Nazareth-It´Snaz (1981)

“It´Snaz” es el titulo del primer álbum en vivo de Nazareth, que grabado durante la gira posterior al disco “The Fool Circle”, en el Pacific Coliseum de Vancouver en Canadá, durante el mes de mayo de 1981, esta considerado uno de los mejores registros en vivo de la década de los ochenta y uno de los mejores cien álbumes en directo de la historia de la música rock.
Por aquel entonces la banda estaba formada por los miembros originales Dan McCafferty (voz), Manny Charlton (guitarra), Peter Agnew (bajo) y Darrell Sweet (batería), además de los músicos de apoyo John Locke (teclados) y Billy Rankin (guitarra).
Este soberbio doble álbum esta compuesto por un irresistible repertorio de sus grandes clásicos como las poderosas y contundentes “Telegram”, “Razamanaz”, “Dressed To Kill”, “Hair of the Dog” o “This Flight Tonight”, temas ajenos como la soberbia “Java Blues” o las electrizantes versiones de J.J.Cale, “Cocaine”, “Tush” de los ZZtop, o la de The Yarbirds “Shapes of Things”.

Cheap Trick-In Color (1977)

El segundo disco de Cheap Trick supuso su primera gran obra maestra, una brillante colección de canciones que navegaban entre el rock and roll y el power rock furioso y melódico. Temas como la bluesy “Big Eyes” nos sumergen en lo que una década atrás ya hacían The Who o los Easybeats, una canción poderosa que reboza de una gran melodía contagiosa.
En esa misma línea siguen la poderosa rock “Downed”, la pegadiza “I Want You Want Me”, la comercial “You´re All Talk”, la incendiaria “Hello There” o la sombría “Southern Girls”, sin olvidarnos de la brillante y dinámica “Come On, Come On”, mientras las hard rock  “Oh Caroline” y “Clock Strikes Ten”, aunque mantienen el buen nivel, son canciones mas previsibles pero que no empeñan en absoluto el resultado final de un álbum que fue considerado en el 2003 como uno de los álbumes mas influyentes de finales de los 70 por la revista Rolling Stone.
La recepción posterior les supondría su primer disco de platino por sus enormes ventas en el mercado norteamericano.

Robert Wyatt-Rock Bottom (1974)

A mediados de 1973 Robert Wyatt se cae por una ventana de un cuarto piso y se rompe la columna vertebral, hecho ocurrido durante una fiesta que se celebraba en casa de unos amigos en Londres. Hasta esos momentos Wyatt era uno de los mas importantes impulsores del llamado sonido Canterbury.
Había sido miembro de bandas tan legendarias como Soft Machine o Matching Mole, ejerciendo como baterista y cantante, grabando con estas algunos de los trabajos fundamentales del genero.
Después de este desgraciado accidente, la vida de Wyatt cambio radicalmente, postrado en una silla de ruedas se concentraría en tocar el piano y el órgano, así como diferentes instrumentos de percusión, aunque sin embargo su principal talento estaba en su voz única e inconfundible.
"Rock Bottom" seria el primer álbum después de este hecho tan trascendental, en el cual obtendría la colaboración algunos de los mejores músicos británicos de la época como Mike Oldfield, Richard Sinclair, Hugh Hooper o Fred Frith entre otros.
"Rock Bottom" es un álbum tranquilo y melancólico, un emocionante viaje a través de la mente de Wyatt, pero que también obtiene la hermosa instrumentación típica del sonido Canterbury.
En el se escuchan momentos escalofriantes y angustiosos, y todo el álbum resulta una joya absoluta del rock británico de todos los tiempos, aquí la voz de Wyatt nunca había sonado tan fabulosa como queda demostrado en las hermosas "Sea Song" y "The Last Straw", o soberbias composiciones como la hipnótica "Little Red Riding Hood Hit The Road", la melancólica "Alife" o la progresiva "Litte Red Robin Hood Hit The Road".
Todas ellas tienen los argumentos suficientes para ser considerada como una de las obras maestras del sonido Canterbury y todo un clásico atemporal de la música rock de todos los tiempos.

Banco del Mutuo Soccorso-Banco del Mutuo Soccorso (1972)

Si en la anterior entrada hablamos del rock progresivo italiano, que mejor manera de seguir en esa onda reseñando uno de los mejores trabajos del mismo genero como fue el debut discográfico de Banco del Mutuo Soccorso. Esta fundamental agrupación italiana fusiono el lado pastoral de Genesis, el dinamismo y la fuerza de Yes junto al lirismo operístico de la música transalpina.
Nacidos a principios de los 70, en 1972 se darían a conocer en el mundo entero con su particular y grandilocuente música, con un álbum hermoso, muy elaborado y bastante complejo, en donde el excelente trabajo de la guitarra, una poderosa batería y los maravillosos teclados están ejecutados de manera brillante, todo ello acompañados por una de las mejores voces de todos los tiempos, cantando a todo pulmón y manteniendo el ritmo de cada pieza aquí expuesta.
Un álbum que comienza con "In Volo", un tema corto que gracias al uso de la flauta le da ese toque folk, junto a los sonidos de los sintetizadores y un deslumbrante coro femenino. Seguidamente aparece uno de los cortes por antonomasia del rock progresivo "R.I.P. (Requiescant In Pace)", en donde podemos apreciar la extraordinaria voz de Francesco di Giacomo, bajo un ritmo de piano jazzistico, una guitarra funky y elementos sinfónicos que a medida que transcurre se convierte en un hermoso cuento de hadas, pacifica y excepcional.
El preludio "Passaggio" da entrada a "Metamorfosi", una dinámica pieza progresiva con mucha influencia clásica y a la hipnótica suite "Il Giardino del Mago", una verdadera epopeya progresiva que se convierte en el segundo momento cumbre de este magnifico álbum.
Para acabar la banda nos deja la maravillosa y corta "Traccia", otra pieza basada en el piano clásico, voces corales y una especia de melodía folclórica con el que culmina una de las obras por excelencia del rock progresivo de los años 70.

Cervello-Melos (1973)

Por alguna razón, Italia siempre ha sido un país con una gran tradición musical. Al pueblo transalpino constantemente le gustaron los dramas, las óperas y la música clásica. Desde el caótico sur hasta el ordenado norte, esto es algo común y aceptado en la vida cotidiana y cultural del pueblo italiano. Esta es sin duda la razón principal por la que aparecieron tantas bandas progresivas en Italia, desde su apogeo hasta nuestros días. Alguien dijo en una ocasión que probablemente haya más bandas progresivas en Italia que fans del genero. Exagerada o no esta afirmación, lo cierto es que muchas de esas bandas solo pudieron lanzar un solo álbum a pesar de la alta calidad habitual de sus trabajos. Y este es también el caso de Cervello.
Cervello fue una banda italiana de rock progresivo fundada en Nápoles. Inicialmente llamaron la atención debido a la presencia del guitarrista Corrado Rustici, el hermano menor de Danilo Rustici de Osanna.
Su único álbum "Melos" es en gran medida un trabajo conceptual y ambicioso basado en la mitología griega, y completamente infundado con las tradiciones de la gente mediterránea. La presencia de varios flautistas separados en la formación también aportó una dimensión sorprendentemente original al final de la obra. Lamentablemente Cervelló se separó a finales de 1973.
"Melos" es una obra de arte impresionante. La banda salió de la nada y lanzó un excelente álbum de gran calidad. Es oscuro, misterioso y rico en ritmos mediterráneos, con unas retorcidas letras sobre los antiguos mitos griegos y mucho más. Si hay alguna comparación con otras bandas en Italia, probablemente señalaríamos principalmente a Osanna, lo cual de hecho, no es algo realmente extraño. Al igual que la música de Osanna, la música de Cervello fortalece hábilmente los arreglos progresivos complejos y obsesivos con usos inteligentes de sabores folclóricos locales napolitanos, toques de jazz y fuertes estallidos de rock grandilocuente. Y al igual que la formación de Osanna, la formación de Cervelló consta de saxofones, flautas, bajo, guitarra, batería y, por supuesto voces.
"Melos" no es un disco inmediato ni de fácil escucha. Se necesita algo de tiempo y varias audiciones para conseguirlo. Una de las características definitorias de Cervello fue la ausencia total de teclados, algo inaudito en la escena del rock progresivo italiano y anglosajón.
Todas las canciones de "Melos" son, con la excepción del cierre corto "Affresco", muy complejas y progresivas. Piezas como la blues pesada y oscura "Canto Del Capro", la melancólica "Trittico", la melódica y sombría "Scinsicne (T.R.M.)" o la dramática "Galassia" conforman uno de los pináculos de la escena progresiva italiana de los años 70, un álbum intrigante con una delicadez compositiva innegable que nada tiene que envidiar a las monumentales obras de los grandes del genero italiano como Premiata Forneria Marconi, Banco Del Muttuo Soccorso y Le Orme, pero que sin embargo en su momento paso totalmente desapercibido precipitando la disolución definitiva de Cervello.

Titanic-Eagle Rock (1973)

Titanic fueron una banda anglo-noruega surgida a finales de los sesenta en Oslo, que practicaban un rock pesado fusionado con elementos psicodélicos.
Su formación original estaba compuesta por el teclista y bajo Kenny Aas, los baterías Kjell Asperud y John Lorck, el guitarra Janne Loseth, y el vocalista Roy Robinson.
Tomando como referencia a bandas punteras de la época como Led Zeppelín o Deep Purple, Titanic publicaron su álbum homónimo en 1970 en el cual sobresalía un repertorio cargado de sonidos de órgano pesado y guitarra, una poderosa percusión y unas melodías impactantes. Temas como "Searchin", "Somethins On My Mind" o "I See No Reason", son una perfecta muestra de su impetuoso estilo de hard rock de principios de los 70.
Un año después publican su segundo larga duración "Sea Wolf", con el que logran conquistar los mercados internacionales gracias a temas como la latín rock "Sultana" o la heavy prog "Sea Wolf", logrando llegar casi a la cima de las listas de éxitos del Reino Unido, alcanzando una sorprendente quinta posición (algo insólito para una banda extranjera que no provenía de EE. UU.).
Después de este ultimo álbum el teclista Kenny Aas abandona siendo sustituido por Helge Groslie, quien influye decisivamente en el sonido posterior del grupo, dotándolo de un estilo mas progresivo como queda demostrado en su tercer álbum "Eagle Rock", lanzando en 1973.
Esta tercera entrega es el momento culminante de Titanic, con un trabajo soberbio de hard rock progresivo con tintes psicodélicos como queda demostrado en la tremenda "One Night In Eagle Rock", la brillante “All Around You", la pesada "One Of Your Kind", la hard rock psicodélica "Dying Sun" o la progresiva "Maureen".
En los sucesivos años la banda siguió publicando discos con cierta regularidad como “Ballad Of A Rock´n´Roll Loser” (1975), “Return Of Drakkar” (1978) y “Eye Of The Hurricane” (1979), todos ellos de menos impacto comercial, muy alejados de su propuesta inicial con un sonido mas previsible hasta 1979, cuando se disolverían definitivamente, sin embargo volverían a reunirse con algunos cambios de formación en 1991 y en el 2008, publicando varios trabajos de escasa repercusión mediática.

Supertramp-Supertramp (1970)

Pese a su inmenso éxito comercial de finales de los 70, Supertramp siempre fueron rechazados por una parte de la comunidad progresiva al considerarlos demasiados pop y a su vez por ciertos sectores mas convencionales por tacharlos de demasiados progresivos. Pero aún así, en sus inicios esta multimillonaria banda propusieron un interesante rock progresivo con tintes psicodélicos, que no obstante les supuso un tremendo fracaso comercial.
Hoy en día sus dos primeras obras, “Supertramp” (1970) y “Indelibly Stamped” (1971), están consideradas dos clásicos contemporáneos, fundamentalmente por la gran diferencia con el sonido que los harían mundialmente famosos años mas tarde.
Sin embargo, su primer álbum contiene argumentos mas que suficientes para considerarlo como una verdadera banda progresiva.
Conformados en un principio como cuarteto, en donde figuraban Rick Davis, teclados y voces, Roger Hodgson, bajo, guitarras acústicas, cello, flageolet y voces, Robert Miller, batería y percusión y Richard Palmer, guitarra eléctrica y voces.

En este primer trabajo mostraron su ecléctico sonido progresivo con piezas sobresalientes como las epopeyas “Maybe I´m a Beggar” y “Try Again”, la blues progresiva “It´s A long Road”, las suaves y planeadoras “Aubade and I Am Not Like The Other Birds Of Prey” y “Words Unspoken”, o la contundente rock progresiva “Nothing To Show”.
Pese al varapalo comercial, este debut es una excelente muestra progresiva que no desmerece en absoluto a otras muchas obras publicadas por la misma época y que tuvieron mucha mas repercusión mediática y comercial.

Mom´s Apple Pie-Mom´s Apple Pie (1972)

Mom's Apple Pie fueron una banda de diez miembros procedentes de Warren, en Ohio. Una multi-banda con sección de viento, a modo imperante del éxito de las dos formaciones que encabezaban esa fuerte corriente de brass rock de principios de los 70; por un lado Chicago Transit Authority y por otro Blood Sweat & Tears. Hubieron muchas más, de hecho, algunas de las menos conocidas ya han aparecido por este blog en alguna que otra ocasión. Esta banda estaba formada por Roger Force (saxo y flauta), Fred Marzulla (trombón) y Bob Pinti (trompeta, voz). Con dos cantantes, Tony Gigliotti y Bob Fiorino (destacando éste último de manera especial). Dos guitarras, Joe Ahladis y el tremendo Bob Miller. Dave Mazzochi era el teclista y voz. Pat Aulizia el batería y Greg Yochman el bajista y creo que no me dejo a nadie. Fueron descubiertos por el mánager, Terry Knight, el mismo que había descubierto a los Grand Funk Railroad y Bloodrock. Pero a diferencia de estos, que los ficharía para la Capitol Records, a Mom's Apple Pie los metió en su pequeño sello particular, Brown Bag Records. De ahí la enorme dificultad que esta banda tuvo a la hora de cosechar un mayor éxito comercial por la falta de un mejor apoyo publicitario.
Con todos éstos datos, no sorprenderá que la inicial versión de Willie Dixon, "I Just Want Make Love to You", sea una hábil mezcla de Chicago y Grand Funk. Con una guitarra de heredera del sonido Jimi Hendrix en sus comienzos, una gran avalancha de órgano Hammond y una poderosa sección de vientos en su continuación. La voz de Fiorino tiene ese fuerte acento soul que tan bien sabían imitar algunos blancos en éste contexto. "Lay Your Money Down" es un corte proto-prog de excelentes voces y un frenético ritmo dinámico, todo ello bien secundados por los sonidos del Hammond y de los vientos.
La faceta folk, con guitarras acústicas y flautas, viene dada por "Good Days", otro tema destacado es la blues psicodélica "People", con una instrumentación poderosa al estilo de Pacific Gas & Electric e incluso a los primeros Deep Purple.
En la segunda cara aparece "Dawn of a New Day", un poderoso corte entre los estilos de Vanilla Fudge y Heaven. Con la guitarra de Bob Miller haciendo diabluras dignas de Terry Kath. En una onda parecida tenemos "Happy Just to be" y "Secret of Life", esta ultima en un estilo similar a los primeros Bloodrock, con su poderosa sección de trompetas, para finalizar este trabajo con una versión del "Mr. Skin", tema original de Spirit, llevada aquí a su sonido brass rock, con el cual concluye un espectacular debut que tendría continuación al año siguiente con el segundo álbum "Mom's Apple Pie II".
Después de la publicación de ambos álbumes, el grupo fue requerido para telonear activamente a artistas de renombre como The Doobie Brothers o David Bowie entre otros. Girando en míticos locales como el Whisky A Go Go de Los Ángeles o el Madison Square Garden en NY.
Su separación tendrá lugar a mitad de década, no sin antes dejar grabado material para un tercer álbum, que nunca vería la luz hasta muchos años después en el 2011, cuando fue reeditado para satisfacción de los amantes del jazz rock de principios de los 70.

Traffic-John Barleycorn Must Die (1970)

Una vez acabada la aventura de Steve Winwood con el súper grupo Blind Faith, este decidió confeccionar su primer álbum en solitario, el cual originalmente llevaría el nombre de “Mad Shadows”, pero que finalmente se convertiría en el quinto álbum de Traffic, y a la postre su obra cumbre.
Para esta grabación Steve Winwood contaría con los inseparables Jim Capaldi, Chris Wood, Rick Grech y Bill Graham, casi los mismos músicos que habían grabado el anterior “Last Exit” con la excepción de Dave Mason, quien había dejado la banda después de dicho álbum.
En esta nueva entrega, el sonido psicodélico y característico de Traffic aún esta presente, pero aquí con un tratamiento mas progresivo, fusionando elementos del jazz, el folk y el rock como queda demostrado en las irresistibles “Glad” y “Freedom Rider” con sus infecciosos ritmos contagiosos, ambas separadas por un breve interludio, dos temas que ya vaticinaban lo que algún tiempo mas tarde harían con sus siguientes dos álbumes, “Low Spark Of High Heeled Boys” (1971) y “Shoot Out At The Fantasy Factory” (1973), repletos de gran interacción instrumental entre los músicos intervinientes y una música magníficamente ejecutada.
Sin embargo la verdadera obra maestra de este álbum es la canción principal “John Barleycorn”, una pieza conmovedora y profundamente opresiva, con unas soberbias partes de guitarra acústica mezclada con las excitantes flautas de Wood y la magnifica percusión de Capaldi.
El resto sigue las pautas de sus anteriores obras con ese estilo psicodélico inconfundible de Traffic, como la solida “Empty Pages” o la melódica “Stranger To Yourself”.
 

Frank Zappa-Joe´s Garage Act 1 (1979)

En 1979 Frank Zappa publicó "Joe's Garage Act I", su álbum cronológicamente numero 48 como solista, sin contar los quince publicados junto a sus Mothers of Invention.
Ese mismo año "Joe Garage Act´s II" y "III", se lanzaría en un álbum doble y algún tiempo después los tres volúmenes se compilarían en un álbum triple.
En esta primera parte, Frank Zappa satiriza el estilo de vida estadounidense, la Cienciología, el fetichismo y otros temas como la censura en el mundo de la música.
Para este nuevo disco, Zappa utilizo la técnica llamada "xenocronía", que consistía en coger solos de guitarra de discos anteriores y superponerlos a nuevas canciones en el estudio de grabación.
Creada como una ópera rock, la historia recrea una distopía en la que bajo la idea demagógica de igualar a todos los seres humanos, se han creado leyes prohibitivas de todo tipo para que todo el mundo sea un criminal de alguna manera y así tener el control de toda la sociedad, de este modo la música ha sido prohibida y eso afecta al personaje principal de la historia, el melómano Joe.
Para esta mastodóntica grabación Zappa volvería a contar con un amplio elenco de músicos, entre los que estaban Patrick O´Hearn, Peter Wolf, Vinnie Colaiuta, Warren Cuccurullo o Terry Bozzio y fue grabado en los estudios Village Recorders, en Hollywood, durante los meses de marzo y junio de 1979.
El álbum en sí está lleno de una música excelente que va desde el funk "The Central Scrutinizer", hasta el enérgico "Joe´s Garage" pasando por el humorístico "Catholic Girls" o la reggae "Lucille Has Messed My Mind Up".

Frank Zappa and The Mothers of Invention-One Size Fits All (1975)

“One Size Fits All” supuso el ultimo álbum de estudio de Frank Zappa junto a sus Mothers Of Invention con quienes había grabado trece álbumes desde mediados de los sesenta.
Por ese año la formación de los Mothers estaba formada por George Duke a los teclados, Ruth Underwood a la percusión, Chester Thompson a la batería, Tom Fowler al bajo y Napoleon Murphy en los instrumentos de viento, además aparecen esporádicamente Johnny Guitar Watson y Captain Beefheart en varios de los temas de este álbum.
“One Size Fits All” es un trabajo mucho mas accesible y menos enrevesado que las anteriores obras de Zappa y contiene algunos de sus temas mas emblemáticos y complejos como es la jazz rock progresiva “Inca Roads”, en donde Zappa muestra su excelente dominio con las seis cuerdas, o “Can´t Afford No Shoes” un corte claramente R&B con un estilo funky demoledor.
El resto sigue su acostumbrada línea entre la seriedad instrumental y el toque humorístico y demente de sus satíricas letras como podemos escuchar en la balada vanguardista “Sofa”, la jam rock “Po-jama People”, la ecléctica “Florentine Pogen”, el boogie rock sarcástico “San Ber´dino” o la dinámica “Andy”.

Eloy-Metromania (1984)

Entrada la década de los ochenta, la banda alemana Eloy había actualizado su estilo adaptando su música a los nuevos tiempos y a los sonidos de los gustos musicales de la época, dejando atrás su rock progresivo con influencias del rock alemán, sus extensos desarrollos instrumentales y las estructuras sinfónicas, para centrarse en un pop progresivo de enorme calidad con temas bien estructurados pero sin demasiada complejidad instrumental.
De esta época son sus trabajos "Planets" (1981), "Time to the Turn" (1982), "Perfomance" (1983) y "Metromania" (1984).
Todos ellos seguían un patrón similar; un mayor protagonismo de los modernos sintetizadores, unas guitarras hard rock muy potentes, unos sonidos más accesibles y canciones de una duración mas convencional.
"Metromanía", con una espectacular portada diseñada por Rodney Matthews, alcanzo una tímida respuesta por un sector de la crítica especializada de la época, pero obtuvo sin embargo una gran acogida por parte de la numerosa comunidad de prog heads alrededor de medio mundo.
Entre sus surcos destacaban poderosamente la progresiva e hipnótica "All Life is One", el hard rock "Nightriders" o el blues rock progresivo "The Stranger".

The Beatles-Revolver (1966)

Con su séptimo álbum, The Beatles demostrarían su grandeza al navegar por un estilo tan variopinto como fue la psicodelia sin perder la chispa de su identidad, una cualidad que supieron realizar con todos y cada uno de los estilos que la banda de Liverpool se plantearon durante toda su carrera.
Exprimiendo la faceta mas creativa de Lennon, Harrison y McCartney, este fue hasta aquellos momentos su trabajo mas rock y arriesgado.
Canciones como la soberbia “Taxman”, la oriental “Love You To” o la inspirada “I Want To Tell You”, fueron aportaciones de George Harrison, el cual por fin demostró su enorme talento compositivo que se había mantenido a la sombra del dúo Lennon-McCartney en los anteriores discos.
Por su parte John Lennon aporta las sensacionales “I´m Only Sleeping”, “Doctor Robert”, “She Said She Said”, “Tomorrow Never Knows” y “And Your Bird Can Sing”, quedando el lado melódico del álbum en las aportaciones de Paul McCartney con “Here, There and Everywhere”, “For No One”, “Eleanor Rigby”, “Got To Get You Into My Life” y “Good Day Sunshine”, mientras la humorística y adictiva “Yellow Submarine”, obra de Ringo Starr, se convirtió en la nota exótica del disco.
“Revolver” ha quedado como una de las grandes obras de The Beatles junto al “Sgt Peppers” y “Abbey Road”, y uno de los mejores discos de la historia de la música popular del siglo 20.

The Electric Prunes-Underground (1967)

Pioneros en el campo de la experimentación, Electric Prunes tuvieron un papel decisivo en la segunda mitad de la década de los 60. Sus discos, llenos de una gran intensidad sonora, fueron probablemente uno de los preludios del underground y el rock progresivo, abriendo nuevas fronteras a los grupos que más tarde darían el surgimiento definitivo a la vanguardia.
Ellos dejaron atrás una interesante y ambiciosa colección de grandes discos dignos de estudio, como "The Electric Prunes", el cual contiene algunos de los mejores temas de toda la carrera del grupo como el clásico e inmortal “I Had Too Much to Dream” o las brillantes “About a Quarter to Nine” y “Get Me to the World on Time”.
Este primer disco fue la base del siguiente "Underground", su segundo LP, en donde ya mostraban cuáles eran los derroteros musicales del grupo.
En este "Underground" se observaba la creciente visión psicodélica y experimental del grupo, que a pesar de todo pasaría desapercibido para el gran público.
"Mass In F Minor", su tercer trabajo es aún mucho más experimental, un disco conceptual más cercano a una misa de rock que a un disco de pop convencional, que para hacerlo aún más complicado fue cantado en latín. Este trabajo inédito e inusual termina con la desintegración momentánea de la banda.
Sin embargo, en 1968 se publicaría el disco "Release Of An Oath", que siguiendo la tónica del anterior, no tiene mucha repercusión comercial, pero que curiosamente quedó inmortalizado en la famosa película "Easy Rider" gracias al tema " Kyrie Eleison".
"Just Old Good Rock and Roll" fue el epitafio de Electric Prunes, que pese a volver a los sonidos de sus orígenes volvería a fracasar estrepitosamente en el plano comercial.
Años más tarde la banda retornaría para algunos conciertos y se publicaron varios recopilatorios y grabaciones en directo de su época de esplendor, como el magnífico "Estocolmo 67", grabado en 1967 durante una gira europea, editado más de 30 años después, en una histórica grabación considerada como uno de los mejores shows en vivo de la era psicodélica.

Suzi Quatro-The Girl From Detroit City (2014)

Suzi Quatro esta considerada una de las grandes y mas importantes bajistas y cantantes de la historia y la primera que se convirtió en una mega estrella de la música rock.
Su extraordinario talento, la innegable elegancia y su gran capacidad para lograr que su sencillo rock and roll calaron muy hondo entre el publico, le granjeo innumerables éxitos en la década de los 70, en plena explosión del glam rock
Su legado ha sido influencia fundamental en otras artistas como Joan Jett , Pat Benatar o Chrissie Hynde. Ella rompió moldes con su seductor traje de cuero, su carisma y su extraordinaria voz.
Himnos generacionales y ya clásicos contemporáneos como “Can The Can”, “48 Crash”, “Devil Gate Drive”, “Daytona Demon”, “Stumblin´In”, “If You Can´t Give Me Love” o “She´s In Love With You”, temas todos ellos pertenecientes a álbumes tan extraordinarios como “Suzi Quatro” (1973), “Quatro” (1974), “Your Mamma Wont´Like Me” (1975), “Aggro-Phobia” (1977) o “If You Knew Suzi...” (1978), fueron unos tremendos hits en los Top of the Pops de la década de los 70 durante la friolera de 101 semanas.
“The Girl From Detroit City” es un merecido homenaje en forma de box set recopilatorio con cerca de un centenar de canciones en donde se hace un repaso extenso a toda su larga y fructífera carrera musical.