martes, 31 de mayo de 2022

Black Widow-Sacrifice (1970)

A menudo comparados con Black Sabbath debido a su nombre y sus letras satánicas en su primer álbum, Black Widow había lanzado un disco bajo el nombre de Pesky Gee en 1969 antes de cambiar su nombre. Sin embargo esa comparación fue bastante injusta, porque su estilo a diferencia de los lúgubres y tenebrosos sonidos de la banda lidera por Tony Iommi y Ozzy Osbourne, era mas bulliciosa, alegre y con elementos proto-progresivos, aunque con unas letras ciertamente endemoniadas. Esa tendencia cambiaria en sus próximos dos álbumes, los cuales no irán en esa dirección, ya que su estilo se mantendrá dentro de los límites del hard rock y el progresivo mas convencional.
Originarios de Leicester al este de Inglaterra, esta banda fue fundada por el vocalista Kip Trevor, el guitarrista Jim Gannon y el teclista Zoot Taylor, cerrando la formación el baterista Clive Box, el bajista Bon Bond y el flautista y saxofonista Clive Jones.
Ya con el anterior grupo Pesky Gee habían llamado la atención considerablemente por sus satánicos conciertos en donde simulaban sacrificar a una mujer desnuda en el escenario.
En 1970 dejaron el sello Pye Records y firmarían con CBS con quienes publicaron el primer álbum bajo el nuevo nombre de Black Widow. Musicalmente este primer lanzamiento no es un canto fúnebre pese a sus controvertidas letras, aquí las melodías son edificantes con matices de prog folk y algunos elementos jazzisticos todo ello bajo el prisma del hard rock progresivo.
Un álbum que comienza con la progresiva “In Ancient Days” repleta de sonidos de órganos Hammond, mellotrones y instrumentos de cuerda. La comercial “Come To The Sabbat”, fue un sorprendente hit debido a sus siniestras y diabólicas letras. Por otra parte la agradable y mas terrenal “Seduction” y la extensa y compleja “Sacrifice”, completaron un soberbio trabajo del mejor proto metal progresivo de principios de los 70.
Pero a partir de aquí la banda, debido a las presiones de su propia discográfica y de ciertos estamentos muy poderosos e influyentes de cristianos fundamentalistas, dejaron de incluir letras satánicas en sus siguientes trabajos.

domingo, 29 de mayo de 2022

Black Hole-Land Of Mystery (1985)

Black Hole fueron una oscura banda italiana de heavy metal pesado y tenebroso que en 1985 publicaron una de las joyas del llamado subgénero Doom Metal.
Su formación estaba compuesta por el vocalista Robert Measles, el cual además tocaba el órgano y sintetizadores, el guitarrista Nicholas Murray y Luther Gordon a la batería y sus orígenes se remonta en la ciudad de Verona a principios de los ochenta.
"Land Of Mystery" fue el tercer trabajo de esta banda italiana, una grabación cruda con sonidos oscuros de sintetizadores y órganos atmosféricos al mas puro estilo de principios de la década de los 70, unas voces inquietantes cantadas en ingles, y unos poderosos riffs de guitarras hipnóticos y lúgubres.
Aquí aparecen connotaciones al heavy metal mas clásico como "Demoniac City", mientras "Land Of Mystery" esta cerca del stoner rock pesado y enérgico, la retorcida y excéntrica "All My Evil" da paso a la funesta "Bells Of Death" que al mismo tiempo da la bienvenida a los momentos mas atmosféricos y siniestros con "Blind Men And Occult Forces", la psicodélica "Spectral World" o la pesada rock instrumental "Obscurity In The Ethereal House" que da por finalizado un álbum lapidario y espeluznante de heavy metal surrealista e hipnótico.

viernes, 27 de mayo de 2022

Tramp-Tramp (1969)

Tramp fueron una banda de blues que estaba compuesta por algunos músicos que pertenecían a otras formaciones y que de manera paralela trabajaron en este proyecto unidos por su afición a los sonidos mas básicos del rock y el blues británico
Fundados por los hermanos Dave Kelly y Jo Ann Kelly, guitarrista y cantante respectivamente, en 1969 lograron convencer a los miembros de Fleetwood Mac, Mick Fleetwood (batería), Bob Brunning (bajo) y Danny Kirwan (guitarra), además del pianista Bob Hall, ex Groundhogs, al percusionista Ian Morton, al vocalista Memphis Lil y al saxofonista Dave Brooks para grabar un álbum, que fue publicado a finales de 1969.
Este primer disco contiene un repertorio compuesto por una solida mezcla de temas blues y rock como la inicial y galopante “Own Up”, mientras la instrumental “Hard Work”, también sigue esa tendencia rockera que contrastan con la bluesy parsimoniosa “Street Walking Blues”, la melancólica “Baby What You Want Me To Do”, o el funk ligero y pegajoso “Oh The Scene”. El resto del álbum esta orientado hacia los sonidos mas eclécticos que navegan entre el jazz y el R&B, y en donde aparecen cortes dinámicos como “Same Old Thing”, la eficaz “What You Gonna Do When The Road Comes Through”, el boggie jazz “Somebody Watching Me” o la elaborada “Another Day”.
En definitiva un buen álbum de blues y rock grabado por unos excelentes músicos, con un Danny Kirwan inconmensurable con la guitarra y que seria el punto culminante al sonido bluesy del grupo, a la vez que el más destacado de los ex miembros de Fleetwood Mac. 

miércoles, 25 de mayo de 2022

Pat Benatar-Precious Time (1981)

Pat Benatar paso de vivir una tediosa vida domestica como cajera de banco a ser una de las mas icónicas cantantes de la música rock de toda su historia.
La vida de Pat Benatar estar marcada por la constancia, su talento y una pizca de suerte, una suerte que es tan necesaria como el ingenio, para poder triunfar en un mundo tan complicado y tremendamente competitivo como era el rock de los años 70.
Su nombre real es Patricia Mae Andrzejewski y empezaría probando suerte en un pequeño pub de su localidad interpretando versiones de otros artistas.
A medida que su popularidad iba en aumento decidió probar fortuna en la escena musical de Nueva York, donde su agudeza como cantante no pasaría inadvertida. Allí conocería al guitarrista Neil Giraldo, quien algún tiempo mas tarde se convirtiera en su futuro marido. Con la ayuda de Giraldo explotaría su voz brillante, su amplio rango vocal y unas interpretaciones desbordantes, facetas que llamaría la atención de las compañías discográficas.
Finalmente seria la Chrysalis quien se hiciera con sus derechos y Pat grabaría con ellos su primer álbum “In The Heat Of The Night” lanzado en 1979, que gracias al sencillo “Hearbreaker” o a la versión de John Cougar Mellencamp “I Need a Lover“, logra un éxito abrumador, con varios discos de platino y un increíble décimo segundo puesto en las listas del Billboard norteamericano.
Sin embargo este éxito se quedaría corto con su siguiente álbum “Crimes Of Passion”, multiplicando por cinco las ventas del anterior, impulsado por cortes como “Treat Me Right”, “You Better Run” o “Hit Me With Your Best Shot”.
Pero seria con su tercer trabajo, este “Precious Time”, publicado un año después, cuando Pat Benatar da el salto definitivo a nivel mundial, subiendo hasta la cima de las listas de éxito de medio mundo gracias a cortes irresistibles como “Promises in The Dark” o “Fire And Ice”.
Poseedora de varios hitos como haber ganado durante cuatro años consecutivos el premio Grammy a la mejor cantante, Pat Benatar esta considerada una de las mas grandes vocalistas de la historia de la música rock, que siguió publicando con bastante frecuencia, hasta completar once álbumes en estudio y numerosos recopilatorios, hasta el año 2003 cuando lanzaría su ultimo álbum titulado “Go”.

lunes, 23 de mayo de 2022

Praying Mantis-Time Tells No Lies (1981)

Praying Mantis esta considerada una de las bandas abanderas de la escena New Wave of British Heavy Metal (NWOBHM), sin embargo a diferencia de sus coetáneos, ellos siguieron una dirección musical mucho mas melódica y comercial.
Sus orígenes se remontan varios años antes de que el genero NWOBHM se oficializara, mas concretamente a mediados de los setenta. Sus fundadores fueron los hermanos Chris y Tyler Toy, bajo y guitarra respectivamente que junto al batería Dave Potts y al guitarrista Steve Carroll lanzaron el EP “Soundhouse Tapes” en 1979.
El siguiente año y debido a su gran reputación telonearon a Iron Maiden y Ronnie Montrose por el Reino Unido. Sus espectaculares conciertos les abrió las puertas del sello Arista con quienes publicaron su primer álbum y a la postre su obra mas mediática “Time Tells No Lies” en 1981.
Con una espectacular portada del famoso ilustrador Rodney Matthews (una tendencia que se convertiría en habitual en todas sus obras), este primer álbum contenía un explosiva mezcla de heavy metal épico y poderoso con grandes melodías y mucha complejidad instrumental, como queda demostrado en la inicial "Cheated", mostrando su lado épico en la sensacional "Lovers To The Grave" o sus enérgicos temas heavy melódicos en los cortes "Children Of The Eart" y "Beads of Ebony", mientras la furiosa versión del tema de The Kinks "All Day And All Out of the Night", pone la nota de comercialidad al álbum.
Sin embargo la inestabilidad de su formación y una pobre promoción por parte de Arista les lastraría un mayor éxito del que obtuvieron.
El año siguiente la banda cambia de sello firmando con Jet Records, publicando varios sencillos de escaso éxito por lo que terminarían disolviéndose hasta que volvieron a reunificarse en 1987.
Pero durante esos primeros años Praying Mantis habían conseguido una amplia legión de fans en Japón, un país donde eran venerados y sus trabajos tenían un gran éxito.
Como reconocimiento a sus miles de fans japoneses, en 1990 la banda se reforma entrando a formar parte de la misma los ex Iron Maiden, Dennis Stratton y Paul Di´Anno, para una gira nostálgica por el país nipón con una respuesta apoteósica por parte del publico japonés, lo que les motiva para publicar el álbum “Live At Last” y uno nuevo en estudio, “Predator In Disguise” (1991), consiguiendo un éxito arrollador de ventas y criticas por parte de la prensa. A partir de aquí la banda seguirá publicando una serie de trabajos muy bien recibidos y con bastante éxito como “A Cry For The New World” (1993), “To The Power Of Ten” (1995) o “Forever In Time” (1998), todos ellos con un denominador común, los continuos cambios de formación, que pese a ello no merma la calidad de todas sus obras.
En el 2007 llegaría una de sus trabajos mas celebres “Sanctuary”, el cual recibiría grandes elogios y unas ventas arrolladoras, lo mismo que ocurriría con los siguientes “Legacy” (2015) y “Gravity” (2018), con los que ganarían miles adeptos alrededor del mundo.
Actualmente Praying Mantis son una de las pocas bandas del movimiento NWOBHM que siguen en activo y que después de 40 años de carrera han vendido mas de 30 millones de álbumes alrededor del planeta.


sábado, 21 de mayo de 2022

Renaissance-Scheherazade and other Stories (1975)

Considerado un hito dentro de la música contemporánea y del rock progresivo en general. “Scheherazade and other Stories”, es uno de los mas grandes discos que se hayan grabado jamás, en el que se incluye la épica pieza de 24 minutos “Song Of Scheherazade”, la cual es para muchos, una de las suites mas grandiosas e impresionantes de todo el genero progresivo y sin duda la mas refinada.
Este fue el sexto álbum de los británicos, justo en un momento en donde su formación se había consolidado definitivamente, después de los desajustes y deserciones de sus primeros trabajos.
Aquí permanece la misma formación que había grabado los dos anteriores “Ashes Are Burning” (1973) y “Turn Of The Cards” (1974), y que estaba compuesta por la vocalista Annie Haslam, el guitarrista y voces Michael Dunford, el teclista y voces John Tout, el bajista Jon Camp y el batería Terence Sullivan, además de la colaboración para la grabación de este álbum de los arreglos orquestales de Tony Cox y la participación de la London Symphony Orchestra.
Ya desde su tema inicial “Trip To The Fail”, uno intuye que estamos ante un álbum antológico, confirmando esa intuición la mencionada y celebre “Song Of Scheherazade”, una suite con una orquestación clásica que participa activa y enérgicamente. La voz de Annie Haslam es la perfecta para este pieza, con una voz de altísima clase en una instrumentación de toda la banda de perfecta ejecución, con unas partes de piano increíbles y unos asombros instrumentos de viento, todo ello acompañado de suaves percusiones. El resto no desmerece en absoluto a esta sublime pieza, ahí están la progresiva “Ocean Gypsy” y la renacentista “The Vultures Fly High”, las cuales justifican el soberbio estilo romántico de este fabuloso y sorprendente trabajo de una banda única e irrepetible.

jueves, 19 de mayo de 2022

Black Sheep-Black Sheep (1975)

Black Sheep fue una fugaz banda norteamericana de hard rock americano y blues rock de mediados los años 70, que tuvo su centro de operaciones en la localidad de Rochestar cerca de Nueva York y que es conocida por ser una de las primeras bandas en la cual perteneció el vocalista Lou Gramm, que posteriormente encabezaría una de las mas grandes formaciones del rock melódico como fueron Foreigner, durante las dos siguientes décadas.
Pero antes de ello Black Sheep ya habían lanzado el exitoso sencillo "Stick Around" en 1974, y un año mas tarde el álbum homónimo “Black Sheep”, para ya posteriormente lanzar el epilogo de la banda “Encouraging Words”, publicado a finales de 1975, este ultimo en donde ya no aparecía Lou Gramm, que había abandonado una vez fue requerido por el guitarrista Mick Jones para unirse a los mencionados Foreigner a mediados de 1976.
Por entonces Black Sheep estaba formada por Donald Mancuso (guitarra), Larry Crozie (teclados), Ron Rocco (batería) y Bruce Turgon (bajo), además de Lou Gramm en la voces.
Fue en esta banda, donde Lou Gramm perfeccionaría las impresionantes habilidades vocales con las que luego se convertiría en uno de los mas grandes vocalistas del AOR, como quedo demostrado en las dos primeras obras multiplatino de Foreigner.
En este debut con Black Sheep, Gramm muestra una evidente e impecable maestría vocal en cortes como "Piano Interlude / Let Me Stay", con los que Black Sheep empezarían a cobrar cierta notoriedad en los clubs de Rochester y Nueva York.
Pero además de esta magnifica pieza, la banda muestra su talento con temas de gran calibre como las blues rock "Payin 'Yer Dues", "A Little or a Lot" y "Freight Train", o las melódicas "Broken Promises" y "Far Side of the Sun", mientras la excelsa “Woman” es un guiño al poderoso sonido de los incombustibles Free.
Después del segundo álbum, Black Sheep se disolvería, pasando Don Mancuso y Ron Rocco a engrosar la banda de Cheater, una desconocida formación local de hard rock, los cuales lanzaron un disco titulado "Ten Cent Love Affair" de escasa repercusión mediática en 1980.
Posteriormente el bajista Bruce Turgon, participaría en los álbumes en solitario de Lou Gramm, “Ready Or Not” (1987), en el cual también colaboraría Don Mancuso, y “Long Hard Look (1989).
Ya a mediados de la década de los noventa Turgon terminaría perteneciendo de pleno derecho a Foreigner, en sustitución del bajista Rick Willis, con quienes grabaría el octavo álbum del grupo “Mr. Moonlight”.

martes, 17 de mayo de 2022

The Mick Abrahams Band-A Musical Evening With Mick Abrahams (1971)

Mick Abrahams es conocido por ser uno de los fundadores de la banda británica Jethro Tull en 1967, con quienes publicaría el álbum "This Was" en 1968.
No obstante las raíces en la carrera musical de Abrahams había comenzado algún tiempo antes participando en diferentes bandas de R&B como The Hustlers, The Toggerty Five o Screaming Lord Sutch.
Ya durante el año 1968, Jethro Tull se ganan una enorme reputación basada en la distintiva guitarra blues de Abrahams y la flauta y la feroz personalidad escénica de un Ian Anderson arrebatador. La mezcla original de blues, jazz y rock de Jethro Tull se verían reflejados en el mencionado "This Was", el cual alcanzaría un éxito casi de inmediato en las listas del Reino Unido.
Sin embargo el fuerte carisma de sus dos líderes y un diferente enfoque musical derivaría en el abandono de Abrahams a finales de 1968.
Algún tiempo mas tarde, Mick Abrahams funda una banda a su semejanza y antojo llamada Blodwyn Pig, en donde daba rienda suelta a su pasión por el blues autentico, dejando de lado las incursiones hacia los sonidos folk y jazz de su banda anterior.
Con esta banda se publicaron los excelentes "Ahead Rings Out" (1969) y "Getting To This" (1970). Pero por destino de los caprichos de la suerte, ambos álbumes pasan desapercibidos, pese a contener un exquisito repertorio de grandes temas enfocados al blues, el rock y el R&B.
Una vez acabada esta aventura, Abrahams fundaría The Mick Abrahams Band, para lo cual recluta al batería Ritchie Dharma, el teclista Bob Sargeant y al bajista Walt Monaghan, mostrando con esta nueva banda otros dos álbumes de gran factura como "A Musical Evening With Mick Abrahams" y "At Last", con los que disfruto de cierto éxito en el circuito de blues rock en toda Europa.
Pero esta vez fue el poco apoyo de su discográfica Chrysalis, lo que mermaría la promoción suficiente para obtener el éxito en Inglaterra y Estados Unidos, por lo que desilusionado Mick Abrahams decide abandonar el negocio musical a mediados de la década de los 70.
Centrándonos en su álbum "A Musical Evening With", Abrahams mostraba sus grandes habilidades con las seis cuerdas además de unas brillantes y efectivas composiciones como el tema de apertura "Greyhound Bus", en el cual el ritmo contagioso de sonidos funky, acompañado de los grandes fragmentos de guitarra, brillan junto al denso toque de teclados de Bob Sargeant. En "Awake" se presagia de manera lejana los sonidos progresivos debido a su ambiente oscuro, una voz tenue y la destreza instrumental de toda la banda, por su parte la acústica "Wind Of Change" se acercan a los sonidos folk de CSN con unas buenas melodías vocales, el blues rock asoma en "Why Do You Do Me This Way" y en la acelerada "Big Queen", para acabar con la extensa "Seasons", un blues rock progresivo en donde los teclados, las afiladas guitarras y los sonidos hipnóticos lo convierten en el mejor corte del álbum.

domingo, 15 de mayo de 2022

Bob Downes-Electric City (1970)

Bob Downes fue un afamado saxofonista y flautista de sesión que en 1970 reclutaría  algunos de los mejores músicos del incipiente jazz británico como Ian Carr (trompeta), Chris Spedding (guitarra), Kenny Wheeler (trompeta) o Harry Miller (bajo) y grabaron un album de jazz rock que se titulo “Electric City”.
Todos estos músicos tenían tras de si o tendrían en lo sucesivo, carreras muy prolíficas en bandas como Nucleus, (Ian Carr), extensas colaboraciones con otros artistas (Chris Speeding y Harry Miller) o laboriosas carreras en solitario (Kenny Wheeler).
Lejos de las extensas e intrincadas composiciones habituales en los discos de jazz rock de la época, en este álbum la banda opta por temas cortos repletos de grandes riffs de guitarra contagiosos, una enérgica sección rítmica y sobresalientes solos de flauta y saxo. Cortes como la soberbia instrumental “Dawn Until Dawn”, las vigorosas “Walking On” o “Picadilly Circles" o la sobresaliente “No Time Like The Presente” conformaron un álbum único y olvidado del mejor jazz rock británico de los setenta.

viernes, 13 de mayo de 2022

Pearl Jam-Ten (1991)

1991 seria el año de la explosión grunge, ese año se publicaron tres de las mas grandes obras del genero empezando por “Nevermind” de Nirvana en donde exploraban los sonidos mas crudos y primitivos del punk rock y el rock alternativo, el menos accesible y crudo “Badmotorfinger” de Soundgarden y “Ten” de Pearl Jam, el álbum que mostraba la cara mas hard rock heredero de los sonidos de finales de los 60 de Led Zeppelin o Jimi Hendrix.
Sin embargo este ultimo también aportaba una clara diferencia con respecto a las otras obras, su estructura es mas compleja y sofisticada, sin que ello suponga la inaccesibilidad como queda demostrado en temas como la irresistible con sabor tejana “Even Flow”.
La vigorosa “Alive”, la melódica y gallarda “Jeremy”, la psicodélica “Deep”, la zeppeliana “Garden”, la punk rock “Oceans” o ese remanso atmosférico que es “Release”, conforman un álbum enérgico y musculoso, que pese a su lento ascenso en las listas de éxitos, lograría colarse hasta la segunda posición en el Billboard norteamericano, logrando cerca de los veinte discos de platino y unas ventas superiores a los 14 millones de copias a nivel mundial.

miércoles, 11 de mayo de 2022

Robin Trower-Bridge Of Sighs (1974)

En 1974 Robin Trower publicaba su segundo álbum en solitario, “Bridge Of Sighs”, que como el anterior y debut discográfico “Twice Removed From Yesterday”, estaba enfocado a la guitarra eléctrica.
Sin embargo el aura con la cual le comparaban con Jimi Hendrix, mas que beneficiarle le estaba pasando factura, obligando con ello a superarse continuamente.
Para este segundo trabajo Trower sigue confiando en su banda compuesta por el batería Reg Isidore y el bajista James Dewar, mientras que a los mandos de la producción volvía a repetir Matthew Fisher, e incluso fue grabado en los mismos estudios de grabación; los Olympic Studios de Londres.
Aquí Robin Trower conseguiría el difícil reto de superar su antológico debut, con un álbum que tuvo el masivo respaldo del publico y la critica, elevándolo a Olimpo de los grandes guitarristas de todos los tiempos y catalogando el álbum como un clásico de la música rock .
Un álbum con una enorme calidad de principio a fin en donde aparecen cortes como la antológica “Day Of The Eagle”, la contenida “Bridge Of Sighs”, la desenfadada “Too Rolling Stoned”, la hipnótica “About To Begin”, las rítmicas “Lady Love" y “The Fool and Me” o la soberbia “A Little Bit Of Sympathy”.
El disco lograría escalar las primeras posiciones en las listas de éxitos, y lo que fue aún mas importante, le abriría el siempre difícil mercado norteamericano, conquistándolo exitosamente.

lunes, 9 de mayo de 2022

Ashbury-Endless Skies (1983)

Ashbury son otra de esas bandas olvidadas y enterradas en el tiempo, que publicaron un legendario álbum debut en 1983, una verdadera joya para los fanáticos del hard rock clásico de los 70.
Emparentados al sonido épico de Wishbone Ash, a las melodías vocales de Eagles o CSN, y al misticismo prog folk de Jethro Tull, esta banda era en realidad un dúo fundado en Tucson, Arizona por los hermanos Randy y Rob Davies, ambos guitarristas y cantantes,
Ellos fundarían Ashbury (no confundir con la banda de rock alternativo del mismo nombre fundada en el 2005), después de la disolución de la banda de rock sureño Rigid Spur, en la cual formaba parte Randy Davies a finales de los setenta.
Una vez disuelta, parte de su formación fundarían Ashbury South en donde contaban como técnico de iluminación con Rob Davis. La banda obtendría en los años siguientes una gran reputación en Arizona actuando en clubs y locales de conciertos e incluso ganarían un prestigioso premio organizado por una emisora de radio de Phoenix a la mejor banda de directos de todo ese Estado norteamericano.
Ya en 1980 los hermanos Davis deciden continuar por su cuenta y planean grabar un álbum, aprovechando el material que ambos habían estado componiendo juntos durante los últimos años mientras pertenecían a los Ashbury South.
El álbum que finalmente seria publicado en 1983 y que se titularía "Endless Skies", les otorgaría otro importante premio, esta vez fue otra famosa emisora de radio de Phoenix la que proclama al álbum como el mejor disco de rock del año 1983.
"Endless Skies" esta compuesto por una inteligente mezcla del rock sureño, hard rock y sonidos muy cercanos al heavy metal con ligeros toques progresivos como queda demostrado en "The Warning", en donde muestran su tendencia por los Jethro Tull mas duros, mientras en la melódica "Take Your Love Away" asoman los aires épicos y guitarrísticos de los Wishbone Ash. La heavy rock "Vengeance", la country rock "Madman", la épica y progresiva "Hard Fight", o la sureña "Mystery Man", conforman un disco tan brillante como antológico. Mención aparte es el tema que da titulo al álbum, un magnífico ejercicio de hard rock progresivo y dinámico, en donde se dan cabida influencias dispares, con grandes armonías vocales, momentos delicados y melódicos y el pesado heavy rock de finales de lo 70.

sábado, 7 de mayo de 2022

The Dirty Blues Band-Stone Dirt (1968)

The Dirty Blues Band fue una banda de blues rock fundada en Riverside, California, a principios de 1967 por el vocalista y harmonicista Rod Piazza, que lanzaron dos soberbios álbumes "Dirty Blues Band" (1967) y "Stone Dirt" (1968), los cuales fueron muy celebrados por los seguidores del genero.
Esta legendaria banda, estaba formada por el guitarrista Glenn Roos Campbell, el organista Pat Malone, el batería John Milliken, el bajista Less Morrison y el steel guitar Robert Sandell, además del mencionado Rod Piazza.
Ya en 1967 y bajo el sello Bluesway, lanzaron su primer álbum en donde fusionaban el blues con elementos jazzisticos y sonidos de funk y soul, todo ello con el aporte de la enérgica voz de Piazza y su harmónica.
En ese primer álbum destacaban la blues funk "Checkin´Up On My Baby", la jazzistica "New Orleans Woman", o las magnificas versiones de Elvis Presley "Hound Dog" y de Sonny Boy Williamsom "Don´t Start Me To Talkin".
Un año después aparecería "Stone Dirt", publicado por el mismo sello discografico, el cual contenía un irresistible repertorio como las boogie blues "Bring It On Home" y "My Baby", el blues cadencioso (una versión de John Lee Hooker"), "It´s My Own Fault", las rhythm and blues "I Can´t Quit You Baby" y "Tell Me", la rock and roll "She´s The One" o la hipnótica "Sittin´Down Wonderin".
Después de este álbum Piazza disolvería definitivamente la banda y formaría otra a semejanza a esta llamada Bacon Fat, con los que publicaría el enorme "Tough Dude" en 1971, otro sobresaliente ejercicio de blues eléctrico y que fue debidamente comentado hace algún tiempo en este blog.

jueves, 5 de mayo de 2022

Pot Liquor-Levee Blues (1971)

Pot Liquor fueron una efímera banda originaria de Baton Rouge en Lousiana, que publicaron varios discos de claro corte de boogie blues y southern rock durante los primeros años de la década de los 70.
Su formación inicial estaba compuesta por George Ratzlaff, teclista y voz, el guitarrista Les Wallace, el batería Jerry Amoroso y el bajista Guy Shaeffer. Después de un primer álbum titulado “First Taste”, lanzado en 1970, el cual tendría una buena acogida en los estados del sur norteamericano, publicarían un año mas tarde “Levee Blues”, considerada su mejor obra, en el cual amplían su característico sonido de southern rock con elementos de country, blues y gospel.
La voz y el órgano de Ratzlaff  junto a la inclusión de un grupo de coristas femeninas, otorgan ese toque gospel y original al sonido del final del álbum.
Las animadas “Cheer”, “River Jordan”, “The Train” o “Chattanooga”, son junto al pesado y hipnótico blues “Rooster Blues” y a las magnificas versiones “Lady Madonna” de The Beatles  y “You ´re No Good” de Linda Ronstadt, lo mas destacado de un interesante pero olvidado disco del mejor rock sureño.
Sin embargo y a pesar de su calidad y de su exquisita producción, este no conseguiría el éxito deseado comercialmente. No obstante la banda seguiría ofreciendo conciertos durante bastante tiempo por todo el estado de Lousiana, con una buena aceptación por parte del publico, algo que no contribuiría demasiado a la continuación de la banda, desapareciendo definitivamente Pot Liquor algunos años mas tarde.

martes, 3 de mayo de 2022

Wild Turkey-Battle Hymn (1971)

En 1970, el bajista Glenn Cornick abandonaba Jethro Tull, con los que había grabado los formidables “This Was”, “Stand Up”, “Benefit” y “Living in the Past” y con los que estaría durante el periplo comprendido entre 1968 y 1971, siendo considerado el mejor bajista que ha formado parte de la mítica banda británica.
Ya a principios de 1971 forma su propia banda, Wild Turkey, en la que se alejaba de la propuesta blues y folk progresivo de la formación liderada por Ian Anderson.
Cornick reclutaría para esta nueva aventura al vocalista Gary Pickford-Hopkins, el batería John Weathers y al guitarrista Jon Blackmore.
Sin embargo en medio de la grabación del primer álbum, Jeff Jones sustituye a Weathers al frente de las baquetas, que abandona para integrarse en la banda Gentle Giant
Wild Turkey publicaría dos interesantes álbumes de escaso reconocimiento comercial, pero sin embargo su debut fue una buena muestra del hard rock que por la época de su lanzamiento se hacia en las Islas británicas.
“Battle Hymn”, como así se titula este primer álbum, es un trabajo orientado al sonido poderoso del hard rock con ciertos elementos progresivos como queda demostrado en cortes como las mordaces “Twelve Streets of Cobbled Back” y “One Sole Survivor”, la apasionada “Sentinel”, la meritoria “Butterfly”, la bucólica “To The Stars” o las melódicas “Sanctuary” y “Gentle Rain”.
Después de este primer álbum, la banda publicaría el discreto “Turkey”, el cual daba por finalizado el periplo del grupo. Posteriormente algunos de sus miembros tomaron rumbos dispares como el propio Cornick que terminaría recalando en la banda germana Karthago, mientras Gary Pickford-Hopkins participaría activamente como vocalista en los álbumes de Rick Wakeman “Journey to the Centre of the Earth” y “The Myths and Legends Of King Arthur and the Knights of The Round Table”, entre otras colaboraciones y por ultimo Jeff Jones terminaría ingresando en el grupo de rock psicodélico y vanguardista, Man.


domingo, 1 de mayo de 2022

Mahavishnu Orchestra-Birds Of Fire (1973)

Dos años después de su espectacular álbum debut, la Mahavishnu Orchestra volvía con otro fantástico trabajo de jazz rock pletórico y contundente.
En "Birds Of Fire" aparece la misma formación que había firmado su predecesor "The Inner Mounting Flame", compuesta por John McLaughlin (guitarra), Billy Cobham (batería y percusión), Jan Hammer (teclados), Jerry Goodman (violin) y Rick Laird (bajo) y fue grabado entre los estudios Trident de Londres y los CBS Studios de Nueva York durante el mes de agosto de 1972. 
En este segundo álbum, estos virtuosos músicos lograron fusionar de manera asombrosa la improvisación del potente rock, con el blues, el country y los sonidos exóticos, todo ello bajo aires de funk, logrando con todo ello la cohesión y el perfecto equilibrio a su estilo de jazz progresivo. La homónima “Bird Of Fire”, con esos elementos de exóticos, se convierte en uno de los temas mas progresivos de toda la carrera del grupo, mientras la majestuosa instrumental “Hope”, confirma la enorme calidad de todos sus integrantes. La dinámica versión del tema de Miles Davis, “Miles Beyond”, es otro de los puntos culminantes del disco. Por su parte las extravagancias instrumentales de McLaughlin y Cobham se ven reflejadas en “Celestial Terrestrial Commuters”. El resto muestra una serie de temas elaborados de gran técnica instrumental, pero al mismo tiempo emocionales y con grandes dosis de feeling debido a la interacción de todos los músicos aquí intervinientes. “Birds Of Fire” esta considerado una de los obras maestras absolutas del jazz rock y que junto a la cuatrilogia que supuso el anterior “The Inner Mounting Flame” y los posteriores “Apocalypse” y “Visions of the Emerald Beyond”, conformaron una de las bandas legendarias del genero.