domingo, 31 de enero de 2021

Deodato-Prelude (1973)

La carrera de Emuir Deodato siempre estuvo marcada por su fantástica adaptación del clásico de Richard Strauss "Also Sprach Zarathustra" del año 1973. Pero la historia de este pianista, compositor, arreglista y productor brasileño nacido en 1942 es mucho mas que esta espléndida versión, su carrera esta repleta de buenos discos y colaboraciones para otros artistas. Entre sus logros esta el haber sido el encargado de lanzar a Milton Nascimento a la escena musical, cuando en 1967 tres composiciones suyas le hizo ganar el premio del Festival Internacional de la canción. Ese mismo años de 1967 y por invitación del guitarrista Luiz Bonfa se traslado a los Estados Unidos en donde hizo patente su talento en la escena musical de jazz. Contratado por el sello CTI se convirtió en una de las principales figuras de las grabaciones para artistas como Frank Sinatra, Aretha Franklin o Stanley Turrentine, además de participar como productor y colaborar en bandas sonoras.
Pero su carrera cobraría grandes dimensiones cuando en el año 1973 su álbum "Prelude" alcanza un éxito masivo.
Rodeado de grandes músicos como Ron Carter, Billy Cobham, Stanley Clarke, Ray Barretto, Airto Moreira o Marky Markowitz, Emuir Deodato deja su impronta en un fantástico disco de jazz fusión que combinado con adornos orquestales y el rock, consigue expandir una rica textura de sonido, respaldado por arreglos funk y instrumentos de cuerda y viento, sobrecargando su estilo con un sonido groove de forma deliciosa. En este álbum destaca sobre todo la mencionada versión funk jazz de "Also Sprach Zarathustra", inmortalizada por Stanley Kubrick en la pelicula "2001 Una Odisea en el Espacio”. Pero este tema nos desmerece en absoluto al resto de cortes como "Spirit Of Summer", "Carly & Carole", "September 13" o "Prelude To The Afternoon Of A Faun", en donde mostraban el grado de madurez compositiva e instrumental del músico brasileño, consiguiendo una verdadera obra atemporal.
El álbum acabaría siendo premiado por diferentes revistas especializadas del jazz, así como un premio Grammy a la mejor interpretación y unas ventas de mas de cinco millones de copias, lo que impulsaría la carrera del músico a nivel mundial, cobrando un lugar destacado entre los grandes del jazz fusión de la época.

sábado, 30 de enero de 2021

Eric Woolfson-Freudiana (1990)

Este álbum de alguna manera nos recuerda al proyecto paralelo a The Alan Parsons Project, llamado Keats y del que se hablo hace algún tiempo en este blog. Durante años el propio Alan Parsons estuvo trabajando en una obra para su banda basada en la vida y obra de Sigmund Freud, recordemos que el proyecto de Alan Parsons se ha fundamentado continuamente en discos conceptuales con una solida base literaria como por ejemplo Edgar Allan Poe o Isaac Asimov, además de otros conceptos, alejados de lo lírico pero no en lo musical.
Por lo tanto originalmente era un disco atribuido al Proyecto Alan Parsons y nació cuando Woolfson le presento a Parsons la idea y ambos empezarían a componer tanto la letra como la música de esta obra.
Sin embargo en medio del trabajo de composición e incluso de las primeras grabaciones, aparece la figura de Brian Brolly, un promotor musical que convence a Woolfson de que su idea era la perfecta para llevarla a un espectáculo teatral, este hecho no es del agrado de Alan Parsons que abandona el proyecto cuando ya prácticamente estaba compuesta la mayoría de las canciones del álbum. A pesar de todo ello, el álbum en formato de doble LP se termina grabando y fue titulado “Freudiana”, publicado en 1990. Todas las canciones fueron grabadas con los músicos que solían ser los habituales de The Alan Parsons Project; Ian Bairnson, Andrew Powell, Stuart Elliott, Laurie Cottle además de la producción a cargo de Alan Parsons y del propio Woolfson como teclista y voces.
También aparecen las voces de Leo Sayer, Eric Stewart, Chris Rainbow o John Miles, (estos tres últimos también colaboradores habituales de los discos de The Alan Parsons Project), entre otros.
El álbum en sí es heredero del sonido característico de The Alan Parsons Project, como la épica "The Nirvana Principle", la melódica e impresionante "Freudiana", los potentes rock "I Am a Mirror" y "You're On Your Own", el pop electrónico "Let Yourself Go", la compleja “No One Can Love You Better Than Me", la beatle "Little Hans" o la añeja "Upper Me".
Este sería el último disco grabado pero no atribuido oficialmente a The Alan Parsons Project, quien se despediría con un trabajo que ni siquiera estaba firmado por sus autores, pero que curiosamente es uno de los mejores trabajos del proyecto y que aunque no de manera oficial, es otorgado al dúo Parsons-Woolfson o lo que es lo mismo al grupo The Alan Parsons Project.

viernes, 29 de enero de 2021

North Star-Feel The Cold (1985)

North Star es uno de los mejores grupos del prog sinfónico de los Estados Unidos, pero al mismo tiempo son un tanto infravalorados.
Esta banda ofrecía una propuesta repleta de melodías muy ricas en paletas de colores, llenas de fuerza y gran belleza, con la voz de Joe Newman y los precisos teclados de Kevin Leonard. Ellos poseen algunas de las mejores características del mejor rock progresivo, cambios rítmicos y veloces, pasajes extraños y atmosféricos, bajos prominentes y teclados con solemnes sonidos. “Feel The Cold” fue el segundo trabajo de North Star, publicado en 1985, el cual esta considerado en los circuitos del progresivo como una pequeña joya del genero. Con un sonido sinfónico consistente y solido, con arreglos excelentes de teclados y la contundente batería del tercer miembro de esta banda, Glenn Leonard, hermano del teclista Kevin. Inspirados claramente en los sonidos de los Genesis de la era mas barroca; “Wind and Wuthering” o “And Then There Were Three”, contiene un sonido “vintage” con respecto a las grandes capas de teclados como queda demostrado en la inicial “Feel The Cold” o en “Plastic Fantastic”, que seguido de la pieza mas extensa “Tomorrow Never Comes” y sus grandes arreglos instrumentales o la apoteósica instrumental “Finale”, mantienen el status de la banda en un nivel muy alto, mostrando un gran trabajo de prog sinfónico de altísimo nivel a pesar de la aparente falta de originalidad.

jueves, 28 de enero de 2021

Journey-Journey (1975)

Después del álbum “Caravanserai” de Santana, dos de los miembros de su banda deciden abandonar para fundar la suya propia, así Gregg Rolie y Neal Schon se unen al batería Aynsley Dunbar quien había trabajado con David Bowie y Lou Reed, el bajista Ross Valory y el guitarrista George Tickner y fundan Journey.
A diferencia de los trabajos de la década de los ochenta que estaban enfocados a los sonidos mas accesibles y melódicos, en sus tres primeros años Journey se embarcaron en el estilo del jazz-rock con influencias progresivas.
Su primer álbum fue publicado en 1975 bajo el sello CBS y en el ofrecen una combinación de temas enérgicos de guitarras y sonidos Hammond en donde se dan cabida estilos tan dispares como acercamientos al R&B, pinceladas de blues, jazz rock de alto voltaje y sonidos progresivos. En “Of A Lifetime” ya muestran su capacidad instrumental con un tema contundente y rítmico, mientras “In The Morning Day” se torna en sonidos mas melódicos y pegadizos. “Kohoutek” y “Topaz” son temas instrumentales, el primero mas progresivo con un jazz rock poderoso muy elaborado y el segundo mas en la onda del sonido de Santana. Por su parte “In my Lonely Feeling/Conversations” es un tema típico de los setenta de rhythm and blues y una guitarra muy bluesy, la finalizar con el momento mas progresivo del álbum “Mystery Mountain” un tema impactante y un gran broche final para este gran disco.

miércoles, 27 de enero de 2021

Bryan Adams-Waking Up The Neighbours (1991)

Bryan Adams se había convertido en una rutilante estrella del rock con su soberbio "Reckless", publicado en 1984, en donde combinaba la comercialidad y la calidad al mismo tiempo y que le valió rivalizar con grandes del rock melódico y del AOR de los ochenta como Journey, Foreigner o Toto.
Sin embargo, tras este fantástico disco, Bryan Adams actualizó su sonido hacia direcciones menos comerciales y más sobrias con el disco "Into The Fire" (1987), que fue una cierta decepción en ventas a pesar de obtener dos discos de platino, pero bastante lejos de los siete millones de copias de su predecesor.
Su siguiente movimiento discográfico fue "Waking Up The Neighbors", publicado en 1991, en el cual Bryan Adams logra equilibrar aún más el toque comercial, la calidad y el rock adulto que imprimió en sus obras predecesoras.
El medio tiempo "(Everything I Do) Do It For You", elegido como sencillo promocional, fue un éxito mundial y catapultó el álbum a la cima de las listas, pero parte del éxito lo tuvo el productor Robert "Mutt" Lange, que le dio al disco un sonido espectacular, el mismo que le había proporcionado a Def Leppard y su aclamado álbum "Hysteria" unos años antes.
Vigorosos rock como “Is Your Mama Gonna Miss Ya?”, “Not Guilty”, “House Arrest” o “If You Wanna Leave Me (Can I Come Too?)” tienen ese punto adictivo y pegadizo que contrastan con las mas melódicas e irresistibles “Can´t Stop This Thing We Started”, “Thought I´d Died And Gone To Heaven”, “Do I Have To Say The Words” o “Depend On Me”, mientras “Don´t Drop That Bomb On Me” podría haber salido de cualquier álbum de los mencionados Def Leppard por su sonido tremendamente idéntico.
"Waking Up The Neighbors" lograría ser mas exitoso que "Reckless" y se convertiría en uno de los discos más vertiginosos de la década de los noventa
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martes, 26 de enero de 2021

Ikarus-Ikarus (1971)

Ikarus fueron una efímera banda alemana fundada en Hamburgo a finales de los 60. Sus raíces estuvieron en la banda de covers Beatique in Corporation, que se especializaron en versiones de clásicos de rock y el pop de los cincuenta y sesenta.
Después de ganar un premio, el cual les otorgaba ser incluidos en el recopilatorio del sello MCA titulado “Pop and Blues Festival 70”, cambian su nombre por el de Ikarus y al mismo tiempo orientan su estilo hacia terrenos mas experimentales. Su formación estaba comprendida por el cantante Lorenz Kohler, el bajista Wolfgang Kracht, el guitarristas y otros instrumentos Jochen Petersen, el batería Bernd Schroder, el guitarrista Manfred Schulz y teclista Wulf Dieter Struntz, la gran mayoría de estos músicos tenían tras de si una formación clásica de conservatorio. Aunque Ikarus fueran alemanes y estaban en el medio del emergente movimiento krautrock, estuvieron mas en sintonía con la escena británica que con el movimiento germano. En lugar de las extensas atmósferas psicodélicas habituales del krautrock, ellos buscaron sonidos mas orientados al blues rock progresivo. Su único álbum publicado en 1971, contenía cuatro largas pistas, muy diferenciadas entre ellas, demostrando con ello el dominio musical ecléctico de Ikarus.
El inicial “Eclipse” es un rock pesado progresivo con un órgano dominante, arreglos sinfónicos y unos grandes riffs de guitarra, “Mesentery” es mucho mas compleja con pasajes muy en la onda de Van Der Graaf Generator con momentos de gran intensidad heavy rock. Mientras "Early Bell´s Voice" es una composición mas progresivamente convencional con sonidos de mellotrón, batería y saxo en una gran interacción instrumental y grandes desarrollos sinfónicos.

lunes, 25 de enero de 2021

Barclay James Harvest-Eyes Of The Universe (1979)

Con ocho años de carrera y once soberbios álbumes publicados, la Barclay James Harvest sufriría su primer gran revés en 1978 con el abandono de uno de sus pilares fundamentales, el teclista Wooly Wolstenholme.
Antes de esto, la formación británica era una de las mas solidas dentro del panorama del rock progresivo y este contratiempo dejaba en el aire de manera inmediata el futuro incierto de los miembros restantes. Sin embargo la salida de Wolstenholme no repercutiría demasiado, o al menos por un tiempo la carrera posterior del grupo. Decididos en seguir adelante, tanto Les Holroyd bajo y voz, John Lees guitarras y voz y Mel Pritchard batería, grabaron el album “Eyes Of The Universe”, que fue publicado en 1979 y para el cual contratan al teclista Kevin McAlea, quien también a partir de ahora tomaría el relevo de Wolstenholme como músico de apoyo en directo. En este nuevo álbum post-Wolstenholme, el grupo actualiza el sonido con unos teclados y sintetizadores mas modernos que se convierten en parte fundamental de la melodía de su música, así mismo las guitarras suenan mas directas y espectaculares con riffs adictivos y sonidos cristalinos. Un álbum que se convertiría en su mayor éxito comercial hasta ese momento, y que a diferencia de los mas complejos y sinfónicos anteriores, este tiene mayor dinamismo y al mismo tiempo un punto mas melódico. Estas melodías adquieren su cenit creativo en composiciones tan mágicas como las apasionadas “Love On The Line” y “Alright Down Get Boogie”, potentes temas rock “Sperratus” y “Capricorn”, canciones con ese sabor clásico “Rock & Roll Lady”, hermosas melodías bañadas en muros de teclados “The Song (They Love To Sing) o ejercicios progresivos como “Pay To The World”.
A partir de aquí la banda iría publicando regularmente discos de menor impacto comercial y creativo, pese a contener una indudable calidad como lo demuestran “Turn Of The Tide” (1981), “Ring Of Changes” (1983), “Face To Face” (1987) o “Welcome To The Show” (1990), pero ya lejos de la época dorada de estos legendarios del rock progresivo.

domingo, 24 de enero de 2021

Rainbow-Long Live Rock´n´Roll (1978)

En 1974 Ritchie Blackmore se harta de los continuos desacuerdos con sus compañeros de Deep Purple y opta por largarse y seguir por su cuenta para algún tiempo mas tarde fundar su nuevo grupo, Rainbow, con quien publicaría ocho álbumes, algunos de ellos de los más memorables en la historia del hard rock y el heavy metal.
Ritchie Blackmore es sin duda uno de los mas geniales guitarristas de la historia, pero igual de grande es su mal genio, y si ya las había tenido con Ian Gillan y Roger Glover después del álbum "Who Do We Think We Are" de 1973, en esta ultima ocasión seria con David Coverdale y Glenn Hughes. Sin embargo en su nueva banda Rainbow ocurriría mas de lo mismo, contratando y despidiendo músicos a diestro y siniestro durante todos sus años al frente de la banda. "Long Live Rock´n´Roll" fue su tercer álbum, lanzado en 1978 y un solemne sucesor del anterior y fabuloso "Rising". Como norma ya habitual, en referencia a lo antes comentado, este sería el último álbum de Ronnie James Dio como vocalista, consecuencia de los diferentes criterios musicales con Ritchie Blackmore y como no podía ser de otra manera, fue despedido por el hombre de negro. Pero no seria el único, ya en este nuevo disco no estaban ni el teclista Tony Carey, ni el bajista Jimmy Bain despedidos igualmente después del anterior “Rising” y sustituidos por el teclista David Stone y el bajista Bob Daisley, los cuales correrían la misma suerte algún tiempo después.
"Long Live Rock´n´Roll" es junto a la anterior obra "Rising", los mejores álbumes de Rainbow, y con este nuevo disco la banda alcanzó el cenit total y al mismo tiempo convirtió a Ronnie James Dio en el mas grande cantante del heavy metal.
“Long Live Rock´n´Roll” es un grandísimo trabajo de hard rock y heavy metal,  consiguiendo himnos generacionales, como el tema que da título al disco, o temas poderosos como "Kill The King", la compleja “Gates Of Babylon”, con esas influencias orientales, baladas fantásticas como "Rainbow Eyes" o las meritorias “Lady Of The Lake”, “L.A. Connection” o “Sensitive Light”.

sábado, 23 de enero de 2021

Hoelderlin-Hölderlin's Traum (1972)

Esta banda que tomo prestado el nombre del poeta alemán del siglo XIX Friedrich Hölderlin, es una de las mas subestimadas de la historia del rock alemán y del rock progresivo en general. Fundados en 1970 en la ciudad de Wuppertal en el estado de Renania al oeste de Alemania, por los hermanos Christian y Joachim Grumbkov, unos músicos con mucha experiencia que provenían de la banda The Beatkids fundada en 1963. La primera formación de Hoelderlin estaba compuesta por la cantante Nanny DeRuig, el batería Michael Bruchmann y el bajista, Peter Kaseberg, que junto a las guitarras y mellotrones de los hermanos Grumbkow pronto destacarían por su folk rock de influencias británicas mezclado con la música clásica. Cuando apenas tenían tres meses de existencia el sello Pilz les contrata y les produce su primer álbum “Hölderlin's Traum”, que fue publicado en 1972 y se convierte en uno de los mayores hitos del rock alemán de ese año. Un álbum que contiene nueve temas con la preciosa voz de DeRuig, grandes Mellotrones, violines y violonchelos, sitar y otros instrumentos, que en una inteligente mezcla de folk, rock, música progresiva, elementos jazz, sonidos medievales y cierto idealismo hippy convierten a este disco en una pequeña obra maestra.
Desde su apertura con el tema “Waren Wir”, hasta el cierre del álbum con “Traum”, la música es de una belleza deslumbrante. Tres años mas tarde llegaría su segundo trabajo “Hoelderling”, con un estilo mas jazzistico y influencias crimsonianas. Para su tercer álbum “Clowns And Clouds”, la música se torna mucho mas ambiciosa con desarrollos complejos, elementos teatrales y surrealistas. A partir de aquí una serie de álbumes mas enfocados al rock melódico y mucho mas accesibles fueron lanzados hasta bien entrada la década de los ochenta.

viernes, 22 de enero de 2021

Mogul Thrash-Mogul Thrash (1971)

Otra de esas míticas bandas de corto recorrido que pasaron sin pena ni gloria fueron Mogul Thrash, que con una gran calidad apenas tuvieron tiempo para grabar solo un álbum, para luego desaparecer sin dejar rastro. En 1970 James Litherland había sido despedido fulminantemente de Colosseum por parte de Jon Hiseman y Dick Heckstall-Smith después del álbum “Valentine Suite”, aunque aparecería en los créditos del posterior álbum “The Grass Is Grenner” como vocalista en el tema “Elegy”, un tema descartado del álbum anterior, de ahí su participación.
Al poco tiempo se uniría al bajista John Wetton, al saxofonista Malcolm Duncan, al bateria Roger Harrison y a Roger Ball y Michael Rosen, ambos instrumentos de vientos y formaron Mogul Thrash. Ya en 1971 publican su primer y único álbum, producido por Brian Auger quien incluso colabora en uno de los temas. Este debut se caracteriza por unos sonidos muy cercanos a la antigua banda de Litherland pero con un enfoque mas duro y con una exuberante sección de vientos que derivan la música hacia los terrenos del jazz rock progresivo, con mucha participación del bajo y la voz de John Wetton, elementos estos que dan gran consistencia a esta obra. Desde las primeras notas de “Something Sad” hasta la ultima canción ”What´s This I Hear”, muestran un estilo acelerado del jazz rock enérgico, pero sin embargo es la extensa “Going North” la pieza central del disco, donde destacan Litherland con unos riffs y solos abrasivos de guitarra, John Wetton con una gran línea de bajo y los sonidos de los metales. Una vez acabada esta aventura Wetton ingresaría en los Family junto a Roger Chapman y la sección de viento se unirían a la Average White Band.
 

jueves, 21 de enero de 2021

Fantasy-Paint A Picture (1973)

La historia de esta banda británica comenzaría en Kent, en una granja de Gravesend en donde tenían su local de ensayos en el año 1970. Formada originalmente por el cantante Paul Petley, el guitarra Geoff Whitehorn, el vocalista y guitarra acústica Paul Lawrence, el teclista Metcalfe, el bajista David Read y el batería Brian Chatham. Después de varios cambios de formación grabarían una cinta con algunas demostraciones y se la presentaron al sello Decca y cambiaron su nombre por el de Firequeen. Posteriormente el sello Polydor se interesaría por dicho material y lograron que firmaran con ellos, por lo que vuelven a cambiar de nombre por Fantasy, el cual encajaba mejor con el estilo musical del grupo. Finalmente grabaron el álbum “Paint A Picture” publicado en 1973.
Este álbum es de una belleza absoluta con unas composiciones muy refinadas en donde las voces cálidas y las guitarras acústicas de 12 cuerdas, las guitarras eléctricas y los sonidos de Mellotrón y órgano Hammond son esplendorosas y en muchas partes de este disco majestuoso.
El estilo se asemeja a lo que algún tiempo después The Alan Parsons Project hiciera mundialmente famoso, con un pop sofisticado y melódico y unas atmósferas relajadas con interludios y partes algo mas agresivas. Su estilo sinfónico basado en canciones menos complejas a lo habitual en el progresivo les otorgaron cierta popularidad en su época, con un acercamiento en ese sentido a la banda británica Barclay James Harvest o el enfoque lírico de los norteamericanos Starcastle.
Posteriormente grabaron un segundo álbum “Beyond The Beyond” (1974) que nunca fue publicado oficialmente y que en los 90 fue rescatado por el sello Prog Temple.

miércoles, 20 de enero de 2021

Bröselmaschine-Bröselmaschine (1971)

Bröselmaschine fueron una banda germana que tomaría las influencias del folk norteamericano de Bob Dylan o Phil Ochs y que bajo la tutela de maestro de la guitarra acústica Peter Bursch se formaría en 1968 en Diusburg junto a la vocalista Jenni Schucker, al guitarrista y otros instrumentos de cuerda exóticos Willi Kismmer, al bajista Lutz Ringer, y al teclista Mike Hellbach. Este quinteto se disolvería después de su primer y mejor álbum en 1971, aunque posteriormente bajo el nombre de Peter Bursch Und Die Broselmaschine seguirá publicando discos de menor impacto y alejados de la propuesta musical de su álbum debut.
“Bröselmaschine” fue el titulo homónimo de esta banda que bajo el sello alemán Pilz fue publicado en 1971, y en donde contenía una propuesta delicada y sutil de sonidos repletos de música oriental india con instrumentos como el sitar, la tabla hindú o la flauta, mezclado con el folk tradicional británico e irlandés, con toques progresivos y psicodélicos y bañado en grandes armonías vocales producto de la irresistible voz susurrante de Jenni Schucker.

martes, 19 de enero de 2021

The Alan Parsons Project-Tales Of Mystery And Imagination (1976)

“Tales Of Mystery And Imagination” es uno de los discos imprescindibles del siglo XX y una de las mejores muestras del talento de dos genios como Alan Parsons y Eric Woolfson.
En 1976 Alan Parsons iniciaría un proyecto paralelo a su trabajo como ingeniero de producción con este primer álbum, basado en la vida y obra del poeta romántico Edgar Allan Poe. Para este trabajo Alan Parsons se rodeado de la flor y nata de los músicos de sesión de los estudios de Londres, todos ellos reconocidos como Arthur Brown, Ian Bairnson, Andrew Powell, Stuart Elliot, Mel Collins, John Miles o Chris Rainbow entre otros, además de Eric Woolfson, vocalista, compositor y a partir de aquí la mano derecha de Alan Parsons en prácticamente toda su carrera posterior. Concebido a modo conceptual la temática se centra en el mencionado Edgar Allan Poe y recrea con éxito el mundo oscuro del poeta con una banda que se filtra en todas las partes del álbum pero sin quitar el valor de la naturaleza progresiva de la obra. Eric Woolfson tiene por su parte momentos de gran brillantez ofreciendo algunas de las voces mas hermosas jamás grabadas. Es álbum es hipnótico por momentos, sofisticado, muy orquestal y progresivo, con la dosis comercial justa que mantiene al oyente pegado a su desarrollo. Desde la apertura de la obra con "A Dream Within a Dream", la cual comienza con una narración de Orson Welles de un pasaje de Edgar Allan Poe y que crea el perfecto ambiente no solo para esta canción sino también para el resto del álbum, le dan una credibilidad emocional a esta obra imponente. La canción, como dice el tema, es onírica, comenzando con un solo de sintetizador que va in crescendo hasta que la batería y el bajo se unen en una explosión de poder que nuevamente comienza a desvanecerse para terminar concluyendo así una hermosa e inquietante apertura. La siguiente y orquestada “The Raven” con esos pomposos arreglos de Andrew Powell son la antesala de una lectura que va en subiendo de tono con “The Tell-Tale Heart” y la voz angustiosa de Arthur Brown que interpreta magníficamente los pensamientos atormentados del poeta, mientras “The Cask Of Amontillado” esta vez con John Miles a las voces, es el perfecto ejemplo de lo que Alan Parsons haría en adelante mezclando secciones orquestales repletas de instrumentos de vientos y coros de voces. La oscura y siniestra “(The System Of) Doctor Tarr and Professor Fether” es una especie de caos en donde confluyen diferentes estilos de manera muy inventiva.
La cara B de vinilo original estaba compuesta por la suite “The Fall of the House of Usher”, una epopeya instrumental de 20 minutos dividida en cinco partes, con la introducción “Prelude”, siete minutos de sonidos orquestales y un destacado bajo que van creando una atmósfera oscura y misteriosa, seguida de “Arrival” con un inquietante órgano barroco y la banda al pleno con un desarrollo instrumental rápido y preciso, “Intermezzo” nos deja sonidos mas inquietantes que dejan momentos de suspenso, mientras en la siguiente “Pavane”, bajan los tonos con una melodía suave funcionando como el alivio perfecto para un final apoteósico y épico “Fall”, en donde las orquestaciones crean una cacofonía musical, acabando esta obra con “To One For The Paradise” con las voces de Woolfson, Terry Sylvester y el propio Alan Parsons creando complejas secciones vocales con los coros de The Westmisnter City School Boys Choir y Jane Powell, y unas guitarras acústicas que suavizan el tono oscuro del álbum. Este fue un lanzamiento absolutamente esencial dentro del pop sinfónico de los 70, considerada una obra maestra que tuvo continuación en los siguientes discos de igual manera conceptuales “I Robot” (1977), “Pyramid” (1978), “Eve” (1979 y “The Turn Of A Friendly Card” (1980).

lunes, 18 de enero de 2021

The Michael Schenker Group-The Michael Schenker Group (1980)

Michael Schenker es uno de los mejores guitarristas de la historia de la música rock, con una cualidades técnicas fabulosas y un gusto exquisito. Antiguo componente de formaciones tan míticas del heavy metal como Scorpions y UFO en distintas etapas, con las que llegó a grabar discos fantásticos como “Lonesome Crow” (1972), “Lovedrive” (1979) ambos de la banda germana y “Phenomenon” (1974), “Force It” (1975), “No Heavy Petting” (1976), “Lights Out” (1977), y “Obsession” (1978) todos ellos pertenecientes a la banda británica.
Después de abandonar UFO a finales de los 70, comenzaría una irregular carrera en solitario, alternando grandes álbumes con otros de menor impacto.
Su primera banda estaba formada por el vocalista Gary Barden, el teclista Don Airey, (Colosseum, Black Sabbath y Rainbow), el batería Simón Phillips, quien ya por entonces había estado en multitud de bandas y proyectos, y el bajista Mo Foster.
En 1980 publicaría su primer álbum “The Michael Schenker Group”, el cual es el que mejor define a este guitarrista y músico, combinando sus grandes momentos que hizo con UFO y los sonidos de los 80, demostrando con ello que la grandeza de esa banda era en parte gracias a el.
Un álbum en donde los nueve temas que aquí se recogen son pura dinamita y todos ellos gozan con luz propia desde la soberbia “Armed to Ready”, que fusiona la rabia y la crudeza del mejor heavy, con la melodía y la comercialidad justa, la enérgica y poderosa “Cry For The Nations”, sin olvidar la rítmica “Victim of illusion”, la instrumental “Bijou Pleasurette”, o la brutal “Into The Arena”. A partir de aquí su carrera es muy extensa con algunos discos sobresalientes, otros de menor envergadura, diferentes proyectos, algunos de dudoso futuro o colaboraciones esporádicas con su ex-banda UFO.

domingo, 17 de enero de 2021

Bad Company-Dangerous Age (1988)

En 1982 Paul Rodgers decidió abandonar Bad Company para tomarse un largo descanso y dedicarse a su familia, en una decisión mas o menos parecida los demás integrantes optaron por hacer una pausa en la carrera del grupo. Ese mismo año se había publicado el álbum “Rough Diamonds” que no colmaría las expectativas ni de la discográfica ni de la propia banda, hecho este que desencadenaría esa determinación. Cuatro años mas tarde en 1986 el guitarrista Mick Ralphs y el baterista Simon Kirke, dos de los miembros fundadores, deciden continuar y retomar la carrera del grupo, y para ello acudieron a Paul Rodgers, este sin embargo declina la oferta al estar desinteresado en la labor, mas comprometido con otros proyectos junto a Jimmy Page y la banda The Firm.
Finalmente consiguen reclutar a Brain Howe y al bajista Steve Price. La aportación de Howe seria vital para el nuevo sonido de la banda, orientando la música hacia caminos enfocados al rock melódico, a diferencia del blues rock de los discos de los 70. A finales de ese mismo año se publicaba “Fame And Fortune”, el cual obtiene buenas criticas y la aprobación del publico. De este álbum sobresalían las pegadizas hard rock “Burning Up”, “Tell It Like It Is”, “Valerie” y “If I´m Sleeping” o las melódicas “This Love”, “Long Walk”, “Hold On My Heart” o “When We Made Love”.
Varios años mas tarde se publicaba “Dangerous Age”, con el que consiguen recuperar la popularidad perdida tiempo atrás. En este nuevo disco las composiciones están mejor estructuradas con una mejor producción y una notable calidad. La incorporación de un teclista como Terry Thomas influye decisivamente en la mayor cohesión musical del estilo melódico que la banda imprime en este álbum. Aquí destacan las melódicas “Shake It Up”, “The Way That It Goes”, las potentes hard rock “Love Attack”, “No Smoke Without A Fire”, “Rock of America” o “Dangerous Age”, mientras la vena AOR esta presente en “Dirty Boy” y “Bad Man”, además de la inevitable balada como la preciosista “Something About You”. Con este álbum la banda entraba por la puerta grande en el genero AOR, alcanzando mucha notoriedad gracias a algunas de sus canciones que entraron en el top ten de las listas de rock de Billboard.

sábado, 16 de enero de 2021

Ten Years After-About Time (1989)

Quince años después del ultimo álbum publicado por Ten Years After, “Positive Vibrations” (1974), Alvin Lee reuniría la banda para un nuevo disco “About Time”, publicado en agosto de 1989. Cronológicamente este fue el noveno disco en estudio y el ultimo junto a su líder. Durante todos esos años que la banda estuvo disuelta, fue el propio Alvin Lee quien estuviera mas activo discográficamente con siete álbumes publicados, además de algunos directos. Por su parte el resto apenas tuvieron una carrera relevante con esporádicas colaboraciones y algunos discos de escasa repercusión. Con un sonido adaptado a los nuevos tiempos, pero conservando ese espíritu de blues rock de los setenta, “About Time” fue un soplo de aire fresco que vino a demostrar que esta banda aún tenia la suficiente energía y experiencia para dejar un disco de poderoso y memorable de gran rock. Sin embargo en “About Time” predominan los temas con un acercamiento al hard rock en detrimento del sonido blues tan característico de Ten Years After. “Highway Of Love” inicia de manera sobresaliente este álbum, un tema rítmico y pegadizo a la vez que potente, “Let´s Shake it up”, sigue por una línea similar pero con un sonido mas vigoroso, mientras la solemne “Bad Blood” es un excitante y cadencioso tema con unos riffs siniestros y un desarrollo soberbio, “Working In A Parking Lot” por su parte es un poderoso rock and roll, para terminar con la preciosa e intimista “Outside My Window” y la acelerada “Waiting For The Jugdement Day”. “About Time” fue en cierta medida flor de un día, pero dejo constancia del enorme potencial de una de las bandas mas legendarias de la historia del rock.

viernes, 15 de enero de 2021

Gerry Rafferty-City To City (1978)

Gerry Rafferty fue uno de los mejores compositores escoceses con su folk rock emotivo que lleno millones de corazones y autor de algunas de las mas celebres canciones de la historia del rock. Sus inicios se remontan a finales de los sesenta en la banda Humblebums y luego con Stealers Wheel, junto a otro grande como Joe Egan, con quien publicaría tres de los mas grandes discos del folk rock británico de la década de los 70 “Stealers Wheel” 1972), “Fergusile Park” (1973) y “Right Or Wrong” (1975).
Steelers Wheel fue la respuesta europea a los Crosby, Stills, Nash & Young, pero múltiples factores terminarían por alinearse en su contra, como el ego de ambos músicos, los excesos con el alcohol y algunos problemas de salud.
En 1975 disuelven la banda, pero sin embargo a partir de aquí la discográfica A&M Records con quien tenían un contrato, les demanda por incumplimiento contractual. Este hecho conlleva que durante tres años ni Gerry Rafferty ni Joe Egan puedan grabar ningún álbum con ninguna otra compañía hasta 1978, cuando volvería a grabar "City to City", su primer disco en solitario, que fue editado no sin serios problemas contractuales, como negociar la rescisión de su contrato con la A&M.
Para cuando fue publicado este álbum, la crítica no sería muy benévola con el, de hecho fue bastante vapuleado, todo lo contrario ocurriría con el recibimiento del público que lo acogieron con mucha ilusión, alcanzando un asombroso puesto número uno en los Estados Unidos, desbancando de ese privilegiado lugar a la banda sonora “Saturday Night Fever”, que llevaba seis meses consecutivos en el puesto mas alto. Esto fue debido en parte gracias a los singles "Baker Street", con unos de los solos de saxo mas famosos de todos los tiempos a cargo de Raphael Ravenscroft, la balada "Whatever's Written in Your Heart" y el medio tiempo exquisito "Right Down the line".
En este álbum Rafferty fusionaba perfectamente el folk británico, con sonidos mas americanos y un elegante y sofisticado pop rock de gran clase.

jueves, 14 de enero de 2021

Ted Nugent-Double Live Gonzo! (1978)

Considerado entre los 25 mejores álbumes en directo de la historia, “Double Live Gonzo”, no solo muestra el poderío de este bestial guitarrista encima de un escenario, sino también de su espectacular y visceral repertorio que ofrecía en la mitad de los setenta.
Grabado durante la gira posterior de su disco “Cat Scratch Fever”, este monumental directo muestra a un Nugent hiperactivo, una verdadera bestia, una fiera indomable y un salvaje guitarrista como pocos han existido. Su técnica con las seis cuerdas es primitiva pero también virtuosa, Ted, desde su época con los Amboy Dukes tomo nota del sonido de los Hendrix, Gallagher o Lee y así perfecciono su inconfundible estilo. Durante los casi 90 minutos que dura este doble álbum, Ted Nugent va desgranando su arsenal de potentes y viscerales clásicos a punta de guitarra, escupiendo balazos sin cesar. Junto a el su banda mas clásica, la que grabaría sus álbumes mas emblemáticos; Derek St Holmes, Rob Grange y Cliff Davies, unos músicos que muestran una cohesión perfecta con el pistolero Nugent, y juntos van interpretando rock´n´roll electrizantes como “Just What The Doctor Ordered”, “Yank Me, Crank Me” o “Gonzo”, blues rock incendiarios “Great White Buffalo”, jam guitarrísticos como “Hibernation”, delirantes cortes “Stormtroopin”, agresividad sin limites “Motor city Madhouse” o blues rock hipnóticos como la grandiosa “Stranglehold”, para terminar con la despiadada “Wang Dang Sweet Poontang”. Un directo memorable, único y que poco o nada tiene que envidiar a legendarios registros como “Made In Japan”, “Strangers In The Night” o “Live And Dangerous”.

miércoles, 13 de enero de 2021

Kerrs Pink-Art Of Complex Simplicity (1997)

Esta sensacional banda noruega de rock progresivo y folk escandinavo, es una de las grandes sensaciones del estilo que durante dos décadas han dejado su huella en una serie de álbumes de elegante y refinada música.
Formados en 1972, no seria hasta los años 90 cuando vieron publicado su primer y enorme debut discográfico “A Journey On The Inside” (1992), al que le sucederían media docena de obras de enorme calidad hasta su ultimo trabajo “Mystic Spirit" en el 2013.
Kerrs Pink basa su música en un estilo muy ameno que fusiona los sonidos de bandas británicas como Camel con una base muy pronunciada del folk escandinavo.
Herederos de las agradables melodías de la música tradicional noruega, son sabiamente conjugadas con los sonidos rock presentando una gran variedad tonal, con unas adictivas melodías y la armonía bien hecha de todos los integrantes de la banda con mezclas inteligentes y sutiles, una gran belleza melódica e instrumental con precisos y hermosos solos de guitarra y unos teclados sublimes .
En 1997 publicarían “Art Of Complex Simplicity”, inspirado profundamente en el folk nórdico, en donde las elaboradas y deliciosas melodías crean ambientes bucólicos con momentos y pasajes enérgicos. Con la incorporación de instrumentos tradicionales como el violonchelo o flautas su música se torna brillante, con unos teclados progresivos, guitarras y baterías que proporcionan unos sonidos muy armónicos en una especie de folk progresivo de gran nivel. “Art Of Complex Simplicity”, es uno de sus mejores obras, un tanto alejado del sonido nostálgico y melancólico escandinavo, pero de igual manera repleto de sentimientos y una música realmente fantástica.

martes, 12 de enero de 2021

The Allman Brothers Band-Eat A Peach (1972)

En el mejor momento de la carrera de The Allman Brothers Band, moría su carismático líder Duane Allman en un fatídico accidente con su Harley Davidson.
Era un 29 de octubre de 1971, por aquel entonces su mítico álbum “At The Fillmore East”, publicado cuatro meses atrás alcanzaba el disco de oro. Este lamentable hecho ocurriría en medio de la grabación de un nuevo álbum y su muerte fue un tremendo shock para el resto de la banda. Muchos temieron que este hecho acabaría con The Allman Brothers Band, y sin embargo algún tiempo después decidieron continuar sin su líder y maestro. Finalmente finalizaron el disco y cinco meses después en febrero de 1972 salía a la luz “Eat A Peach”, el cuarto álbum del grupo marcado por esa trágica muerte. No obstante Duane aparece en casi todas las composiciones del disco menos en tres de ellas. Publicado como doble álbum y dividido en tres partes, la primera, enfocada en las que fueron grabadas sin Duane, una segunda en donde aparecen las que se pudo terminar con el malogrado guitarrista y un tercer grupo de canciones extraídas de las sesiones del Fillmore East de un año antes. Un álbum que se iniciaba con “Ain´t Wastin No More”, aquí Gregg Allman recuerda afrontando la muerte de su hermano los viejos tiempos musicales con un Dickey Betts enorme con la slide guitar, a la que le siguen la jam de largo desarrollo “Les Brers in a Minor” y la country rock “Melissa” (esta ultima fue interpretada en el funeral de Duane). Los 34 minutos de “Mountain Jam”, son un puro ejercicio de éxtasis musical sin precedentes, mientras “Little Martha”, demuestra la capacidad de Duane con las seis cuerdas con su guitarra acústica Dobro, un virtuosismo que se repetiría con la emocionante versión del tema de Muddy Waters “Trouble No More”, pero esta vez con su incendiaria y abrasiva guitarra eléctrica Gibson Les Paul.
“Eat A Peach” fue la conclusión final para uno de los mas grandes guitarristas que hayan existido jamás, que con su corta pero intensa carrera aportaría un legado vital y esencial en la historia de la guitarra eléctrica y de la música rock.

lunes, 11 de enero de 2021

Jethro Tull-Minstrell In The Gallery (1975)

En 1975 Jethro Tull publicaba “Minstrell in The Gallery”, el octavo álbum de la banda y el mas acústico hasta aquellos momentos de su carrera. Para muchos este es el que marcaba el punto de inflexión con ciertos sonidos del pasado y al mismo tiempo presagiaba los sonidos que experimentarían en el futuro.
El anterior “Warchild” fue en cierto modo un álbum desigual y un trabajo “menor”, en donde el uso excesivo de arreglos orquestales y instrumentos bastantes sorprendentes como gaitas y acordeones, restaría la esencia del sonido de la banda liderada por Ian Anderson. Aún así sin llegar a ser un mal disco, mas bien todo lo contrario, obtuvo criticas desfavorables y una ventas menores lo que llevaría al propio Anderson a replantearse su siguiente movimiento en su tabla de ajedrez musical.
Para empezar se disminuye considerablemente la prominencia de los teclados, a excepción del piano de John Evans y dando un mayor y mejor protagonismo a las cuerdas de David Palmer, creando así una atmósfera intima y orgánica, Martin Barre por su parte cobra un diferente protagonismo aunque sigue ofreciendo sus ardientes solos de guitarra característicos. Temas como “Cold Wind To Valhalla” o “Black Satin Dancer”, son elegantes pero discretas piezas con muy buenos pasajes de cuerda. “Requiem” es un tema acústico que parece sacado del álbum “Aqualung” y la mini suite “Baker Street Muse” es una interesante canción melódica y muy atractiva, que sin embargo adolece en ciertos pasajes de una coherencia como pieza unificada. “Minstrell in The Gallery” es en cierto modo y de manera bastante sutil, la continuación lógica de un álbum como “Aqualung”, alejados de la pomposidad de ”Thick As A Brick” o del folk experimental de “Warchild”.

domingo, 10 de enero de 2021

Supertramp-Crime Of The Century (1974)

Después de dos primeros discos que fracasaron estrepitosamente, Supertramp se encontraban en un punto muerto en 1972, habían perdido la confianza de su mentor, el millonario Miesegaes quien les había financiado hasta entonces, habían tenido dos desbandadas de integrantes y su futuro era incierto. Sin embargo sus dos líderes Rick Davies y Roger Hodgson decidieron continuar contra viento y marea, reclutando nuevos miembros y se dispusieron volver a entrar en los estudios y intentar tocar la diosa fortuna con un nuevo álbum. Para ello llegaron el bajista Dougie Thomson, el baterista Bob Siebenberg y el saxofonista y teclista John Helliwell y se retiraron a una granja del siglo XVII al sur de Inglaterra donde estuvieron meses componiendo y ensayando nuevo material. El resultado final fue el álbum “Crime Of The Century”, que fue publicado a finales de 1974 y supuso el primer gran éxito de la banda y su mejor esfuerzo creativo. Aquí a diferencia de sus dos primeros álbumes en donde los sonidos estaban basados en el jazz y el blues con largas instrumentaciones y una solida base rock, la banda muestra una faceta mas simple con un pop elegante y sofisticado heredado del sonido Beatle que mezclado con grandes arreglos y unas estructuras progresivas e instrumentales muy copiosas que absorbían parte de la esencia del sonido Canterbury. Todo ello se ve traducido en monumentales composiciones como el tema que da titulo álbum, un ejercicio progresivo en donde confluyen todas las características del grupo, mientras “School”, fusiona la comercialidad con un punto sinfónico genialmente realizado, la hipnótica “Dreamer”, la funky sutil “Bloody Well Right”, o las mini operas con retazos al pop sinfónico “Hide in Your Shell” y “Asylum”. Con esta publicación, Supertramp conseguirían su obra maestra, un trabajo en donde los sonidos depurados muy avanzados para su época y de precisión transparente, lograrían auparlos a la cúspide del rock mundial a mediados de los 70.

sábado, 9 de enero de 2021

Albert Collins, Robert Cray, Johnny Copeland-Showdown! (1985)

"Showdown” es uno de los mejores álbumes de blues de la década de los 80, grabado por tres de los mas grandes bluesman de la ultima parte del siglo 20, como son Robert Cray, Albert Collins y Johnny Copeland. Esta colaboración fue gracias al empeño del sello independiente de blues Alligator, que durante años impulso el genero y que desde su fundación en el año 1971 ha publicado varios centenares de discos de artistas tan importantes como Lonnie Mack, Koko Taylor, Charlie Musselwhite, Buddy Guy, Albert Collins, Roy Buchanan, Clarence “Gatemouth” Brown, Elvis Bishop o Joe Louis Walker entre otros muchos mas.
Para esta grabación el sello reunió a tres de los artistas mas icónicos de su catalogo, cada uno con un estilo diferente, por un lado el tono suave y soul de Robert Cray con su técnica lírica y melódica de su Fender Stratocaster, en el medio esta Johnny Copeland, con su voz grave y poderosa y con una técnica con la guitarra mas rudimentaria y ruda y por ultimo Albert Collins con un estilo frío en donde su técnica con la guitarra son pesados y contundentes y con una voz aguda lo que le valió el sobrenombre de “Iceman”. Estos tres monstruos van desgranando un repertorio que no da concesiones al aburrimiento y que cualquiera de sus temas son destacados, como la lujuriosa country blues  “Your Fine Self Home”, el elegante blues “The Dream”, la juguetona “The Moon Is Full” o la soul “She´s Into Something”, todas estas junto con el resto dan como resultado un trabajo de blues fantástico, hecho por tres guitarristas únicos, tres apasionadas voces negras y tres maneras de tocar blues diferente. Un álbum que ganaría sin paliativos el premio Grammy a la mejor grabación de blues tradicional en 1986.

viernes, 8 de enero de 2021

T2-It´ll All Work Out In Boomland (1970)

Otra banda de corto recorrido fueron T2, que con solo dos años de carrera desaparecerían sin dejar rastro después de publicar un único álbum “It´ll All Work Out In Boomland”.
Doce años después la banda volvería a reunificarse para grabar una serie de canciones que quedaron en el olvido y que estaba destinadas al segundo lanzamiento y que nunca fueron publicadas.
Formada en Londres en 1970, esta banda estaba integrada por el batería Peter Dunton, el bajista Bernard Jinks y el guitarrista Keith Cross, este ultimo un prodigio con las seis cuerdas de tan solo 17 años. Cross a pesar de su corta edad ya tenia una gran experiencia tras de si por haber participado en varias bandas de rock psicodélico como Please, Gun o Bulldog Breed. El único álbum de T2 fue grabado por el sello Decca, quienes les adelantaron diez mil libras esterlinas en concepto de royalties, previniendo que la carrera del grupo seria exitosa. Sin embargo una mala planificación y una deficiente promoción termino en que este álbum pasara algo desapercibido para el gran publico.
“It´ll All Worlk Out In Boomland”, es un trabajo que se basa en un sonido de hard rock influenciado por el blues y jazz con improvisaciones en contraste con la voz melodiosa de Dunton. Temas como la heavy blues “No More White Horses”, la nebulosa psicodélica de ”In Circles” o la progresiva y extensa “Morning”, conforman un disco que es una especie de puzzle por las diferentes ideas musicales que predominaban en Inglaterra en aquellos años. A partir de aquí T2 se ganaron una gran reputación como banda de directos, tocando incluso en el Festival de la Isla de Wight junto a Jimi Hendrix. Pero las tensiones internas condujeron al abandono de Keith Cross, dejando bastante material compuesto y grabado pero sin terminar. La banda continuaría por un tiempo con el nuevo guitarrista Mike Foster, desapareciendo definitivamente en 1972.
Seria a finales de los 80 y principios de los noventa cuando el resurgir del rock progresivo llevaría a muchísimas bandas olvidadas de los 60 y 70 lanzar álbumes “desaparecidos” y “olvidados” para las nuevas generaciones deseosos por conocer material de esos años, y de esta manera la banda grabaría “Second Blue” (1992), “Waiting For The Band” (1993) y “On The Front Line” (1994) compuestos en su mayor parte por material desechado para su primer álbum y las demos destinadas al segundo, composiciones bien elaboradas pero que sin embargo no están a la altura de su fantástico debut.

jueves, 7 de enero de 2021

Santana-Abraxas (1970)

Una de las entregas mas extrañas de Santana a la vez que una de las mas experimentales, inspiradas y ricas musicalmente es “Abraxas”. Carlos Santana venia precedido de su formidable actuación en el festival de Woodstock, y su álbum debut había tenido un éxito arrollador con el tema “Evil Ways”, que lo catapultaría a lo mas alto de las listas de éxitos americanas. Con el nuevo y esperado disco, Santana lograría su máxima creatividad con un trabajo vibrante y emocionante, impulsado por su fluida y emocional guitarra, el poderoso órgano Hammond de Gregg Rolie y las percusiones de claro acento latino. Claros ejemplos de este LP mayormente instrumental, están en la ya mítica “Oye Como Va”, de ritmo bailable con un gran trabajo de guitarra y órgano, la atmosférica “Incident At Neshabur”, con cierto sonido jazzistico, la fugaz “El Nicoya”, con un enfoque hacía la percusiones, o la enérgica rock “Hope You´re Feeling Better”. Pero son “Black Magic Woman/Gypsy Queen”, con aires blues pero con un enfoque latino de melodía irresistible y un final arrollador y la latina blues rock instrumental “Samba Pa Ti”, con esos exuberantes sonidos Hammond y una conmovedora guitarra, los momentos cumbres de un álbum medio conceptual inspirado en la cosmogónica de lo femenino, que lo convierten en una de las obras maestras fundamentales del rock y el jazz progresivo de los años 70.

Nazareth-Loud´N´Proud (1973)

"Loud´N´Proud” fue el cuarto álbum de la banda escocesa Nazareth, publicado en 1973, el cual supuso la confirmación a su sonido característico y angular ya mostrado en su anterior obra “Razamanaz”. Al igual que el anterior la producción correría a cargo del bajista de Deep Purple, Roger Glover, y fue grabado en los estudios The Ganghut en Escocia. Sin embargo el tono general de este nuevo disco fue algo mas frenético y vibrante como se demuestra en las vigorosas y rítmicas “Free Wheeler” y “This Right Tonight”, mientras que temas como la potente “Not Faking It”, muestran a unos Nazareth tremendamente rockeros, como también ocurre con “Turn On Your Receiver”, con un gran arsenal de solos y riffs incendiarios. Por otro lado “Teenage Nervous Breakdown”, un rockabilly original de los sureños Little Feat, es reconvertida en una poderosa y contundente canción muy adictiva, aunque es otra versión, esta vez de Bob Dylan “The Ballad Of Hollis Brown”, la joya de este álbum junto a la mencionada “Free Wheeler”, aquí la canción de Dylan se torna oscura y desafiante con un bajo distorsionante a un volumen brutal, que seguido con una tenebrosa melodía de guitarra, van envolviendo a la canción en una extravagante y épica progresión sonora de cerca de diez minutos de absoluto clímax de brutal y alucinante hard rock.

miércoles, 6 de enero de 2021

Ash Ra Tempel-Join Inn (1973)

Ash Ra Tempel son la quintaesencia del krautrock, su estilo musical no era basado en composiciones estructuradas ni pensadas de antemano, lo de esta banda era lo totalmente opuesto, pura improvisación, y lo que podría sonar como un desbarajuste de cada instrumentos por su lado, en Ash Ra Tempel funcionaba como una maquina perfectamente engrasada. Formados en Berlín en 1970, Ash Ra Tempel son uno de los grupos mas formidables que han existido, una fuerza descomunal y poderosa y de alguna manera fuera de lo común casi sobrehumana, con tres virtuosos músicos, liderados por el guitarrista Manuel Gottsching, que incluía además al ex batería y sintetizadores de Tangerine Dream Klaus Schulze y al bajista Harmut Enke. Todos sus álbumes están considerados unos clásicos del krautrock y el progresivo. Pero son “Ash Ra Tempel” y “Join Inn”, sus mejores obras. Generalmente el termino de banda de improvisación es sinónimo de los espontaneas jams stoner tipo Grateful Dead, pero Ash Ra Tempel es sin duda la banda quien mejor han sabido moverse en este campo, ellos nunca se preocupaban demasiado por los ensayos, por lo que por naturaleza sus composiciones no eran premeditadas. Su primer álbum “Ash Ra Tempel (1971), contiene dos extensos temas en donde el ambiente cósmico y atmosférico tiene un marcado acento psicodélico, en la cara A se encuentra “Amboss” enérgica y dramática y en la cara B “Traummaschine” mucho mas atmosférica.
“Join Inn” (1973) tiene una estructura idéntica pero es definitivamente mucho mas accesible, aquí el sonido es mas asimilable también y a diferencia del primero, es Schulze quien cobra un mayor protagonismo dotando las piezas con un estilo mas ambiental.
“Join Inn” de alguna manera es muy parecido al álbum debut, con uno de los lados del disco interpretado como un poderoso power trío en una jam de 19 minutos “Freak´n´Roll”, en donde esta larga suite se va desarrollando con interludios suaves hasta llegar a un clímax con guitarras abrasadoras y una poderosa sección rítmica con una batería de una técnica asombrosa, milimétrica y poderosa y un bajo predominante y enérgico, y una segunda cara con un experimento ambiental de 25 minutos “Jenseits” con sonidos espaciales y grandes tonalidades muy bien logradas por los sintetizadores de Schulze y las voces tenebrosas pero de gran belleza de Rosi Muller. “Ash Ra Tempel” y “Join Inn”, son sin ninguna duda dos de las grabaciones mas devastadoras de todos los tiempos.

Nucleus-We´ll Talk About It Later (1971)

“We´ll Talk About It Later” esta considerado uno de los mejores álbumes del jazz fusión a la misma altura que cualquiera de los realizados por Miles Davis, Mahavishnu o Return To Forever y al mismo tiempo el mejor disco de Nucleus, aunque a poca distancia de su primer disco. Esta banda británica fundada a finales de los 60 por el trompetista Ian Carr, quien junto a Brian Smith vientos, Karl Jenkins teclados, Chris Spedding guitarras, Jeff Clyne bajo y John Marshall batería se mantendría durante bastante tiempo sin cambios lo que les ayudo a encontrar la confianza necesaria con una fluidez de interacción entre sus miembros que empequeñecería a sus competidores coetáneos
Una banda que desde sus inicios obtendrían muchísima notoriedad ganando el primer premio en el prestigioso Festival de Montreux en 1970, además de ser una de las grandes sensaciones en el Festivales de Jazz de Newport y en el famosísimo club de Jazz Village Gate.
En 1970 Nucleus publicaba su álbum debut “Elastic Rock” y ese mismo año llegaría este “We´ll Talk About It Later” (ambos con portadas de Roger Dean), el cual recibe grandes elogios por parte de la prensa especializada que lo denominan como una de las cúspides del jazz rock.
Después de su primer y impresionante álbum, hicieron este increíble trabajo con una amalgama colección de grandes temas con sonidos oscuros de oboe, trompeta o guitarras con pasajes hipnóticos interpretados por estos músicos virtuosos, de hecho la mayoría de los integrantes fueron posteriormente afamados músicos de otras bandas de primer nivel. La calidad de las composiciones son muy altas, con una soberbia musicalidad que no solo se trata de una ejecución virtuosa llamativa, sino de moderación, fluidez, espacio, respiración, sentimiento e interacción. Esto permite a la banda abrir sus melodiosas composiciones con intrincadas partes improvisadas con el resultado de un álbum brillante con una atractiva música de jazz, que combina a la perfección la energía del rock con las fuertes melodías y la cautivadora musicalidad del jazz. Un álbum que es imprescindible dentro de cualquier colección de música que se precie.

martes, 5 de enero de 2021

Rory Gallagher-Stage Struck (1980)

Para cuando Rory Gallagher publico su directo “Stage Struck” (1980), ya llevaba publicados los fantásticos directos “Live In Europe” (1972) y “Irish Tour” (1974), sin contar su directo con su banda germinal Taste,“Live At The Isle of Wight” de 1972. Estos dos álbumes en vivo en solitario difieren bastante entre si, mientras que el primero mezclaba su ardoroso rock con temas mas acústicos y sonidos del folk irlandés, en el segundo daba rienda suelta a su blues rock mas eléctrico. Por otro lado “Stage Struck (1980), estaba precedido de los álbumes mas viscerales y de potente hard rock de toda la carrera del guitarrista, “Photo-Finish” (1978) y “Top Priority” (1979), por lo que este es su directo mas heavy de los tres. Grabado en diferentes localizaciones de Irlanda a finales de 1979, la banda de apoyo fueron los mismos músicos que participaron en esos dos últimos discos, Gerry McAvoy al bajo y Ted McKenna a la batería. En “Stage Struck” podemos escuchar un Gallagher hiperactivo y tremendamente revolucionado, con cerca de 40 minutos de poderoso y brutal hard rock y blues rock, en donde el guitarrista va desgranando una serie de temas incendiarios a cual mas visceral y enérgico; “Shin Kicker”, “Wayward Child”, “Brute Force And Ignorance”, “Follow Me”, “The Last Of the Independents” o “Shadow Play”, todo ellos genuinos hard rock llenos de sentimientos, volumen y fuerza, y todo ello frente a un público entregado como nunca, a un artista que jamás les abandonaría ni abandonó su Irlanda natal, cuando este país vivía por momentos muy dramáticos y convulsivos con gran violencia y terrorismo. Por ello Gallagher nunca será olvidado por los irlandeses en donde es un mito y leyenda. En definitiva estamos antes uno de los directos mas incendiarios que se puedan escuchar de uno de los mejores guitarristas que ha dado la historia de la música rock.

Marsupilami-Arena (1971)

Pioneros de los sonidos que bandas como King Crimson o Yes alcanzarían años después, Marsupilami fueron uno de los grupos germinales del rock progresivo. Tuvieron su momento de gloria cuando sustituyeron a King Crimson en la inauguración del Festival de la Isla de Wight en 1970. Formados a finales de los sesenta esta banda publico dos álbumes entre 1970 y 1971, “Marsupilami” y “Arena”, en ellos mostraban una gran complejidad musical con retazos de blues, jazz experimental y influencias del folk británico. Su centro neurálgico estuvo en Holanda desde 1970 y allí grabaron y publicaron sus álbumes. Su formación estaba compuesta por Fred Hasson como vocalista y percusión, Dave Laverock guitarra, Leary Hasson teclados, Jessica Stanley-Clarke flauta y voces, Richard Hicks bajo y Mike Fouracre batería. Su segundo lanzamiento “Arena”, es una obra conceptual basada en la antigua cultura romana, y habla de las escenas que en el Coliseo Romano se daban, la vida y la muerte sobre la arena de este lugar emblemático. Producido por Pete Bardens, además de varios músicos que colaboraron en la grabación de este disco, la banda mostraba unas melodías y armonías extrañas, con muchos teclados, sonidos densos y guitarras eléctricas que junto a la flauta y una poderosa batería se traducían en un rock progresivo oscuro y intrincado. Un álbum en donde las composiciones son bastante complejas con sonidos influenciados por el jazz, la música oriental y ciertos aires al movimiento Canterbury.

lunes, 4 de enero de 2021

Uriah Heep-Abominog (1982)

Durante los años 70 Uriah Heep habían lanzado obras tan descomunales de hard rock progresivo como “Look At Yourself”, “The Magician´s Birthday”, “Return To Fantasy” o “Demons and Wizard”, su obra cumbre. Sin embargo desde el álbum “High And Mighty” (1976), habían comenzado con un cierto declive tanto musical como comercialmente, también cierta inestabilidad debido a sus continuos cambios de formación y por otro lado víctimas del cambiante panorama musical y los gustos del publico. Aún así la banda seguía teniendo una fiel y grandísima legión de seguidores alrededor del mundo y gracias a ellos se mantuvieron en primera línea. En 1982 la banda publicaba su décimo cuarto álbum en estudio “Abominog”, en donde dieron un giro de 90 grados a su estilo derivándose hacia derroteros mas heavy con sonidos mas comerciales y melódicos. Para este "Abominog" la banda había sido parcialmente renovada, sin embargo Mick Box, Lee Kerslake y Ken Hensley permanecían como miembros fijos, siendo el resto compuesto por Peter Goalby a las voces, John Sinclair a los teclados y Bob Daisley al bajo, musicos que habían sustituido a John Sloman, Chris Slade y Trevor Bolder respectivamente. “Abominog” seria la respuesta a las criticas vertidas sobre la banda en los últimos años con un álbum arrollador y pletórico de riffs incendiarios, un sonido genuinamente americano, grandes melodías vocales, un ritmo frenético y una producción exquisita. “Too Scared To Run” se convertiría en uno de los temas emblemáticos del heavy metal y canciones como las soberbias “That´s The Way That It Is”, “Running All Night”, “Chasing Shadows” o “On The Rebound”, redondearon un disco considerado una de las joyas del heavy metal de los 80.

Gracious-This Is...Gracious (1971)

Banda del germinal movimiento progresivo británico que fue fundada en 1967 en los suburbios de Londres y que en sus principios hacían una música pop, que derivaron hacia terrenos mas complejos y ambiciosos cuando descubrieron el potencial del sonido del Mellotrón. Después de varios cambios de formación, su primera alineación estable estaba compuesta por Alan Cowderoy (guitarra), Paul Davis (voz y guitarra de 12 cuerdas), Martin Kitcat (teclados), Robert Lipson (batería) y Tim Wheatley (bajo). Ya desde su primer álbum “Gracious” (1970), la banda mostraba el interés por dotar su estilo con composiciones arriesgadas y complejas, pero con poca coherencia musical. En 1971 llegaría “This Is...Gracious”, con una producción mas seria y con la banda mas integrada y comprometida. Aquí Gracious muestra un impresionante progreso comparado con su disco debut, con el Mellotrón tomando el total protagonismo de la música complementado con interacciones de la guitarra como se demuestra en la suite “Super Nova” que ocupa toda una de las caras del álbum, el resto son temas mas cortos con un estilo mas ecléctico con sonidos agradables en donde se dan cabida el pop junto a influencias de blues, rock y entramados sinfónicos.

domingo, 3 de enero de 2021

The Eagles-One Of These Nights (1975)

El cuarto álbum de The Eagles significaría el punto transcendental del cambio final de la banda hacia sonidos definitivamente mas rock. Publicado en 1975, este seria el primero en llegar al numero uno en las listas del Billboard, el primero también en conseguir un premio Grammy y cuatro discos de platino solo en los Estados Unidos por sus ventas.
Grabado en los Mac Emmerman´s Criteria Studios de Miami, tuvo como productor a Bill Szymczyk, y para este nuevo disco contarían con un nuevo miembro en la formación; el guitarrista Don Felder. En "One These Of Nights" la banda ya muestra la combinación perfecta entre el country, el folk y el rock y consolida al mismo tiempo el dúo Frey-Henley como eje principal en el plano compositivo. Un disco en donde ya por otra parte empezaban a aparecer los arreglos orquestales, utilizados con buen gusto y acierto, complementados con el sonido habitual de la banda, el country rock con una inspiración acústica, el folk, y la emotividad que dan las complejas y precisas armonías vocales con los temas de rock. Desde la inicial y elegante canción que da titulo al álbum, The Eagles muestra una inspiración fascinante, además de la country rock "Too Many Hands", la orquestada e instrumental y hasta cierto punto con desarrollo progresivo "Journey Of The Sorcerer", la monumental country rock "Livin´Eyes", la soñadora "Take It To The Limit" o la acústica “Hollywood Waltz", con un soberbio trabajo de Bernie Leadon con la pedal steel, demostraban el perfecto muestrario de lo que The Eagles eran capaces de hacer.  

Neuschwanstein-Battlement (1978)

Esta es otra de las gemas del rock progresivo de los 70, un álbum esencial considerado una obra maestra del genero. Neuschwanstein fueron una banda alemana de rock sinfónico que se formaron a principios de 1971. Sus fundadores fueron los teclistas Thomas Neuroth y Klaus Mayer en Colonia. Ya en 1974 empezarían a cobrar una notoria importancia cuando empezaron a girar con bandas como Novalis o Lucifer´s Friend. Bajo la dirección del productor de los Scorpions Dieter Dierks, grabaron el álbum “Battlement” en 1978, el cual fue lanzado sin ningún contrato discográfico, mientras el sello Musea fue quien se encargaría de distribuirlo a nivel europeo, obteniendo un éxito abrumador. "Battlement" es un álbum bastante conocido entre los fans del progresivo europeo debido a sus sorprendentes similitudes con los primeros Genesis. El cantante Frederic Joos tiene un timbre de voz asombrosamente parecido al de Peter Gabriel. De hecho, la mayor parte del disco suena como la música que Genesis podría haber lanzado entre 1975-1980 si Gabriel y Steve Hackett se hubieran quedado en la banda. En comparación con los primeros Genesis, las capacidades de instrumentación y grabación de Neuschwanstein eran considerablemente más altas, sin embargo esta banda alemana sin ser unos meros imitadores, realizo un soberbio trabajo en las composiciones que era tan buenas como los primeros clásicos de Genesis. Los sonidos son profundos y ricos en texturas con una excelente musicalidad y unas grandes habilidades para escribir letras que combinado con una energía algo oscura, una magia especial y con soberbios sonidos de sintetizador, guitarras y los toques exquisitos de flauta, hacen de este álbum una joya del progresivo europeo.

sábado, 2 de enero de 2021

Keats-Keats (1984)

Keats fue una rama paralela al proyecto de The Alan Parsons Project, que lanzaron un álbum en 1984 y que paso un tanto desapercibido por diferentes motivos. Pongámonos en situación: ese año de 1984 en el seno de The Alan Parsons Project ocurriría un hecho cuanto menos insólito, mientras estos grababan el álbum "Ammonia Avenue", parte de los músicos que intervenían en dicha grabación formaron una banda paralela y prácticamente al mismo tiempo grabarían dos álbumes en los Estudios Abbey Road de Londres. Por un lado el mencionado "Ammonia Avenue", el séptimo álbum de The Alan Parsons Project y por otro el primer y a la postre único disco de Keats, la banda que habían formado esos músicos.
Estos músicos eran Ian Bairnson, Colin Blunstone, David Patton y Stuart Elliot que junto a las colaboraciones de Pete Bardens y Richard Cottle grabaron un álbum que incluso produciría el propio Alan Parsons y obtendría la inestimable ayuda de Eric Woolfson, es decir participaron The Alan Parsons Project al completo, pero firmado como Keats. Sin embargo la idea original de crear una banda separada o paralela como queramos llamarlo, fueron del propio Alan Parsons y Eric Woolfson, quienes quisieron darle mas protagonismo y un mayor reconocimiento a los miembros habituales de sus grabaciones con el proyecto de Alan Parsons. Incluso el nombre de Keats fue idea de Woolfson quien la tomo del poeta ingles John Keats.
El resultado final de este disco como es obvio es un sinónimo a The Alan Parsons Project, con una serie de piezas que perfectamente podrían pertenecer a cualquiera de sus álbumes. Un disco que tiene un sonido típico de los ochenta con esa atemporalidad que Alan Parsons sabe darle a sus creaciones además de una enorme y exquisita calidad.
Temas como "Heaven Knows" con la introducción del saxofonista Richard Cottle y la melódica voz de Blunstone nos transporta a momentos tan mágicos como “I Robot" o “Pyramid”, de parecida manera ocurre en temas como "Tragedy" o "How Can You Walk Away", mientras los sonidos AOR en una onda a los Toto mas melódicos están presentes en "Walking On Ice" o "Turn Your Heart Around", en cambio "Night Full Of Voices" es un soberbio medio tiempo muy cercano a "Eye Of The Sky" y en "Hollywood Heart" la voz de Blunstone y la melodía instrumental nos recuerda a temas como "Old and Wise".

Wishbone Ash-Number The Brave (1981)

En 1981 Wishbone Ash publicaba su onceavo álbum en estudio "Number The Brave", cuya principal novedad fue la incorporación de John Wetton al bajo.
Y pese a que su contribución se nota en las melodías vocales y en su poderoso bajo, apenas acabada su grabación abandonaría la banda para incorporarse a nueva formación, Asia junto a Steve Howe, Carl Palmer y Geoff Downes. El resto de la banda estaba formada por Andy Powell (guitarrista y voz principal), Laurie Wisefield ( Guitarra) y Steve Upton (batería) y los músicos adicionales Claire Hammill en las voces y el percusionista Gasper Lawal. En “Number The Brave”, el grupo optaría por ofrecer un disco frenético con poderosos riffs de guitarra en donde destacaban la versión de Rare Earth "Get Ready", la melódica "Number The Brave", la rítmica "Where Is The The Love", la acelerada "That´s That" o las meritorias "Rainstorm", "Underground" o "Kicks On The Street". Sin embargo las malas criticas y la poca repercusión comercial termina por la rescisión del contrato de Wishbone Ash con la discográfica MCA. Aún así la compañía a modo de despedida publicaría ese mismo año el directo "Hot Ash", con un repertorio basado en algunos clásicos de la banda como "Blowin´Free" o "Goodbye Baby Hello Friend", pero son "Way Of The World", "No Easy Road" o "Bad Weather Blues", el atractivo de este álbum en directo, básicamente por ser canciones que no solían estar en el set lits de sus conciertos.

viernes, 1 de enero de 2021

The Cars-Heartbeat City (1984)

The Cars fue una banda estadounidense que irrumpió en plena fiebre del punk rock británico y la efervescente new wave. Fundada por Rick Ocasek junto a Benjamin Orr en 1976 en Ohio, durante algún tiempo actuaron como dúo, trasladando su residencia algunos meses mas tarde a Boston, en donde no pararon de actuar en salas y en muchísimos clubs de la capital de Massachussetts. Luego cambiaron su nombre por el de Captain Swing y ampliaron la banda con Ellot Easton como guitarrista, Greg Hawkes teclista y el batería David Robinson. Ya a finales de 1977 y ya con el nombre definitivo de The Cars, fichan por el sello Elektra quienes les producen su primer álbum “The Cars”, que tiene un gran impacto tanto de critica como un gran éxito comercial. Ya en 1978 lanzan “Candy O”, un álbum con una portada sugerente de la típica pin-ups de los años cincuenta. Este disco fue producido por Roy Thomas Baker quien venia de producir el disco de Queen "Jazz". En "Candy-O" hay una gran variedad de temas de power pop, arreglos sofisticados y canciones poderosas, destacando "Since I Held You", "Double Life "o " Let's Go ".
“Panorama” (1980) y “Shake It Up” (1981), fueron sus siguientes movimientos discográficos los cuales se mantienen muy por debajo de sus dos primeras obras. Finalmente en 1984 llega su obra cumbre “Hearbeat City” (1984), con el cual logran un éxito sin precedentes en su carrera. Para este trabajo la banda había contratado al productor Robert Mutt Lange, famoso por haber producido algunos de los mejores álbumes del hard rock y el heavy metal y un especialista en los sonidos poderosos y enérgicos en un intento de reactivar la carrera del grupo después de dos lanzamientos mediocres.
“Heartbeat City” resultaría un álbum que combinaba el pop tradicional de las típicas canciones de O´Casek, con las guitarras poderosas y afiladas y los enormes sonidos de la batería de una típica banda del heavy metal. Temas como la poderosa “Hello Again”, la metal pop “Magic” la imponente balada “Drive” o las imprescindibles “You Might Think” y “Heartbeat City”, elevaron al álbum hasta ser considerado una de las mejores obras de la década de los ochenta con un éxito comercial abrumador.