Blue Mountain Eagle-Blue Mountain Eagle (1970)

Surgidos a partir de las cenizas de los míticos Buffalo Springfield, esta banda apenas tuvo tiempo de publicar solo un soberbio álbum de rock psicodélico con pinceladas de folk, country y southern rock, y que pese a la gran calidad de sus integrantes y de su interesante repertorio, pasaron desapercibidos en su momento. Su historia se remonta a finales de 1968 cuando los mencionados Buffalo Springfield se disuelven y uno de sus miembro, el batería Dewey Martin decide continuar fundando los llamados New Buffalo Springfield en un principio y Blue Buffalo un poco mas tarde. Pese a que con ambos nombres se ganarían una gran reputación en el medio oeste norteamericano, pronto tuvieron que cambiar su nombre por el definitivo de Blue Montain Eagle, debido a las presiones de varios de los antiguos componentes de los Buffalo Springfield, nada mas y nada menos que Neil Young y Stephen Stills, quienes demandaron a Martin por usar el nombre de la banda sin su consentimiento.
Ya en 1969 y sin Dewey Martin como miembro oficial del grupo, logran firmar un contrato con la Atlantic Records con quienes publican su primer y único álbum que fue publicado a mediados del año 1970.
La banda por ese entonces estaba formada por los guitarristas David Price, Bob BJ Jones y Joey Newman, todos ellos vocalistas solistas, el batería Don Poncher y el bajista Randy Fuller.
En este único álbum, con una portada psicodélica típica de la época, nos encontramos sonidos que van desde las atmósferas hippy de aquellos años hasta momentos mas ácidos como queda demostrado en temas como el acid rock “Love Is Here”, la bluesy “Feel Like A Bandit”, la country sureña “Troubles”, o la tremenda country rock con pinceladas de rock acido “Trivial Sum”.
El bajo rendimiento del Lp a nivel comercial, terminaría con la carrera de esta magnifica y efímera banda meses después de la publicación de este interesantísimo “Blue Mountain Eagle”.

Al Stewart-Year Of The Cat (1976)

En 1976 Al Stewart se convirtió en uno de los más grandes cantautores de la historia con una de las canciones que han pasado a la posteridad como uno de los clásicos contemporáneos; “Year Of The Cat”, perteneciente a su séptimo álbum que llevaba precisamente su mismo titulo.
Para cuando fue publicado "Year of the Cat", el álbum y el single alcanzaron vertiginosamente las primeras posiciones en las listas de éxitos de medio mundo, logrando unas ventas extraordinarias, además de un disco de platino en los Estados Unidos al poco tiempo de su lanzamiento.
Este seria el segundo álbum en donde Al Stewart contaría con la producción de Alan Parsons, después de “Modern Times” del año anterior. Esta colaboración se ve reflejada en los sonidos con matices progresivos y orquestales, gracias al aporte de Andrew Powell, los grandes arreglos y unos temas seductores y sublimes que son el contrapunto perfecto y equilibrado al pop y el folk característico de Al Stewart.
Gran parte del equipo de grabación del mencionado “Modern Times” repetirían en la grabación de este nuevo trabajo entre los que figuran Peter White y Tim Renwick a las guitarras, Peter Wood a los teclados y Stuart Elliott a la batería entre otros músicos como el saxofonista Phil Kenzie y los vocalistas David Pack y Tony Rivers e igualmente fue grabado en los estudios Abbey Road de Londres durante los meses centrales de 1976.
“Year Of The Cat” al completo es una verdadera obra maestra, desde la extraordinaria y delicada “On The Border”, pasando por la enérgica “If It Doesn´t Come Naturally Leave It”, la intrigante “Broadway Hotel” o la memorable “On Stage Before”.
Pero es sin duda la canción "Year of the Cat", el momento cumbre del álbum, una exquisita composición pop con pinceladas folk, apoyada en una voz glamurosa y una irresistible melodía que atrapa al oyente desde los compases iniciales de piano, el inmenso interludio y un final apoteósico con un sublime solo de saxofón a cargo de Phil Kenzie que de alguna manera nos recuerda a la mítica “Baker Street” del malogrado Gerry Rafferty.

Supertramp-Even In The Quietest Moments... (1977)

El quinto álbum de Supertramp supuso el lado mas pastoral y melódico del grupo hasta esos momentos y al mismo tiempo su mayor logro comercial hasta la llegada del siguiente y multimillonario en ventas “Breakfast In America”. Ya desde el apoteósico “Crime of The Century”, Supertramp habían orientado su estilo hacia un pop progresivo y comercial, en donde las armonías adictivas y las estructuras mas complejas se unieron de la mano en un álbum perfecto y equilibrado. El continuista y soberbio “Crisis? What Crisis” no hizo si no confirmar esa tendencia, pese a ser considerado injustamente un trabajo menor dentro de la discográfica del grupo. En ese sentido ”Even in The Quietest Moments...” mostraba el lado mas amable y reposado del grupo con unas composiciones tremendamente magnificas como son la irresistible melodía de “Give a Little Bit”, la bucólica “Even In The Quitest Moments...” y esa joya del rock progresivo que es “Fool´s Overture”.
El resto sin llegar a las excelencias de estas tres, equilibran de manera impecable el resultado final de este álbum, como la sofisticada “From On Now”, la comercial “Babaji” y la enérgica “Loverboy”.
Con esta nueva entrega Roger Hodgson se convierte en el líder casi absoluto de Supertramp, suyas son las cuatro mejores composiciones del álbum y al mismo tiempo las mas exitosas y recordadas.

Yes-Going For The One (1977)

“Going For The One” simboliza el ultimo gran álbum de los Yes mas megalómanos, la obra que cerraba una época gloriosa que los aúpo hasta ser considerada una de las cinco mas grandes bandas del rock progresivo de toda la historia.
Tres años habían pasado desde el ultimo trabajo del grupo, (“Relayer”, 1974), años que serian dedicados por cada miembro de la banda a sus proyectos en solitario, además de servir de alguna manera de desintoxicación de tantos años de álbumes y giras posteriores, por lo que todo ese tiempo les supondría un merecido descanso y al mismo tiempo reordenar sus ideas para sus siguientes movimientos discográficos.
Si en el anterior “Relayer”, la banda opto por solo tres extensos temas, con unos sonidos inaccesibles y experimentales, para esta ocasión Yes recurrieron a la estructura de temas mas cortos a excepción de la suite “Awaken”.
Otro hecho destacado es la reaparición del teclista Rick Wakeman que volvía después de sus escarceos en solitario con dispares resultados, por lo tanto aquí la formación mas clásica (Anderson, Howe, Wakeman, White y Squire), vuelven a grabar juntos casi cuatro años después desde el doble álbum “Tales From Topographic Oceans” de 1973.
Musicalmente también supuso diferentes cambios con respecto a los épicos desarrollos instrumentales de las obras anteriores, dejando atrás la pomposidad y las espesas texturas envolventes y los grandes paisajes sonoros en favor de una música mas rítmica y espontanea, y unas influencias mas variadas en donde hay elementos de manera muy sutil de jazz rock o funk.
Este cambio hacia una modernización incluso se ve reflejada en la portada, la cual por primera vez desde el lejano “Fragile” se aleja del misticismo y la fantasía de Roger Dean, diseñada esta vez por Hignopsis con un estilo futurista.
Para la grabación de este álbum, la banda se traslado a Suiza, a los estudios Mountain en Montreux y a la iglesia de St Martin en la ciudad de Vervey, en donde se grabaron las partes de órgano para los temas “Parallels” y “Awaken”.
El resultado final es un sonido mas accesible y menos pretencioso como demuestra la preciosista “Wonderous Stories”, mientras las rítmicas “Going For The One” y “Parallels” muestran el cambio sustancial del nuevo sonido del grupo. Por su parte la atmosférica “Turn Of The Century” es junto a la sensacional “Awaken” los momentos mas progresivos del álbum, ambas en un claro guiño a obras tan emblemáticas como “Close To The Edge” “Relayer” o “Tales From Topographic Oceans”.

Rick Wakeman-Journey To The Center Of The Earth (1974)

En 1973 Rick Wakeman había grabado con su banda Yes, el monumental álbum "Tales from Topographic Oceans", sin embargo y después del tour mundial presentado este ultimo, Wakeman abandona al grupo y decide centrarse en sus proyectos en solitario.
Para ese año Rick Wakeman ya tenia publicado los álbumes “Piano Vibrations” (1971) y “The Six Wives of Henry VIII” (1973).
Así que para 1974 Wakeman estaba centrado en su tercer disco y sin duda su obra maestra absoluta, "Journey To The Center of the Earth", un álbum conceptual basado en la obra de Julio Verne.
Sin embargo este opulento y fantástico lanzamiento tuvo detrás de si una larga historia para su elaboración, composición y grabación final, y es que para ello el propio Wakeman tuvo que hipotecar algunas de sus pertenecías mas preciadas para afrontar los costosos gastos de grabación. Y aunque la A&M Records le había adelantado 4 mil libras, estas fueron insuficientes para apenas iniciar el proyecto. Este hecho fue fundamental y una de las razones por la que el álbum fue grabado finalmente en directo, dado que los gastos de los estudios de grabación eran tan inmensos y costosos que comprometían el proyecto final por inviable. Este hecho también fue uno de los motivos por el cual mucha de la música compuesta originalmente por Rick Wakeman se quedara fuera, al adaptarlo primero a un concierto de duración mas corta y segundo a que su obra pudiera ser incluido en ambas caras de un solo LP.
Finalmente el álbum fue grabado en enero de 1974 en el Royal Festival Hall de Londres en colaboración con la London Symphony y la English Chamber Choir.
Comercialmente “Journey To The Center of the Earth” sería todo un éxito y a lo largo de los años ha vendido más de 14 millones de álbumes, lo que lo convierte en uno de los discos de rock progresivo más vendidos de la historia.
Una grabación que se divide en cuatro partes unidas por el narrador David Hemmings que cuenta la historia del viaje durante los interludios entre las mencionadas partes.
Además de la London Symphony y la English Chamber Choir, Wakeman reclutaría a los vocalistas Gary Pickford-Hopkins y Ashley Holt, al guitarrista Mike Egan, al batería Barney James y al bajista Roger Newell, mientras las labores de producción fueron repartidas entre el propio Wakeman y los ingenieros Pete Flanagan y Keith Grant
La primera parte titulada "The Journey", es una obertura épica que culmina con unos espléndidos sonidos de los mini moog de Wakeman, continuando con "Recollection" donde Wakeman dibuja paisajes de ensueño y hace volar la imaginación de los oyentes con sus torrenciales sonidos de teclados.
La cara B comienza con "The Battle" con un inicio orquestado muy emocionante que recuerda el leitmotiv de la obra para pasar rápidamente a una gran exhibición instrumental del teclista. Mientras “The Forest” es la culminación que pone fin a esta magnífica obra de forma apoteósica al más puro estilo sinfónico con toda la orquesta implicada.
“Journey to the Centre of the Earth” es sin duda una de las obras maestras del rock progresivo y uno de los discos más importantes de la historia de la música rock.

Camel-Camel (1973)

Cuando Camel publicaron su álbum debut, lo hicieron justo el año de mayor auge y creatividad del rock progresivo, por lo que su propuesta pasaría inadvertida para la gran mayoría de los seguidores del genero, mas enfocados en escuchar las docenas de bandas mas punteras ya consolidadas que por aquella época existían. Ese año precisamente también seria el año de algunas de las obras cumbres del genero como “The Dark Side Of The Moon” de Pink Floyd, “Tales From Topographic Oceans” de Yes, “Tubular Bells” de Mike Oldfield”, “Brain Salad Surgery” de Emerson, Lake and Palmer” o “Selling England By The Pound” de Genesis, por poner solo algunos ejemplos del amplio arsenal de discos publicados en 1973. En medio de esta vorágine de publicaciones no es de extrañar que el primer álbum de Camel no fuera tomado muy en serio por una gran parte de la comunidad progresiva.  
En este primer disco titulado homónimamente, la banda estaba compuesta por su formación mas clásica, o por lo menos la que luego grabaría sus obras maestras (“Mirage”, “The Snow Goose” y “Moonmadness”), ellos eran el guitarrista y voces Andrew Latimer, el teclista Peter Bardens, el batería Andy Ward y el bajista Doug Ferguson. Grabado durante los meses centrales de 1972, seria publicado en febrero de 1973 bajo el sello MCA, supuso un muy buen punto de partida a su propuesta progresiva, algo diferente al resto de sus competidores coetáneos, en donde las influencias del blues, el jazz, la música clásica y su estilo personal le otorgan un estilo único y diferente. Sin embargo y pese a todo, muestran cierto desequilibrio musical, algo obvio si tenemos en cuenta que aún eran noveles y esta era su carta de presentación. Entre lo mas destacado de este primer trabajo, están la melódica “Slow Yourserf Down” en donde ya muestra el duelo entre guitarra y teclados que será el ADN de Camel en adelante o uno de sus temas clásicos como es “Never Let Go”, una pieza que define a la perfección el estilo de la banda, el resto esta compuesto por temas menores que sin embargo atraen la atención del oyente como la instrumental “Arubaluba”, la atmosférica “Curiosity” o la pegadiza “Separation”.

Robert Berry-3.2 Third Impression (2021)

En el año 2015 Keith Emerson y Robert Berry se plantearon dar continuidad al proyecto en el que ambos participaron en 1988 y dio como resultado el álbum “To The Power of Three”, en el cual también participaría el batería Carl Palmer. Durante algún tiempo ambos músicos trabajaron en dicho proyecto pero lamentablemente un año después Keith Emerson fallecía justo cuando estaba casi todo preparado con el fin de iniciar los preparativos para un nuevo álbum.
Dos años después Robert Berry publicaba “The Rules Have Changed”, un disco tributo al legado de Keith Emerson y en el 2021 por fin sale a la luz el esperado proyecto dejado a medias cinco años antes.
Para esta continuación titulada “Third Impression”, Robert Berry se apoyo en grabaciones que el propio Keith Emerson había dejado en cintas de cassette, o en partes de teclados registrados en su propio teléfono móvil, así como las ideas que ambos habían empezado a trabajar por aquellos momentos.
Este trabajo sigue manteniendo intacta el tono melódico del debut de años atrás, con un disco repleto de rock progresivo y épico, sin dejar de lado el característico sonido AOR y el gran trabajo de teclados, una clara herencia musical de Keith Emerson. Así desde la inicial “Top Of The World” en donde las guitarras acústicas y la voces épicas junto a los grandes teclados captan al oyente con un tema dramático y grandilocuente. La contundente “What Side You´re On”, de claro corte progresivo, da paso a las mas apasionadas “Killer Of Hope” y “Missing Piece”. La AOR “The Devil of Liverpool”, la jazzistica “Emotional Trigger”, la épica “A Fond Farewell” y la progresiva y extensa “Never” dan por finalizado un álbum de grandioso legado al sonido mas genuino de ELP, pero con un sonido mas accesible que el de la mítica banda británica.

Ian Anderson-Walk Into Light (1983)

Para su primer álbum en solitario, el líder de Jethro Tull, Ian Anderson, quiso distanciarse de los sonidos de su banda madre y aunque de manera sutil y por mucho que se empeñara en hacerlo, de algún modo nos retraen a los sonidos de los Jethro Tull mas modernos y electrónicos de la década de los ochenta. En contra de todos aquellos elementos que hicieron de Jethro Tull una de las mas grandes bandas de la historia, con esas efectivas guitarras, las hermosas mandolinas y el folk y blues aderezados con sonidos épicos y progresivos, aquí Anderson sigue una estela novedosa y mas acorde con los tiempos que comenzaría con el álbum “A” de varios años antes junto a su grupo, en donde los sintetizadores tomaban el protagonismo en detrimento de las guitarras de Martin Barre, las orquestaciones y arreglos de David Palmer y John Evan (de hecho ya en el mencionado álbum estos no aparecerían como miembros permanentes de la banda), y ese sonido tan característico de Jethro Tull.
A todo esto, si ya el cambio musical de Jethro Tull había significado el alejamiento de sus seguidores mas puristas, con este primer álbum de Ian Anderson, su figura se vería en cierta medida mas impopular aún. Para rematar la faena Anderson solo contaría con un músico mas para la grabación de este trabajo, y seria uno de los músicos mas odiados por los seguidores mas ortodoxos de la banda, Peter-John Vitesse, por atreverse a contribuir e influir notoriamente en la formula de modernizar el sonido de la banda británica en el posterior “Under Wraps”, (el otro músico con un mismo signo, seria el teclista Eddie Jobson).
Un álbum en donde Anderson se encarga prácticamente de tocar todos los instrumentos (guitarras eléctricas y acústicas, bajo, flauta, batería electrónica, además de la producción), mientras Peter-John Vitesse seria el encargado de un extenso arsenal de sintetizadores y teclados.
Pese a que a los mas puristas este revestimiento musical no les agrado en absoluto, hay que reconocer que siendo objetivos, este “Walk Into Light” es un álbum brillante con una serie de temas melódicos y que aprovechando la tecnología punta de aquellos años es una especie de pequeña obra maestra del mejor rock progresivo de los tecnológicos años 80. Temas como la vibrante “Fly By Night”, con un trabajo soberbio de Anderson a la flauta encima de grandes capas de piano, la enérgica “Made in England”, la moderna y computarizada “Walk Into Light”, la electrónica “Trains”, la reflexiva “Black and White Television”, una clara ironía sobre la puritana y primitiva sociedad británica que rechaza la modernización pero se engancha con la MTV, o las geniales “Looking For Eden”, “User Friendly” y “Different Germany”, esta ultima una mirada socio-política a los problemas de la guerra fría en Europa en aquellos años, la cual se convierte en el tema mas progresivo de todo el álbum. 

"Walk Into Light" fue sin duda un paso adelante en la búsqueda de la innovación y la experimentación por parte de uno de los grandes genios de la música del siglo 20.

Roger Waters-Radio K.A.O.S. (1987)

“Radio K.A.O.S.” es el segundo trabajo del ex líder de los Pink Floyd, Roger Waters, un álbum enrevesado y al mismo tiempo vital y enérgico. La compleja trama que se transmite en este trabajo conceptual trata de un joven discapacitado en silla de ruedas (Billy), que recibe en su cabeza las ondas de radio y que las utiliza para comunicarse con un revolucionario disc-jockey de una emisora local. Dentro de este surrealista contexto, aparece la figura de su hermano, acusado de un crimen que no cometió, además de una serie de temas menos recurrentes como la manipulación del sistema de misiles nucleares o referencias a la Libia de Gadafi.
De alguna manera este Radio K.A.O.S.”, es la secuela de la trilogía iniciada con el álbum de Pink Floyd (en realidad de Roger Waters y su banda) “The Final Cut” y que finalizaría cinco años mas tarde con el mas político y reflexivo “Amused To Death”.
Musicalmente todo el álbum muestra mucha energía y una gran vitalidad, algo por otra parte no muy habitual en las obras oscuras y con cierto pesimismo de Roger Waters, lo que lo convierte en su trabajo de tono mas comercial y con unos sutiles sonidos mas pop que progresivos. La mayoría de la música expuesta aquí no son canciones individuales, si no actos separados dentro de una misma obra. Waters consigue de manera impresionante combinar el dialogo de Billy (reflejado aquí con una voz mecanizada y computarizada) y Jim, el cínico disc-jockey, logrando con ello una fascinante y en muchos momentos una deslumbrante grabación ambiciosa y alucinante.
En cualquier caso son la triada final con “Home”, “Four Minutes” y la melódica “The Tide is Tunning” lo mas destacado de este álbum.
Esta ultima canción fue el colofón al celebre y multitudinario concierto en Berlín ofrecido por Roger Waters en 1990, junto a una constelación de estrellas, para celebrar la caída del muro de Berlín.
En la gira posterior al álbum, Waters incluso utilizaría una gran torre de radio con un Dick-jockey en el escenario, para recrear lo mas fielmente la trama y también (y todo hay que decirlo), contrarrestar la espectacular puesta en escena que por aquellos momentos ofrecía los Pink Floyd de David Gilmour, con su Tour “A Momentary Lapse of Reason”.

The Moody Blues-To Our Children´s Children´s Children (1969)

Por una vez y sin que sirva de precedente, reseñamos dos álbumes seguidos de una misma banda, esta vez le toca el turno a “To Our Children´s Children´s Children”, de The Moody Blues, publicado varios años antes que “Every Good Boy Deserves Favour” (1971), comentado en el post anterior.
Un álbum que por su complejidad y su enorme perfeccionismo, fue incomprendido por el gran publico, siendo uno de sus trabajos mas difíciles y menos accesibles.
Sin embargo aquí la banda sigue mostrando su gran faceta melódica y su afán por la pulcritud instrumental pero con ciertas dosis de rock psicodélico y poderoso rock (en algunos momentos incluso nos recuerdan al primer álbum de King Crimson), algo que no es de extrañar si tenemos en cuenta que aquí participan algunos de los mismos ingenieros de sonido.
Concebido a modo conceptual, con la temática de fondo del contrasentido que supone el progreso de las investigaciones espaciales y al mismo tiempo el daño y la negligencia con nuestro ámbito natural y el medio ambiente.
Lo tremendamente pretencioso de este álbum por su complejísima instrumentación dio como resultado que fuera prácticamente imposible ser interpretado en vivo, hecho este que lastraría sus ventas al no ser debidamente promocionado. Con un comienzo extraño de voces y sonidos envolventes se inicia la trepidante y enérgica “Higher And Higher” que da paso a las melódicas “Eyes Of A Child I” y “Floating”, que son la antesala de las cortas “Eyes Of A Child II” y “I Never Thought I´d Live To Be A Hundred”, en una secuencia seguida de canciones que obedecen al lógico patrón temático del álbum. De aquí en adelante destacan dos de sus grandes composiciones, la adictiva “Gypsy” y la solemne “Watching And Warning”, a la que sigue la tremenda “Eternity Road”, para acabar con la pastoral “I Never Thought I´d Live To Be A Million”.

The Moody Blues-Every Good Boy Deserves Favour (1971)

Con “Every Good Boy Deserves Favour” estamos ante la obra maestra de The Moody Blues, si bien es cierto que en parte lastrado comercialmente por el monumental “Days Of future Passed”. Sin embargo este es uno de los picos creativos del grupo británico y uno de sus momentos mas gloriosos. Después del orientado hacia sonidos mas acústicos “A Question Of Balance”, la banda volvería a retomar sus preferencias por los sonidos mas electrónicos con el uso casi masivo del mellotrón y el mini moog y una orientación a temas mas épicos y conceptuales a diferencia del formato canción de sus obras anteriores.
Un álbum en donde tanto Mike Pinder como Justin Hayward son quienes mayor peso especifico tienen en la arquitectura musical del repertorio, el primero con sus sintetizadores y el segundo con su guitarra.
La inicial y exótica “Procession” con ese sonido un tanto tribal mezclando la cadencia hindú, la música africana y el renacimiento pastoral barroco se entremezcla con la mas adictiva “The Sory In Your Eyes”, la cual se convierte en uno de sus singles mas exitosos. “Our Guessing Game” es una conmovedora balada que tiene continuidad en las tiernas “Emely´s Song” y “After You Came”. La armónica “One More Time To Live”, la melódica con acercamientos a la música celta “Nice To Be Here”, la melancólica “You Can Never Go Home” y la progresiva “My Song” nos devuelven a los mejores The Moody Blues, esta ultima combinando el esplendor sinfónico en una mini suite en donde las grandes capas de mellotrón y guitarras cierran un álbum magistral y abrumador.

Downes Braide Association-Halcyon Hymns (2021)

A finales del nefasto año 2019 y principios del funesto 2020, años que por las razones obvias que todos conocemos merecen ese calificativo, Geoff Downes y Chris Braide volvieron a unir fuerzas para salir de gira con una banda al completo interpretando una serie de temas, los cuales algunos ya aparecen en este "Halcyon Hymns" (el cuarto álbum del dúo), además de material de sus álbumes anteriores y otros temas que fueron compuestos durante el confinamiento de gran parte del 2020.
Ahora en este 2021 aparece este disco, un lanzamiento algo nostálgico con ciertos toques reflexivos que sin embargo nos conducen a un cierto positivismo al escucharlo, esperando días mejores en un futuro no muy lejano.
Para este álbum, además de los teclados de Geoff Downes y las guitarras y voces, con el plus añadido de las teclas de Chris Braide, aparecen músicos como el batería Ash Soen, el bajista Andy Hodge, el guitarrista David London y el gran Marc Almond a las voces, también esta presente Barney Ashton Bullock como narrador en algunos de los temas aquí incluidos. El disco en si es un recorrido por los sonidos que nos recuerdan a los Moody Blues mas sinfónicos, a los Yes mas progresivos o incluso al sonido mas comercial del estilo de The Alan Parsons Project.
La narración de Barney Ashton Bullock abre la espléndida "Love Among The Ruins" con unas exuberantes texturas musicales, una canción repleta de vitalidad y buenos sentimientos. La inquietante "King Of The Sunset" es un medio tiempo en donde las armonías vocales están construidas de manera efectiva, con sutiles ráfagas de guitarras y mandolinas. "Your Heart Will Find The Way" no deja ese sonido de la época de los Yes con Tevor Rabin en sus filas, un tema pegadizo con grandes coros y un claro mensaje optimista. La progresiva "Holding The Heavens" esta mas cerca de los sonidos mas bucólicos de Genesis con esas guitarras de 12 cuerdas y una melodía que va en aumento casi de manera épica.
Otro tema en la onda de Yes, esta vez en los mas clásicos, esta en la corta "Beachcombers", tema que gradualmente se va desarrollando a partir de capas de teclados, guitarras, batería y unas precisas armonías vocales. La pastoral "Warm Summer Sun" cantada por un extraordinario Marc Almond y la interacción entre su voz y la de Braide es sencillamente magistral, un tema que evoca sentimiento y nostalgia. Por su parte "Hymn" To Darkness" nos deja ese regusto por la música de iglesia de Downes, con una melodía irresistible y unos grandes acordes de mandolina y teclados que proporcionan el telón de fondo perfecto a la voz de Braide. Por un camino algo similar se encuentra la lánguida y breve "Late Summer", pero en un tono mas oscuro de gran belleza instrumental. La extensa "Remembrance" es la canción mas extraña del álbum, recurriendo a los mismos esquemas que las anteriores de mandolinas y piano, Ashton Bullock va narrando nuestro amor por la gente mayor tan castigada por esta enfermedad. Con este nuevo álbum Downes y Braide han vuelto a triunfar y al igual que ocurriría con el anterior "Skyscraper Souls", ambos se benefician del trabajo con una banda al completo, con las ayudas inestimables de Andy Hodge y Ash Soan y los músicos invitados como Marc Almond, aportando todos ellos grandes armonías y unas extraordinarias ejecuciones instrumentales, en un trabajo tan elegante como de gran finura, y en donde resalta su mensaje anhelando el regreso de los días felices que ahora todos añoramos, un mensaje que necesita el mundo en estos duros momentos.

Neil Diamond-Hot August Night (1972)

En plena fiebre de los dobles en directo de la década de los setenta, Neil Diamond publicaba su primer álbum en vivo "Hot August Night”, grabado íntegramente en el Greek Theatre de Los Ángeles, durante una serie de diez noches consecutivas con todas las entradas agotadas a lo largo del mes de agosto de 1972.
Por aquel entonces Neil llevaba ocho álbumes publicados, su carrera iniciada en 1967, le había reportado algunos discos con un tremendo éxito como “Tap Root Manuscript”, “Stones”, o “Moods”, todos ellos con ventas astronómicas y varios discos de platino y de oro. Considerado uno de los mejores showman y con un carisma casi a la altura del propio Elvis Presley, Diamond se fue labrando una gran reputación escribiendo canciones para otros interpretes durante la primera parte de los sesenta, hasta que varios de sus temas incluidos en sus discos, lograron un rotundo éxito como fueron “Cherry, Cherry”, “Solitary Man” y “I´m A Believer”. A partir de aquí, sus éxitos se sucedían sin parar y los sencillos “Sweet Caroline”, “Holly Holy” o “Craccklin´Rosie”, le auparon como uno de los grandes compositores e interpretes norteamericanos de la época. Pero además de su destreza como compositor, Diamond era un fantástico cantante en vivo, con unos explosivos directos y unas espectaculares puestas en escena. En 1972, Neil Diamond incorporaría un novedoso sistema cuadrafónico para sus conciertos, consiguiendo de esa manera que las audiencias pudieran escuchar sus directos de manera envolvente. Además de su banda, para esos conciertos Neil Diamond contó con una amplia sección de músicos de cuerda lo que engrandecía y le daba al potente sonido pop y rock, un énfasis grandilocuente.
El set list que compone este doble álbum es un magnifico recorrido por prácticamente todos los éxitos hasta ese momento del cantante neoyorkino, con un sonido espectacular y unos arreglos contundentes e irresistibles. “Hot August Night”, se convertiría en otro gran éxito con varios millones de copias vendidas, alcanzado un increíble numero cinco en las listas norteamericanas y un éxito sin precedentes a nivel mundial. 

Glass Harp-Glass Harp (1970)

Glass Harp fueron una importante banda norteamericana que ocupa un lugar de honor en la historia de la música rock del estado de Ohio y al mismo tiempo en Norteamérica.
Esta banda estaba emparentada a los sonidos de sus coetáneas Cream, Jimi Hendrix Experience y la banda del mismo estado de Ohio, The James Gang.
Ellos desarrollaron un sonido característico propio, un enfoque progresivo que permitió a sus miembros, de manera colectiva o individualmente, extenderse más allá de los límites musicalmente hablando preestablecidos y habituales dentro del rock.
Este power trío estaba compuesto por el guitarrista Phil Keaggy, el batería John Sferra y el bajista Dan Pecchio, los cuales se ganarían una gran reputación y una amplia legión de seguidores en la escena musical del noroeste de Ohio, y los estados limítrofes como Indiana, Kentucky, Michigan y Pensilvania. Especialmente celebres fueron sus actuaciones en la popular sala de conciertos JB´s de la ciudad de Kent, justo en una época en donde las manifestaciones y las tumultuosas protestas contra la guerra del Vietnam estaban a la orden del día.
Esta popularidad les llevaría a conseguir un contrato a nivel nacional con la discográfica United, subsidiaria de la MCA y unas espectaculares giras por los Estados Unidos apoyando a Grand Funk, The Kinks, Yes, Humble Pie o Traffic, durante gran parte de 1970.
Sin embargo y luego de varios singles de menor impacto, la banda es requerida por el productor de A&R, Lewis Merenstein, quien después de comprobar su talento, les cambia de compañía discográfica y firman por la Decca Records.
Producido por el propio Merenstein, y con la colaboración de John Cale, este primer álbum fue grabado en los míticos Electric Lady Studios de New York y contiene una interesante amalgama de estilos, todos ellos con un denominador común, la improvisación, ya que en sus directos esta banda alargaban y desarrollaban sus temas mas allá de los 30 minutos de puro jam rock, todo ello aderezado con melódicas voces al mas puro estilo beatle.
Temas como la inicial "Can You See Me", una estupenda composición con claras connotaciones cristianas, o la heavy rock progresiva "Changes (In The Heart Of My Own True Love)", contrastan con la sureña "Village Queen", la acústica "Black Horse", la medio tiempo "Whatever Lide Demands", o las meritorias con connotaciones progresivas "Look In The Sky", "Garden" y "On Our Own".
 

Deep Purple-Burn (1974)

Octavo álbum de Deep Purple y su quinta obra maestra que su une a los magistrales “In Rock”, “Fireball”, “Machine Head” y el doble directo “Made In Japan”. En este se estrenaba la formación denominada “Mark III” con la entrada de David Coverdale y Glenn Hughes” quienes habían sustituido a Ian Gillan y Roger Glover respectivamente, además supuso un plus añadido al introducir junto al potente sonido de hard rock, sutiles toques de funk y soul. Con una pieza tan soberbia como sobresaliente como es “Burn” comienza este extraordinario disco, una de las canciones magistrales de Deep Purple, mientras ya en la segunda canción se advierte el cambio antes mencionado con la bluesy con tintes funk “Might Just Take Your Life”, sin duda  producto de las aportaciones de los nuevos miembros Coverdale y Hughes. La enérgica “Lay Down, Stay Down” muestra la irresistible faceta de las voces a dúo del binomio Coverdale-Hughes. “Sail Away” nos devuelven a los Purple clásicos con un riff de guitarra por parte de Blackmore antológico. En la trepidante “You Fool No One” vuelven a aparecer sonidos cercanos al funk fusionado con el potente hard rock. La hard blues “What´s Going On Here” es el momento de Lord y su piano hony tonk y el sobresaliente trabajo de Blackmore a la guitarra. Llegados a este punto la banda lo borda con la majestuosa “Mistreated”, toda una de las joyas del hard rock, casi ocho minutos de enigmáticos riffs y la poderosa voz de Coverdale que junto a la contundente sección rítmica comprendida por Paice y Hughes, elevan este álbum hasta el altar de las grandes obras de la música rock. Para finalizar la banda se permite la extravagante y experimental “A 200”, un tema instrumental muy cercano al rock progresivo en el cual el mayor protagonismo lo tiene Jon Lord y sus teclados atmosféricos y espaciales.

David Bowie-Low (1977)

En 1977 David Bowie llevaba varios años  alejado de su singladura glam, un tiempo en el que el duque blanco había coqueteado con otros estilos después de ese periplo de plumas y lentejuelas, como las influencias soul y rhtyhm and blues de sus álbumes anteriores “Young Americans” (1975) y “Station To Station” (1976). Para el siguiente álbum “Low”, Bowie tuvo la colaboración esencial de Brian Eno, el cual lo doto de un sonido mas electrónico, pero sin perder la frescura y el encanto de las composiciones del cantante británico. Además de Eno, en “Low” también participaron músicos como el guitarrista Carlos Alomar, un asiduo desde el mencionado “Young Americans”, el bajista George Murray, el baterista Dennis Davis, el teclista Roy Young o el guitarra Ricky Gardiner. Grabado entre los estudios Chateau d´Hérouville en Francia y los Hansa Studio de Berlin, durante los meses finales de 1976, este nuevo lanzamiento se componía de dos partes bien diferenciadas, una primera cara enfocada casi exclusivamente a los sonidos mas convencionales y una segunda enfocada a temas mas atmosféricos e instrumentales.
La oscura y rítmica “Speed Of Life”, con una irresistible melodía da comienzo a este trabajo considerado por muchos como uno de sus discos de transición, que sin embargo tiene como resultado una de sus joyas menos conocidas. La robótica “Breaking Glass”, la pop electrónica “Sound and Vision” o la atmosférica “Always Crashing in the Same Car”, concluyen una cara densa y bastante profunda de una música tan cautivadora como elegante. En la segunda cara destacan la oscura y espacial “Warszawa”, la ambiental “Art Decade” o las experimentales “Weeping Wall” y “Subterraneans”. Un álbum en donde Bowie volvía a demostrar sus diferentes facetas musicales, con una colección de temas geniales y diferentes a lo acostumbrado, logrando con ello otra obra imprescindible dentro de su amplia y ecléctica discográfica.

Whalefeathers-Whalefeathers (1971)

En sus cuatro años de carrera, Whalefeathers nos dejaron dos admirables álbumes para los seguidores al sonido del hard rock progresivo, con elementos improvisados de guitarras y órgano Hammond, con cierto regusto a los sesenta.
Fundados en Ohio, Estados Unidos, a finales de 1969 por Michael Jones como guitarrista y vocalista, Leonard Le Blanc, bajo y voces, Mike Wheeler guitarrista solista, Stephen Bacon, batería y voces y Ed Blackmom como teclista.
En 1971 llegaría su segundo álbum, titulado homónimamente como la banda en donde destacan la poderosa e inicial "World of Pain” con potentes y agudas guitarras, un espectacular órgano Hammond y un final bluesy, o la R&B “I Don´t Need No Doctor”, mientras el emocionante blues “I´ts a Hard Road (Back Home)”, nos conducen a lo mejor del álbum con la melódica y trepidante “Bastich”, la blues rock “Pretty Woman” o la extensa y progresiva “Shadows”, que con largos desarrollos de improvisación de toda la banda, es el punto culminante de este disfrutable trabajo.
Dos años mas tarde, Whalefeathers se disolvieron definitivamente, aunque antes habían abierto conciertos para algunas de las grandes bandas americanas como Grand Funk Railroad, The Allman Brothers Band o Edgar Winter Group. Su interesante legado se encuentra en sus dos únicas y meritorias obras, repletas de un excelente rock, muy adictivo con influencias psicodélicas, blues rock y sonidos progresivos .

Klaus Schulze-La Vie Electronique 15 (2014)

“La Vie Electronique” es una monumental serie de discos recopilatorios publicados por el teclista alemán Klaus Schulze, un músico y compositor considerado uno de los grandes gurús de la electrónica. Su paso por las emblemáticas bandas Tangerine Dream, Ash Ra Tempel y The Cosmic Jokers y su impresionante discografía en solitario, superando con creces el medio centenar, le ha valido para ser junto a genios como Vangelis o Jean Michel Jarre, uno de los mas grandes artistas de la música electrónica de toda su historia.
“La Vie Electronique 15” incluye tres discos, el primero de ellos dedicado exclusivamente al larguísimo tema “Nuff Siad” de casi una hora y media de duración, pieza que fue extraída de su álbum “Jubilee Edition 25” de 1997. El segundo esta compuesto por varios temas en directo, extraídos de un concierto en Bolonia en 1998, mientras en el tercer disco, Klaus Schulze junto al cellista Wolfang Tiepod, el cual ejecuta un violonchelo veneciano que data de 1722, interpretan tres composiciones que fueron originalmente grabadas en 1999.
En este colosal triple álbum, sobresalen piezas como la religiosa y solemne “Cum Cello Spiritu”, con un desarrollo tan fastuoso como extraordinario en donde además de los etéreos teclados de Schulze, destaca el violonchelo melodramático y oscuro de Tiepod. La suite “L ¨Opera Aperta” con sus cinco movimientos es otro de los puntos culminantes de la obra, con sonidos que nos retraen a la época de su aclamado álbum “Moondawn” de 1976. Una obra que no dista demasiado de lo que Klaus Schulze nos tiene acostumbrados con un gran repertorio de músicas electrónicas, que apoyándose en una asombrosa diversidad de sintetizadores y samplers, va creando una música espacial y meditativa, para transportarnos a sus asombrosos viajes sonoros por el infinito océano cósmico

Cactus-Restrictions (1971)

En 1971 Cactus publicaba su segundo álbum en un año y el tercero de la carrera del grupo. Sucesor del monumental “One Way...Or Another”, este “Restrictions” sin llegar a sus excelencias, es un potente trabajo en donde la banda sigue mostrando un contundente hard rock americano. “Restrictions” fue grabado con la misma formación de sus dos anteriores trabajos, es decir; Tim Bogert al bajo y voces, Rusty Day como vocalista y harmónica, Jim McCarty como guitarra y el batería Carmine Appice, además de las colaboraciones de los teclistas Duane Hitchings y Albhy Galuten y del guitarra slide Ron Leejack.
El enérgico tema que da titulo al álbum es un comienzo apabullante con unos poderosos riffs y solos del guitarrista McCarty, a la que sigue la southern rock “Token Chokin´en donde se luce espectacularmente el guitarrista Leejack, el hard rock con sonidos progresivos “Guiltless Glider”, muestra la fenomenal dupla que conformaban Bogert-Appice. El resto se mueve entre el hard rock vigoroso con las aplastantes “Evil”, y “Bag Drag”, el rock sureño “Sweet Sixteen”, el blues rock “Alaska” o la folky rural “Mean Night In Cleveland”. Este seria el ultimo gran álbum de Cactus, y al mismo tiempo el ultimo del vocalista Rusty Day y del guitarrista Jim McCarty, siendo sustituidos para el siguiente y mediocre “Ot ´n´ Sweaty” de un año mas tarde por el guitarrista Werner Fritzschings y el cantante Fred French. Después de ese desafortunado “Ot ´n´Sweaty”, Tim Bogert y Carmine Appice dan por finiquitada la banda y se integran junto a Jeff Beck en el trío Beck, Bogert & Appice, quienes publicaron los convincentes y rotundos esfuerzos de jazz y blues rock “Beck, Bogert & Appice” y el directo “Live In Japan” ambos publicados en 1973.

Michael Hoenig-Departure From The Northern Wasteland (1978)

Michael Hoenig es uno de los teclistas mas arraigados de la llamada escuela de Berlin, que comenzaría su andadura a principios de los 70 en la banda de krautrock Agitation Free, con los que aportaría notablemente un sonido electrónico gracias a sus sintetizadores, otorgando esa peculiaridad hipnótica y espacial que se reflejan en los álbumes "Malesch" (1972) y "Second" (1973), aunque su contribución mas notable la encontramos en el monumental "Last", disco en vivo publicado en 1974. Un año después Hoenig pasa a engrosar en los míticos Tangerine Dream, sustituyendo temporalmente a Peter Baumann, con los cuales realiza una extensa gira por Australia terminado en el Royal Albert Hall de Londres. Luego de retornar Peter Baumann a Tangerine Dream, Hoenig publicaría su primer trabajo en solitario "Departure From The Northern Wasteland" en 1978, el primero de los dos únicos que el músico ha publicado.
En este primer esfuerzo discográfico, Hoenig mantiene al oyente pegado a la música con continua atención debido a las secuencias musicales aquí expuestas, con un estilo electrónico melodramático, una clara mezcla del "Oxigene" de Jean Michel Jarre y el "Richochet" de Tangerine Dream", aunque a diferencia del primero, menos melódico y del segundo con una dimensión menos rock, debido a la inexistencia de una guitarra eléctrica como la que utiliza Edgar Froese en ese álbum. Una obra en donde predominan los ritmos de sintetizador de bajo omnipresente o lo que es lo mismo, los secuenciadores, que va cambiando su patrón continuamente, encontrándonos notas de teclados mas agudas que hacen determinadas melodías y unos teclados flotantes de fondo, tres capas que no necesariamente se reproducen simultáneamente. El corte que da nombre al álbum es la pieza principal, un delicioso desarrollo progresivo, con multitud de capas superpuestas y una atmósfera oscura. También destacan "Voices Of Where" un tema mas corto pero de gran belleza instrumental y "Sun and Moon" un tema con claro acento a la escuela de Berlín.
Casi diez años después Hoenig publicaría el mas previsible "XCEPT One", trabajando de manera paralela durante todo ese tiempo en componer la música para diferentes películas y algunos videojuegos para ordenadores como la destacada "Baldur´s Gate 2".

Leonard Cohen-Popular Problems (2014)

Leonard Cohen es uno de los cantautores mas influyentes de la historia de la música popular, su condición de poeta, escritor y cantante le ha llevado a crear obras de máxima elegancia, sobriedad y sencillez, con su característica voz grave y sus canciones repletas de desamores, historias pesimistas sobre el mundo actual y temas que profundizan sobre la religiosidad y otros asuntos reflexivos. Desde el ya lejano 1967, Cohen fue escribiendo una serie de obras que han pasado a la historia como parte fundamental de la poesía hecha música con álbumes tan emblemáticos como aquellos “Songs of Leonard Cohen”, “Songs from a Room”, “Songs of Love and Hate” o tantos otros.
“Popular Problems” fue su décimo tercer esfuerzo lanzado en el 2014, cuando el viejo truhan canadiense contaba con ochenta años y en donde volvía a demostrar al mundo de que es un mito, mas allá de los estilos, las listas y la fama. Un álbum tan delicioso como reflexivo, al mismo tiempo de una gran sencillez, sin que hayan grandes alardes de instrumentación ni fuegos de artificio para hacer solo y simplemente canciones.
Todo el álbum es un exquisito recorrido por las entrañas del propio Cohen, empezando por la fascinante “Almost Like The Blues”, la cruda y nostálgica “Slow”, la soberbia “A Street” o las magnificas “My Oh My” y “Did I Ever Love You”, sin desmerecer piezas como la oscura “Nevermind” o las sobrecogedoras “Born In Chains” y “You Got Me Singing”, todas ellas con la inconfundible voz de serie de Cohen y unos irresistible coros acompañados por una instrumentación sencilla, efectiva, evocadora y refinada.
A estas alturas cualquier calificativo sobre la obra de Cohen es manifestar aquello de...sobran las palabras!.

Harmonium-Si On Avait Besoin D´Une Cinquieme Saison (1975)

Detrás del largo titulo “Si On Avait Besoin D´Une Cinquieme Saison”, se encuentra la banda canadiense Harmonium, una formación de folk progresivo que publico varios álbumes de gran interés para los fans del genero por sus melodías dulces, y sus exquisitos arreglos sinfónicos. Fundados en Quebec, este trío estaba formado por los guitarristas Serge Fiori y Michael Normandeu que junto al bajista Louis Valois tuvieron una corta carrera que comprendió entre 1972 y 1977, con tres álbumes de estudio y un directo. Sus comienzos estuvieron encuadrados dentro del jazz y el folk con influencias de la música francesa, cantando igualmente en francés. Ya con su segundo disco, este "Si On Avait...” comenzarían a abordar en sonidos mas complejos y progresivos, siempre dentro de los cánones del folk tradicional francés.
Para este álbum la banda se había ampliado con el teclista, además de sintetizadores y mellotrón, Serge Locat, y el flautista y otros instrumentos de viento Pierre Daigneault.
Este segundo lanzamiento muestra de manera brillante una clara interacción entre el rock sinfónico y el folk rock, una combinación que claramente esta reflejada en “Histories Sans Parole”, un tema progresivo en donde utilizan instrumentos clásicos y mellotrón, de la misma manera destaca “Depuis L´Automne", un folk progresivo soberbio, el resto del álbum esta repleto de sonidos de guitarras acústicas y eléctricas, piano, mellotrón, flautas, arreglos orquestales y unas irresistibles melodías vocales, demostrando con todo ello, una brillantez apabullante en casi todos los cortes de este sensacional trabajo.

Yes-Close to the Edge (1972)

Con “Close To The Edge”, Yes se posesionaban como la mejor formación del rock progresivo a nivel mundial junto a ELP, Genesis y Pink Floyd, con un trabajo sobresaliente en donde muestran unas complejas composiciones repletas de sonidos nunca antes visto. Un álbum perfecto en donde cada nota esta en su sitio, que junto a la ambición, la complejidad y el virtuosismo de sus cinco integrantes lo elevan hasta el status de obra de arte.
Compuesto por tres extensos temas, en la primera cara encontramos la suite “Close To The Edge”, 18 minutos de una elaboradísima música con cientos de matices y continuos cambios rítmicos con una total precisión instrumental. En la segunda cara aparecen la delicada al mismo tiempo que elaborada “And You And I”, donde con un principio acústico se va desarrollando hacia momentos mas enérgicos y apoteósicos. Para acabar con la contundente y poderosa “Siberian Kathru” que con 9 minutos es el tema de mas corta duración, pero que de alguna manera continua con los mismo parámetros de las anteriores con continuos interludios entre los enérgico y lo mas bucólico, para terminar en un éxtasis instrumental total.
Un álbum de obligada escucha para todos los fans del progresivo, una obra que esta considerada una de las mas grandes gestas de la historia de la música rock.

Lift-Caverns Of Your Brain (1977)

Procedentes de Norteamérica, Lift fue un portentoso y entusiasta grupo de rock progresivo a la vieja usanza que publico su único álbum en 1977, con un repertorio de canciones que habían sido compuestas y ensambladas algunos años antes. Su estilo estaba basado en las influencias de bandas británicas como Yes o Nektar, con ambientes oscuros de la era mas psicodélica de los primeros Pink Floyd. Sus ideas estaban mas centradas en la dinámica musical sinfónica clásica, que se alejaba de sus compatriotas coetáneos como Kansas o Journey, bandas estas que imprimían un progresivo aderezado con el típico rock americano, Lift por su parte profundizaban en las robustas jams instrumentales de manera mas ordenada, con amplios espacios para el lucimiento de cada miembro de la banda.
Formados a principios de los 70 por el teclista Chip Gremillion, el bajista Cody Kelleher y el batería Chip Grevemberg, quienes algún tiempo después reclutarían al guitarrista Chris Young y al vocalista Courtenay Hilton-Green. Pasado un cierto tiempo el puesto de guitarrista iría a parar definitivamente a Richard Huxen con la marcha de Young. Con esta formación la banda lograría una amplia legión de seguidores gracias a sus actuaciones por diferentes zonas del sur de los Estados Unidos, especialmente con conciertos en las diferentes universidades.
Ya en 1974 la banda entraría en los estudios y grabaría una serie de canciones que no fueron publicadas, quedado almacenadas e incluso grabando diferentes conciertos que igualmente no fueron publicados oficialmente. Un año después se trasladaron a Atlanta y mas tarde a Filadelfia donde volverían a regrabar el material que tenían registrado anteriormente y que fue publicado mas tarde de manera oficial con el titulo de "Caverns Of Your Brain", de modo unilateral por el sello Brian, cuando Lift ya se habían disuelto definitivamente. En este único y singular álbum, el teclista Gremillion es el líder instrumental de la banda, gracias a sus arreglos orquestales de teclados y sus solos de sintetizadores y órgano, pero que no por ello el resto de los músicos dejen de mostrar una gran fluidez en sus correspondientes instrumentos. Las influencias de Chris Squire se ven reflejadas en el bajo, mientras ese toque swing del batería proporciona sonidos muy interesantes en cada corte. La inicial "Simplicity" es una composición alegre a la vez que compleja, por su parte "Caverns” es mas solemne, con grandes capas de mellotrón y sintetizadores. "Buttercup Boogie" es como su nombre indica la única concesión al sonido americano, con un boogie rock construido a base de un órgano muy bluesy y un ritmo frenético. Pero es la mini suite "Trippin´Over The Rainbow", lo mas destacado, alternado los pasajes serenos y atmosféricos con momentos mas rock de manera muy equilibrada. "Caverns Of Your Brain", sin llegar a ser un esfuerzo novedoso para cuando fue publicado, (algo tardío para ese estilo progresivo), es un disco de colección para los fans mas puristas del rock progresivo y una pequeña joya perdida del genero.

Iron Maiden-Iron Maiden (1980)

Una de las joyas del heavy metal y al mismo tiempo infravalorado por las nuevas hordas de seguidores de la doncella de la época con Bruce Dickinson como frontman. Considerado una de las obras capitales de la llamada “NWOBHM” ( New Wave of British Heavy Metal ), en este primer álbum Iron Maiden mostraban todas las cualidades de dicho movimiento, con el ápice añadido de los ecos del punk aderezado con sonidos mas complejos y épicos.
Una banda que aún estaba por reafirmar su alineación mas clásica, exitosa y duradera, conformada por entonces por el bajista Steve Harris, los guitarristas Dave Murray y Dennis Stratton, el batería Clive Burr y el vocalista Paul Di´Anno. Una formación que a partir de tercer álbum tendría significativos cambios como la entrada del mencionado Bruce Dickinson, y un año antes con la del guitarrista Adrian Smith y posteriormente con la del baterista Nicko McBrain, es decir la que seria su formación mas clásica y longeva.
Pero centrándonos en este primer y germinal álbum, estos jóvenes músicos demostraban una gran virtuosidad instrumental y una ideas preconcebidas muy claras, todo ello revelado en la poderosa “Prowler”, la épica instrumental “Transylvania”, la maratoniana progresiva “Phantom Of The Opera”, las viscerales y punks “Running Free" y “Sanctuary” o la gloriosa “Iron Maiden”. A partir de aquí empezaría la leyenda de una banda tan icónica como fundamental en la historia del heavy metal y del rock en general.

Journey-Frontiers (1983)

El octavo álbum de Journey, “Frontiers”, supuso el incremento de su sonido hacia un estilo mas duro a diferencia del anterior y melódico “Escape”, pero sin dejar atrás la faceta armónica y melodiosa tan singular del grupo. Sin embargo Journey tenían antes de este álbum, el complicado desafío de al menos igualar los cinco millones de copias que se habían vendido de ese disco en aquellos momentos, (cifra que en la actualidad roza los veinte millones). Con ese panorama, la banda optaría por un álbum repleto de temas enérgicos como la inicial “Separate Ways ( Worlds Apart)”, que pronto se convirtiera en uno de sus clásicos, a la que sigue la melódica y sentimental “Send Her My Love”, en donde vuelven a demostrar el por que Journey, han sido unos verdaderos genios para componer preciosas e irresistible baladas, el contundente rock llega con “Chain Reaction” que da paso a la melódica AOR “After The Fall”, mientras la encantadora balada “Faithfully”, vuelve a poner otro momento melancólico de manera admirable. A partir de aquí prácticamente el resto de temas son los mas duros del álbum, como las contundentes “Edge Of The Blade”, “Back Talk”, o las medio tiempo melódicas, “Ask The Lonely”, “Frontiers” y “Troubled Child”, donde conjugan la energía y la melodía al mismo tiempo, mención aparte merece la adictiva “Only The Young”, uno de los hits del lanzamiento.
Como era de esperar, “Frontiers” no alcanzaría las cotas asombrosas de “Escape”, aunque si un numero dos en las listas norteamericanas y unas ventas globales que superaron con creces los 7 millones de copias vendidas.

Grannie-Grannie (1971)

Este es uno de esos extraños y oscuros álbumes de lanzamiento limitado, que originalmente solo apareció en forma de disco promocional y del cual solo consta un tirada de 100 copias disponibles de manera oficial y con una portada austera fabricada de manera artesanal.
Esta banda británica fue formada por el guitarrista Phil Newton a finales de los sesenta. Apenas se conoce mucho mas de la historia de esta efímera agrupación, que de forma privada y sin un sello que los financiara, consiguieron grabar un disco en 1971 y poco tiempo después se desvanecieron sin más.
Grannie eran inicialmente una banda de versiones que actuaba en diferentes locales de Londres como The Marquee o The Roadhouse y que además de Phil Newton estaba formada por el cantante Fred Liley, el flautista Jan Chandler, el bajo Dave Holland, y el batería Johnny Clark.
Aprovechando un anuncio en donde se ofrecían ocho horas de estudio, la grabación de un master y un álbum por 99 £, Newton empezaría a componer temas propios para el grupo y así incluirlos en dicha grabación.
El resultado fue un disco compuesto por seis temas de rock vanguardista y progresivo con unas guitarras pesadas y buenas melodías como queda demostrado en temas como "Coloured Armageddon", "Saga Of A Sad Jestar and Leaving", "Romany Of Return" o la acústica "Dawn".
Después de la grabación de este álbum, la banda sufriría el robo de todo su equipo antes de una de sus actuaciones, incluido su primer y costoso mellotrón, desapareciendo con ello el rastro posterior de esta banda.
Ya en la década de los noventa, la prestigiosa revista Record Collector, incluyo a este disco entre los 100 mas valiosos de todos los tiempos por su gran calidad, rareza y su limitada tirada.

Tom Petty and The Heartbreakers-Into The Great Wide Open (1991)

Dos años después del enorme y soberbio “Full Moon Fever”, Tom Petty volvió a dejarnos otro asombroso álbum de la mejor música americana con este “Into The Great Wide Open”, para el cual repite con los mismos protagonistas que grabaron el anterior. En las labores de producción vuelve a aparecer Jeff Lynne, quien sin duda fue uno de los artífices del enorme éxito de “Full Moon Fever”, por su pulcro sonido, su inconfundible brillantez en las guitarras y esas melodías vocales tan irresistibles, además de tocar diferentes instrumentos como la guitarra, sintetizadores o el bajo. Este nuevo álbum volvía a poner a Tom Petty a la altura de los mas grandes de la época, rivalizando con cualquier banda o artista. Un álbum que contiene una encantadora colección de temas como las adictivas y pegadizas “Learning To Fly”, “Into The Great Wide Open”, “All Or Nothin´”, “Too Good To Be True”, “Out In The Cold” o “Makin´Some Noise”, conformando con todos ellas un trabajo magistral y tremendamente disfrutable.

Jimmy Page & Robert Plant-No Quarter (1994)

En 1994 se producía la tan esperada reunión de parte de los míticos Led Zeppelin, ello llegaría gracias al álbum en vivo grabado por Jimmy Page y Robert Plant titulado “No Quarter”.
Los temas de este directo pertenecen a varias actuaciones en Londres, Gales y Marruecos durante mediados el año 1994, con una orquestación árabe en varios de los temas, y con un repertorio basado en un estilo orientado al folk y al blues mas tradicional, y que pese a estar muy alejados del genero habitual de hard rock y blues rock de su banda madre, este nuevo álbum se convirtió en una obra magnifica y en un gran éxito comercial.
Compuesto por versiones de clásicos de Led Zeppelin, mas algunas nuevas canciones, en el podemos disfrutar de la vertiente mas tradicional del folk y el blues de Page y Plant, estilos que siempre fueron un aspecto muy presente en toda la carrera de Led Zeppelin, todo ello aderezado con sutiles sonidos arabescos.
Escuchar en formato acústico, con apariciones esporádicas de la guitarra eléctrica y los inconfundibles riffs y solos de guitarra de Page, temas como”Nobody´s Fault But Mine”, “Thank You”, “Since I´ve Been Loving You” o “Kashmir”, son una verdadera gozada para los oídos de todos los fans de la banda y los amantes de la música en general. Estos temas contrastan con las mas exóticas “Friends”, “City Don´t Cry” o ”Wah Wah”, mientras cortes como “That´s The Way” y “Gallows Pole”, son los mas potentes de este sobresaliente disco en vivo de dos de las mas grandes leyendas de la música rock.

UFO-UFO 1 (1970)

UFO son una de las mas grandes bandas del heavy metal y el hard rock de la historia: La carrera de este grupo ha estado marcada por álbumes emblemáticos, algunos de ellos obras maestras absolutas del genero. Sin embargo si nos remontamos a sus inicios observamos que comenzaron como una banda de hard rock psicodélico, algo muy habitual para la época cuando se fundaron en Inglaterra a finales de los sesenta.
Su primera formación estaba compuesta por tres músicos que constituirían la base fundamental de esta banda en los años posteriores, Phil Moog (voz), Pete Way (bajo) y Andy Parker (batería), junto a ellos también se encontraba el guitarrista Mick Bolton, el cual solo aparecería en los dos primeros álbumes, siendo sustituido en 1974 por Michael Schenker. Pero centrándonos en este su primer álbum, fue publicado a finales de 1970, en donde la banda muestra su faceta de psicodelia impregnado de hard rock con tintes de blues y rock espacial. Pese a una mediocre producción, en este debut podemos apreciar un magnifico trabajo de Pete Way al bajo y una soberbia labor en la guitarra de Bolton, algo que queda demostrado en la blues instrumental “Unidentified Flying Object” o en la mas comercial “Boogie”, sin embargo son dos versiones las mas apreciadas de este magnifico álbum, por un lado el clásico “C´mon Everybody” de Eddie Cochran y por otro “Who Do You Love" de Willie Dixon, ambas interpretadas de manera notable. El resto se mueve por los parámetros habituales del estilo psicodélico, como la lisérgica “Shake It About”, la space rock “Melinda”, la hard rock “Timothy” o las pesadas hard blues “Treacle People” y “Evil”.