En “Fragile” la banda ya presentaba de manera sustancial lo que en el álbum anterior “The Yes Album” se empezaba a intuir de manera aún muy sutil con sus derroteros musicales, como quedaba demostrado en “Your Is No Disgrace” o “Perpetual Change”, pero es en este cuarto disco donde explota toda esa creatividad contenida con unas composiciones memorables como queda demostrado en la inicial y atronadora “Roundabout”, todo un clásico del rock progresivo, la angustiosa “South Side Of The Sky” o la poderosa y agresiva “Heart Of The Sunrise”, temas todos ellos que contrastan con piezas creadas a modo de interludios como “Cans And Brahms”, “Five Per Cent For Nothing”, “The Fish” o “Mood For A Day”, en las cuales destacan la contribución de las interesantes aportaciones individuales de cada uno de los miembros de la banda.
También fue el primer álbum en el que contarían con Roger Dean como diseñador de sus portadas, algo que se mantendría durante las siguientes décadas. “Fragile” fue un álbum que tuvo una gran recepción a ambos lados del Atlántico, obteniendo unos puestos bastante altos en las listas de Estados Unidos y Inglaterra y unas ventas que superaron con creces los dos millones de copias vendidas.
La mala recepción posterior de este lanzamiento por parte de la critica y de gran parte de sus fans, que para ser justos tampoco fue tan mala cosechando puestos muy altos en las listas de éxitos a ambos lados de Atlántico, les llevaría a replantearse el camino a seguir en lo sucesivo. Así su siguiente movimiento discográfico significaría la vuelta a sus orígenes, repletos de sonidos acústicos, influencias blues y un desenfadado rock.
Esta vuelta a sus principios empezaría con su séptimo álbum “Beggars Banquet”, que desde su famosa y polémica portada, The Rolling Stones quisieron demostrar que su esencia seguía intacta de sucio y primitivo rock and roll, sin añadidos ni complejos arreglos como queda demostrado en temas como la impetuosa “Sympathy For the Devil”, uno de los mas memorables temas que esta banda creo jamás. Pero no solo de esta magnifica canción vivía este álbum, en el aparecen admirables cortes como la pesimista “No Expectations”, la soberbia “Jig-Saw Puzzle” o la incisiva “Street Fightin Man”.
Esa esencia blues de la que hablamos antes, esta presente en “Parachute Woman”, mientras los escarceos con la música tradicional norteamericana la encontramos en la country rock “Dear Doctor”, la folk “Factory Girl” y en la gospel “Salt Of The Earth”, para acabar así con otra de las monumentales obras que el combo liderado por Mick Jagger y Keith Richards dejaron para la posteridad.
Sin embargo, desgraciadamente también son conocidos por uno de sus conciertos, mas concretamente el ofrecido el 20 de febrero del año 2003, en el club The Station de la localidad norteamericana de West Warwick en el estado de Rhode Island, cuando un centenar de personas perecieron a causa de un desafortunado incendio debido a uno de los efectos pirotécnicos del show y en el cual también fallecería el guitarrista de la banda Ty Longley.
Pero dejando atrás este lamentable hecho, Great White demostraron desde sus inicios a mediados de los ochenta, que su estilo estaba mas cercano al rock setentero deudor de bandas como Led Zeppelin, mezclado con influencias del rock and roll y el blues, que al sonido “Hair Metal” imperante en esa época.
Durante esos años ochenta, publicaron cuatro sobresalientes trabajos, empezando por un prometedor debut, el contundente “Great White (1984), el trabajo mas heavy de la banda, hasta “...Twice Shy” (1989), con un sonido mas sureño y grandes dosis de hard blues, sin olvidarnos del sensacional “Once Bitten” (1987), donde mostraban una faceta mas melódica con grandes composiciones enfocadas al hard rock de gran calidad.
La llegada de una nueva década dio como resultado un nuevo disco mas enfocado a los sonidos blues y unos evidentes guiños al rock and roll clásico con su obra “Hooked”, sin embargo pese al éxito comercial de este álbum, no superaría las cotas de sus millonarios predecesores, los cuales obtendrían varios discos de platino y unos puestos altos en el top ten norteamericano.
Uno año después del lanzamiento de “Hooked”, la banda regresaría con su sexto álbum, este “Psycho City”, un digno sucesor que mantenía el listón muy alto con grandes dosis de hard rock y rock americano, con un repertorio cargado de sobresalientes piezas como la poderosa canción que da titulo álbum, la tremenda “Step On You”, la irresistible hard blues “Old Rose Motel”, la blues melódica “Maybe Someday”, la heavy “Big Goodbye” o la sentida “Love Is A Lie”, mientras el guiño a sus mentores Led Zeppelin, la encontramos en las extraordinarias “I Want You” y en “Get On Home”.
Ya desde muy joven su pasión por esos géneros le llevaría a formar parte de algunas bandas locales o como parte del grupo de acompañamiento de músicos tan prestigiosos como Lloyd Price.
Unos años en donde la guitarra era su instrumento principal, pero debido a un infortunio durante una pelea perdió parte de uno de sus dedos, por lo que en adelante se dedicaría a tocar el piano y así comenzaría una extensa y fructífera carrera como músico de sesión, además de comenzar su carrera en solitario a mediados de los 60, justo en medio del creciente genero psicodélico. No seria hasta finales de esa década, cuando llegaría su primer álbum “Gris-Gris”, al que le siguieron otros interesantes discos como “Babylon” o “The Sun”, entre otros trabajos repletos de los sonidos criollos, R&B, y sonidos jazzisticos, todos ellos bañados en el rock and roll.
En 1973 llegaría una de sus mejores obras “In The Right Place”, su sexto álbum, con el cual conseguiría su mayor éxito comercial, permaneciendo en las listas del Billboard durante casi ocho meses consecutivos.
Grabado en Florida bajo la producción de otro de los grandes de la escena de Nueva Orleans como fue Allen Toussaint y con la colaboración de algunos de los músicos mas respetados de la escena musical americana como Art Neville, Joseph Modeliste, David Spinozza, Leo Nocentelli, Ralph McDonald o George Porter.
Basado en el estilo inconfundible de su sonido, “In The Right Place” es un viaje hacia los rincones del R&B, los sonidos mestizos y el jazz, con irresistibles cortes como “Same Old Same Old”, con ese ambiente carnavalero, el ritmo penetrante de “Right Place, Wrong Time”, la pausada “Just The Same”, la pantanosa “Traveling Mood”, la funky “Peace Brother Peace” o la jazzistica “Such A Night”. Sin embargo John también tiene acercamientos a otros sonidos reconocibles dentro la música tradicional norteamericana como el soul en “Shoo Fly Marches On” o la gospel “I Been Hoodood”.
“In The Right Place” fue uno de sus mayores éxitos, aunque el único en llegar al top 10, sin embargo a lo largo de su carrera y en sus incontables colaboraciones ganó la friolera de seis premios Grammy.
Entre otras muchas, entre esa lista de colaboraciones se encuentran The Allman Brothers Band, The Rolling Stones, Eric Clapton, Van Morrison, The Band, Bob Seger o B.B. King.
En otro orden de cosas, este serie el ultimo álbum con el cantante Ian Gillan y el bajista Roger Glover, los cuales abandonarían la banda en medio de unas tensas relaciones con el guitarrista Ritchie Blackmore, quien los acusaba de desidia y poco interés por los asuntos de la banda.
Ambos ya no regresarían hasta once años después cuando Deep Purple reuniría su formación mas clásica para la grabación del álbum “Perfect Stranger” de 1984.
Grabado en varios estudios situados entre las ciudades de Roma y Frankfurt, durante los meses centrales de 1972, fue publicado en enero de 1973 bajo el sello Purple Records y distribuido a nivel mundial por la Emi Odeon.
Pese que al principio decíamos que es un álbum que adolece de temas clásicos, realmente no es así del todo, aquí aparece la mítica “Woman From Tokyo”, la cual para muchos justifican por si solo la grandeza de este álbum.
Pero el resto no le va a la zaga y ni siquiera roza la mediocridad, con un sonido mas orientado hacia las raíces del clásico rock and roll, como queda demostrado en “Smooth Dancer” y “Mary Long”, consta además de soberbios cortes como la rhythm and blues “Place In Line”, o la psicodélica y vanguardista “Super Trouper”, mientras la heavy rock “Rat Bat Blue” recupera la esencia habitual de los Purple mas clásicos.
Así pues y junto a Don Henley y Glenn Frey seleccionaron una serie de tomas pertenecientes a diferentes giras que iban desde las posteriores al álbum “Hotel California" en 1976, hasta otras realizadas en el ultimo tour presentando el disco “The Long Run" en 1980.
Con todo ello, The Eagles cumplían por una parte, con las estipulaciones de su contrato y por otra dejaban un histórico testimonio de sus memorables y aclamados directos por todos los Estados Unidos, durante la segunda mitad de la década de los 70.
“Eagles Live” esta compuesto por una antológica colección de sus mejores canciones empezando por la icónica “Hotel California”, a la que le siguen una retahíla de soberbias piezas como “Take It Easy”, “Life In The Fast Lane”, “All Night Long”, “Take It To The Limit”, “Seven Bridges Road”, “Doolin-Dalton”, “Heartache Tonight”, “New Kind In Town”, “Life´s Been Good” o “I Can´t Tell You Why”.
Después de la salida de este doble álbum en directo, parte de la prensa especializada acusaría a la banda de sobrecargar en exceso las grabaciones en el estudio, algo que no lastraría el éxito del álbum, logrando unos asombrosos siete discos de platino en los Estados Unidos y unas ventas que superaron ampliamente los seis millones de copias a nivel mundial.
Sin embargo mas allá de estos hechos, lo que nos ha quedado es su música, sin duda un gran argumento sobre el que esta formidable banda, consolido su poder mediático.
En 1975, Queen llevaban tras de si, tres álbumes en donde combinaban el hard rock con guiños al glam rock de su álbum debut, el mas complejo y experimental “Queen II”, o el mas barroco y refinado “Sheer Heart Attack”, por lo que cuando fue lanzado su cuarto álbum “A Night At The Opera”, mostraron su total madurez y fusionaron todos los elementos que marcaron los sonidos de todos sus predecesores, desde los sonidos barrocos, hasta el contundente hard rock, pasando por los sonidos pomposos y espectaculares.
Este sensacional álbum contiene una serie de composiciones grandiosas empezando por la irascible y vigorosa “Death On Two Legs”, la poderosa rock “I´m In Love With My Car”, la irresistible melodía pop “You´re My Best Friend”, la brillante country folk “´39”, la hard rock “Sweet Lady”, la progresiva “The Prophet´s Song”, o la monumental y operística “Bohemian Rhapsody”.
“A Night At The Opera”, se convirtió en el álbum mas emblemático de Queen y una de las obras maestras de la música rock. Su recepción posterior le llevaría a alcanzar una docena de discos de platino y unas ventas que superan con creces los siete millones de copias a nivel mundial.
Uno de esos álbumes es “5” de J.J. Cale, publicado en una época en donde Mark Knopfler, uno de sus alumnos mas aventajados, triunfaban mundialmente con su banda Dire Straits, con un sonido que era calcado al estilo elegante y puro de country, blues, rock and roll y rhythm and blues del músico originario de Oklahoma.
Desde su álbum debut aparecido en 1972, hasta este “5”, su quinto trabajo como indica su nombre, apenas aparecía en las crónicas musicales, a ello también contribuía su hermetismo personal y su alejamiento de las grandes masas y de la popularidad.
A finales de los setenta lograría un nuevo contrato discográfico con la MCA y lo estrenaría con este nuevo álbum, que fue grabado en Nashville rodeado de afamados músicos de la escena country y blues de la capital de Tennessee, y en el cual J.J.Cale seguía mostrando un estilo reposado de los sonidos americanos, con pocos arreglos y florituras, un tono relajado y su voz hipnótica.
Un álbum que sin mostrar nada nuevo en comparación a sus anteriores obras, contiene una insuperable colección de temas mágicos de gran pureza creativa e instrumental.
Desde la inicial “Thirteen Days” hasta la ultima del disco “Mona”, se van sucediendo temas de gran exquisitez como”I´ll Make Love To You Anytime”, “Don´t Cry Sister”, “Sensitive Kind”, “Friday”, “Lou-Easy-Ann” o “Fate Of A Fool”, convirtiendo a este trabajo en otra de sus sobresalientes obras, que como todas las anteriores, solo estaban a la altura de la genialidad de un musico como J.J. Cale.
Desde su primer álbum “Dreamboat Annie” (1976), esta banda originaria de Seattle, mostraría sus cartas con su rock arrollador y elemental que bebía de las influencias de Led Zeppelin.
Sin embargo el que fueran liderados por dos mujeres, (las hermanas Nancy y Ann Wilson), los hacían diferentes y únicos en aquellos momentos.
El resto de la banda estuvo siempre marcado por una constante entrada y salida de músicos entre los que destacan los guitarristas Howard Leese, Roger Fisher o Gilby Clarke entre otros muchos mas.
Después de “Dreamboat Annie”, llegarían el mas orientado hacia los sonidos folk rock “Little Queen” (1977), el intenso “Dog & Butterfly” (1978), en donde combinaban la rabia de su poderoso rock con la sensibilidad acústica, o el experimental “Bebe Le Strange” (1980), en donde intentaron conjugar los sonidos de las nuevas tendencias musicales de la década de los ochenta, pero con un resultado mediocre y bastante previsible.
Casi a finales de 1980 el grupo lanzaría “Greatest Hits/ Live”, un álbum doble compuesto por una combinación de los grandes éxitos de sus primeros cinco álbumes, con canciones en directo y nuevas composiciones.
Confeccionado por cortes de enérgico rock como “Bebe Le Strange”, “Barracuda” o “Mistral Wind”, a la que se suma la versión de Led Zeppelin, “Rock and Roll”, compartidas con otras mas melódicas como “Straight On”, “Even It Up”, “Crazy On You” o “Magic Man”, o baladas y temas acústicos como “Sweet Darlin”, “Dreamboat Annie” y “Dog and Butterfly” e incluso están incluidas canciones mas vanguardistas y experimentales como “Hit Single” y “Strange Euphoria”.
La banda que grabaría este álbum estaba estaba compuesta por las mencionadas Ann Wilson y Nancy Wilson, voces, el batería Michael DeRosier, los guitarristas Howard Leese y Roger Fisher y el bajista Steve Fossen.
Este doble álbum fue el tercer mayor éxito de Heart hasta aquellos momentos en el mercado norteamericano, alcanzando el décimo tercer puesto en las listas del Billboard y varios discos de platino por sus enormes ventas.
Formados en 1967 en la ciudad de Bolton al noroeste del Reino Unido, su alineación original estaba compuesta por el guitarrista, compositor y cantante Martin Cockerham, la cantante Barbara Gaskin, el bajista Steve Borill y el violinista Julian Cusak, además del bateria Dave Mattacks quien aparecería en todos sus álbumes como músico invitado.
En 1971 llegaría su primer álbum “St. Radiguns”, el cual obtuvo bastante éxito en los circuitos del folk británico, compuesto por un repertorio de canciones políticamente conscientes y temperamentales, además de mucha interacción instrumental y unas adictivas voces.
Un año después “Old Bott Wine”, seria un álbum continuista y bastante previsible, que pese a las grandes armonías folk, los complejos arreglos y el buen equilibrio entre los elementos del folk y el rock, fue un pequeño retroceso, por su sonido predecible sin aportar nada nuevo comparado con su predecesor.
Después de este ultimo álbum, la banda se reduciría a solo dos miembros fijos, con Cockerham y Gaskin, mientras aparecen como colaboradores y músicos invitados el flautista Stan Sulzman, el bajista Steve Borrill, el batería Dave Mattacks, además de otros músicos como Steve Ashley, Henry Lowther, Julian Cusack y Dolly Collins.
Con esta formación se grabaría el tercer y ultimo álbum de Spirogyra titulado “Bells, Boots and Shambles”, publicado en 1973.
En este tercer álbum es donde Spirogyra conjugan perfectamente los elementos del folk tradicional con el rock y los sonidos progresivos, con temas como la solemne y atmosférica “The Furthest Point”, la acid rock “The Sergent Says”, la atmosférica suite “Western World”, con esos grandiosos ambientes melancólicos, la bucólica “Old Boot Wine”, o las melódicas “Parallel Lines Never Separate” y “Everyday Consumption”.
Sin embargo la carrera de Lomax había comenzado mucho antes con diferentes proyectos como miembro de algunas de las bandas punteras del circuito británico del pop rock de los sesenta como Dee and The Dynamites. Con posterioridad se traslado a los Estados Unidos y se uniría al grupo The Undertakers, pero sin lograr la fama ni fortuna deseada. Una vez de vuelta al Reino Unido y gracias al manager de The Beatles, Brian Epstein, firmaría con la CBS con quienes grabaría varios sencillos y un álbum de escasa repercusión.
Su amistad con Epstein le abriría muchas puertas y grandes posibilidades, como colaborar con artistas de la talla de George Harrison o Eric Clapton, entre otros muchos.
Una vez abandono el sello de The Beatles, Lomax se unió a los ex miembros de la banda Aynsley Dunbar; John Morshead y Alex Dmochowski y al ex-batería de The Animals; Barry Jenkins y fundan Heavy Jelly.
En 1970 la banda graba su primer y único álbum, en el cual además están presentes Tom Evans y Pete Ham, ambos integrantes de Badfinger, otra de las bandas pertenecientes a la Apple y la sección de vientos de The Rolling Stones, Bobby Keys y Jim Price.
Este álbum debut básicamente esta compuesto por un interesante repertorio de contundentes temas rock con sonidos psicodélicos como queda demostrado en “Take Me Down To The Water”, mientras la faceta melódica del grupo queda plasmada en “You Better Let Me Know” y “Too Complicated”. Por su parte el sonido heredero a The Beatles lo encontramos en “Born For Something”, además de sonidos oscuros de hard blues rock en “Just Don´t Feel So Good” y “F-F-F-Females” o clásicos temas de blues rock como “Bio-Blues”, para terminar con otro corte con cierto sabor Beatle como es “If You´d Like To”.
Sin embargo y debido a que en el álbum intervienen artistas que pertenecían a la Apple Records, esta boicotea el lanzamiento e impide su publicación oficial, mas allá de unas cuantas copias promocionales. Algunas de esas copias servirían como masters para la publicación del álbum a modo de bootleg y que fueron durante décadas muy cotizados por los coleccionistas.
Mas de cuarenta años después y una vez fallecido Jackie Lomax, su familia pudo solucionar los problemas contractuales con la propia Apple y el álbum fue lanzado de manera oficial en el año 2013, recuperando con ello, uno de los famosos discos perdidos de la historia de la música rock.
En este segundo álbum la banda contrataría a un nuevo batería; Keith Baker, quien reemplazaba al anterior Ollie Olsson, mientras el resto de la banda seguía estando formada por David Byron, Mick Box, Ken Hensley y Paul Newton.
“Salisbury” fue grabado durante los meses finales de 1970 en los estudios Lansdowne de Londres y fue producido por Gerry Bron.
Compuesto por seis cortes, “Salisbury” es la progresión natural y definida del anterior “Very´Eavy, Very Umble” hacia un mayor énfasis en las melodías y el refinamiento a su hard rock progresivo. Esto fue debido en parte a que su teclista Ken Hensley, un músico de conservatorio de clara orientación clásica, tiene aquí un mayor protagonismo en las tareas de composición, un factor que seria dominante en los futuros álbumes de la banda. Con ello el grupo modera su pesado y oscuro sonido de hard rock y trabajan en perfeccionar la complejidad del rock progresivo con el heavy rock.
Pese a que el tema mas destacado es la suite de 16 minutos “Salisbury”, está al mismo tiempo, eclipsa injustamente los restante cinco cortes. La mencionada “Salisbury” cuenta además con el añadido de una orquesta de 26 miembros que revela las tendencias progresivas tan latentes del grupo en este álbum. Por otro lado las restantes canciones muestran el ecléctico sonido germinal de la banda, empezando por la vertiginosa “High Priestess”, la etérea balada “The Park”, la pegadiza “Lady In Black”, el pesado hard rock "Time To Live” o la bluesy “Simon The Bullet Freak”.
“Salisbury” seria el mayor esfuerzo progresivo de Uriah Heep junto a los posteriores “Look At Yourself”, “Demons and Wizards” y “The Magician´s Birthday”, completando con todos ellos una antológica cuatrilogía del mejor rock progresivo.
Un trabajo que hoy en día esta aclamado como una impresionante obra indispensable dentro del neo progresivo, el space rock y los sonidos psicodélicos tardíos.
Originarios de Liverpool, esta banda estaba compuesta por los hermanos Gary y Tony Allison (batería y guitarras respectivamente, además de las voces), el bajista Ronny Nelson y el teclista John Bleasdale.
A principios de los 80 el grupo viajaría a Londres para probar fortuna en busca de un buen contrato discográfico, pero después de unos frustrantes resultados, decidieron auto financiarse su álbum debut.
En este único álbum las referencias a los sonidos de los Pink Floyd mas psicodélicos y a los largos desarrollos espaciales herederos de Hawkwind, son mas que evidentes, pero enmarcados en un sonido synth pop muy definido, lo que los convierte en una de las germinales bandas del llamado Neo Progresivo junto a Twelfth Night.
Los 15 minutos de la suite progresiva y espacial "Andromeda" es la pista mas destacada, mientras las cortas "Cheater", "Lights Out" o "Brave New World” están mas enfocadas al plano comercial, con una estructura musical entre el sonido Neo y Symphonic Rock y los elementos electrónicos cercanos al synth pop de la época.
Ya desde su inicio con la increíble “King Of Sunset Town”, demuestra el apogeo que Marillion irrumpe y se levanta triunfante, listos para comenzar otro capitulo, y así despejan las dudas para quienes le vaticinaron el descalabro y su epílogo final.
La hermosa “Easter”, es la primera gran aportación del cantante al repertorio del grupo, un tema con uno de los mejores solos de Steve Rothery de toda su carrera y un ritmo tan cautivador como brillante. La pausada y misteriosa “Seasons End”, concluye con una final épico y hipnótico que engrandece la faceta instrumental de todo la banda. En “The Uninvited Guest”, ya podemos intuir por donde irán los tiros de su nueva aventura, un tema que se acerca a sonidos rock y comerciales con unas potentes líneas de guitarra y bajo. La melódica y sentida “Holloway Girl”, es uno de los momentos menores del álbum y la nostálgica “Berlin”, es la demostración palpable de las excelencias vocales de Hogarth, una canción tan melancólica como oscura, que a medida que avanza se torna en un poderoso tema con un final apabullante. Después de la corta y acústica “After Me”, llega la potente rock, con una clara orientación comercial, “Hooks In You”, para acabar con la exquisita y progresiva “The Space”, uno de los momentos mas memorables del disco y colofón final a la primera gran aportación de Steve Hogarth al universo Marillion.
Después de esta ultima aventura Greenwood formaría una banda y grabaría el álbum "Cold Cuts", el cual esta considerado como una de las joyas ocultas de la música progresiva de la década de los setenta.
Dicha banda estaba formada por el baterista Eric Peachy, el cual también provenía de Khan, el teclista Dick Henningham, los guitarristas Bryn Howarth y Chris Pritchard y por el ex-Mother of invention de Frank Zappa, Bunk Gardner a los instrumentos de viento, además del propio Greenwood quien se encarga del bajo y la voz principal.
El resto estaba formada por las violinistas Janet Lakatos, Margaret Immerman y Margaret Shipman, Nils Oliver, Cello y el grupo vocal The Teardrops.
"Cold Cuts" esta compuesto por una amalgama variedad de sonidos, que sin llegar al rock progresivo estricto, tiene elementos del rock psicodélico con pasajes de jazz progresivo y blues rock.
Un álbum que comienza de manera brillante con "A Sea Of Holy Pleasure Parts I, II, III" que dividida en tres partes, es una lograda composición con grandes arreglos que muestra las excelencias de sus talentosos músicos; un órgano Hammond pesado, unas deliciosa flauta, efectivas líneas de bajo y un primoroso batería, todo ello bañado por unas voces adictivas.
A todo ello el sonido general se ve reforzado por sutiles arreglos de cuerdas y metales, lo que potencia el dinamismo y la diversidad final y añaden una profundidad progresiva a los tres segmentos del tema.
Otros momentos destacados son las bluesy "Big Machine” y “Melancholy", o la psicodélica "Hope / Ambitions" que conviven con piezas mas accesibles y pegadizas como "Lead Me On", y "Close The Doors", o la oscura "Promised Land", las cuales contrastan totalmente con la profunda e introspectiva "Corruption", la jazz rock ambiental "Images" y la dramática "Realisation And Death".
