Para la compleja grabación de esta obra, Webber recurriría a una serie de músicos de gran renombre, como su hermano Julian, un violonchelista virtuoso, cuyo instrumento es el elemento central de la música aquí expuesta.
El resto esta formada por los miembros de la banda de jazz rock progresivo Colosseum II, es decir Gary Moore a la guitarra, Don Airey a los teclados y su fascinante sección rítmica de jazz compuesta por Jon Hiseman (batería y percusión) y John Mole (bajo).
Además también participan los míticos Rod Argent a los teclados, Herbie Flowers al bajo, Bill LeSage al vibráfono, Phil Collins a la batería y Barbara Thomson a los instrumentos de viento.
El resultado final es una brillante pieza clásica que se transforma en varios estilos que van desde los sonidos blues y hard rock hasta el jazz y el progreso sinfónico, todo ello sin perder ninguna coherencia, convirtiendo a esta obra en uno de los mayores logros y todo un hito en unir la música clásica y la música rock de manera tan apabullante y antológica.
Si bien no está tan completamente realizado o pulido como las obras maestras posteriores “Fragile”, “Close To The Edge”, “Tales from Topographic Oceans” o “Relayer”, es un trabajo casi tan ambicioso y maduro como estos, y el cual los situaba en el panteón del rock progresivo de principios de los 70.
Y es que a medida que Yes iban creciendo en madurez, se volvieron más ambiciosos y experimentales, cambiando su formación (la primera de muchas), para adaptarse a sus ambiciones y necesidades.
En esta tercera entrega ya aparece Steve Howe, sustituyendo a Peter Banks, con el cual la banda tomaba otra dimensión a nivel tanto compositivo como instrumental.
Aquí aparecen tres de las mas grandes epopeyas de toda la carrera de Yes, para empezar "Yours Is No Disgrace", todo un clásico del rock progresivo, un tema dinámico, aunque sin llegar a la complejidad de las otras dos grandes piezas restantes como son las monumentales "Starship Trooper", un adelanto de lo que llegaría en los álbumes sucesivos y la atemporal "I´ve Seen All Good People", ambas divididas en varios movimientos, en donde la versatilidad de Howe, Squire, Kaye y White, son el perfecto contrapunto a la voz angelical y las místicas letras de un Jon Anderson inconmensurable.
Las menores "Clap", (una pieza incluida para reforzar las habilidades y la destreza del nuevo guitarrista Steve Howe), y la previsible y en cierta medida prescindible "A Venture", conforman la primera obra maestra de una de las mas grandes bandas de la historia de la música rock.
De esa epoca destacan los álbumes “Alpha Centauri” (1971), “Zeit” (1972) y “Atem” (1973), trabajos todos ellos repletos de una sinfonía espacial electrónica que incluso incluían algunos elementos tribales y que se acercaban a la escena progresiva del krautrock.
La segunda etapa es la llamada “Los años de Virgin”, que entre 1974 y 1983 esta considerada la fase culminante del grupo.
Ella marca un giro radical en el sonido de Tangerine Dream, apostando nuevamente por las largas suites pero adquiriendo una entidad propia y un mayor y mejor usos de los teclados y sintetizadores y una propuesta mas accesible aunque sin embargo no alejados de la experimentación.
De esta epoca sobresalen los monumentales “Phaedra" (1974), "Rubycon" y "Ricochet", ambos de 1975, "Stratosfear" (1976), "Encore" de 1977 o "Force Majeure" de 1979.
Durante la segunda mitad de los setenta los conciertos en vivo de Tangerine Dream eran únicos y espectaculares. Por la delicadeza de los equipos analógicos, el trío alemán improvisaba cada noche un nuevo show, adoptando las líneas principales de largos conciertos donde la furia secuencial apoyaba la ferocidad de los sintetizadores, los teclados y el Mellotron, así como el enfoque rockero de la guitarra de Froese y "Encore" es seguramente uno de los mejores ejemplos de todo ello.
"Encore" fue el segundo álbum en vivo de Tangerine Dream. Esta vez, se trata de un doble álbum que se grabó durante la gira norteamericana de la banda, de marzo a abril de 1977. Pero a diferencia del anterior directo "Ricochet", el cual es técnicamente un álbum en vivo que no tuvo presencia de público, en "Encore" el público hace notar su presencia en determinados momentos, dotando a la grabación de un ambiente de directo adecuado.
Compuesto por cuatro largos temas, este doble álbum comienza con "Cherokee Lane", sin duda la más conservadora de las cuatro pistas en términos de duplicación de los trabajos anteriores. Los Mellotrones están por todas partes, creando ese estado de ánimo inquietantemente hermoso y místico. La siguiente "Monolight" proporciona el momento mas complejo, entretejiendo tonos mayores y menores con la melodía principal a base de los mini-moog. "Coldwater Canyon" es el título de la pista en donde sobresale Edgar Froese. Una suite intensa, optimista y rockera que presenta a Froese en plena forma con la guitarra eléctrica, mostrando su capacidad de destreza e improvisación. Aún siendo un tema de vanguardia, se aleja del repertorio habitual de la banda. La última pista, "Desert Dream", encierra el álbum en un estilo puramente atmosférico, pasando de pasajes oscuros y experimentales a partes hermosas y etéreas con toneladas de mellotrones y un toque oriental que encaja con el título de la pista, la cual finaliza recordando los vapores de "Invisible Limits" de "Stratosfear".
En 1972 publicaba una de sus grandes obras "Something/Anything?”, un doble álbum donde Rundgren explora una amplia gama de estilos musicales que van desde el rock hasta el soul, pasando por el pop simple y el power pop.
Confeccionado en cuatro caras bien diferenciadas, el músico norteamericano se encarga de tocar todos los instrumentos en las tres primeras, en donde aparecen composiciones tan brillantes como las melódicas “I Saw The Light” y “One More Day (No World)", la frenética “Little Red Lights”, la rock “Black Maria”, la brillante “Torch Song” o la espléndida versión “Hello It´s Me”, tema el cual ya había sido publicado unos años antes junto a su germinal banda Nazz. Para la cuarta cara del álbum, Rundgren esta acompañado de una nutrida colaboración de grandes músicos entre los que destacan Rick Derringer, Mike Brecker, Jim Horn, Randy Brecker, Stu Woods o Randy Read entre muchos mas.
En este cuarto lado, Rundgren da rienda suelta a su pasión por sus raíces musicales con bellas melodías como “Dust in The Wind” o temas puramente rock como la visceral “Some Folks is Even Whiter Than Me”.
Exodus fue formada en Varsovia a mediados de 1976, (no confundir con la banda norteamericana de trash metal del mismo nombre, de la década de los ochenta), sus primeros años transcurrieron con innumerables actuaciones en todo el territorio polaco, labrándose una gran reputación entre los aficionados al genero.
Su formación estaba compuesta por Paweł Birula (voz y guitarras), Andrzej Puczyński (bajo, guitarras, sintetizadores y voces), Władysław Komendarek (teclados), Wojciech Puczyński (bajo y guitarras) y Zbigniew Fyk (batería y voces).
A mediados de 1980 logran auto producirse el álbum "The Most Beautiful Day", el cual se convierte en uno de los mejores lanzamientos del rock progresivo europeo de ese año.
Un álbum con grandes tendencias sinfónicas, que sin embargo no es muy representativo del sonido típico de su país, orientando su música hacia un estilo mas anglosajón muy cercano a los Genesis de la primera época.
Grandes arreglos con un uso intensivo de los teclados y las guitarras eléctricas, hermosas texturas acústicas y un estilo de música rock fuertemente influenciada por el sonido sinfónico, son su denominador común como queda demostrado en el tema mas destacado del álbum, la suite "The Most Beautiful Day", toda una epopeya dividida en cuatro movimientos con brillantes interacciones instrumentales, pasajes sonoros bucólicos y movimientos mas oscuros de órgano y clavicémbalo.
Un año mas tarde la banda publicaría un segundo trabajo, "Supernova", el cual seguía por unos derroteros parecidos al primer álbum.
A mediados de los ochenta la banda se disolvería definitivamente hasta años después cuando regresarían con dos meritorios trabajos titulados "Nadzieje, Niepokoje" (2006) y "Hazard" (2008).
Sin embargo, lo cierto es que el sexto álbum de la banda de Topeka es la obra de su mejor época menos valorada y mas menospreciada, y en parte fue debido al comienzo de la creatividad regresiva del grupo, que de todas maneras esta confeccionado con una serie de temas sólidos, interpretados astutamente y con una instrumentación sobresaliente por parte de todos los miembros del grupo.
Habría que señalar que después de dos obras cumbres como fueron "Leftoverture" y "Point Of Know Return", la banda empezaba a mostrar divisiones entre sus miembros, especialmente entre el vocalista Steve Walsh, el cual deseaba seguir un camino musical mas simple, mas rockero y menos espacial y progresivo, y por otro el guitarrista Kerry Livgren, quien se inclinaba por temas mas complejos con letras místicas y grandes arreglos que bordeaban lo espiritual (habría que recordar que Livgren por aquellos años era un ferviente partidario del Libro de Urantia, una especie de alter-Biblia espiritual que surgió en Chicago a mediados del siglo XX).
A pesar de la tendencia musical de asentarse en el hard rock complejo, este "Monolith" aún conserva muchos momentos progresivos como se demuestran en los cortes "On The Other Side", "Angels Have Fallen" o "A Glimpse Of Home", temas todos ellos con grandes clímax instrumentales.
Estas son secundadas por cortes enfocados al hard rock "How My Soul Cries Out For You" o "Stay Out Of Trouble", melodías pegadizas "People Of The South Wind", cortes mas eclécticos como la heredera a los sonidos de la America profunda "Away From You" o la solemnidad del cierre "Reason To Be".
Sin embargo y pese al rechazo de un sector de sus fans, comercialmente y lejos de sus multimillonarios hitos anteriores, "Monolith" alcanzaría un meritorio disco de platino por sus abundantes ventas en el mercado norteamericano.
Para ello se trasladaría a Paris, mientras el resto de la banda permaneció en Los Ángeles, esperando que de alguna manera Morrison pronto se aburriera de escribir poemas a la orilla del Sena y regresara para seguir con la carrera del grupo.
Apenas tres meses después, el 3 de julio, Jim Morrison fallecería de un supuesto infarto, en una de las muertes mas polémicas y misteriosas de la historia de la música moderna.
Pero antes de este luctuoso suceso, en abril se publicaba oficialmente “L.A.Woman”, para muchos el canto del cisne de The Doors y toda una obra maestra de la música contemporánea.
Un álbum que muestra a un Jim Morrison con un claro acento blues decrépito, debido sin duda a sus años de abuso de sustancias derivadas de las drogas y a su autodestrucción, pero que sin embargo de alguna manera ayuda a que la música aquí sea mas mezquina y cruda y al mismo tiempo incluso mas refinada.
Con un papel todavía bastante dominante en las composiciones por parte de Jim Morrison, a pesar de ello se denota un menor entusiasmo y a la postre un mayor protagonismo de Manzarek, Desnmore y Krieger, en el que es sin duda el trabajo donde mas brillan sin estar oscurecidos por el rol de su líder.
También es el álbum en el que cuentan con un bajista de manera oficial, papel que recaería en Jerry Scheff, además de contar con un segundo guitarrista, Marc Benno.
Ambas contribuciones, sobre todo la primera, liberaba a Ray Manzarek en el rol de teclista, otorgándole un mayor protagonismo instrumental.
En “L.A.Woman” no hay ningún corte que sobresalga sobre el resto si exceptuamos a esa antología que es “Riders on The Storm”, desde la inicial “The Changeling”, con sus patrones rítmicos en evolución y esos teclados funkys (curiosamente una década después la banda Lipstick, tomaría “prestada” la base rítmica de esta canción para su hit mundial “Funkytown”), hasta temas blues con acordes jazzisticos, “Been Down So Long”, “Cars Hiss By My Windows” o “Crawling King Snake”, pasando por cortes proto prog como la vertiginosa canción principal, la melódica y con un gran trabajo de percusión y órgano “The Wasp” o la impresionante “Riders On The Storm”, una deslumbrante epopeya que ha pasado a los anales del rock como todo un clásico atemporal.
Quince discos de platino, media docena de discos de oro y cerca de 7 millones de copias vendidas alrededor del mundo, fueron los impresionantes registros de este asombroso ultimo álbum de The Doors con Jim Morrison al frente de la banda.
Sin embargo ambos álbumes no fueron demasiados comprendidos por una parte del publico y de la prensa, entre otros motivos por ser bastantes oscuros y retorcidos, por lo que Ian Anderson para su siguiente movimiento optaría por un formato de canciones mas cortas y convencionales sin dejar de lado su sarcástica critica a la sociedad establecida.
En esta nueva entrega vuelven a aparecer igualmente los arreglos un tanto tortuosos, con violines, flautas, sintetizadores, órgano, acordeones y guitarras eléctricas que son solo algunos de los instrumentos mezclados para este álbum, el cual para muchos resulta uno de los trabajos mas ambiciosos de la banda británica.
Aquí ya aparece como miembro permanente David Palmer, el cual otorga con sus suntuosos arreglos orquestales clásicos un sonido rico y ecléctico.
Unos arreglos que por otra parte son asombrosamente ejecutados, equilibrando admirablemente la música que este álbum contiene.
El variopinto repertorio de sonidos incluye acercamientos al hard rock “Back-Door Angels”, con interludios folky “Sealion”, temas melódicos muy cercanos al folk rock “Bungle In The Jungle”, agradables canciones acústicas medievales “Only Solitaire”, tiernas baladas “Skating Away On The Thin Ice of the New Day” o brillantes composiciones made in Jethro Tull como “Queen and Country” o Two Fingers”.
En definitiva “War Child” supuso la vuelta de Jethro Tull a la senda de los discos de estructura simple y se convirtió en uno de los mejores lanzamientos del rock progresivo de la década de los años 70.
