Para este segundo álbum la banda seguía formada por Ashley Holt a la voces, el guitarrista Peter Parks, el teclista Frank Wilson, el batería Mac Poole y el mencionado Nick Simper al bajo.
En su momento fue muy debatido el motivo por lo que nunca obtuvieron el éxito merecido, quizás parte de ello, fue la insuficiente promoción por parte de la compañía discográfica Vertigo, mas interesada en promocionar otras bandas de su nomina, pero también es cierto y considerando el momento en el cual fue publicado, habría que matizar que por entonces existían docenas de bandas que eran lo suficientemente competitivas y enormemente creativas, como para lograr superarlas o igualarlas con su interesante propuesta sin caer en los repetidos clichés.
Aún así el áspero y crudo órgano de Wilson, la firme y precisa sección rítmica de Simper y Poole, las dulces armonías de guitarra de Parks y los alaridos tensos y vibrantes de Holt, llevaron en volandas al grupo en la serie de canciones de enorme calidad que componen este álbum, como queda demostrado con las hard rock “Back In Time” y “Mouthpiece”, ambas con ese estilo inconfundible a los Purple, la blues rock “Confident But Wrong”, la pausada “Feeling Better”, la rítmica “Sybilla” o la progresiva “I (Who Have Nothing)” .
“Red Sea” seria el colofón de una banda que en sus primeros días se mostró como una de las formaciones mas precoces del mejor hard rock, incluso casi a la altura de los mismísimos Deep Purple, pero que por diferentes razones no pasaron de la línea de salida y cayeron en el olvido mas absoluto, pese a crear dos fantásticos álbumes que hoy en día son considerados parte esencial de la evolución del proto-hard rock.
Formado por cuatro grandes músicos, celebridades todos ellos de bandas anteriores o posteriores a esta, como Gong, Egg, Hatfield and The North o National Health.
Ellos eran el guitarrista Steve Hillage, el bajista Nick Greenwood, el teclista Dave Stewart y el batería Pip Pyle. En 1972 esta banda publicaría su único álbum titulado “Space Shanty”, en el cual aparece el baterista Eric Peachy que reemplazaría a Pyle, que se marcharía poco antes de la grabación del disco para formar parte de los mencionados Gong.
“Space Shanty” esta constituido por seis ambiciosos temas compuestos casi en su totalidad por Steve Hillage, en donde el sonido esta dominado por las guitarras espaciales y blues del propio Hillage y el efervescente órgano Hammond de Stewart. En general la música aquí creada esta orientada al genero progresivo de Canterbury, con momentos agresivos, pero que sin embargo huye de los esquemas de la manifiesta influencia jazzistica, como era muy corriente en el genero, para orientarse hacia terrenos mas rock con memorables interacciones instrumentales
Los seis temas interrelacionados dan una clara sensación de álbum conceptual, alcanzando por momentos dimensiones grandilocuentes con acercamientos a la música de los primeros Yes, Caravan o la que algún tiempo mas tarde seria heredada por los progresivos Camel. Un álbum que comienza con el tema que da titulo al disco, una pieza con una suave intro que deriva en un vigoroso tema progresivo, mientras la atmosférica “Stranded”, pone la nota cósmica y espacial. La dinámica con influencias del jazz progresivo “Mixed Up Man Of The Mountain”, da paso a la psicodélica y heredera del genuino estilo Canterbury “Driving To Amsterdam”, para acabar con la compleja “Stargazers” y la jazz rock “Hollow Stone”, con las cuales concluye y que obtendría un gran recibimiento por la comunidad progresiva de la época, y que varios años mas tarde tuvo su continuación lógica con el álbum en solitario de Steve Hillage ,“Fish Rising”.
Como ya hemos mencionado anteriormente, para la grabación de este álbum Sinfield se rodearía de un nutrido grupo de músicos que en alguna ocasión pertenecieron a las múltiples formaciones KC, aquí aparecen Ian Wallace, Keith Tippet, Boz Burrell, John Wetton, Greg Lake o Mel Collins.
Y pese a que la poca repercusión comercial lo hayan relegado a obra de culto en la escena del progresivo, contiene muchos momentos destacables como “Song Of The Sea Goat”, una versión arreglada del movimiento “Largo” de Antonio Vivaldi, sobresaliendo en ella las letras y la creación de metáforas inteligentes por parte de Sinfield. A este le siguen la filosófica y etérea “Under The Sky”, mientras la poética “Still” con la voz de Lake cantando unos versos, mientras Sinfield dicta un poema, es uno de los puntos culminantes del álbum.
La enérgica “Envelopes Of Yesterday” muestra el momento mas distorsionante, por contra la pastoral “The Piper” es el mejor retrato de esta obra, una tranquila composición de guitarra acústica y flauta, por un sendero parecido aparece la fina y emotiva “ a House Of Hopes And Dreams”, acabando con la free jazz disonante “The Night People”.
La poca repercusión posterior del disco precipitaría el fin de la carrera en solitario de Sinfield, dedicando los siguientes años a las labores de producción y letrista, participando en obras de artistas como Emerson, Lake and Palmer, Roxy Music, Gary Brooker, Moon Martin, Leo Sayer o la banda italiana de rock progresivo Premiata Forneria Marconi.
A mediados de la década del 2000, este álbum fue catalogado como el decimoséptimo registro mas valioso de todos los tiempos, llegando algunos coleccionistas a pagar sumas astronómicas por una copia original, alcanzando un precio de 25 mil libras a mediados de los noventa.
Dark fueron una banda de rock psicodélico fundada por el guitarrista Steve Giles, que junto al batería Clive Thorneycroft, el bajista Ron Johnson, y el segundo guitarra Martin Weaver grabaron bajo la producción de Alan Bowley, un oscuro y potente álbum de rock con gran predominio de viscerales y psicodélicos riffs de guitarras al mas puro estilo de The Jimi Hendrix Experience o Grand Funk Railroad.
El álbum contiene poderosos temas de hard y heavy blues rock como “Darkside”, "Maypole", "Live For today", "Cat" o "Zero Time", pero que pese a su enorme calidad quedaron relegados al ostracismo por la mala planificación posterior y una nula promoción artística por parte del grupo. Debido a la importante demanda que este álbum ha suscitado en los últimos años ha sido reeditado en varias ocasiones en los formatos de vinilo y CD.
Una vez obtuvo la mayoría de edad, Wonder renovaría su contrato con la propia Motown, pero con diferentes acuerdos, entre otros el tener casi un total control sobre las grabaciones de sus posteriores álbumes. Y es que llegados a este punto, las ventas de sus discos habían superado los 30 millones de copias, convirtiendo a la Motown en una de las discográficas mas importantes de los Estados Unidos. A partir de aquí Stevie Wonder se dedico a pasar largas horas en los estudios Electric Lady de Nueva York aprendiendo todo lo que podía hacer con los teclados de ultima generación como los sintetizadores ARP y mini-Moog, con los cuales empezaría a trabajar en sus próximos discos. Una vez se familiarizo con las nuevas tecnologías electrónicas, Wonder se sentó definitivamente a negociar un nuevo contrato en donde exigió la absoluta libertad de decisión sobre las canciones a incluir en sus discos, los singles a publicar, y una serie de condiciones que se alargaban en unas 120 paginas de un contrato larguísimo y metódico.
Así llegarían tremendas obras como “Talking Box” en 1972, un álbum que fue avalado por la posterior gira que hizo junto a The Rolling Stones. En este primer álbum de su nueva etapa, destacaba la guitarra de Jeff Beck, la cual le daba una gran credibilidad en el ámbito del rock y los textos de algunas de las canciones incluidas como la netamente política “Big Brother” una clara alusión al presidente Richard Nixon en plena crisis de la Guerra del Vietnam.
A este le siguieron obras como “Innervisions” (1973) y “Fulfillingness´First Finale”, con los cuales conseguiría los premios Grammy y un primer puesto en las listas de R&B y en el Billboard.
Después de ello Stevie Wonder volvería a negociar otro nuevo contrato con la Motown, esta vez firmaría por siete años, siete álbumes y 37 millones de dólares, uno de los acuerdos mas grandes que se habían hecho hasta la fecha con una estrella del mundo del pop y del rock.
Después de ese ultimo álbum de 1974, Stevie Wonder se tomaría dos años para preparar su siguiente movimiento discográfico “Songs In The Key Of Life”, un doble álbum en donde mostraba su mejor creatividad, mostrando una ecléctica amalgama de estilos que iban desde el funk, el pop, el jazz y sutiles sonidos latinos. Temas que iban desde la rítmica jazz fusión “Contusion” hasta delicados duetos de voz y arpa “If it´s Magic”.
Aunque en los créditos figuran mas de 130 músicos que participaron en las labores de grabación, entre los que se encuentran Harbie Hancock, George Benson, Michael Sembello, Minnie Riperton o Ronnie Foster, el concepto nunca se aparta de la visión singular y ardiente de Stevie Wonder. El pre-estribillo casi furtivo de “Knocks Me Off My Feet”, contrastan con el vertiginoso funk pop de “As”, la funk rítmica “I Wish” o la armónica “Sir Duke”, dedicada a Duke Ellington.
Pero también hay momentos para las reivindicaciones y la protesta social, como queda demostrado en “Village Ghetto Land”, en donde expresa el dolor y la indignidad de la pobreza y la falta de viviendas sociales o en “Black Man”, una clara revisión histórica y literal, en donde da el ejemplo de como todos los colores y culturas han contribuido al progreso global.
“Songs In The Key Of Life”, publicado el año del bicentenario de los Estados Unidos, una época en donde la frustración y la desesperación en torno al gobierno y las instituciones del país eran constantes, fue visto como un correctivo y una contra narrativa a los continuos bombardeos de los dirigentes con historias y actos heroicos alabando la bandera norteamericana y el sueño americano.
Su formación estaba comprendida por cuatro geniales músicos, todos ellos grandes compositores y experimentados instrumentistas, como son Lol Creme, Graham Gouldman, Kevin Godley y Eric Stewart. Ellos por separado antes de formar 10 CC se habían dedicado a componer éxitos para otros artistas en los sesenta como The Hollies, The Yardbirds, Herman´s Hermits o Jeff Beck entre otros muchos mas.
Ya en 1970 Eric Stewart construye los Strawberry Studios y contrata a Creme y Godley y de sus primeras colaboraciones surgió el tema “Neanderthal Man”, el cual obtiene un éxito inmediato bajo el nombre de Hotlegs. Este éxito les lleva a telonear a The Moody Blues en la gira que dieron durante aquel año para la cual se le uniría Gouldman. Las buenas sensaciones que el cuarteto ofrecía dio como resultado la creación de 10CC, motivado también por el éxito de varios temas como el boogie rock “Rubber Bullets”, el cual logro colocarse en la cima de las listas británicas en 1973. A finales de ese mismo año llegaría su primer álbum “10 CC” en donde demostraban las dotes compositoras del grupo con canciones muy originales de gran clase. A partir de aquí la carrera del grupo se dispararía con una serie de álbumes de gran calidad como “Sheet Music” (1974), “The Original Soundtrack” (1975) y “How Dare You” (1976), todos ellos unos impecables trabajos de estudio con arreglos muy sofisticados, melodías envolventes y eficaces, y ciertas dotes de romanticismo, creando con ello un estilo único e inconfundible.
Pero después de tres años en donde habían alcanzado la fama internacional, aún les quedaban conquistar el mercado norteamericano que se resistía a su sofisticada mezcla de pop y rock, el cual no estaba concebida para las giras y los grandes estadios norteamericanos. Todo esto fue motivo para que la critica empezara a acusarles de frío tecnicismo y parte del publico también empezaría a darles la espalda, algo que llevaría al grupo a su primera gran crisis que desembocaría en el abandono de Godley y Creme, los cuales decidieron seguir por su cuenta, formando el dúo Godley and Creme.
Sin embargo este abandono no limitaría la trayectoria de los otros 10CC, y así Stewart y Gouldman retomaron la carrera del grupo publicando el álbum “Deceptive Bends” (1977), al que siguieron el directo “Live And Let Live“ (1977), y el interesante “Bloody Tourists” (1978).
La década de los ochenta estuvo marcada por trabajos de dispares resultados como “Ten Out of 10” (1981) y “Windows In The Jungle” (1983), tras el cual la banda se desintegra hasta nueve años después.
En 1993 la formación original regresa creando con ello grandes expectativas en el mundo del pop y el rock que se ven refrendadas con la publicación del excelente álbum “...Meanwhile”, un trabajo en donde retoman su estilo inconfundible, con una serie de temas refinados de rock y pop empezando por el exito “Woman in Love” un tema de rock adictivo que recupera a los mejores 10CC, a la que se suman otros cortes destacados como la melódica y pegadiza “Wonderland”, la rock “Fill Her Up”, el reggae “Welcome To Paradise”, o la neo progresiva “Don´t Break The Promises”, mientras el resto conserva intacta la enorme calidad compositora del grupo con temas sofisticados de refinada calidad.
Formados en 1977, el curriculum de sus integrantes era cuanto menos muy atractivo, empezando por el bajista de los Foghat y antiguo componente de Savoy Brown, Tony Stevens, el cantante y batería de los míticos Procol Harum; Bobby Harrison, el guitarrista de los Olympic Ruuners, Joe Jammer y el reputado batería de sesión Jerry Frank.
Su único álbum es un atractivo ejercicio de fusión de rock salpico de blues y funk, sin embargo era un estilo que fue lanzando cuando el blues rock y los sonidos proto rock estaban algo desfasados en esos momentos, remontando el revival por esos sonidos nuevamente a principios de la década de los noventa.
Este único álbum, titulado homónimamente “Nobody´s Business”, fue publicado en 1978 y contiene un atractivo repertorio de temas adictivos como la sombría “Losing You” o la amenazante “Unsettled Dust”, dos ejemplos perfectos para los fans del AOR, entretanto el lado mas hard rock están en las manifiestas “Cut In Two” y “Bleed Me dry” o en las alegres funk rock “Living Up To Love” y “Doing The Best I Can”, mientras el tema que da titulo al álbum es un poderoso rock que nos deja un regusto a los Humble Pie mas contundentes.
Las ansias por entregar un nuevo álbum que colmara las expectativas del publico y de su propio sello discográfico, le mantenían en constante presión física y psicológica y por ello prescinde de una serie de temas que estaban destinados a un álbum que finalmente es desechado por el propio cantante por considerar que no tenían la suficiente cohesión y calidad para ser publicado. Algún tiempo mas tarde entra de nuevo en los estudios de grabación para afrontar su mas ambicioso trabajo y al mismo tiempo el que lo consagraría como una de las estrellas mundiales de la música rock.
Grabado durante los meses centrales de 1979 en los estudios Power Station de Nueva York, Springsteen vuelve a contar con su banda The E.Street Band, la cual curiosamente no aparece acreditada en la portada del álbum.
Publicado como doble Lp, contiene 20 temas en donde el músico de New jersey trata asuntos como la frialdad, la soledad, la melancolía, o el apego a la familia, pero también temas relacionados con la juventud como en “Independence Day”.
Musicalmente “The River” es un recorrido por todo lo que había hecho Springsteen hasta esos momentos, con ese rock crudo y descarnado fusionado con destellos de country, blues, soul y folk, todo ello secundado por una banda perfecta, sonando solida e intensa, pero al mismo tiempo con un sonido vibrante y adictivo.
Un álbum que contiene momentos memorables como “The Ties That Bind”, “Point Black”, “Drive All Night”, “Sherry Darling”, “Cadillach Ranch”, “Hungry Heart” o la mágica “The River”.
Con este disco Springsteen por fin conseguiría alcanzar el primer puesto en las listas de Estados Unidos y unas increíbles seis millones de copias vendidas a nivel mundial.
Antes de la publicación de "Hamburger Concerto", Focus había publicado diferentes trabajos orientados al jazz progresivo, con extensas jams, temas cargados de una instrumentación abrasadora y una interacción imponente entre el órgano, la flauta y una destacadísima guitarra.
En esta cuarta entrega destaca el rock progresivo puro como se queda demostrado en la pieza que da titulo al álbum, un extenso tema que ocupa toda la segunda cara en donde Jan Akerman y Thijs Van Leer, comparten el liderazgo en un tema que esta construido sobre una base de música clásica. Mientras en la cara A nos encontramos con la renacentista "Delitiae Musicae", la encantadora "La Cathedrale de Strasbourg", la poderosa "Birth", con uno de los solos mas antológicos de la historia a cargo de Akkerman o la contundente jazz progresiva "Harem Scarem".
"Hamburger Concerto" es el mayor logro en la carrea de Focus y uno de los puntos culminantes del genero progresivo de la década de los 70.
Si bien es cierto que Supertramp nunca fueron excesivamente progresivos, pese a contener entre todos sus álbumes cortes netamente con estructuras progresivas, siempre desde una perspectiva melódica con énfasis en las armonías vocales y en la melodía, las cuales tenían tanta importancia como los propios arreglos, con lo que conseguían el contrapunto perfecto entre las canciones pop gloriosamente vibrantes, unas letras inteligentes, unos arreglos deslumbrantes y un exquisito estilo de art-rock.
Sin embargo “Breakfast In America” también supuso la excusa perfecta para que muchos críticos intolerantes de la época, les acusaran de alejarse de su propuesta progresiva hacia derroteros mas comerciales, con canciones pegadizas y accesibles al gran publico, creando una obra repleta de canciones exitosas, con seis singles, todos ellos ocupando las listas de medio mundo, algo que por otra parte los alejaba del mundo progresivo de manera casi rotunda.
Ya se advertía lo que este álbum ofrecía cuando se radiaron sus tres primeros singles de adelanto con las melodías memorables de “Breakfast In America”, “The Logical Song” o “Goodbye Stranger”, temas de enorme impacto a las que se unían las melancólicas “Lord Is It Mine” y “Casual Conversations”, la dinámica “Gone Hollywood”, la cristalina y melódica “Oh Darling” o la gloriosa “Take The Long Way Home”, para acabar con la progresiva y frenética “Child of Vision”.
“Breakfast In America” se convirtió en el álbum mas exitoso de Supertramp con unas ventas que superaron con creces los veinte millones de copias a nivel mundial y logrando el Grammy a la mejor grabación en 1980, al mismo tiempo que esta considerado uno de los 50 mejores álbumes de la década de los setenta.
Emparentados al estilo pesado y oscuro de bandas como Nosferatu, Atomic Rooster o Bram Stoker, su sonido estaba basado en un rock enérgico en donde las poderosas guitarras y un predominante órgano dejaban una muy apetecible mezcla de rock oscuro y blues rock pesado, con elementos progresivos y cierta psicodélica impregnada de pasajes relacionados con el ocultismo y lo satánico, pero muy alejados del concepto general (literariamente hablando) de bandas como Black Sabbath o Black Widow.
Sus inicios se remontan a 1971 cuando el teclista Doug Rome recluta al guitarrista Mick Riddle y al vocalista Zeik Hume y forman el núcleo principal de Bodkin, mas tarde se les unirían el bajista Bill Anderson y el batería Dick Sneddon, formación con la cual entran en los estudios del productor Jim West, propietario al mismo tiempo de la discográfica independiente West, quien les produce y les publica el álbum homónimo que fue lanzado a mediados de 1972.
Este único álbum cuenta con cinco cortes, empezando por la suite "Three Days After Death" que a su vez esta dividida en dos partes, una primera con gran dinamismo entre los sonidos de rock pesado y pasajes pausados de un órgano atmosférico y una segunda mas progresiva y rítmica con sonidos cercanos al hard rock de Uriah Heep.
Por una onda similar esta "Aunt Mary´s Traschan", el tema mas extenso que durante su desarrollo nos dejan ese olor a los Deep Purple mas clásicos, mientras las restantes "Aftur Yur Lumber" y "Plastic Man" al ser piezas mas cortas, tienen menos espacio para los momentos progresivos y están mas enfocadas en el heavy rock con afiladas guitarras que no recuerdan a los primeros Black Sabbath.
Pero además con estos cambios mencionados, también había comenzado un cambio en el estilo del poderoso hard rock de los clásicos Deep Purple, hacia derroteros enfocados a los sonidos funk y soul que ya se intuían de manera sutil en el anterior “Burn”.
En “Stormbringer” esos sonidos ya prácticamente inundan el estilo del grupo como queda demostrado en temas como la funk psicodélica “Love Don´t Mean A Thing” y la soul “You Can´t Do It Right”, que manifestaban las influencias de Coverdale y Hughes a la hora de componer en detrimento del liderazgo compositivo de Ritchie Blackmore. Otra muestra de ese cambio esta en la atmosférica y planeadora “Holy Man” y la soul rock “Hold On”. Sin embargo el sonido clásico no desaparece totalmente y esta presente en la dinámica “High Ball Shooter”, en la poderosa “Strombringer” y en la magnifica rock “Lady Double Dealer”, mientras la portentosa “The Gypsy” es una antesala de lo que muy pronto Blackmore haría con sus Rainbow.
El álbum acaba con una de las grandes baladas de toda la historia de la banda como es “Soldier of Fortune”, un prodigioso tema en donde sobresalen la voz de Coverdale, la guitarra de Blackmore y las enormes capas de teclados de Jon Lord.
“Stormbringer” tuvo un feroz recibimiento por parte de los fans de la banda, que con el tiempo fue recuperando el lugar que se merece como uno de los grandes momentos del hard rock de los setenta.
Meses después Blackmore abandonaba Deep Purple para fundar su propia banda “Ritchie Blackmore´s Rainbow” y el resto seguiría adelante con el nuevo guitarrista Tommy Bolin con el que publicarían el meritorio “Come Taste The Band”.
Sin embargo musicalmente Winterhawk derivo su estilo hacia las raíces primitivas del hard rock americano, a diferencia de la banda canadiense, mas influenciada en el hard rock blues británico, heredera de bandas como Led Zeppelin, con un estilo que ya mostraban en sus tres primeras obras, “Rush”, “Fly By Night” y “Caress Of Steel”.
No obstante no cabe duda de que en muchos de sus pasajes instrumentales, la sombra del trío canadiense es elocuente, como demuestra el corte que da titulo al álbum, o la dinámica “Sanctuary”, e incluso en la hard rock con aires progresivos “Period Of Change”. Por otra parte “Ace In The Hole”, muestra la diversidad del grupo con una pieza musculosa de jazz rock instrumental, mientras la Southern rock “Can´t See The Forest For The Trees” y sobre todo la antológica jam “Free To Live”, demuestra el deslumbrante talento de su guitarrista Jordan Macarus con sus vertiginosos y arabescos solos con las seis cuerdas, dejando patente que es uno de los grandes y al mismo tiempo desconocidos guitarristas del hard rock de los setenta.
Originario de Carolina del Sur, George Hatcher ya había experimentado su vena musical en varios grupos locales que pasaron sin pena ni gloria llamados Frantic y Flatrock. Ya en 1974 se decide probar fortuna en Inglaterra en donde forma junto a los ex Curved Air; Stuart Copeland, famoso algún tiempo después por fundar The Police, y Darrel Way, el grupo de corto recorrido Stark Naked And The Car Thieves, con los que gira durante algún tiempo por diferentes ciudades del país.
Después de esta efímera aventura, funda la George Hatcher Band, para la cual contó con la colaboración del guitarrista John Tomas y al ex batería de Renaissance, Terry Slade, para poco después integrarse el bajista Harris Joannou, el guitarrista Phil Swan y el teclista Steve Wren, completando de esta manera la banda de manera definitiva.
Gracias al sello United publicaron su primer álbum titulado “Dry Run”, un trabajo orientado a los sonidos sureños con acercamientos al boogie rock como queda demostrado en la inicial “Lucky Guy”, otros temas destacados son “All Night Gambler”, “Rockin´in The Morning, “Firts Thing Smoking” o “Good Friend”, en donde encontramos un estilo influenciado por el country rock y el blues sureño que en muchos momentos nos recuerdan a los Allman Brothers Band.
Durante los siguientes años la banda seguirá publicando grandes trabajos como “Talkin´Turkey” (1977), "Rich Girl” (1978) y “Coming Home” (1980), todos ellos de gran recibimiento mediático, lo que les valdría participar en el Festival de Reading o telonear a artistas como AC/DC, Ted Nugent, Aerosmith o Molly Hatchet por el Reino Unido.
Ya de regreso a los Estados Unidos, en 1985 publicaría su ultimo álbum “Hindsight”, retomando la actividad bien entrado los años 2000, con una serie de conciertos y una banda totalmente reformada y girando con bandas punteras como Molly Hatchet, Cheap Trick, Black Oak Arkansas, The Outlaws, Black Sabbath o Scorpions o actuando como banda principal para grandes audiencias de hasta 80 mil personas junto a los 38 Special, como el celebrado en el año 2002 en el famoso festival Speed Street de Charlotte.
En 1980 The Clash publicaban su quinto trabajo, “Sandinista”, un triple álbum que como perfectamente se refleja en su portada, se ven a sus cuatro componentes de espaldas a un muro, como a punto de ser fusilados, la imagen que describe perfectamente los últimos destellos y coletazos del punk.Cuando fue publicado a nadie le sorprendería esta apabullante colección de canciones, un año antes ya habían hecho algo parecido cuando lanzaron el doble álbum “London Calling”, un trabajo repleto de temas herederos del rock´n´roll como queda demostrado incluso desde su icónica portada, en un claro guiño al famoso primer álbum de Elvis Presley. "Sandinista" esta conformado por 36 canciones, no todas de gran calidad, pero como es obvio, en un numero tan elevado de composiciones es algo lógico que así sea. Por ironías del destino a pesar de ser un álbum íntimamente antiamericano, “Sandinista” fue un gran éxito de ventas en los Estados Unidos, gracias en parte a los diferentes estilos y sonidos que en el van enmarcados, desde el rap, hasta el blues, pasando por dub y el rock.
Estilos tan dispares como el rockabilly “The Leader”, las baladas épicas “The Magnific Seven” o el reggae “Junco Partner”, se alternan con composiciones realmente sorprendentes y de gran calidad como “Somebody Got Murdered”, “The Call Up”, “Washington Bullets”, “Police on My Back” o “Rebel Waltz”.
Aún así y con tanto derroche de canciones, “Sandinista” no resulta un álbum fácil, su desarrollo es bastante oscilante y su repertorio peca en exceso de desconcertante y desordenado, algo muy habitual en la filosofía punk, y este álbum en concreto escenificaría la biografía de toda una generación en el umbral de una nueva década y la decadencia y caída posterior de un genero que casi al mismo tiempo que macío fue devorado por su propia imagen.
Después de ello el grupo se ampliaría con el teclista Tom Constanten y el percusionista Mickey Hart, dos músicos que serán fundamentales en el devenir de la carrera del grupo en los próximos años.
Por entonces el resto estaba formado por el guitarrista, líder y su alma máter Jerry Garcia, el batería Bill Kreutzman, el bajo Phil Lesh, el teclista Ron McKernan y el guitarrista Bob Weir.
Con esta formación la banda publico su primera gran obra maestra “Anthem Of The Sun” en 1968, al que seguirá un año después otra obra fundamental como “Aoxomoxoa”, trabajos en donde queda reflejado el impresionante poderío del grupo, con sus entramados y originales temas, sus jams instrumentales, las atmósferas difusas y los larguísimos solos de todos sus virtuosos músicos.
Sin embargo era en directo cuando Grateful Dead sabian sacarles el máximo rendimiento y las grandes posibilidades a su repertorio; con extensas exhibiciones que se prolongaban hasta el amanecer y en las que el publico quedaba atónito por la avalancha de sonidos creativos y apoteósicos.
Debido a estas memorables actuaciones crecería en torno al grupo un fenómeno llamado los “Deadheads”, multitudinarios grupos de fans organizados por todos los Estados Unidos, que nunca les abandonaron, hasta la disolución de la banda en el 2015, aún así, hoy en día el movimiento “Deadheads” es uno de las mas poderosos e influyentes que existen en los Estados Unidos.
Para divulgar lo mejor posible la magia de aquellos conciertos, se publico el doble álbum “Live Dead”, que aparecería casi a finales de 1969 y que esta constituido por un repertorio extraído en diferentes noches en el Fillmore West de San Francisco durante los primeros meses de 1969.
Pero también fue lanzado para de alguna manera paliar y compensar la deuda que Grateful Dead habían contraído con la Warner Bros con su álbum “Aoxomoxoa”, que debido a la extensa y minuciosa producción, les había costado la friolera de 180 mil dólares.
Dicho álbum en su momento no tuvo unas grandes ventas, pero no obstante sus directos si estaban obteniendo un aumento significativo de un publico de culto, gracias a sus prolongados shows, que oscilaban entre las tres y seis horas de concierto cada noche.
Hay que matizar que Grateful Dead fueron una banda excepcionalmente dedicada a la perfección de la interpretación, la originalidad musical, la producción de sus grabaciones y las vastas improvisaciones en vivo. En este punto no debemos olvidarnos de su famoso y mítico “Wall Of Sound”, un enorme y sofisticado sistema de sonido fabricado exclusivamente para la banda y del que tenéis mas información en el enlace del final del post.
“Live Dead” comienza con la monstruosa y monumental “Dark Star”, que con sus 23 minutos de duración es sin duda el “Santo Grial” de los mencionados “Deadheads”, y uno de los temas de vanguardia y exploración que se convirtió en una forma de arte en el rock. Construida sobre dos simples acordes principales, es sin duda el pasaje sonoro mas completo y complejo de la banda y requiere una cantidad sobrehumana de telequinesia, confianza y...LSD ( el estupefaciente preferido de la banda y sus seguidores) para su escucha y comprensión (o por lo menos eso manifestaban los miembros del grupo y los fans).
En su momento mas indulgente, los Dead podían tocar “Dark Star” durante literalmente horas sin parar, divulgando en muros de retroalimentación, exploración de vanguardia y largas improvisaciones, antes de volver a los dos simples acordes iniciales.
El resto de este doble álbum esta compuesto por la destartalada y psicodélica “St.Stephen”, la brillante “The Eleven”, el largo blues experimental “Turn On Your Love Light”, el cadencioso blues “Death Don´t Have No Mercy”, y la vanguardista y lisérgica “Feedback”.
“Live Dead” esta considerado para los mas puristas en la música en vivo, como el mejor registro en directo de la historia, fundamentalmente por que nunca nadie sonó tan sobrenaturalmente como ellos lo hicieron en sus memorables y únicos shows de aquellos añorados años. Wall Of Sound
