lunes, 31 de mayo de 2021

The Rolling Stones-Exile On Main St. (1972)

A principios de los setenta The Rolling Stones se habían mudado a Francia huyendo del agobiante fisco británico y seria allí mismo, en las tierras galas, cuando comenzarían a preparar su nuevo album, el que haría cronológicamente el décimo de su carrera. Sin embargo la estancia en Francia no seria un camino de rosas para el grupo. Para empezar las adicciones a las drogas de algunos de sus miembros, principalmente Jagger y Richards, el nefasto lugar escogido para la grabación del album, una mansión en donde residía habitualmente Keith Richards y su familia, cerca de Cannes, la cual tenia tras de si un turbio pasado, al ser un cuartel de la Gestapo durante la Segunda Guerra Mundial, ademas de las caoticas sesiones de grabación llevaria todo ello a unas polemicas y marationianas semanas de total descontrol y desmadre sin precedentes. Durante esas sesiones todo se volvía frenético, desde la deficiente instalación eléctrica para los potentes y sofisticados equipos de estudio, hasta el ir y venir de infinidad de amigos y conocidos de la banda, (incluidos traficantes de drogas), sin contar el nutrido personal de grabación, encima a todo ello habria que sumarle los continuos parones en las grabaciones debido a las habituales ausencias de algunos de los músicos del grupo que se largaban para asuntos particulares, tanto desbarajuste significaba un tremendo caos que de alguna manera se termino integrando en el sonido final del album, con una infinidad de criticas por parte de la prensa especializada tras su publicación. Este hostil recibimiento se terminaría convirtiendo con el tiempo en la obra maestra del grupo, considerada como una de las obras cumbres del rock.
En este album la banda exploraba como nunca diferentes terrenos como el jazz, el soul, el gospel, el country, el blues o el rockabilly, con muchos momentos instrumentales a modo de jams, donde sobresalían una serie de brillantes canciones como la comercial “Tumbling Dice”, la rock “Rip This Joint”, la country “Torn And Frayed”, la barriobajera “Ventilator Blues” la rock and roll “Shake Your Hips” o las tremendamente adictivas y muy stonianas “All Down The Line” y “Rocks Off”. Para muchos esta fue la ultima gran obra de The Rolling Stones, pese a que su docena de lanzamientos posteriores hayan sido muchos de ellos grandísimos albumes de rock, pero ninguno con la variedad, el frenetismo, y la genialidad algo desmadrada, tal vez producto de su azarosa grabación, de este mítico “Exile On Main St.”

domingo, 30 de mayo de 2021

Journey-Raised On Radio (1986)

Después de los enormes “Escape” (1981) y “Frontiers” (1983), los cuales fueron unos impactos descomunales de criticas y ventas, Journey se tomarían tres años lejos de los estudios y los escenarios, tiempo este que aprovecharía su vocalista Steve Perry para publicar su primer album en solitario “Street Talk” (1984) con el cual también obtendría dos discos de platino por sus millonaria ventas. Dos años mas tarde Journey vuelven a entrar en los estudios para su siguiente lanzamiento, pero esta vez la banda se había reducido a un trío, al no estar interesados ni Ross Valory ni Steve Smith en seguir adelante. Para las sesiones de grabación de este album el resto de la banda tiraría de músicos de sesión como los bajistas Randy Jackson y Bob Glaub y de los baterias Mike Baird y Larrie Londin y fue grabado durante los meses finales de 1985 en California, mientras la producción corrió a cargo del propio Steve Perry. “Raised On Radio” fue publicado oficialmente en abril de 1986 y si bien cosecho buenas criticas y unas “razonables” ventas de mas de dos millones de copias, quedaría muy lejos de los multimillonarios “Escape” y "Frontiers”. Para cuando fue publicado parte de la prensa achacaría este album, mas como una obra de Steve Perry en solitario, que de Journey como banda, en parte debido a los sonidos continuistas del album en solitario del cantante, con un estilo mucho mas heterogéneo en donde se dan cabida elementos proximos al funk y jazz producto de la inclusión de instrumentos de vientos y armónicas, algo que ya había introducido en “Street Talk”. Aun así y todo este “Raised on Radio” contenia un repertorio irresistible de grandes melodías AOR como la impresionante “Girl Can´t Help It” donde Perry pone de relieve su magistral voz, la elegante “Suzanne”, la intensa “Why Can´t This Night” o el arrebatador “Be Good To Yourself”, temas en los cuales sobresalen las selectas melodías guitarristicas de Neal Schon y los arrolladores teclados de Jonathan Cain.

sábado, 29 de mayo de 2021

Wishbone Ash-Live Dates (1973)

Si en el post anterior hablábamos del inconmensurable “Made in Japan” de Deep Purple, este "Live Dates" que nos ocupa hoy, esta casi practicamente a su mismo nivel. En 1973 Wishbone Ash ya habían publicado cuatro albumes, tres de ellos obras imprescindibles en su discográfia y en el rock en general; "Pilgrimage" (1971), "Argus" (1972) y "Wishbone Four" (1973), en todos ellos esta banda fomentaría el uso de las dobles guitarras con una espectacular coordinación, un método que posteriormente seria imitado por bandas como Thin Lizzy, Iron Maiden o Judas Priest entre otras muchas. Grabado entre los días 17 y 24 de junio de 1973 en diferentes ciudades británicas y norteamericanas, Wishbone Ash nos deleita con las guitarras épicas de Andy Powell y Ted Turner, las voces melodiosas de todos sus componentes  y una sección rítmica poderosa conformada por el bateria Steve Upton y el bajista Martin Turner, tocando un rock atractivo y de enorme clase. Clásicos imperecederos como "Throw Down The Sword", "Rock´n´Roll Widow", "Lady Whiskey", "Phoenix", "The King Will Come", "Warrior" o "Blowin´Free" se van sucediendo a lo largo de la hora y media de duración de este soberbio album, todas ellas ejecutadas de manera soberbia, con muchísimo feeling y un gran talento instrumental por parte de toda la banda. “Live Dates” es un documento histórico espectacular, una obra maestra y como dijo alguien en una ocasión "Existen directos igual de buenos a este, pero nunca mejores" .

viernes, 28 de mayo de 2021

Deep Purple-Made In Japan (1972)

Considerado la quintaesencia de los albumes en directo, “Made In Japan” fue el segundo album grabado en vivo de Deep Purple después de “Concerto For Group And Orchestra” grabado en 1969. Catalogado como su obra mas legendaria y a la vez uno de los hitos de la historia del rock, fue grabado durante la gira del album “Machine Head” en tierras niponas en agosto de 1972 en las ciudades de Osaka y Tokio. Un doble album que representa la mejor demostración del poderío y la grandeza de Deep Purple, quienes por entonces estaban en la cúspide del hard rock mundial. Sin embargo en un principio las grabaciones extraídas de estos conciertos eran destinadas a un album en vivo para el mercado japonés, finalmente fueron publicadas a nivel mundial, cosechando un éxito abrumador en multitud de países. Desde el inicio con “Highway Star” la banda muestra un clarividencia y elocuencia rotunda y abrumadora, con unos riffs de guitarras a cargo de Ritchie Blackmore antológicos, una sección rítmica demoledora, unos teclados fantásticamente ejecutados por Jon Lord y un Ian Gillan pletórico con su voz. A este tremendo inicio le siguen una alucinante versión de “Child In Time”, en donde Gillan hace alarde de su voz estructurada y chillona, la iconica “Smoke on The Water” con ese riff ya histórico por parte de Blackmore, la instrumental “The Mule” la cual contiene uno de los solos mas memorables del bateria Ian Paice, la blues rock jazzistica “Lazy”, la espontanea y alegre “Strange Kind Of Woman”, o la progresiva y extensa jam “Space Truckin” en la cual encontramos grandes momentos de lucidez individual para cada miembro del grupo, conforman un album de obligada escucha para todo amante de la musica rock.

jueves, 27 de mayo de 2021

Premiata Forneria Marconi-Chocolate Kings (1975)

Con su cuarto album la banda transalpina Premiata Forneria Marconi perdería el lirismo musical y barroco de su estilo progresivo para orientar su sonido hacia tonalidades mas anglosajonas y ecos sonoros americanos. Y es que la banda en un intento de conquistar esos mercados incorporo al vocalista Bernardo Lanzetti el cual hablaban un ingles perfecto y su vocalización era parecida a la de Peter Gabriel. Pero ademas de ser el primer album del grupo en ser cantando íntegramente en ingles, también musicalmente habría un cambio significativo en sus composiciones dejando atrás esos aromas mediterráneos y encantadores de sus primeras obras por un rock progresivo anglosajón bien demostrado en cortes como la genesiana “From Under”, la poderosa “Out Of The Roundabout” con claro acento a la banda Yes, o los sonidos mas comerciales de “Harlequin” y “Chocolate Kings” en donde las guitarras se torna con sonidos poderosos acercandose con ello al típico rock americano.
“Chocolate Kings” tuvo su merecida recompensa al ser su obra mas exitosa comercialmente, con una gira mundial que le proporciona mucha popularidad en países como Japón y los Estados Unidos.

miércoles, 26 de mayo de 2021

Emerson, Lake & Palmer-Welcome Back My Friends To The Show That Never Ends...Ladies and Gentleman (1974)

Para el año 1974 Emerson, Lake & Palmer ya habían publicado sus mejores albumes, cuatro obras imprescindibles en la historia del rock y al mismo tiempo cuatro obras maestras del rock progresivo. En medio de la gira mundial del album “Brian Salad Surgery” en febrero de 1974 se grabo uno de sus conciertos al completo, que meses mas tarde seria publicado en formato de triple LP. “Welcome Back My Friends To The Show That Never Ends...Ladies and  Gentleman” fue la mejor muestra de la grandilocuencia, la ostentación y el enorme talento de una súper banda como Emerson, Lake & Palmer, con un triple album de autentico lujo de presentación y contenido.
A pesar de que las tomas en directo adolecen de la fuerza de los temas originales en estudio, producto de una grabación que no estuvo a la altura, fue suplido por el grandísimo rendimiento en proporción al virtuosismo y la enorme capacidad instrumental de los tres músicos, de los mas talentosos que el rock haya conocido jamas.
Este monumental directo contiene situaciones memorables e impactantes como la interpretación al completo del mencionado “Brian Salad Surgery” con sublimes composiciones como “Jerusalem”, “Karn Evil 9” o “Tocatta” o el soberbio y alucinante medley “Tarkus; Eruption/Stones O Years/Iconoclast/Mass/Manticore/Battefield”, en esta ultima parte incluso aparece un emocionante fragmento de “Epitaph” de King Crimson, que lo convierte en uno de los momentos cumbres del album. Por otra lado las improvisaciones de Keith Emerson desviando la musica hacia compositores clásicos como Friedrich Gulda, Joe Sullivan o Ottorino Respighi consigue una asombroso parentesco entre la delgada linea entre la música culta y el rock progresivo. “Welcome Back...” es uno de los mas grandes y extraordinarios documentos en vivo que se recuerdan y una obra maestra de la música contemporánea.

martes, 25 de mayo de 2021

Yes-Relayer (1974)

“Relayer” es junto a “Tales From Topographic Oceans”, uno de los albumes mas difíciles, inaccesibles y enrevesados de Yes, pero no por ello obras menores, todo lo contrario, son obras maestras del rock progresivo, que sin embargo a pesar de que comercialmente tuvieron un menor impacto, ello fue producto por la complejidad y al mismo tiempo su faceta menos armoniosa y asequible. En cierto modo “Relayer” sigue la tendencia del mencionado “Tales From Topographic Oceans” publicado un año antes.
Pero la epopeya musical de casi proporciones bíblicas que significo “Tales From...” tuvo su primera víctima, Rick Wakeman, quien llego a aborrecer las complejas composiciones basadas en las filosofías orientales que el cantante Jon Anderson junto a Steve Howe compusieron durante muchísimas horas entre concierto y concierto durante la gira del “Close To The Edge Tour”. Finalmente al terminar la gira posterior al mencionado “Tales From...” Rick Wakeman abandonaba la banda para dedicarse a su carrera en solitario, la cual ya había comenzado en 1973 con su album “The Six Wives Of Henry VIII”, por lo que tuvieron que buscar un sustituto que tuviera las cualidades idóneas para el puesto. Si bien en un principio el escogido fue Vangelis, finalmente seria el teclista suizo Patrick Moraz el elegido. Patrick Moraz ya tenia tras de si una interesante carrera con las bandas Mainhorse y Refugee, este ultima del genero del rock progresivo al mas puro estilo ELP, por lo que su intervención fue simplemente perfecta, sin que nadie echara en falta al rubio teclista de largas melenas y coloridas capas. “Relayer” estructuralmente consta de tres extensos temas, empezando por la jazzistica y progresiva “The Gates Of Delirium” un prodigioso ejercicio de 23 minutos inspirado en la obra de Tolstoi “Guerra y Paz”, la cual es uno de los cenit compositivos e instrumentales de Yes. Ya en la segunda cara aparecen la brutal “Sound Chaser” en donde hay elementos de free jazz y de un visceral rock con toneladas de sonidos progresivos, sobresaliendo un inconmensurable Steve Howe, sublime a las seis cuerdas y para finalizar “To Be Over” un tema repleto de remansos de paz y solemnidad en donde Jon Anderson simplemente lo borda de manera apoteósica.
“Relayer” fue la confirmación del alejamiento de la banda de los sonidos accesibles y melódicos, para enfocarse en propuestas mas arriesgadas y experimentales, algo que los mantendría alejados durante casi tres años de nuevos lanzamientos discográficos.

lunes, 24 de mayo de 2021

The Alan Parsons Project-I Robot (1977)

Si ya a mediados de los 70, Alan Parsons se había convertido en uno de los mas famosos ingenieros de sonido con algunos de los mejores y mas aclamados albumes, en los que pondría su talento en las labores de producción, como “The Dark Side Of The Moon” de Pink Floyd o “Year Of the Cat” de Al Stewart entre otros muchos, con su proyecto The Alan Parsons Project su popularidad se dispararía definitivamente.
“Tales Of Mystery And Imagination” su primera obra, había impresionado al mundo con un pop pomposo, grandes arreglos y con una dosis de rock progresivo no exento de cierta comercialidad. El éxito de este album llevaría a duo Parsons y Woolfson a crear otro album conceptual siguiendo la estela del anterior trabajo. Si en “Tales Of Mystery...” el concepto giraba alrededor del escritor Edgar Allan Poe, esta vez seria sobre Isaac Asimov y su libro futurista y aclamado “I, Robot”. Para esta obra Alan Parsons volvía a contar con parte de los músicos que habían intervenido en la grabación del album anterior como David Paton (bajo y guitarras acústicas), Stuart Tosh (bateria), y Ian Bairnson (guitarras), ademas de nuevas incorporaciones como el teclista Duncan Mackay, el guitarrista B.J.Cole o los cantantes Lenny Zakatek, Allan Clarke, Steve Harley o Dave Townsend. También repetiría Andrew Powell en los arreglos orquestales y por supuesto Eric Woolfson y el propio Alan Parsons ambos encargados de  diferentes instrumentos como los teclados, guitarras y voces.
Grabado en los estudios Abbey Road de Londres a finales de 1976 y principios de 1977, “I Robot” fue publicado en junio de 1977 por el sello Arista, su recepción fue mejor que su predecesor, llegando a entrar entre los diez primeros puestos de las listas de varios países, con varios discos de oro y platino ademas de unas ventas que superaron con creces el millón de copias. Musicalmente el album cuenta con complejos arreglos instrumentales, que sin embargo son tremendamente adictivos y aunque adolece de la solemnidad de su debut, con un tono mucho menos épico, también es cierto que resulta un trabajo mucho mas melódico.
Casi 45 años después, obras como esta, se mantienen como un hito y han superado el tiempo transcurrido, hasta el punto de que perfectamente podría haber sido grabada en la actualidad, gracias a la producción tan adelantada a su tiempo, que tuvo este imprescindible album.


domingo, 23 de mayo de 2021

Ten Years After-Cricklewood Green (1970)

“Cricklewood Green” es uno de los momentos cumbres del blues rock británico, un album tan grande como lo era la banda que creo esta maravillosa obra descomunal; Ten Years After. Publicado a mediados de 1970, este fue el quinto album de la banda, en donde lograban la madurez compositiva y en parte se alejaban de la onda psicodélica de sus obras anteriores, combinando dinamismo y versatilidad a la par que cierta dosis de comercialidad. Sin embargo su inconfundible esencia blues se muestra en gran parte del album, el cual contiene enormes cortes como la potente “Sugar The Road”, la dinámica “Working on The Road”, las espléndidas “50.000 Miles Beneath My Brian” y “Love Like A Man”, la jazzistica “Me And My Baby” o la sureña “Year 3000 Blues”. "Cricklewood Green” es la mejor muestra de una de las esenciales bandas de blues rock de la historia y la de su líder, el carismático y fabuloso guitarrista Alvin Lee.

sábado, 22 de mayo de 2021

Led Zeppelin-Houses Of The Holy (1973)

Cuando alguien crea una serie de joyas insuperables, poco o nada le queda por demostrar, y eso mas o menos fue lo que ocurriría con Led Zeppelin, después de sus cuatro primeros discos, considerados todos ellos obras maestras absolutas del hard rock.
En 1973 Led Zeppelin estaban en la cima de su popularidad a nivel mundial, ellos habían dejado tras de si, unas obras que hoy en día son estudiadas por los eruditos en la materia, plenos de energía, creatividad, magia, fuerza y sobre todo originales. Llegados a este punto la banda se relajaría y publicaría su album mas variado y experimental, en donde se dan cabida sonidos tan dispares como el funk, el soul o el reggae. Como ya había sucedido en sus anteriores albumes, “Houses Of The Holy” lograría encaramarse hasta el numero uno en las listas de medio mundo con unas ventas que superan al día de hoy los 13 millones de copias. Publicado a finales del mes de marzo de 1973, de entre sus surcos habría que destacar primero los temas mas experimentales como la funky “The Crunge”, la reggae “D´Yer Mak´er´”, la folk “Over The Hills And Far Away”, y la comercial y rítmica “Dancing Days”. Mientras en el resto, salía a relucir el sonido característico y unico de la banda al encontrarnos con las clásicas “The Song Remains The Same”, “No Quarter” y “The Ocean”, tres temas de hard rock que se convirtieron en piezas imprescindibles de sus directos. Con “House Of The Holy” la banda volvía a dejar el listón muy alto, y si bien esta a un nivel inferior con respecto a sus primeras cuatro obras, esta podíamos considerarla una pequeña obra maestra y un digno sucesor de un album tan mítico e insuperable como es “Led Zeppelin IV”.

viernes, 21 de mayo de 2021

Electric Light Orchestra-A New World Record (1976)

El titulo de este album parecía presagiar el éxito que le esperaba, y es que “A New World Record” fue un trabajo solemne y grandioso de la Electric Light Orchestra, en donde su líder indiscutible, Jeff Lynne conseguía la consonancia inmejorable entre la comercialidad y la calidad. Repleto de hits tremendamente exitosos, mostraba un sincronismo total con elegantes arreglos, temas con la fuerza y la mesura perfecta y unas melodias tan irresistibles como adictivas. Empezando por la soberbia fusión de opera y rock en “Rockaria” con un resultado sencillamente magistral, a la que le siguen un retahíla de fantásticas canciones como la contundente “Livin Thing”, la sinfónica “Tightrope”, la exotica “Shangri-La” o la eterna y maravillosa melodía de “Telephone Line”, demostrando con todo ello el talento y la originalidad de un genio de la composición, los arreglos y la producción como es Jeff Lynne, ademas de que tantisima calidad no pasaria desapercibida para el gran publico, catapultandolo hasta la enorme cifra de mas de un millon de copias vendidos solo en los Estados Unidos, en el primer año de su publicación, dando muestras con ello, el enorme impacto musical y comercial que supuso este soberbio “A New World Record”.

jueves, 20 de mayo de 2021

Colosseum II-Wardance (1977)

John Hiseman tras acabar la primera aventura con los germinales Colosseum fundaría junto a Allan Holdsworth y Mark Clarke el grupo progresivo Tempest, sin embargo pese a dos muy buenos albumes con esta banda, el bateria no quedo muy satisfecho con el resultado, por lo que en 1975 reflotaria Colosseum, con la que había grabado cinco discos en el período de 1969 a 1971, rebautizándola esta segunda parte como Colosseum II, pero esta vez desviando el sonido hacia sonidos más jazzisticos en detrimento del rock progresivo de la primera etapa del grupo.
Para este nuevo proyecto Hiseman recluta a Gary Moore, Don Airey, Neil Murray, Mike Sarrs y John Mole con quienes grabó y publicó "Strange New Flesh" a mediados de 1976, un álbum muy intenso, enérgico y algo complejo que aún se encontraba dentro de los parámetros del progresivo.
A éste le seguirá un año después "Electric Savage" con una línea similar al anterior y a finales de ese mismo año "Wardance", último trabajo del grupo y el considerado el mejor de esta segunda etapa, y donde la banda muestra un jazz progresivo plenamente ejercitado, con una evolución siguiendo en la línea del trabajo anterior pero con los desarrollos y la elaboración más acentuada.
La épica "Wardance" inicia este disco de una manera enérgica, mientras que "The Inquisition" es un ejemplo del poder del jazz rock de Colosseum, el ambicioso "Star Maiden / Mysterioso / Quasar" se convierte en el tema mas interesante musical y compositivamente hablando, "Major Keys" en cambio una canción funk muy adictiva por su melodía y el toque de guitarra de Gary Moore y la blues "Fighting Talk" con ese ritmo cadencioso define el enorme eclecticismo de esta formidable banda.

miércoles, 19 de mayo de 2021

Supertramp-Crisis? What Crisis? (1975)

Después del monumental “Crime Of The Century”, Supertramp lanzaba el siguiente año “Crisis? What Crisis?, el cual supuso un paso atrás en el plano comercial, pero un digno sucesor musicalmente a su mencionada obra maestra. Compuesto en parte de material exento para el anterior album, Crisis? What Crisis? fue en cierto modo producto de la ansiedad por superar a “Crime Of The Century”, esto sin contar con la presión que la propia compañía ejerció sobre la banda en esos momentos en busca de un nuevo éxito comercial inmediato. A diferencia de todos sus anteriores albumes, este seria el primero en ser grabado íntegramente en los Estados Unidos, concretamente en los estudios de la A&M Records en Los Angeles. También es el album en donde las composiciones de Rick Davies superan a las de Roger Hodgson, o por lo menos las que con el tiempo, mejor han sabido envejecer. Con una producción magnifica, el sonido cobra mucha mas madurez que su predecesor, ademas de ese toque comercial gracias a las pegadizas melodías vocales e irresistibles. Un album que contiene un repleto torrente de temas emblemáticos como la melódica “Easy Does It”, la blusera “Aint Nobody But Me”, las progresivas “A Soapbox Opera” y “Another Man´s Woman”, las comerciales “Lady” y “Sister Moonshine”, la pop sinfónica “Poor Boy”, la soberbia balada “Just A Norman Day”, o las excelentes “The Meaning” y “Two Of Us”. Crisis? What Crisis? es a menudo considerado un album menor, lastrado injustamente por obras como el mencionado “Crime Of The Century”, “Even In The Quistest Moments” y “Breakfast In America”, sin embargo es sin duda uno de los mejores albumes de la década de los setenta, con unas grandiosas melodías, unos sublimes arreglos y con una de las mas famosas portadas de los años 70.

martes, 18 de mayo de 2021

Blue Goose-Blue Goose (1974)

Blue Goose fue una banda británica que surgió de las cenizas de una formación llamada Zeus, en la cual militaban el teclista Nicky Hogarth y el bateria Chris Perry que junto a los guitarrista Allan Callan y Eddie Clark, (el cual mas tarde pasaría a formar parte de Motorhead), constituiría el primer núcleo del grupo. Posteriormente y antes de grabar su primer y único album el guitarrista Mike Todman sustituye a Clarke, que junto al vocalista Joey Molland graban el album hononimo "Blue Goose" bajo el sello Anchor Records en 1974.
Aun sin pertenecer a la banda, Clarke participaría brevemente en la grabación del album, tocando en la instrumental "Over The Top", tema compuesto por el propio guitarrista, también en la elaboración de este trabajo contribuyeron los músicos Alexis Corner y Steve Marriott. Con una fuerte influencia de boogie rock y el hard rock blues británico, con mucho hincapié en los potentes riffs de dobles guitarras, las slider guitars, y los sonidos de órgano hammond, este debut constituyo un interesante disco, apreciado por la critica del momento. Ya desde el inicio se pone patente el estilo de Blue Goose con la jam rock blues "Stuffin´Stuff" con una interacción de toda la banda, mientras en "The Chorus" la banda deja evidencia de sus grandes dotes vocales y melódicos, de igual manera ocurre con la acústica "Call On Me", por otro lado "Loretta" y "Snowman" muestran la faceta mas potente con dos excelentes temas de hard blues. El resto es igualmente muy meritorio con la reposada "Inside Yourself", la mencionada instrumental "Over The Top" o la poderosa "Let Me Know".
A pesar de que la posterior presentación del album en vivo tuvo bastante aceptación, el album no lograría el éxito esperado, por lo que todos sus integrantes decidieron seguir carreras independientes, terminando así la corta trayectoria de esta interesante banda.


lunes, 17 de mayo de 2021

Steps Ahead-Modern Times (1984)

Steps Ahead son una de las bandas iconicas del jazz fusión de los años 80 y parte de los 90. Formada en 1979 por Michael Brecker, Don Groinick, Mike Manieri y Eddie Gomez, que junto al bateria Steve Gadd lanzaron su primer álbum en 1980 titulado "Step By Step". En este album la banda mostraba un estilo de fusión básicamente acústico, que tendría continuación con su segundo larga duración titulado "Steps Ahead" (1983), en el cual ya no aparecería Steve Gadd, quien seria reemplazado por el ex bateria de Weather Report, Peter Erskine. Si bien ambos albumes fueron inicialmente concebidos para el mercado japonés, el cual era sin duda, junto al norteamericano el mas interesante en este genero músical, finalmente serian publicados a nivel mundial gracias al éxito que obtuvieron en USA y Japon. En su tercer álbum "Modern Times", la banda incluye los avances electrónicos de la década de 1980 y lo hace con finura y una gran inteligencia.
Capitaneados por el vibrafonista Mike Manieri, la banda coordina sobriamente las influencias del jazz y el rock utilizando todo tipo de nuevas ideas adaptadas a la música, como el saxo sintetizado (expertamente manejado por Michael Brecker), el Stick de Tony Levin, ademas de diferentes sintetizadores y baterías programadas y las estimables colaboraciones del guitarrista y en adelante nuevo miembro de la banda Chuck Loeb y el programador Craig Peyton.
Temas como el hipnótico "Safari", el clásico jazz fusión "Oops", la exquisita "Now You Know", el magistral "Self Portrait" o las eclécticas "Old Town" y "Radio Active" constituyen un disco de jazz indispensable y una obra maestra de fusión de alta tecnología, futurista y que hasta el día de hoy, nadie ha conseguido utilizar los secuenciadores, los bajos sintetizados y vibrantes y esas percusiones programadas dentro del contexto del jazz fusión, como ellos los hicieron en este insuperable album.

domingo, 16 de mayo de 2021

Pink Floyd-Meddle (1971)

“Meddle” esta considerado por muchos fans de Pink Floyd, como un mero album de transición, y si bien es un trabajo que esta justo entre la epoca psicodélica y el rock progresivo de la banda, también es cierto que constituye uno de sus albumes mejor logrados, por lo cual es excesivamente desmesurado catalogarlo como simplemente un album “menor”.
Tambien es cierto que después de su experimental “Ummagumma” y del extravagante “Atom Heart Mother”, Pink Floyd se encontraban en plena travesía buscando un sonido propio y distintivo, sin embargo, ello no suponía que estuvieran musicalmente perdidos.
Para este nuevo trabajo Rogers Waters y David Gilmour y en menor medida Richard Wright y Nick Mason, buscaron la síntesis de su pasado psicodélico de manera sutil, con unas atmósferas progresivas cada vez mas evidentes.
Claro síntoma de ello esta en su inmensa suite “Echoes”, una de sus obras mas emblemáticas, con una instrumentación soberbia y una de las mejores composiciones musicalmente de la banda, con 23 minutos de música intensa en donde hay cabida para momentos psicodélicos y progresivos, en donde todos los integrantes muestran su faceta de músicos talentosos. El resto no le va a la zaga desde la espacial “One Of These Days”, con un trabajo sensacional de Waters al bajo y Gilmour con la slide guitar, hasta la extraña blues “Seamus”, pasando por la sensibilidad de “San Tropez”, la acústica y evocadora “Fearless” o la melancólica “A Pillow Of Winds”. Con este album Pink Floyd daba el pistoletazo de salida a lo que vendría poco después, su obra maestra absoluta “The Dark Side Of The Moon”.

sábado, 15 de mayo de 2021

Dog Soldier-Dog Soldier (1975)

Otra de esas cientos y cientos de bandas de oscuro pasado fueron Dog Soldier,  formada por el mítico bateria Keef Hartley en 1975, junto a los talentos de otros músicos de la escena británica del blues y del rock. Lo cierto es que no es fácil encontrar una formación con mas experiencia colectiva junta como en este banda, que ademas de Hartley estaba comprendida por el cantante y guitarrista Miller Anderson (Jon Lord Blues Band, Savoy Brown, Keff Hartley Band o Spencer Davis Group), el bajista Paul Bliss (The Bliss Band, The David Essex Band), el teclista Mel Simpson (Gerald Wilson & His Orchestra) y el guitarrista Derek Griffiths (Argent, Chuck Berry Band). Sin embargo tanto talento colectivo resultaría en cierta manera y pese a la innegable calidad del grupo, una efímera sensación de que podrían haber hecho algo mucho mas brillante si hubieran tenido continuidad. Los cinco miembros del grupo contribuyeron en las composiciones del album, algo que de alguna forma le daba mucha diversidad musical al grupo.
Temas de gran blues rock como la inicial "Pillar To Post", las rock contenidas "Several People" y "You Are My Spark", la tierna balada country "Long and Lonely Night", la pegadiza "Giving As Good You Get", la excelente y melódica "Thieves and Robbers" o la blues progresiva "Looks Like Rain", sorprenden por su enorme calidad, pero que desgraciadamente no sirvió para que esta banda siguiera explorando el talento de todos sus componentes con nuevas entregas y terminara cayendo en la inmensa oscuridad de las agrupaciones de corto recorrido de finales de los años 60 y principios de la década de los 70.

viernes, 14 de mayo de 2021

Robben Ford-Talk To Your Daughter (1988)

Robben Ford siempre tendrá un lugar prioritario en el Olimpo de los grandes guitarristas del jazz y del blues, y al igual que ocurre con otros grandes guitarristas como Larry Carlton, llega a lograr que tocar la guitarra suene algo tremendamente simple, por muy complicados que sean los cambios de acordes que imprime con las seis cuerdas.
Curtido en cientos de colaboraciones entre las que destacan Steely Dan,  Miles Davis, David Sanborn, Randy Crawford, Yellowjackets o Al Jarreau entre otros muchos, su carrera en solitario ha estado marcada por albumes de jazz, blues y otros mas enfocados al rock. En 1988 publicaba su segundo trabajo titulado "Talk To Your Daughter", un pletórico álbum de jazz rock que fue nominado a la mejor grabacion del género en los premios Grammy. En "Talk To Your Daughter", Robben Ford mostró una tendencia aumentada hacia el jazz fusión, debido en cierta medida a la inclusión de un nuevo miembro a su banda, el teclista Russell Ferrante, que unido a los habituales Roscoe Beck (bajo) y Vinnie Colaiuta (bateria) conformaban que su Robben Ford Trio se convirtiera en un cuarteto. En esta grabación Ford contó ademas con las colaboraciónes de Brandon Fields (saxofón), Mark ford (harmonica), el teclista de Little Feat, Bill Payne (sintetizadores) y el miembro de Toto, Jeff Porcaro (bateria).
En este segundo album, Robben Ford muestra un sonido sobrio y solido, demostrando su gran talento con las seis cuerdas, como el medio tiempo “Ain´t Got Nothin´But The Blues”, la inicial “Talk To Your Daughter”, la contundente “I Got Over It” o su original versión del clásico de Albert King “Born Under A Bad Sign”.

jueves, 13 de mayo de 2021

Steve Winwood-Arc Of A Diver (1980)

Con el apelativo de “niño prodigio” Steve Winwood es uno de los arquitectos y grandes genios del pop británico de los sesenta, pieza fundamental en las bandas de Rhyhthm and Blues y los estilos vanguardistas posteriores; The Spencer Davis Group, Traffic y Blind Faith. Después de esas aventuras Winwood intervendría en multitud de proyectos durante la década de los setenta antes de comenzar una carrera en solitario repleta de éxitos con algun altibajo en el plano comercial, pero de grandes obras musicales. Este cantante, guitarrista, teclista, letrista y productor, lanzaría en 1977 su primer album hononimo que a pesar de las altas expectativas comerciales, solo alcanzaría un discreto numero 22 en las lista de albumes Billboard. Sin embargo el éxito comercialmente hablando le llegaría con su enorme segundo album “Arc Of A Diver” lanzado en 1980 con el que consigue varios discos de platino por sus enormes ventas. Para la grabación Steve Winwood no contaría con ningún músico adicional, ocupandose personalmente de todos los instrumentos ademas de los arreglos, las mezclas y la producción.
Parte de este éxito estuvo en el tema “While You See A Chance”, el cual obtendría un rotundo impacto en los Estados Unidos y el inteligente manejo de los sintetizadores y teclados electrónicos por parte de Winwood. En “Arc Of A Diver” el músico actualiza su estilo, evolucionando gracias al uso de los mas modernos instrumentos electrónicos de la década de los 80, que ademas de los teclados incluía las percusiones, conformando un trabajo ameno y desenfadado, con agradables melodías que cautivaron al publico con una música irresistible. Ademas de la mencionada “While You See A Chance” destacaban las contagiosas “Arc Of A Diver”, “Second-Hand Woman” y “Spanish Dancer”, mientras las mas convencionales “Slowdown Sundown” y “Dust” eran en cierto modo un sutil guiño a su pasado.

miércoles, 12 de mayo de 2021

Orion the Hunter-Orion the Hunter (1984)

Considerado uno de los mejores albumes del AOR de la primera mitad de los años ochenta, el album hononimo de Oron The Hunter se ha convertido en todo un clásico del rock de todos los tiempos.
Liderada por el ex guitarrista de Boston, Barry Goudreau, quien fundaría la banda después de abandonar el grupo liderado por Tom Scholz. Este abandono fue producto de que a la espera de un tercer album de Boston, por problemas de litigio con el sello Epic Records se previa que tardaría algunos años en publicarse, por lo que Tom Scholz recomendó al resto de integrantes de la banda que era el momento para que cada uno pudiera dedicarse a proyectos paralelos, lo que aprovecharía Goudreau para grabar su primer album en 1980. Sin embargo después de este album, el cual tiene un estilo inconfundible al sonido Boston, Tom Scholz expulsa a Barry Goudreau acusando de suplantar y plagiar su proyecto musical.
A pesar de las grandes criticas favorables y el éxito de su album en solitario, Barry Goudreau estaba decidido en tener una banda propia por lo que funda Orion The Hunter y para ello recluta al bajista Bruce Smith, al guitarrista Fran Cosmo y al ex bateria de Heart, Michael DeRosier. Durante casi un año el grupo se dedica a componer y elaborar una selección de canciones que formarían parte de su primer album. Grabado en los Power Station Studios de Nueva York, ademas de la banda participarían una serie de músicos como su ex compañero en Boston, el cantante Brad Delp a las voces, y los teclistas Jimmy Bralower, Steve Baker, Peter Wood y John Schuller y fue producido por Lennie Petze junto al propio Goudreau. El resultado fue un album elogiado a nivel mundial por su grandísima calidad, con unas espléndidas canciones, unos fantásticos arreglos melódicos y un sonido que claramente estaba fundamentado sobre el estilo de Boston. El trabajo de guitarra de Goudreau en particular suena con ese tono inconfundible a su banda madre ademas de demostrar una impresionante habilidad para las composiciones sublimes. A diferencia de las composiciones de Tom Scholz, Barry muestra su perfecto equilibrio en la estructura del album, con una mayor espontaneidad y menos complejidad en la producción. Desde la inicial y majestuosa "All Those Years" ya nos empieza a mostrar lo que este album contiene en sus surcos, las melodías precisas y pegadizas contrastan con la poderosa voz de Fran Cosmo y los sonidos hard rock muy adictivos. Temas como la melódica "So You Ran", la trepidante "Dreamin´" la balada "Dark And Stormy" los potentes rock "Stand Up" y "Fast Talk" o las preciosas "I Call It Love" y "Joanne" fueron tan impresionantes como efímeras. Este seria el único album de Orion The Hunter, que justo un año después se terminaría desintegrando para años después reaparecer el propio Goudreau junto a Brad Delp en otra nueva formación de gran impacto como fueron RTZ.

martes, 11 de mayo de 2021

Camel-The Single Factor (1982)

Denostado por los fans mas puristas de Camel, “The Single Factor” constituyo un punto de reflexión sobre las carrera posterior de la banda marcada hasta entonces en una serie de joyas del rock progresivo, que sin bien fueron siempre catalogados de segundones comparado con los grandes dinosaurios del genero, les ortogaria un status de banda mágica y hasta cierto punto de culto, para los seguidores del rock sinfónico.
Camel como banda prácticamente había desaparecido después del album “Nude” (1981), debido a la desbandada de todos sus integrantes a excepción de su líder Andy Latimer, que quedaría como único miembro oficial de la mitica formación.
Aun así el carismático guitarrista decidió seguir adelante y formaría una banda para su siguiente movimiento discográfico, contratando a parte del plantel de músicos que estaban bajo el auspicio de The Alan Parsons Project, como David Patton o Chris Rainbow a los que se sumaría los integrantes de la banda SKY Francis Monkman y Tristan Fry ademas del bateria Simon Phillips, el ex guitarrista de Genesis Anthony Phillips , el teclista Duncan McKay, el cual ya había colaborando con Latimer en la elaboración del mencionado “Nude” y volvería a contar con su viejo amigo Pete Bardens a los teclados, quien había dejado la banda cuatro años antes después del espléndido “Breathless”. Semejante variedad de grandes músicos se vería reflejado en una interesante amalgama de sonidos dispares, que iban desde el clásico estilo de pop sinfónico de APP, hasta el sonido clásico de Camel, pasando por los arreglos mas complejos de SKY. Muestra de este ecléctico estilo esta en temas como “A Heart´s Desire” o “Heroes”. Pero lo mas sorprendente de este “The Single Factor” era la duración de las piezas aquí expuestas, a diferencia de sus largos desarrollos de los albumes anteriores, aquí la duración apenas excedía de los cinco minutos cada una. El album al completo parece mas una sucesión de temas sin demasiada cohesion musical y estilística entre ellos, que un album de rock progresivo en si mismo, tal vez y a toro pasado podemos pensar que Latimer intento a la desesperada lograr un éxito inmediato con un album mas accesible al gran publico y así conseguir un mayor impacto. comercial. Habría que matizar que en esos años el rock progresivo había perdido gran parte del fervor que poseía en la década anterior. Pese a ello, el album pasaría bastante desapercibido injustamente dada su enorme calidad. Solo debemos darle una escucha a mágicas y espléndidas composiciones como “No Easy Answer”, la melodica y excelente “Camelogue”, la atmosferica “Heart´s Desire/End Peace”, o la hipnótica “Selva”, para darnos cuenta del potencial de este exquisito album. Después de este disco, muchos vaticinaron el final de Camel, y aunque el siguiente “Stationary Traveller” tuvo mas o menos una acogida similar a este “The Single Factor”, Andy Latimer mostraba al mundo que la grandeza de su talento no se había evaporado realizando fantásticos trabajos como “Dust and Dreams” (1992), “Harbour Of Tears” (1996), “Rajaz” (1999) o “A Nod And A Wink” (2002).

lunes, 10 de mayo de 2021

Alcatrazz-No Parole From Rock ´n´ Roll (1983)

Esta banda norteamericana de hard rock y heavy metal fue fundada en Los Angeles a principios de 1983 y tenían el aliciente de contar con el vocalista Graham Bonnet y el guitarrista Yngwie Malmsteen. Ambos músicos por aquella epoca venían de dos de las mejores bandas del heavy metal de finales de los 70 y principio de los 80 como eran Rainbow y Steeler. Sin embargo el resto no le iba a la zaga, con el ex bateria de Iron Butterfly Jan Uvena, y los antiguos integrantes del grupo New England Gary Shea y Jimmy Waldo, bajo y teclados respectivamente.
Ese mismo año de 1983 llegaría el debut de la banda “No Parole From Rock´n´Roll” bajo el sello Polydor, en donde destacaban la enorme voz de un brillante Bonnet y la insuperable creatividad guitarristica de Malmsteen con sus trepidantes solos y su sofisticada melodía que imprimia a su estilo con las seis cuerdas. El talento abrumador de ambos músicos se ven reflejados en una serie de grandes temas de hard rock con acercamientos al estilo neoclásico como “Island In The Sun”, “Hiroshima Mon Amour”, “Jet To Jet”, “Incubus” o “Suffer Me”.
Dos años después y con Steve Vai como guitarrista principal en sustitución de Yngwie Malmsteen, publicarían “Disturbing The Peace”, mientras Danny Johnson haría lo mismo con Vai para el siguiente album “Dangerous Games” en 1986. Ambos discos sin llegar a las excelencias de su album debut, fueron unos dignos sucesores, pero ya sin el impacto que supuso este espléndido “No Parole From Rock´n´Roll”.

domingo, 9 de mayo de 2021

Flower Travellin´Band-Anywhere (1970)

Segunda vez que aparece en este blog la banda japonesa Flower Travellin´Band, esta vez para reseñar su primer album, "Anywhere", aunque ya antes habían publicado el album “Challenge” firmado junto a Yuya Uchida en 1969. Para este primer album la banda optaría por sonidos mas contundentes y ásperos, impregnado con la psicodelia imperante en la epoca y mucha improvisación. Con un estilo muy enmarcado hacia el rock duro que ya hacían las bandas británicas en aquellos años como Cream, Deep Purple o Black Sabbath. Todo el album esta enfocado hacia una serie de versiones como el tema “Black Sabbath” del grupo de Birmingham, la acústica versión de “House Of The Rising Sun” de The Animals, la lisérgica “Louisiana Blues” de Muddy Waters o la visceral versión de “21st Century Schizoid Man” de King Crimson. Como ocurriría con la portada del mencionado “Challenge” el grupo volvía a escandalizar a la puritana sociedad japonesa al aparecer totalmente desnudos esta vez encima de unas Harley Davidson, algo que transgredía las normas establecidas en su pais, convirtiendo esta portada en una obscenidad y una falta de respeto para la gran mayoria de la sociedad nipona, demostrando con este hecho, que este radical grupo se saltaba a la torera sin ninguna ética ni pudor las buenas normas establecidas.

sábado, 8 de mayo de 2021

Paul Rodgers-Now (1997)

Rebuscando en el fondo de mi colección de discos, me encontré con un album que hacia mucho tiempo no le daba una detenida escucha, me refiero al tercer album en solitario de Paul Rodgers, uno de los grandes vocalistas del rock que comandara agrupaciones tan legendarias como Free y Bad Company y que compartió junto a Jimmy Page la autoria de aquella superbanda llamada The Firm. “Now” fue publicado en el año 1997 y fue precedido de los discos tributo que el propio Rodgers había hecho a Muddy Waters y Jimi Hendrix en sendos albumes titulados “Muddy Waters Blues” y “The Hendrix Set” ambos publicados en 1993. Luego de un tiempo con numerosas giras mundiales, en 1997 Rodgers tenia ya compuesto el suficiente material, ademas de una solida banda tras de si y se dispuso a grabar un nuevo album que fue titulado irónicamente “Now”. La mencionada banda estaba compuesta por el guitarrista Geoff Whitehorn, el bateria Jim Copley y el bajista Jaz Lochrie. Lo primero que llama la atención de este tercer album de Paul Rodgers es su excelente estado de forma, rejuvenecido vocalmente y mostrando su particular voz como en su epoca dorada, temas como la inicial y potente “Soul Of Love” ya demuestran la excelente producción de Eddie Kramer y la perfecta cohesión de la banda al completo. El resto lo conforman la blusera “Overloaded”, la añeja “Heart Of Fire”, un guiño a su pasado con Bad Company, la  pegadiza “Saving Grace”, la soul blues “Love Is All i Need” o el sublime blues “I Lost It All”, conformando todas ellas un album elegante, realizado de manera excelente, con un gran feeling por las excelencias vocales y las soberbias ejecuciones instrumentales, constatando con ello la enorme calidad de una de las grandes voces de la historia del rock.

viernes, 7 de mayo de 2021

Ram Jam-Ram Jam (1977)

Ram Jam fueron una banda norteamericana de hard rock que se hicieron mundialmente famosos por su versión del tema “Black Betty” del mitico bluesman Leadbelly.
Fundada en la ciudad de Nueva York en 1977, por el guitarrista Bill Barteltt, el teclista Bob Nave, el bajista David Goldflies, el bateria Pete Charles y el guitarra rítmico Jimmy Santoro. Gracias al patrocinio de los productores Jerry Kasenetz y Jeff Katz, los cuales eran los dueños del sello Buddah Records, les consiguen un contrato con la Epic Records y publican su primer album “Ram Jam” casi a finales de ese mismo año. En este album hononimo aparecería la celebre y mencionada “Black Betty”, la cual se encarama hacia los primeros puestos de las listas de éxitos de medio mundo. Sin embargo también supuso una sonora controversia con algunas organizaciones antirraciales norteamericanas, alegando que el tema era una apología contra las mujeres de color. Pero polémicas aparte, este album contenía grandes dosis de hard rock americano no exentas de comercialidad enfocadas a las radios FM como “Keep Your Hands On The Wheel”, temas contundentes como “404”, la zeppeliana “Right On The Money”, o la soberbia “All For The Love of Rock´n´Roll”. Un año mas tarde repetirían cierto éxito con el album “Portrait Of The Artist As a Young Ram”, otra colección de grandes temas de hard rock adictivo y ritmos pegadizos como “Please, Please, Please (Please Me)”, “Gone Wild”, “Saturday Night” o la melodica “Turnpike”, pero que sin embargo al no contar con un sencillo tan exitoso como fue “Black Betty”, seria la principal causa para la separación del grupo a finales de 1978.

jueves, 6 de mayo de 2021

Hard Stuff-Bulletproof (1972)

Bullet fue una banda formada por los ex miembros de Atomic Rooster John Cann (guitarra) y Paul Hammond (bateria) que después del album "In Hearing Of" publicado en 1971 decidieron crear una banda de hard rock pesado junto al ex guitarrista de los Quatermass, John Gustafson. Después de conseguir un contrato con el sub sello de EMI, Purple Records graban una serie de temas enfocados a su primer album, publicado en 1971 como "Entrance To Hell". Sin embargo después de la publicación de este album son denunciados por una banda norteamericana del mismo nombre que estaba registrada mucho antes que ellos, por lo que el sello discográfico les obliga cambiar de nombre, el cual queda definitivamente como Hard Stuff. Todo ello les lleva a volver a grabar el album al completo con el vocalista Henry Shaw quien interpreta una serie de temas que no habían sido incluidos en el anterior album. Finalmente seria publicado con el titulo de "Bulletproof" en junio de 1972. Este album es un clásico de hard rock oscuro de los años 70, que contiene una serie de temas enérgicos de contundente heavy rock poderoso, que a diferencia del original "The Entrance To Hell", su grabación es mas primorosa, mejores arreglos y una notable mejoría en la producción.
Ni que decir tiene que el album publicado como Bullet “The Entrance To Hell”, es hoy en día una pieza de coleccionista muy codiciada por los fans del rock psicodélico de los años 70.

miércoles, 5 de mayo de 2021

Savoy Brown-Raw Sienna (1970)

Savoy Brown son una banda fundamental e imprescindible para entender la corriente del blues rock británico y su posterior evolución. Fundada en Londres en 1965, su carrera ha estado marcada por los innumerables cambios de formación siendo la mas exitosa y a la postre la mas clásica, la comprendida entre los años 1968 y 1970, con cuatro imprescindibles albumes publicados dentro del genero. En ese periodo la banda giraría principalmente alrededor del núcleo formado por el guitarrista Kim Simmonds y el cantante Chris Youlden los cuales eran los principales compositores y los que crearon un estilo único de blues rock repleto de sonidos psicodélicos no exentos de atmósferas progresivas, jazz y hard rock. El resto estaba compuesto por el guitarrista Lonesome Dave Peverett, el bateria Roger Earl, el bajista Tony Stevens y el pianista Bon Hall. Con esta formación se grabaron los albumes "Getting To The Point" (1968), "Blue Matter" y "A Step Further" ambos de 1969 y este que nos ocupa "Raw Sienna" (1970). Composiciones como la jazz blues progresiva "Is That So", la comercial y accesible "A Hard Way To" la jazzistica psicodélica "That Same Feelin´", la acelereda blues rock "Master Hare", la soul "I´m Crying" o la acústica "When I Was A Young Boy", dieron por acabada la mejor epoca de esta banda que se desintegraría casi al completo al abandonar Dave Peverett, Tone Stevens y Roger Earl para fundar el grupo de hard rock & boogie, Foghat al año siguiente.   
Sin embargo estos tres músicos aún grabarían junto a Simmonds el interesante "Looking In", grabado casi a finales de ese mismo año de 1970. Posteriormente Simmonds armaría una nueva formación en la cual destacaban el vocalista Dave Walker y el teclista y futuro miembro de UFO, Paul Raymond, con los cuales grabaron los albumes "Street Corner Talking" (1971) y "Hellbound Train" (1972). A partir de ahí y hasta el año 2020 Savoy Brown habia publicado casi medio centenar de discos entre albumes de estudio, directos y recopilatorios, lo que la convierte en una de las bandas mas longevas de la historia del rock.

martes, 4 de mayo de 2021

Lady Lake-No Pictures (1977)

Este grupo holandés fue fundado en pleno auge del rock progresivo en 1973 en la localidad de Daventer. Formado por Leendert Korstanje, teclados, Eddie Bakker, bajo, Joop Van Leeuwen, bateria y el guitarrista Fred Rosenkramp. A finales de 1977 graban su primer album "No Pictures" con una tirada limitada de 1500 copias, de las cuales muchas fueron a parar a otros países del norte de Europa como como Suecia, Noruega e incluso  Alemania, motivo el cual es hoy en día considerada una banda de culto en esos países. En este album debut Lady Lake muestra unas influencias muy variadas y ricas que van desde el prog rock con toques jazzisticos y pinceladas psicodélicas, y las influencias del progresivo mas bucólico y melódico británico de bandas como Camel o Genesis, con un estilo original que contiene atmósferas agradables y melódicas que por momentos nos recuerdan a los sonidos del estilo Canterbury. "No Pictures" es un album el cual esta magistralmente ejecutado y perfectamente elaborado con unos arreglos exquisitos. Después de este album esta banda se disolvería hasta varias decadas mas tarde cuando volvieron en puntuales reuniones, en una de ellas (2005), grabaron su segundo album “Supercleandreammachine", el cual obtuvo muy buenas criticas en los circuitos del progresivo europeo.

lunes, 3 de mayo de 2021

Nazareth-Malice In Wonderland (1980)

En 1980 Nazareth estaban sumergidos en los sonidos típicos del rock melódico de manera abrumadora, y ello se vio refrendado en su undécimo album “Malice In Wonderland”. Para este nuevo album la formación no había variado desde el anterior “No Mean City”, estando conformada por Dan McCafferty, Zal Cleminson, Darrell Sweet, Manny Charlton y Pete Agnew, por lo tanto la banda se había afianzado en la configuración de quinteto con la entrada del guitarrista Cleminson un año antes. “Malice in Wonderland” pese a estar encuadrado como uno de sus trabajos enfocados al AOR, en realidad dista mucho del estilo habitual de la epoca, ellos se caracterizaron por un sonido original con diferentes matices musicales, los cuales fusionaban con su peculiar hard rock, mostrando un sonido muy atractivo y de enorme calidad. Desde la inicial y tremendamente comercial “Holiday”, pasando por las poderosas “Turning a New Leaf” o “Showdown At The Border”, las adictivas “Talkin´on One of The Boys” o “Fats Cars” y las melodicas y atractivas “Ship Of Dreams”, “Heart´s Grown Cold” o “Fallen Angel”, los escoceses dejaron un album con el cual seguían permaneciendo en la cúspide del hard rock y su status de gran banda intacta.

domingo, 2 de mayo de 2021

Triumph-Rock & Roll Machine (1977)

Eternos segundones de sus compatriotas y al mismo tiempo coetáneos Rush, esta banda canadiense ha dejado tras de si una serie de albumes tan soberbios como sorprendentes de hard rock vibrante y poderoso con algunas influencias progresivas que si bien nunca han llegado a la magnitud y excelencia de los mencionados Rush, si es cierto que ocupan un lugar de honor en la historia del rock.
Este power trío estaba formado por el guitarrista y vocalista Rick Emmett, el bateria Gil Moore y el bajista y teclados Michael Leviney y sus inicios se remontan a 1975 en Toronto donde empezaron a actuar en clubs y locales hasta que a finales de 1976 publicaron su primer album “Triumph” bajo el sello Attic Records. En este debut la banda aun mostraba un sonido sin definir, sin embargo sus influencias de las bandas iconicas británicas como Led Zeppelin eran mas que evidentes, gracias a temas poderosos como “Let Me Get Next To You”. En 1977 llegaría su segunda obra “Rock and Roll Machine” en donde empiezan a mostrar un interés por los sonidos progresivos que se ven reflejados en la suite “The City” o en “New York City Streets”, mientras por otro lado el trio sigue mostrando su lado mas contundente con las poderosas “Rock and Roll Machine”, “Little Texas Shaker” o “Takes Times”, e incluso se atreven con la excelente versión del tema de Joe Walsh “Rocky Mountain Way” ejecutada magistralmente con un sonido cercano al blues rock.

sábado, 1 de mayo de 2021

Roger Hodgson-In The Eye Of The Storm (1984)

Después del album “Famous Last Words” Roger Hodgson abandonaba Supertramp motivado por las continuas diferencias musicales con Rick Davis. Dos años después de su marcha Hodgson recuperaba la mejor versión del sonido Supertramp con su primer album “In The Eye Of The Storm”, en donde lejos del pop sofisticado y comercial de “Breakfast in America” y del previsible y continuista “Famous Last Words”, el musico se acercaba a la esencia de albumes como “Even In The Quietest Moments...” con un trabajo sensacional y ambicioso dejando constancia de que el era sin duda el alma del sonido de Supertramp, sin que ello desmerezca en absoluto a su ex compañero Rick Davis. Para la grabación de este album Hodgson se encargaría prácticamente de todos los instrumentos (guitarras, bajos, baterias, teclados, ademas de los arreglos y la produccion del mismo) con la colaboración puntual en diferentes piezas del bateria Michael Shrieve, el saxofonista Scott Page o la vocalista Claire Diament.
Un album con unos ambientes progresivos y epicos como “Only Because Of You”, un soberbio tema que perfectamente podria haber encajado en cualquiera de los albumes de la mejor epoca de Supertramp, mientras la vena comercial del musico esta en las adictivas y pegadizas “In Jeopardy” y “Hooked On A Problem”, ademas de sonidos sublimes como la melancolica “Lovers In The wind” o temas poderosos como la inicial y tremenda “Had A Dream ( Sleeping With Enemy)”.