísima legión de seguidores. Al año siguiente Mr. Big, con Richie Kotzen a la guitarra como sustituto de Paul Gilbert, lanzan “Get Over It y posteriormente, en el 2001, lo que seria su último lanzamiento discográfico hasta la fecha “Actual Size”, un disco que los llevó a una exitosa gira entre 2001 y 2002 llamada “Farewell Tour”. Después de 6 álbumes de estudio, numerosos singles, 6 discos en vivo y varios DVD´s publicados, la banda se separa, dejando más de siete millones de discos vendidos. A finales de 2002, Eric publica su cuarto disco solista “I’m Goin’ Sane” con el que se gana la aprobación de críticos y fans y con el que se lanza en una gira por Japón con notable éxito. Al año siguiente el EP “Pure”, en donde repasa varios de sus clásicos en acústico, le da la posibilidad de girar por 23 ciudades de los Estados Unidos. En 2004 “Destroy All Monsters” es editado en Europa, Japón y más tarde en los Estados Unidos, según Eric este es un disco de “Pop Rock distorsionado”, donde se mezclan canciones easy listening con temas rockeros que aderezados con la bluesy voz del cantante generando ambientes muy agradables, donde los ritmos y las melodías mandan. A finales de 2004 Eric Martín se embarca en un interesante proyecto con la super estrella nipona Tak Matsumoto, guitarrista de la mítica banda B´z que ha vendido más de 80 millones discos, junto a Jack Blades (Night Ranger, Damn Yankees ) en el bajo y Chris Frasier (Steve Vai/Edgar Winter/Eddie Money) en la batería para crear una banda de rock duro, rítmico y directo llamada Tak Matsumoto Group. Hoy en día Eric Martin sigue activo y dando conciertos en los Estados Unidos, Japón, Sudamérica y Europa acompañado de una banda de lujo, compuesta por Fabio Cerrone (Virtual Dream, Twin Dragons y Tony Martin band.- ex Black Sabbath - ), y Don Roxx (Uli Jon Roth). 

domingo, 8 de junio de 2008

This Is Rock

Entre el contenido de este mes de This Is Rock, destaca el extenso reportaje que realizan sobre la formación Mark III de Deep Purple una época en la cual Ian Paice Jon Lord y Ritchie Blackmore, se las vieron y se las desearon para sustituir a Ian Gillan y Roger Glover y que el grupo siguiera en primera línea del hard rock mundial. Sus sustitutos fueron finalmente David Coverdale y Glenn Hughes y se superaron todas las expectativas. También en otro interesante reportaje, Rob Halford y K.K. Downing hablan del nuevo y esperadísimo álbum de Judas Priest, Nostradamus. Además en un extenso reportaje, se incluye un informe sobre algunos de los grupos que iniciaron un nuevo estilo musical que dominaría las emisoras de FM de medio planeta y que se denominó AOR (Adult Oriented Rock), donde bandas como Boston, Journey, REO Speedwagon, Foreigner, Toto, Styx, Chicago, Toto o Kansas, fueron los reyes del rock durante varias décadas. Ademas encontraremos noticias sobre Jethro Tull, Scorpions, Jimi Hendrix, Scott Weiland, Tesla, Billy Idol, Whitesnake, Bruce Springsteen, David Gilmour, U2, Alice Cooper, Joe Satriani, Paul Gilbert, Billy Sheehan, Stone Gods. En las secciones habituales de la revista: That’s 70s: Tapiman. Replay: Fifth Angel (Time Will Tell 1989). Discos: Sir Lord Baltimore: Kingdom Kome (1970). Pat Travers Band: Crash And Burn (1980) Libros: The New Wave Of British Heavy Metal. Pioneros: Dion. The Essential: Barclay James Harvest. Record Collector: The Shadows Parte 2. Otras entrevistas: Ice Dale (Audrey Horne), Voodoo Six, Cobra, Simon Says, Even, Enochian Theory, Soulbreaker Company, Brother Firetribe, Ted Nugent, King’s X, Triumph En la seccion de nuevos discos: Judas Priest, Glenn Hughes, Iron Maiden, Nick Cave, Jonny Kaplan, Michael Kiske, Kossoff, Uriah Heep, Tygers Of Pantang, In Extremo, Even, No-Man, Sweet Little Sister, American Dog, Opeth, Jack Bruce, In Flames, Stone Circus, Kip Winger, Dennis Wilson, Phil Lynnott Grand Slam, Michael Borman, Circus A.D., X-World, The Mission, Wonderfools, Expedition Delta, Black Halos, Tigertailz, Asha, Soul Secret, King’s X, Communic, Moonspell, Neverland, Hellacopters, Egg, Detroit Cobras, Spectrum, Magenta, Headhunter, Khan, Everon, Ramoncín, Terror, Ghost Circus y Mellow Candle. En la criticas a nuevos DVD’s: Deep Purple, Jethro Tull, Kreator y Blackmore’s Night. Y por ultimo en crónicas de conciertos : Down, Asia y The Rock Band Revival. 

jueves, 5 de junio de 2008

Bo Diddley

Bo Diddley fue un único e irrepetible musico considerado toda una leyenda de la música rock. Muy pocas veces un músico ha merecido tanto un calificativo de tal envergadura en el mundo del rock’n’roll como este cantante y guitarrista nacido en Mississippi, que apenas alcanzó la repercusión de otros compañeros de época, y que ha muerto a la edad de 79 años en su residencia de Florida a consecuencia de un fallo cardíaco, el segundo en pocos meses. Él fue un auténtico pionero. Inventó su propio nombre, se inventó su guitarra pero sobre todo inventó un sonido, el que ayudó a definir el rock’n’roll, tal y como hoy lo conocemos, el mismo que llena ahora la imaginería popular de eternos sueños adolescentes y desinhibidos, y el mismo que sacó a bailar a negros y blancos, mujeres y hombres, a un espacio compartido por primera vez en la historia del siglo XX. Bo Diddley realmente se llamaba Elias Mac Daniels pero pronto en la escuela decidió tener su propio nombre artístico, que tomó de una guitarra de origen africano. Los sonidos de ese continente más el propio devenir urbano en EE UU serían los que marcarían su vida. En Chicago, una de las mecas del blues, Diddley empezó tocando en esquinas y garitos de poca monta, pero sin éxito. Lo suyo no era el blues de primera generación. Tampoco lo clásico. Excéntrico e independiente, se hizo fabricar una guitarra rectangular que terminó convirtiéndose en todo un símbolo. Lo que este guitarrista versátil ofrecía era algo distinto, único e imperecedero, que él mismo llamó jungle sound (sonido de la jungla), y aprendido según sus palabras de tocar el violín de chaval con unos dedos demasiado grandes. Una especie de latido eléctrico, que liberaba el cuerpo y la mente con la misma fuerza. Insistentes fraseos y poderosas distorsiones acompañados de un verbo escurridizo y provocador, que dejaba con las faldas en la cabeza a la sociedad puritana de Estados Unidos, mientras los jóvenes de medio país, ellos y ellas, rompían el molde y desgastaban las suelas de sus zapatos con la misma emoción inocente con la que pedían su sitio en los nuevos tiempos. Temas como "Bo Diddley", "Hey Good Looking", "Mona" o "I'm a Man" rebosaban de ese espíritu. Sin embargo, este rhythm and blues primigenio y exuberante alcanzó aún más repercusión entre los suyos. Al poco de sacar sus primeros sencillos, Bo Diddley se convirtió en referencia absoluta de todo lo que estaba por venir. La rebelión juvenil que protagonizó Elvis Presley y el resto de alumnos de la clase del 55 contó con sus ritmos de la selva. Chuck Berry colaboró con él más que con ninguno y Buddy Holly interpretó sus canciones para llevarlas a un mercado más amplio. Poco después la conocida British Invasion (Invasión Británica), que revolvió con más ímpetu si cabe las cosas en los sesenta, escribió su nombre con letras mayúsculas. Los Rolling Stones le adoraban, los Animals le dedicaron una de sus mejores composiciones y el autobús mágico de los Who llevaba su gasolina. La estela no se apagó con el tiempo. Eric Clapton, tan receptivo a las buenas influencias, hizo por sonar como él en los Yardbirds y en solitario. Bruce Springsteen también le rindió tributo en su obra maestra, “Born To Run”, al incluir la canción “She’s the one”, que se ha convertido en una de las mejores interpretaciones en directo del músico que más corazones arrebata sobre un escenario. Los Pretenders hicieron lo propio con “Cuban Slide”. Incluso el punk se rindió a la sacudida de sus riffs. La mejor banda de aquel movimiento, The Clash, giró con él por EE UU en 1979. Más tarde llegó el nuevo rock norteamericano y grupos del underground como Long Ryders recuperaron sus sonidos. Una lista interminable. Su ritmo sincopado y vicioso ha sido posiblemente el más copiado de la historia del rock. Y seguirá así hasta que exista alguien con ganas agarrar una guitarra y producir sonidos excitantes, que celebren sin reservas la liberación individual y colectiva. El rock’n’roll siempre estará en deuda con Bo Diddley.

sábado, 31 de mayo de 2008

Uriah Heep



La historia de Uriah Heep comienza a finales del año 1969 y tardarán en encontrar su formación ideal en los primeros años de su carrera. El núcleo de la banda lo forman inicialmente el cantante David Byron y el guitarra Mick Box que inicialmente se llaman The Spice, posteriormente y con la entrada del bajista Paul Newton y el teclista, Ken Hensley pasan a denominarse como Uriah Heep. La búsqueda de un batería hará que por este puesto pasen varios nombres en esta epoca; el primer álbum, “…Very ‘eavy …very ‘umble” (70), lo graban con Ollie Olsson como batería, aunque también interviene Alex Napier. El segundo LP, “Salisbury”, que cuenta con un tema de más de 16 minutos respaldado por una sección orquestal, es el primer éxito del grupo; sin embargo, la agresiva contundencia del primer álbum se pierde en aras de una mayor brillantez musical, no exenta de sofisticación, y aunque su sonido es hard-rock, muchos en la época los catalogan como hard-progresivo. En “Salisbury”, el batería es Keith Baker, que será miembro fijo por poco tiempo.
En 1971, el álbum “Look at yourself” introduce a Uriah Heep en Estados Unidos con unas ventas bastantes buenas. El LP no tiene un batería fijo y el grupo parece formado por los 4 miembros fundadores. Este año, Paul Newton les deja y es reemplazado por Mark Clarke, que proviene de Colosseum, pero tampoco cuajará. Ian Clarke es batería durante otro breve período. Finalmente, Byron, Box y Hensley encuentran a los dos hombres clave de la mejor etapa del grupo: Lee Kerslake (batería) y Gary Thain (bajo). Con esta formación se suceden los álbumes de mayor éxito, que colocan a Uriah Heep entre las bandas favoritas de la primera mitad de los años 70: “Demons and wizards” (72), “The Magician´s birthday” (72), el doble álbum grabado en vivo “Live” (73), “Sweet freedom” (73) y “Wonderworld” (74), los que les lleva a competir con otras bandas del mismo genero como Deep Purple, Black Sabbath o Nazareth. Esta excelente y continua línea de grabaciones se amplia con los álbumes de Ken Hensley en solitario: “Proud words on a dusty shelf” (73) y “Eager to please” (75).También Byron editara en 1976 un álbum “Take no prisioners”.
En 1974, Gary Thain estuvo a punto de morir en Dallas a causa de una descarga eléctrica mientras actuaba bajo una copiosa lluvia.
A raíz del accidente surgen divergencias entre el y el resto del grupo, que finalmente le despiden a comienzos de 1975.
El sustituto de Thain fue John Wetton, ex-bajista de Family, King Crimson y Roxy Music.
Curiosamente Thian moriría poco después a causa de las drogas, concretamente el 19 de marzo de 1976.
Los nuevos Uriah Heep debutan con el álbum “Return to fantasy” (75), que mantuvo la cohesión de las ultimas grabaciones; pero, poco después justo cuando se edita el recopilatorio “The Best of...”(75) la banda entra en declive con el álbum “High and Mighty” (76).
Tras ese álbum, Wetton y Byron dejan el grupo. Ambos seguirían por su cuenta con desigual carrera. Trevor Bolder y John Lawton serán los encargados de sustituirles.
Esta nueva formación editara tres álbumes de mediocre factura; “Firefly” (77), “Innocent victim” (77) y “Fallen angel” (78).
En 1980 la banda vuelve con John Sloman y Chris Slade para editar el álbum “Conquest” que sigue la tónica de sus últimos trabajos, posteriormente el álbum “Abominog” (80) les devuelve a la actualidad, aunque su sonido dista bastante de sus primeros álbumes, este será mas enfocado al rock mainstream, pero consigue buenas criticas y unas aceptables ventas.
En lo sucesivo irán apareciendo nuevos trabajos de la banda, la mayoría de ellos alejados de los de su mejor época; “Head First” (83), “Equator” (85), “Raging Silence” (89) o “Sea of Light” (95)... con continuos cambios de formación, manteniéndose Mick Box como el único superviviente de la formación original.

miércoles, 28 de mayo de 2008

Bob James & Earl Klugh-One On One (1979)

La primera colaboración entre el teclista y compositor de jazz Bob James y el experimentado guitarrista de jazz Earl Klugh, trajo consigo uno de los mejores trabajos del genero del jazz fusión, el cual fue galardonado con un Grammy y un numero uno absoluto en las listas del Billboard Jazz Álbums.
Ambos músicos ya tenían tras de si una amplísima experiencia que los había llevado a consolidar unas carreras muy respetadas.
Bob James había debutado en los sesenta lanzando una serie de discos en solitario, sin embargo no seria hasta mediados de los setenta y ochenta cuando llegarían sus obras mas aclamadas como "One" (1974), "Two" (1975), "Heads" (1977) o "Double Vision", este ultimo junto a David Sanborn y elegido el mejor álbum de jazz en los Grammy de 1986. Por su parte, Earl Klugh comenzaría su larga carrera profesional en 1976, publicando a partir de ese año álbumes enfocados a los sonidos del jazz ligero, con una veintena de discos publicados hasta la actualidad, casi siempre interpretados con la guitarra acústica de cuerdas de nylon.
Álbumes como "Dream Come True" (1980), "Nightsongs" (1985), "Whispers and Promises" (1989) o "Naked Guitar" (2005), fueron igualmente nominados a los mejores registros de jazz en los premios Grammy.
En esta primera entrega titulada "One On One", el dúo muestra un estilo cercano a los sonidos del jazz-pop, con un repertorio cargado de exquisitas composiciones melódicas y sedosas e irresistibles piezas perfectas para las easy listening.



viernes, 23 de mayo de 2008

A.B. Skhy-A.B. Skhy (1969)

A.B. Skhy son un claro exponente del brass rock de finales de los sesenta, que siguiendo la estela de bandas coetáneas como Blood, Sweat and Tears o Chicago Transit Authority, lograron publicar dos interesantes álbumes muy apreciados por los fanáticos al jazz rock de la época.
Originalmente conocidos como The New Blues, fue fundada en 1968 en Milwaukee, Wisconsin, por el teclista Howard Wales, quien ya tenia una amplia experiencia a sus espaldas colaborando con artistas como Freddie King o James Brown.
Además de Howard, el resto de la banda estaba formada por el guitarrista Dennis Geyer, el bajo Jim Marcotte, y el baterista Terry Anderson, asimismo también participaban los músicos adicionales Russell Dashiell (guitarra), Otis Hale (flauta), Jim Liban (harmónica), Phillip Pruden (saxo tenor), Jim Horn (saxo), los trompetistas Marvin Brown, Larron Holt y Bud Brisbois, y los trombonistas David Thomas Roberts y Donald Waldrop. A principios de 1969, esta numerosa banda se traslado a San Francisco donde obtuvieron un gran prestigio actuando en diferentes conciertos a lo largo y ancho de la ciudad, un hecho que les reportaría fichar con el sello MGM Records.
Poco después y bajo la producción de Richard Delvy publicaron su álbum debut a mediados del mismo año. Gracias al hit "Camel Back", alcanzarían entrar en las listas del Billboard y les animaría a publicar un segundo álbum, que fue lanzado a principios de 1970, con el titulo de "Ramblin´ On".
En ambos discos, A.B. Skhy muestran un vigoroso estilo de blues rock con grandes influencias jazz, que se reflejan en las estructuras instrumentales, sobresaliendo la enérgica sección de vientos combinado con el poderoso grupo de rock.
Cortes como la blues "Understand", el pseudo jazz "Of All Sad Words", o la versión en clave jazz rock del blues de B.B. King, "You Upset Me Baby", avalaban la enorme calidad instrumental del álbum y la de esta estupenda y olvidada banda norteamericana.

viernes, 16 de mayo de 2008

Elvis Costello-Momofuku (2008)

En el año 2008 Elvis Costello decidió que su ultimo trabajo no fuera editado en cd. Costello honraba así con este lanzamiento al vinilo, puesto que este nuevo album titulado "Momofuku" sólo se publico en ese formato. En un corte de mangas a la industria, que dificultó cuanto pudo la distribución en vinilo para que le sustituyese el cd (y poder ganar así más dinero por cada copia vendida), Costello incluiría en la carpeta del disco un código para descargar este nuevo trabajo en versión digital.
Mientras tanto la Universal reeditaba todo el fondo de su catálogo en cd bajo la supervisión del propio Costello y convirtiendo esta historia en una clara contradicción.
"Momofuku" muestra un trabajo de g
randes melodías, elaboradas y ejecutadas por una serie de músicos expertos como Steve Nieve (piano y órgano), Pete Thomas (batería) o Davey Faragher (bajo).
Canciones extrovertidas y reflexivas como "No Hiding Place", "American Gangster Time", "Stella Hurt", "Harry Worth" o sencillas baladas con un trasfondo conmovedor como "Flutter and Wow" y "My Three Sons" convierten a este vigésimo album de Elvis Costello en otro de sus destacados registros.

martes, 13 de mayo de 2008

Three Dog Night-Around the World with Three Dog Night (1973)

Pese a que su género musical no sea precisamente el más destacado dentro de la música rock, Three Dog Night llegaron a triunfar masivamente gracias a la manera que tenían de interpretar una música cuya valía y talento superaron en mucho a cientos de solitas únicos de otros tantos grupos en la década de los sesenta y setenta.
Ellos eran el atípico grupo multirracial con tres vocalistas solistas que llegaron a los máximos honores discográficos con mas de una treintena de hits en las listas, muchos de ellos versiones de otros artistas.
Ellos son Danny Hutton, Cory Wells y Chuck Negron. El estilo nacido de la unión de estos tres cantantes habría que calificarlo como de "estilo vocal", pero al hacerlo nos vendría a la mente formaciones como Crosby, Stills and Nash y otros famosos grupos de grandes armonías vocales.
Sin embargo Three Dog Night a diferencia de todos ellos, tienen en las voces de sus tres solistas, la parte fundamental de su arrollador triunfo, gracias a unas elaboradas voces que interpretan desde rhythm and blues, hasta rock mainstream, pasando por el pop, el funk o el soul, combinando sabiamente lo comercial con la clase y el refinamiento musical.
No obstante el sonido del grupo estaba respaldado por otros cuatro excelentes instrumentistas que figuran junto a los tres lideres, empezando por el guitarrista Mike Allsup, el bajista Joe Schermie, el baterista Floyd Sneed y el teclista Jimmy Greenspoon. En 1971 Three Dog Night logro permanecer durante varios meses en el n1º de las listas de medio mundo gracias a su impactante "Joy To The World", y ello daría el que fuera elegida como la canción del año, no solo en Estados Unidos, sino también en medio centenar de países alrededor del mundo.
Esa canción, junto a otras y sus álbumes "It Ain´t Easy" (1970), "Golden Bisquits" (1971), "Naturally" (1970), "Harmony" (1971), "Seven Separate Fools" (1972) o el espectacular directo "Around The World With Three Dog Night" (1973), es el resultado de una trayectoria magistral, con todos sus discos en la cima de los charts y convirtiéndolos en una de las mejores formaciones vocales que han existido jamás.

viernes, 9 de mayo de 2008

This Is Rock

La edición de mayo de This Is Rock, incluye información de Kiss, Jethro Tull, The Mission, Def Leppard, Steve Winwood, David Coverdale, Ace Frehley, Robin Trower y Steve Stevens, entre otros artistas.
Incluyendo portada de Paul Stanley y Gene Simmons, This Is Rock centra parte de su contenido en un amplio reportaje sobre Kiss, en el que se incluyen las crónicas desde Australia del inicio de su gira, entrevistas con todos y cada uno de los actuales componentes del grupo Paul, Gene, Eric Singer y el más recién incorporado, el guitarrista Tommy Thayer. Y por si no fuera suficiente, se adjuntan los conciertos que el ex del grupo, Ace Frehley, realizó en Inglaterra.
Por otra parte, This Is Rock, realiza un artículo recordando la publicación, en 1972, de This As A Brick, el exitoso y clásico álbum donde el grupo británico Jethro Tull, liderado por Ian Anderson, exponía nuevas formas de expresión dentro del rock progresivo. Además, se incluye un reportaje en exclusiva de la gira de despedida de The Mission, tras 22 años de actividad. La revista compartió con el grupo las última 48 horas, con presencia en ensayos, conciertos y fiestas.
RESTO DEL CONTENIDO
NOTICIAS: AC/DC; Jack Bruce, Led Zeppelin, Rogers Waters, Journey, Metallica, Neil Young, Tom Petty, Timo Tolkki, Candlemass, Dokken, Chris Cornell, Warrior.
SECCIONES: That`s 70: Atila, Blue Oyster Cult. Bootleg: Guns’n’Roses. Replay: M.A.R.S. Libros: Bruce Springsteen. Pioneros: Jimmy Reed. The Essential: Heart. Record Collector: The Shadows (p.1)
ENTREVISTAS: Nathan Beale (Dirty Sweet), Lilith, Tiles, Mistress Of Reality, Ratt, Royal Hunt, Def Leppard, Whitesnake, Steve Winwood, Robin Trower, Threshold, Steve Stevens,
CRITICAS: Led Zeppelin, The Song Remains The Same (reedición); Rolling Stone, Howlin Rain, Big Linda, Black Tide, The Move, Def Leppard, Dead Meadow, Paul Gilbert, Raconteurs, Ian Gillan, Stone Lake, Dokken, Demians, Whitesnake, Lagartija Nick, Caputo, Asia, Steve Windoow, Benedictum, Rain, Graal, Opeth, Bedemon, Uzzuhaia, Family, Entombed, Vortico, Mandu, Lionheart, Lynyrd Skynyrd, Sex Museum, Spirit, East Of Eden, Egg, Eric Sardinas, The P.L.O.T., Gun Barrel, Tiamant, Kiuas, Doctor Hell, Ancient Grease, Power World, Ascension Of The Watchers.
CONCIERTOS: Nightwish (Barcelona), The Poodles (Bilbao), Barricada (Donostia), Teenage Fanclub (Valencia), Noche de guitarras (Navarra)

jueves, 8 de mayo de 2008

Pink Floyd-Delicate Sound of Thunder (1988)

Después del álbum "A Momentary Lapse of Reason" (1987), Pink Floyd realizarían una gira mundial inmortalizada en el doble en directo "Delicate Sound of Thunder", que seria lanzado a finales de 1988.
En este doble directo vemos la perfecta maquina engrasada de Pink Floyd funcionando en todo su esplendor, con David Gilmour, Nick Mason y Richard Wright en una gran forma, apoyados por una sensacional banda compuesta por Gary Willis (percusión), Guy Pratt (bajo), John Carin (teclados), Scott Page (saxofón), Tim Renwick (guitarra), mas el añadido de las coristas Reachel Fury, Durga McBroom y Margaret Taylor.
El espectáculo de luces psicodélicas, el sonido Holofónico y las diferentes intervenciones escénicas, fueron junto a la música lo más impresionante de ese fascinante tour.
En el primer disco se incluyen canciones extraídas del mencionado "A Momentary Lapse of Reason", sobresaliendo por encima de todas la marcial "Dogs of War", la melódica "On The Turning Away" y la sobrecogedora "Sorrow".
Mientras que en el segundo disco la banda interpreta algunos de sus clásicos como "One of These of Days", "Time", "Money", "Wish You Were Here", "Another Brick in The Wall", "Run Like Hell" o la apoteósica “Comfortably Numb".
Este álbum es, pese a la ausencia de Roger Waters, un emblemático directo, un documento histórico (recordemos que Pink Floyd nunca antes habían lanzado un álbum en vivo hasta la llegada de este), y sobre todo una perfecta muestra de cómo eran sus incomparables actuaciones en vivo.

jueves, 1 de mayo de 2008

Carl Verheyen

Carl William Verheyen (nacido en 1954), es un guitarrista estadounidense, conocido por su trabajo en Supertramp y también por su faceta de guitarrista de sesión en múltiples proyectos y álbumes para otros artistas, ademas es profesor adjunto de guitarra de jazz en la Escuela de Música Thornton de la Universidad del Sur de California.
Su intrigante alquímica musical de blues, fusión y rock orientado a los adultos, que varía de una melodía a otra en cuanto a qué géneros se refiere, es una de sus grandes características, manteniéndose siempre en la vanguardia musical. 
Su primer álbum en solitario se tituló “No Borders”, al que le siguieron “Garage Sale” y “Slang Justice” de 1998, en el cual fue la primera vez que realizó una gira para apoyar uno de sus discos. Sus compañeros de gira incluyeron al bajista Cliff Hugo, y los baterías Chad Wackerman, Steve DiStanislao y Bernie Dresel. “Slingsho”, lanzado en 1998, incluía al baterista Gregg Bissonette y la leyenda de los teclados Jim Cox. Verheyen continuó tocando como intérprete de sesión en los discos de otros artistas, como los Bee Gees y Cher, así como para bandas sonoras de películas como “The Crow” y “The Usual Suspects”. En enero de 2000, lanzó el álbum “Atlas Overload”, seguido en 2001 por un disco de guitarra solista titulado “Solo Guitar Improvisations”.
También en el 2001, Verheyen lanzó un trabajo en colaboración con otros artistas titulado “Reel to Real”, con Karl Ratzer, un guitarrista de jazz austriaco. Grabado en dos días, consistió en “jams” extendidos e intercambios musicales interactivos entre los dos guitarristas y una sección rítmica conjunta. Poco después, lanzó una colección de versiones titulada “Six”, con una estupenda versión de "Yes It Is" de Lennon-McCartney. Posteriormente realizó una extensa gira tocando en numerosos países en el transcurso de dos años.
Verheyen es autor de varios libros instructivos de la guitarra, entre ellos “Improvising Without Scales”, así como “Studio City”, una colección de artículos escritos para la revista “Guitar for the Practicing Musician” entre 1996 y 1999. En 1996 Carl ganó la categoría de Mejor Guitarrista de los “LA Music Awards”.
Además de todo ello, Verheyen ha producido varios DVD´s instructivos y lecciones en línea por internet. Ha producido una combinación de libros y CD´s que perfila su estilo "interválico" llamado “Improvisando sin escalas”; así como un libro titulado “Studio City”, una recopilación de todo lo publicado y escrito para “Guitar Magazine” entre 1996 y 1999. Actualmente escribe una columna mensual para “Chitarre”, una publicación italiana de guitarras.

martes, 22 de abril de 2008

Def Leppard-Hysteria (1987)

Después del éxito abrumador que supuso el tercer álbum de Def Leppard, “Pyromania”, con un repertorio cargado de heavy metal comercial con acercamientos al pop y que lograría unas fastuosas ventas que hoy en día superan con creces los 25 millones de copias, la banda se enfrentaba al dilema casi imposible de superarlo con un nuevo trabajo.
Cuatro años después llegaba “Hysteria”, con el cual no solo lo superaría en el plano comercial logrando unas ventas aún muy superiores, sino que creativamente significaría su trabajo mas glorioso.
Al mismo tiempo seria su álbum mas polémico, al ser acusado de sobreproducción por parte del ingeniero de sonido Mutt Lange, hecho este que sin embargo no lastra en absoluto un trabajo tan soberbio y magnifico como este.
Habría que matizar un dato crucial para entender esta nueva entrega, y es que tres años antes había ocurrido un hecho significativo y que marcaría el futuro de la banda, su batería Rick Allen perdería uno de sus brazos en un fatídico accidente automovilístico. Llegados a este punto el resto de la banda decidiría seguir contando con su compañero al frente de las baquetas, que después de una larguísima recuperación y a pesar de su discapacidad volvería a ejercitar como el baterista del grupo utilizando una combinación de batería acústica y electrónica que manejaba con pedales con un mecanismo sofisticado fabricado expresamente a su medida.
Musicalmente el álbum muestra la impronta melodía pop fusionada con los contundentes sonidos del heavy metal bien representados en las gloriosas “Rocked”, “Animal”, “Put Some Sugar On Me”, “Women” o “Armageddon”, sublimes e intensas baladas como “Love Bites” e “Hysteria” o potentes y adictivos cortes como “Excitable” y “Don´t Shoot Shotgun”.


sábado, 12 de abril de 2008

This Is Rock

Este mes la revista This Is Rock, ( la nº 46 ) incluye un artículo donde hace un repaso al mitico The Dark Side Of The Moon, la opera prima de Pink Floyd y uno de los álbumes mas fundamentales de la historia del rock. Se incluye una entrevista con Roger Waters. Tambien hay un extenso articulo sobre la legendaria banda de rock sinfónico Camel, centrándose en la mejor epoca del grupo; 1973-1981. Ademas se incluye un artículo en el que se habla del álbum que cambió la historia de los texanos ZZ Top, el fabuloso Eliminator. Y, entre las entrevistas, destacan las realizadas a Jon Lord, el mítico teclista de Deep Purple; Dan McCafferty, la carismática voz de Nazareth, y Dave Davies, toda una leyenda en la historia de la música junto a su hermano Ray, en los Kinks.

Ademas de otras noticias relacionadas con Buddy Miles, adiós a una leyenda; Jimi Hendrix, Rush, Michael Schenker Group. Alice Cooper, The Quireboys, Brian Robertson, Alcatraz, The Outlaws, Harem Scarem, The Clash, Robert Plant, Big Noize, Trivium, Stackbridge, Anubis, Opeth, Hinder, Rick Derringer, Kansas, REO Speedwagon, Whitesnake, Steve Winwood.

En las las secciones habituales de la revista: That’s 70s: Canarios, Rose Tattoo. Bootleg: Led Zeppelin (Storm London). Replay: Chequered Past. Libros: The Who, en vivo y en directo. Pioneros: Jerry Lee Lewis. The Essential Collectors : Whitesnake. Record Collector: The Dave Clark Five.

En otras interesantes entrevistas: Axel Rudi Pell, Work Of Art, Asfalto, Death Angel, Devil’s Dandruff, RPWL, Steve Lukather, Firewind, Andre Matos, The Punishers, Doogie White, Collective Soul, Dream Theater.

Criticas de nuevos lanzamientos: The Black Crowes, Jack Bruce & Robin Trower, Firewind, Dream Theater, The Doors, Heart, Barricada, Asfalto, Year Long Disaster, Charlie Daniels Band, Atomic Rooster, Harem Scarem, White Lion, Heaven, Virgin Steele, Bonfire, Tempest, Karelia, House Of Lords, Nazareth, Las Culebras, Warrel Dane, Orne, Rattlesnake Remedy, Sahg, Voodoo Six, Testament, Muse, Behemoth, Dominici, Royal Hunt, Deliverance, Mercenary, Marty Friedman, Alliance, Caamora, Porcupine Tree, Marcus, Pentagram… DVD’s: Manowar, Volbeat, Terrorvision, Sutagar.

Y en cronicas de conciertos a: Magadeth. Magna Carta. The Australian Pink Floyd Show. Fairport Convention. Symphony X. The Mars Volta.


sábado, 29 de marzo de 2008

Blue Oyster Cult-Spectres (1977)

Después de su aclamado "Agents Of Fortune", álbum con el cual la Blue Oyster Cult logró el éxito comercial debido a una serie de atractivas canciones como la irresistible "Don´t Fear The Reaper", el quinteto neoyorquino repetiría los mismos esquemas de hard rock melódico con su sexto lanzamiento "Spectres", publicado a finales de 1977.
Aquí incluso llegan a lograr componer un puñado de canciones cercanas al heavy pop como la encantadora "Fireworks", la refinada "Golden Age Of Leathers" o la grandilocuente "Celestial The Queen".
Por otro lado los sonidos del hard rock siguen presentes en la melódica "Godzilla", la rítmica "Searchin´For Celine" y en la AOR "Goin´Through The Motions", sin olvidarnos de las sublimes "Death Valley Nights" y "I Love The Night"
Siguiendo la estela de los anteriores discos de la banda, este "Spectres" lograría encaramarse en los puestos altos de las listas del Billboard, logrando un disco de oro y obteniendo el fervor del publico norteamericano y británico y de paso consolidándose como una de las grandes formaciones del hard rock de finales de los setenta.