Nacido en París en 1948, inició su carrera a mediados de los años setenta colaborando con el autor y cantante Alain Souchon, integrante de la orquesta de Pascal Dane, además de componer para otros artistas, entre otras tareas, hasta finales de 1976, año en el que firmó un contrato con la RCA para editar sus propias composiciones.
Un año después publicó una canción de 15 minutos titulada "Rockollection" que llegó a ser número uno en muchos países de alrededor del mundo durante el año 1977.
Esta larguísima oda contaba con diez fragmentos de famosas canciones de los años 60 como “The Loco-Motion”, “A Hard Days’ Night”, “I Get Around”, “Gloria”, “(i Can´t Get No) Satisfaction”, “Mr. Tambourine Man”, “Massachusetts”, “Mellow Yellow”, “California Dreamin” y “Get Back”.
Durante las siguientes décadas Voulzy ha seguido editando “Rockollection” con diferentes modificaciones, hasta llegar la ultima publicada en el 2008, con un total de 22 fragmentos entre las que se encuentran; “Ticket To Ride”, “Fun, Fun, Fun”, “You Really Got Me” o “Jumpin´Jack Flash” entre otras.
Todas ellas están enlazadas con un interludio interpretado en francés que va relatando la historia de un joven, ya no tan joven y los recuerdos de adolescencia que le evocan estas melodías de los años 60, al que acompaña un nutrido coro de voces femeninas.
En 1979 publica "Le Coeur Grenadine", su primer disco tras el triunfal hit "Rockollection", un trabajo bastante alejado de su tema estrella en el que sólo destaca el tema que da título al LP, una buena balada pop suave y la versión de la canción de Serge Gainsbourg "Qui Est In, Qui Est Out".
Años más tarde, un álbum recopilatorio de 1989 titulado “Belle Ille In Mer”, lo devuelve a las listas de éxitos gracias al excelente post "Rockollection" con canciones como "Surfing Jack", "Les Nuits Sans Kim Wilde" (un homenaje a la cantante británica Kim Wilde) o la balada "My song of You".
Sin embargo la joya de este disco es una canción compuesta en 1978 titulada "Bubble Star", una de las mejores canciones del power pop francés de la historia, un tema irresistible con sabor beatle.
En sus siguientes trabajos, Voulzy, se enfoco más en los terrenos del cantautor con una cuidada producción y un sonido impecable, pero sin embargo en detrimento de sus exquisitas composiciones, aunque conservó ese revival de antaño en el tema "Le Povoir Des Fleurs", una espléndida canción con un estilo pop rock americano que le devolvería a las mieles del éxito.
Grabado el mismo año que el anterior “Jailbreak”, pero con cinco meses de diferencia, volvió a repetir la formación clásica compuesta por los guitarristas Scott Gorham y Brian Robertson, el batería Brian Downey, además del propio Lynott al bajo y las voces.
El armonioso ritmo esta presente en cortes como “Old Flame”, “Borderline” o “Sweet Maria”, mientras “Johnny the Fox Meets Jimmy the Weed”, es un ecléctico tema con raíces funk y pop con un ritmo pegadizo, por otro lado cortes como “Johnny”, “Rocky”, “Fools God” o “Massacre”, recuperan en parte el sonido característico de hard rock contagioso y adictivo.
Sin embargo el momento cumbre se encuentra con la sensacional “Don´t Believe A Word”, uno de los temas clásicos de la banda y todo un himno del hard rock de los 70.
Pese al varapalo comercial en comparación con otros álbumes, “Johnny The Fox” lograría un meritorio disco de oro en las listas británicas y se ha convertido en una de las obras esenciales de la banda irlandesa y todo un disco icónico del hard rock de la década de los 70.
Fue grabado en diferentes localizaciones norteamericanas durante las giras posteriores a los álbumes ”Rumours" y “Tusk” durante los periodos que iban desde 1975 hasta finales de 1980.
Aquí están casi todos sus icónicos temas como "Sara" que se alarga en una coda de siete minutos, la épica y hipnótica "I´m So Afraid", esta ultima con un antológico solo de guitarra de Lindsey Buckingham o las eternas "Monday Morning", “Over & Over”, “Don´t Stop”, "Dreams", "Oh Well", "Rhiannon" o "Landslide".
Además aparecen tres temas nunca antes publicados como son “One More Night”, “Fireflies” y la versión de los The Beach Boys, “The Farmer´s Daughter”.
El recibimiento posterior por parte de publico y la critica les llevaría a conseguir varios discos de oro y unas enormes ventas en el mercado británico y norteamericano, manteniendo el alto nivel de la banda y logrando al mismo tiempo otro de los grandes directos de la década de los 80 y de la historia de la música rock.
Justo un año después del mencionado álbum, la banda ya olvida por completo esas influencias con un nuevo trabajo titulado “Piece Of Mind”, el segundo con el vocalista Bruce Dickinson en sus filas y en el cual aparecen temas de un gran desarrollo instrumental como “The Trooper” o “Flight Of Icarus”, las cuales pronto se convierten en dos himnos del heavy metal de la década de los ochenta.
Otros temas como la virtuosa “Where Eagles Dare”, dejan entrever por donde seguirán los derroteros musicales de la banda y las progresivas y melódicas “To Tame a Land” o “Revelations”, auparon a este “Piece Of Mind” hasta los primeros puestos de las listas de éxito de medio mundo y unas ventas que superaron con creces los dos millones de copias vendidas a nivel mundial.
La primera cara del álbum esta conformada totalmente por la épica y progresiva “As Falls Wichita...” mas de veinte minutos de ambientes tranquilos y relajados en donde el teclista Lyle Mays logra crear una atmósfera oscura y flotante mientras Metheny se encarga de diversos instrumentos de cuerda y que junto a las percusiones exóticas de Nana Vasconcelos, dotan a esta excelsa pieza en uno de los momentos mas memorables de toda la carrera del guitarrista norteamericano.
En la segunda cara, con un tono mas "convencional", aparecen la dinámica “Ozark” un tema repleto de guitarras acústicas y teclados de jazz rítmico muy animado, la elegante y sofisticada “September Fifteenth” y la pegadiza y contagiosa “It´s For You”, logrando entre todas ellas un álbum que se ha convertido en uno de los hitos del jazz rock.
Publicado oficialmente a mediados de 1973, su lanzamiento fue debido en parte para paliar las docenas de álbumes piratas que inundaban el mercado, la mayoría de ellos de una pésima calidad y así de esta manera, contentar a sus cientos de miles de fans con una grabación oficial y decente de sus espectaculares shows en vivo.
Para la grabación de este doble directo la banda utilizaría el famoso estudio móvil de The Rolling Stones, y las tomas fueron extraídas de diferentes conciertos celebrados durante el mes de enero de 1973 durante la gira europea y mas concretamente en las ciudades de Paris, Frankfurt y Amsterdam.
"Recorded Live" contiene momentos verdaderamente memorables de intenso blues rock como la inicial "One of These Days", un poderosos blues rock progresivo, la blues hipnótica “Help Me”, la frenética rock “Choo Choo Mama”, o una antológica versión de “I´m Going Home”.
Pese a estar injustamente oscurecido por otros dobles directos de la época mas mediáticos, “Recorded Live” esta considerado uno de los mejores álbumes en vivo de la década de los 70.
La inicial “Ocean Breakup/King Of The Universe” continua con la linea de su asombroso primer álbum con esos fastuosos arreglos de cuerda, mientras el legado de The Beatles esta presente en los cortes “Bluebird is Dead” y en “Oh No Not Susan” en donde Lynne no oculta su fascinación por los Fab Four, especialmente en los impresionantes minutos finales. Siguiendo este flujo de música casi ininterrumpida (las canciones están casi vinculadas), llega el gran hit del album, “Showdown”, que realmente establece el estilo musical de la ELO en los años sucesivos, un tema simple, efectivo y pegadizo que entraría en los puestos altos de las listas de éxitos.
La cara B comienza con “Daybreaker” un tema instrumental bastante optimista, otra canción bastante impresionante e inventiva, a la que siguen la comercial y contagiosa “Ma-Ma-Ma-Belle” o la entrañable pop rock “Dreaming of 4000”. Para el final del álbum nos encontramos con otro punto culminante con la progresiva “In The Hall of the Mountain King”, originalmente compuesta por el compositor noruego Edvard Grieg, que cobra aquí una versión sobredimensionada con unas guitarras pesadas y unos arreglos de cuerda sobresalientes.
"Moving Pictures" cerraba de manera apoteósica la segunda etapa del grupo, la denominada "etapa progresiva", sin embargo en este octavo álbum el trío suena aún mas natural y menos pretencioso que en los tres trabajos anteriores a este.
Aquí todo fluye maravillosamente, incluidos los magníficos sintetizadores capturados de manera primorosa y con una producción impecable por parte de Terry Brown.
Los siete cortes que componen el disco son todos ellos una perfecta muestra del virtuosismo de Neil Peart, Geddy Lee y Alex Lifeson, empezando por el aura atractiva de esa fantástica canción "Tom Sawyer", a la que siguen joyas como la brillante "Red Barchetta", o la antológica "YYZ", en donde los tres músicos muestran una sincronización perfecta de maestría instrumental sorprendente.
"The Camera Eye" muestra la faceta progresiva de Rush en su máximo esplendor y temas como la inquietante "Witch Hunt" o la cruda "Vital Signs", junto a la pegadiza "Limelight", conforman un álbum esencial que después de 30 años, sigue estando a la cabeza de las grandes obras del siglo 20, un disco tan imprescindible como único en la historia de la música contemporánea.
La atmósfera oscura de la primera pista “Gazpacho”, es una clara referencia a la violencia domestica, mientras el humor de la banda esta presente en la parodia que hacen de Brain Wilson con “Cannibal Surf Babe”, una clara alusión al sonido de los Beach Boys en clave progresiva.
El resto esta compuesto por la oscura y acústica “Afraid of Sunrise”, la cual da paso a la dramática e inquietante “Out Of This World”, la rock “Afraid of Sunlight”, y la emotiva “Beyond You”, mientras que la hermosa medio tiempo “Beautiful”, es una de sus canciones mas aclamadas en sus directos, y la contundente “King”, esta ultima es uno de los cortes mas agresivos de toda la carrera del grupo, con un comienzo escalofriante en donde escuchamos muchas muestras de radio sobre la muerte de Elvis Presley y otras personas conocidas, que en poco tiempo se convirtieron en víctimas de su propio éxito y la cual termina con un final estremecedor, conformando todas ellas uno de los trabajos mas coherentes de Marillion, en el cual hay grandes dosis de emoción, complejidad, excelentes instrumentaciones, y unas letras conmovedoras y evocadoras, pero que al mismo tiempo es uno de sus trabajos mas accesibles para el gran publico.
Todos estos caminos musicales y muchos mas, a veces confluyen en un mismo tema, algo que podría ser parte de la descripción general del llamado rock progresivo.
Solo aquellas mentes musicales mas abiertas, encontraran la música de Gentle Giant accesible, y aunque ciertamente ellos nunca superaron por completo el status de banda de culto por acercarse demasiado a la popularidad y el reconocimiento de la critica, nunca sonaron como ninguno de los pesos pesados contemporáneos como Genesis, Jethro Tull, Yes, EL&P o Pink Floyd por solo poner algunos pocos ejemplos.
En 1975 llegaría “Free Hand”, la séptima obra de la banda, un álbum que sin llegar a la complejidad de obras como “Acquiring the Taste” (1971), “Octopus” (1972) o “Power of The Glory”, ni a trabajos posteriores mas accesibles como “Interview” (1976), los lograría mantener en un lugar privilegiado dentro de estilo progresivo de mediados de los setenta.
Un álbum denso, complejo e impecable, en donde desde los arreglos vocales de la medieval “On Reflection”, la alucinante y mecánica musical de “Free Hand” con esos entresijos instrumentales al mas puro estilo del jazz rock, la impresionante y melódica “His Last Voyage”, o la desafiante y sofisticada “Talybont”, sin dejar de mencionar la excelente folk rock “Mobile” y la brillante y accesible “Just The Same”, confirman todas ellas, el que tal vez sea su álbum mas aclamado y reconocido a nivel internacional, al mismo tiempo que su obra mas esencial y considerada una de los joyas del rock progresivo de los setenta.
Rick Davies volvería a contar con el cantante Mark Hart en un intento de conseguir mas variedad musical a su estilo, además de la colaboración del guitarrista Carl Verheyen, mientras en el resto de la banda figuraban los miembros originales John Helliwell y Bob Siebenberg, mas el bajista Cliff Hugo, quien había sustituido a Dougie Thompson algunos años atrás.
Cambiar a un sonido mas relajado y suave fue una mejora sustantiva y eso fue lo que sucedió con este “Slow Motion”
El tema que lleva por titulo el álbum es la encargada de abrir este trabajo, con un ritmo adictivo y pegadizo, mientras “Over You” muestra la faceta experimental del grupo con un corte cercano al doo-wop con un ritmo fuerte y contagioso no muy diferente al mostrado en “My Kind of Lady” del álbum “Famous Last Words”.
La vivaz “Tenth Avenue Breakdown” es el momento mas progresivo con ese ritmo animoso que nos trae recuerdos a la soberbia “Child of Vision” del "Breakfast In America”, con un interludio final instrumental en donde la guitarra de Verheyen toma el protagonismo con su espectacular solo, por otro lado recuperan la inquietante armónica y los vientos en la bluesy “A Sting in the Tail”.
La jazzistica “Bee In Your Bonnet” es junto con la mas oscura y compleja “Dead Man´s Blues”, otros de los puntos culminantes de este disco que como curiosidad contiene una pista que fue compuesta para su tercera obra “Crime of the Century” en 1974 y que nunca fue publicada oficialmente en ningún otro trabajo titulada “Goldrush”.
Este terminaría siendo el ultimo álbum de estudio de Supertramp, y aunque la banda después de este lanzamiento han regresado en varias ocasiones con Davies a la cabeza, siempre ha sido con fines esporádicos para giras alrededor del mundo.
Para este grabación contaría con el apoyo de una gran cantidad de músicos de renombre como Rick Derringer, David Sanborn, Randy Brecker o Mike Brecker, entre otros muchos, los cuales enriquecieron la paleta musical de este sobresaliente cuarto trabajo del músico norteamericano.
“A Wizard, A True Star”, se divide en dos caras totalmente diferentes, una primera compuesta por doce composiciones cortas a modo de suite que representan un viaje desafiante en donde se pueden escuchar desde delicadas versiones como “Never Never Land”, del musical Peter Pan, hasta temas de una locura deliciosamente incoherente como “Dogfight Giggle”, pasando por la excelente “Zen Archer”, el momento mas progresivo y largo de esta primera cara del álbum.
Para la segunda, el musico se reserva su lado mas convencional pero conservando la fina diversidad de la cara anterior, en donde sobresalen algunos viejos temas del pop norteamericano con ese estilo característico del sonido Motown con las versiones de los Delftonics “La La La Means I Love You”, “Ooh Baby Baby” de The Miracles o la de The Impressions “I´m So Proud”, sin dejar de mencionar las de cosecha propia como son las fantásticas ”Sometimes I Don´t Know What to Feel” o el epilogo “Just One Victory”, que cierran de manera espectacular este soberbio trabajo de uno de los mayores genios de la música popular del siglo 20.
“Famous Last Words” denota esa falta de compenetración y una gran disparidad de criterios en el resultado final, y aún así y pese a no lograr las excelencias musicales de obras como “Crime of the Century” o el mencionado “Breakfast in America”, reboza brillo y calidad con una serie de canciones adictivas y pegadizas.
Son sin duda los temas compuestos por Rick Davies los que muestran la faceta mas progresiva de la banda, como queda demostrado en la jovial “Put On Your Old Brown Shoes”, la progresiva “Bonnie”, la hermosa y melódica “My Kind Of Lady” o la sinfónica “Waiting So Long”, mientras que las escritas por Roger Hodgson tienen ese sutil toque de pop sencillo y contagioso como queda patente en piezas como la adictiva “It´s Raining Again”, la acústica “Know Who You Are”, la armoniosa “Crazy”, la excelente “C´est le Bon” o la angustiosa “Don´t Leave Me Now”.
Pese a la evidencia de la ruptura del binomio Davies-Hodgson, el álbum lograría unas ventas mas que aceptables, alcanzando varios números unos alrededor del mundo y media docena de discos de platino.
Formados a principios de los 70 por el baterista Hiro Tsunoda y el guitarra, bajo y voz Shigeru Namuro, su único lanzamiento data del año 1971 y lleva por titulo “When The Raven Has Come The Earth”, publicado bajo la subsidiaria japonesa de Philips.
En este único trabajo, el dúo muestra su enorme influencia por el hard blues rock de la época heredero de artistas coetáneos como Grand Funk Railroad, Jimi Hendrix o Deep Purple como queda demostrado en los potentes cortes “I Gotta See My Gypsy Woman”, “Five More Penies” o “Woman Called Yellow Z”, mientras “Second Fate”, “Maximun Speed Of Moji Bird” y el tema que da titulo al álbum, son acercamientos al hard rock progresivo.
Poco después de este lanzamiento las banda decidiría cambiar de nombre pasando a denominarse “Flied Egg”, sin embargo y pese a ello, algún tiempo mas tarde se disolvieron definitivamente.
Además supuso su trabajo mas exitoso en los Estados Unidos, logrando varios discos de platino y puestos muy altos en las listas de medio mundo.
Un trabajo tan solido como vibrante que contiene una retahíla de temas a cual mas penetrante como la inicial y asesina “Electric Eye”, con ese frenético ritmo machacón, o la acelerada “Riding on The Wind”, con “Bloodstone”, la banda baja una marcha con un potente y pesado hard rock, mientras "(Take These) Chains” y “Pain and Pleasure” parecen dar un respiro al furioso ritmo del álbum con potentes y poderosas piezas de heavy rock, pero manteniendo el pie en el freno, sin embargo pronto vuelven a poner la quinta marcha y aceleran en el ultimo tramo del álbum con “Screaming for Vengeance”, “You´ve Another Thing Coming” y la pegadiza “Devil´s Child”.
Por entonces la banda liderada por Andy Latimer había sufrido numerosos cambios con respecto al anterior trabajo en donde solo repetirían el bajista David Paton y el cantante Chris Rainbow (ambos colaboradores habituales de The Alan Parsons Project), además de Mel Collins al saxo, Paul Burgess a la batería y los teclistas Haydb Bendall y Ton Scherpenzeel.
Grabado a modo conceptual sobre los años de la construcción del muro de Berlín en la década de los 60, su repertorio esta basado principalmente en las espléndidas melodías de guitarra de Latimer y pese a esa trama conceptual, ese concepto nunca llega a dominar la música grabada aquí.
Todo ello queda demostrado en la sublime instrumental que da titulo al álbum, con un Andy Latimer sobresaliente en las partes de guitarra o la contundente “West Berlin”, mientras la épica “Pressure Point”, pone el momento mas progresivo del álbum, sin dejar de mencionar la mas pegadiza y comercial “Cloak and Danger man” o la tensa "Refugee”, con las cuales conforman uno de los proyectos mas completos de la década de los ochenta del grupo británico y que paso bastante desapercibido injustamente teniendo en cuenta la enorme calidad que atesora.
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