Algún tiempo después y tras unas intensas reuniones entre los restantes miembros de la banda, decidieron continuar y meses después completarían el tercer álbum de estudio “Eat a Peach”, que saldría a la venta a principios de 1972.
Después de unos meses de constantes conciertos, en noviembre de 1972, la banda volvería a enfrentarse a otra tragedia, (en medio de la grabación del álbum que aquí nos ocupa), esta vez seria el bajista Berry Oakley, que fallecía de manera parecida en otro accidente de motocicleta a escasos metros donde Duanne había perdido la vida.
Después de volver meditar la continuación de la banda, los miembros restantes, Gregg Allman, Dickey Betts, Jai Johanny Johanson, Butch Trucks y Chuck Leavell, deciden continuar y para ello reclutan al bajista Lamar Williams, para cerrar la formación, con la que terminan de grabar el álbum "Brothers And Sisters", que podemos considerar como su particular restablecimiento creativo y una de sus obras más relevantes.
Publicado en 1973, fue un momento en que la banda se enfrento a la difícil misión de dar forma al primer álbum sin la presencia de un genio y uno de los grandes iconos de la música rock como fue Duane Allman.
“Brothers and Sisters” se convirtió en una de sus mejores obras, en donde aparecen dos de sus clásicos, como son el himno de southern rock, "Ramblin´man", y el instrumental "Jessica", que cuenta con una jam improvisada extraordinaria, además de otros soberbios cortes como la diabólica "Southbound", la intensa bluesy "Jelly Jelly", las extraordinarias "Wasted Words" y "Come and Go Blues", o la country "Pony boy".
"Brothers And Sisters", se convertiría en uno de sus mayores éxitos de ventas, despejando todo tipo de dudas y demostrando la profesionalidad, la creatividad y el enorme talento de una de las mas grandes bandas del rock and roll.
En esos años la formación había sido inalterable con los guitarristas Eric Bloom y Donald Buck Dharma Roeser, el teclista Allen Lanier, el bajista Joe Bouchard y el batería Albert Bouchard, además de los letristas Richard Meltzer y Sandy Pearlman, autores de las letras profundas e inteligentes repletas de alusiones a temas religiosos, mitológicos, metafísicos o alquímicos que la banda siempre mostro en todos sus álbumes.
A principios de 1975 se publicaría el cuarto disco de la banda y el primero en directo, que fue grabado durante la gira del anterior “Secret Treaties” en diferentes localizaciones de Nueva York, Washington, Seattle y Long Beach en California.
En "On Your Feet Or On Your Knees", la banda derrocha una gran energía por todos los surcos del doble Lp con canciones incendiarias y poderosas con grandes riffs de hard rock y heavy metal psicodélico.
Desde el "Subhuman" inicial, hasta la versión de Steppenwolf, "Born to be Wild", que cierra el disco, pasando por los salvajes y viscerales "Hot Rails to Hell" y "The Red & The Black", el pletórico "Buck's Boogie", el magnífico "Then Came The Last Days Of May”, la atmosférica "7 Screaming Diz-Busters" o el contundente rock "Me 262".
En definitiva “On Your Feet Or On Your Knees” es otro de los dobles en directo esenciales e imprescindibles de la década de los 70, que sin embargo esta oculto injustamente tras otros de mayor impacto mediático, pero que para ser justos no esta por debajo de ninguno de ellos.
Como era norma habitual en Zappa, para esta nueva grabación contaría con un lujoso plantel de músicos colaboradores en donde destacaban el violinista Jean-Luc Ponty, el teclista George Duke, el bajista Tom Fowler o los habituales Ian Underwood (instrumentos de viento) y la percusionista Ruth Underwood, además de la participación de Tina Turner en los coros, aunque nunca aparecería en los créditos oficiales por motivos contractuales.
Producido por el propio Frank Zappa, aquí sigue mostrando su sátira de costumbre y su retorcido humor negro, en donde temas como el sexo, la critica social y otros polémicos asuntos son su típico denominador común con sus controvertidas letras.
Sin embargo pese a la accesibilidad, musicalmente hablando, esta siguen siendo bastante compleja, como queda demostrado en “Zomby Wolf”, donde los metales, las guitarras, las percusiones y la sección rítmica, junto al sobresaliente violín de Jean-Luc Ponty dejan un soberbio y sofisticado tema que navega entre el jazz rock y los sonidos mas vanguardistas.
Otros temas destacados son las explícitas “Fifity Fifty”, “Dinah-Moe Humm” o “I´m The Slim”, sin dejar de mencionar el característico sonido Zappa que aparece con la sublime “Montana”.
La dinámica pieza que da titulo al álbum tiene momentos cercanos a los sonidos espaciales, mientras la oscura y atmosférica “The Big Sleep In Searchof Hades”, es uno de los momentos mas sólidos del álbum. Sin embargo llegados a este punto aparece “3 am At the Border Of The Marsh From Okefenokee”, una inquietante pista de cerca de nueve minutos de escalofriantes sonidos que nos sumergen como su titulo indica, en los tenebrosos pantanos de Florida. “Invisible Limits” es la pieza mas larga en la cual nuevamente salen a relucir los sonidos espeluznantes que van en crescendo, para acabar en un final mas apacible y bello con sonidos de piano y un emulador de flauta.
“Stratosfear” se convertiría junto a los emblemáticos "Ricochet", "Phaedra" y "Rubycon", en el mayor apogeo creativo y comercial de TD, y una parte esencial del rock progresivo electrónico.
Para ello Fripp reorganizo la banda con una nueva formación compuesta por John Wetton, Bill Bruford, David Cross, Jamie Muir y Richard Palmer como letrista.
Pero al mismo tiempo “Lark´s Tongues In Aspic” se convirtió en el álbum mas complejo, intrincado y menos accesible de King Crimson, con sonidos desconocidos y extraños, sobre todo en las percusiones, un estilo mas tenebroso y agresivo y que en muchos momentos resultaba casi asfixiante.
La pesada y brillante “Lark´s Tongues In Aspic, Part One”, es uno de los mejores instrumentales del grupo, en donde la perfecta sección rítmica, los pesados riffs, el desarrollo del violín y el dramatismo de las voces ocultas y espeluznantes, la convierten en una pieza descomunal.
La efectiva y jazzistica “Book Of Saturday”, rebaja la tensión de demencia incontenida de la anterior, mientras la delicada “Exile” repleta de bellas melodías gracias a los solos de Fripp y Cross bajo el manto de un poderoso mellotrón, la convierten en otra de las piezas culminantes del álbum.
Sin llegar a las excelencias de las anteriores llega la contundente “Easy Money”, que es la antesala de las antológicas y soberbias instrumentales “The Talking Drum” y “Lark´s Tongues In Aspic, Part Two”, en donde la exploraciones de la percusiones por parte de Muir y la batería de Bruford, construyen junto a los solos de violín de Cross, unos desarrollos musicales in crescendo fabulosos, para concluir con el tosco sonido de la guitarra de Fripp, combinado con unas líneas de bajo inventivas excelentes, demostrando las grandes influencias que el free jazz tiene en esta obra maestra absoluta del rock progresivo.
Ya esta orientación se empezaría a intuir en su sorprendente cuarto álbum, el épico ”Worlds Apart (1981) y ratificando esa inclinación en este “Heads Or Tales” publicado en 1983.
Sin embargo aquí incluso se acercan al sonido característico y comercial que otras bandas coetáneas hacían por entonces, con un pop sofisticado repleto de teclados, guitarras poderosas y cristalinas y unas voces adictivas.
“Heads Or Tales”, contiene una exquisita colección de elegantes y refinados temas como “Cat Walk”, “The Flyer” o “The Sound Of Stranger”, mientras la vena progresiva de sus trabajos anteriores esta presente en el corte “The Vendetta (Still Helpless)”.
La recepción posterior del álbum, lo auparía hasta los primeros puestos de muchos países europeos como Alemania, en donde consiguieran un disco de platino por sus enormes ventas o en su país natal donde lograrían un disco de oro.
Ese cambio tan radical les llevaría a recibir cierto rechazo por parte de sus fans y de la critica especializada, hecho este que seria crucial para que en su siguiente obra volvieran a los parámetros musicales característicos de su álbum debut.
"Last Autumn's Dream" es un disco que incluye muchos conceptos, mucha experimentación, un toque de fusión, sonidos inspirados en la tradición japonesa, folk, jazz y un rock progresivo al uso.
En esta tercera entrega la banda incorporaría un nuevo guitarrista a modo de músico invitado, David Duhig, mientras el resto lo conformaban el bajista Glyn Havard, el guitarrista Tony Duhig, el percusionista y flauta Jon Field y el batería Allan Price. Otro hecho relevante es que este tercer álbum seria el ultimo bajo el sello Vertigo, poco después de su publicación, la banda firmaría con la discográfica Islands Records, con quienes lanzarían sus cuatro siguientes obras.
Musicalmente en esta tercera entrega, Jade Warrior fusionan la música tradicional japonesa con sutiles inclinaciones hacia el rock progresivo, fusionando los sonidos ancestrales de las flautas y las percusiones de Jon Field, con los ecos de la guitarra exótica de Tony Duhig, obteniendo con todo ello una fusión de sonidos experimentales, jazz, folk y elementos atmosféricos muy cercanos al space rock.
Originalmente llamados Hunter, esta banda se había labrado una gran reputación en el circuito de pubs y locales de conciertos al norte de Londres a finales de los 60. Su formación estaba comprendida por Terry Clark (voz), Mick Clarke (guitarra), Sid Fairman (guitarra), Paul Roberts (bajo) y Jeff Seopardie (batería). Con un estilo que navegaba entre el acid rock y el heavy rock con pinceladas de la psicodélica imperante de la época siguiendo la estela de bandas punteras como The Jimi Hendrix Experience, Led Zeppelin o Cream, pronto llamarían la atención por su innegable talento y calidad. En 1970 lograrían grabar un álbum autofinanciado, el cual fue producido por Roy Thomas Baker, un avezado productor que mas tarde se haría famoso por ser el ingeniero de sonido de algunos de los álbumes de Queen, Journey o Hawkwind entre otros muchos mas. Una vez completado el álbum y a la espera de conseguir un contrato con una discográfica, los masters originales quedaron almacenados en los estudios de grabación, para su posterior lanzamiento de manera oficial.
Sin embargo poco después, las cintas originales fueron robadas de los estudios donde estaban guardadas y terminarían en manos de un personaje llamado Adrian Miller, quien reclamo el titulo de la producción del álbum y vendió los derechos del mismo, al sello discográfico Bell para su publicación, no antes incluso de cambiar el nombre del grupo por el de Orang-Utan y diseñar una portada, la cual por cierto parece obra de un crío de primaria.
Poco después la banda de manera accidental se entera de que su álbum fue publicado sin su consentimiento y para colmo de males, firmado con un nombre diferente al suyo.
Este extraño episodio precipitaría la disolución del grupo poco tiempo después al no recibir ningún tipo de regalías sobre el disco publicado y financieramente verse abocados a la quiebra al invertir todo su dinero en la grabación del mismo.
Este único y extraño álbum fue publicado solo para el mercado alemán y estadounidense, otra de las desgracias del grupo, al no poder verlo ni siquiera publicado en su país de origen, hecho el cual tampoco ayudo para poder intentar reclamar los derechos sobre el material publicado.
Musicalmente este oscuro y perdido álbum muestra las grandes capacidades de su vocalista Clarke, unos fabulosos riffs de guitarras y unas brillantes y efectivas composiciones como queda demostrado en la contundente “I Can See Inside Your Head”, con ese sabor psicodélico de finales de los 60, la hard blues rock “Slipping Away”, la zeppeliana "Chocolate Piano", las polvorientas con raíces sureñas "Fly Me Hight" y "Country Hike" o la experimental "Magic Playground”.
Sin embargo además de este importantísimo hecho, también fue su trabajo mas melódico y relajado, en contraste con sus poderosos y contundentes álbumes anteriores de rock and roll, rhythm and blues y los sonidos sureños tan característicos del músico originario de Michigan.
Aquí prevalecen los medios tiempos y las melodías como queda demostrado en los cortes “Against The Wind”, “You´ll Accomp´ny Me” o “Fire Lake", pero sin dejar de lado su enérgico estilo como muestran “The Horizonal Bop”, “Betty Lou´s Gettin´Out Tonight” o “Her Strut”.
Con cinco millones de copias vendidas y dos premios Grammy, Bob Seger seguía su senda triunfante, que continuaría con los siguientes “The Distance” (1982), “Like A Rock” (1986), “The Fire Inside” (1991), “It´s A Mystery” (1995) y “Face The Promise” (2006).
La principal diferencia entre estos dos músicos estaba en el fuerte énfasis espiritual que Livgren quería imprimir a las letras de las canciones, algo que no era de agrado del menos filosófico Walsh. En otras palabras, Walsh quería cantar sobre temas mas terrenales, y Livgren sobre temas religiosos y espirituales, debido principalmente a su condición de devoto a la fe cristiana.
Al mismo tiempo los ejecutivos de la discográfica presionaban a la banda para volver a tener un gran impacto comercial, y es que después de tres álbumes multiplatino consecutivos, el siguiente “Monolith” “solo” conseguiría un millón de copias en ventas.
Así las cosas, el resto de la banda estaba dividida entre las exigencias de la discográfica y las orientaciones musicales del rubio guitarrista y las del vocalista, lo que provocaría que a la finalización de la gira posterior a este álbum, este ultimo decidiría abandonar Kansas hasta veinte años después, cuando regresaría para participar en las grabaciones del “Somewhere To Elsewhere” (2000).
“Audio-Visiones” fue grabado en medio de una tensas sesiones, con un Livgren presentando al resto de la banda unos arreglos sólidos pero que a la vez se mostraba inflexible con las decisiones de Walsh y en menor medida con la del guitarrista Richard Williams y el batería Phil Ehart, que tampoco estaban muy convencidos en convertir al grupo en un espectáculo de avivamiento itinerante y espiritual. Sin embargo y como consecuencia de sus obligaciones contractuales, ellos se debían al sello discográfico y finalmente todos estuvieron de acuerdo que por encima de todo privaba la calidad del trabajo bien hecho, principalmente por parte de Livgren. Musicalmente “Audio-Visiones” presenta una musicalidad que difiere en cierta medida de sus obras anteriores, con un mayor énfasis en la cantidad de coros, una característica no muy habitual en Kansas hasta aquellos momentos.
La inicial “Relentless” muestra todo lo dicho anteriormente con un tema AOR tanto en su estructura musical como narrativa, que sin embargo conserva el sonido peculiar de Kansas. La melódica “Anything For You” de Walsh es la antesala del hit del álbum “Hold On”, un medio tiempo adictivo y conmovedor, mientras la siguiente y vibrante “Loner”, la segunda composición de Walsh, es uno de los temas mas cortos grabados por la banda jamás, una canción que se aleja totalmente de los parámetros progresivos. La solida “Curtain Of Iron”, una versión arreglada de un tema de Livgren llamado “Save The Children”, en la que describe la difícil situación de los niños en la Europa del Este, da paso a la tercera composición de Walsh, la rock orientada a las radio formulas “Got To Rock On”. Los dos siguientes cortes “Don´t Open Your Eyes” y “No One Together” son los momentos mas progresivos del álbum, volviendo al sonido característico del grupo, para acabar con las piezas mas sombrías de “Audio-Visions”, la intensa “No Room For A Stranger” y la introspectiva “Back Door”.
La recepción posterior del álbum tuvo un menor impacto comercial que todas sus anteriores obras, llegando no obstante al medio millón de copias y un disco de oro por sus ventas.
Si con el anterior y fuertemente country “Desperado”, The Eagles mostraron su lado mas acústico con temas como el propio que da nombre al álbum, o otros como “Twenty-One”, “Tequila Sunrise” o “Saturday Night”, también es cierto que ya empezaron a mostrar leves muestras de su lado mas rock con “Out of Control” o las melódicas “Certain Kind of Fool” y “Outlaw Man”. Para este tercer “On The Border” la banda opta por un nuevo productor, relevando al mas fino y melodioso Glyn Johns por el enérgico Bill Szymczyk, aunque el primero también estaría en las labores de producción de manera secundaria.
Todo ello se ve traducido desde el principio con las potentes country rock “Already Gone”, “On The Border”, “James Dean” y “Good Day in Hell”, que son el contrapunto y el equilibrio perfecto de las mas melódicas y acústicas “Midnight Flyer”, “My Man”, “Ol´55” y “The Best of My Love” o los medios tiempos “Is It True” y “You Never Cry Like a Lover”. Esta progresión hacia sonidos mas rock se vio fortalecido al superar en las listas al anterior "Desperado” e igualando sus ventas con mas de dos millones de copias vendidas solo en los Estados Unidos.
Paladin se formó a partir de varios músicos de respaldo que estuvieron de gira con los Rolling Stones a finales de los 60 como eran el batería Keith Webb y el teclista Pete Solley. En 1970 completaron la formación con Peter Beckett al bajo, el teclista Lou Stonebridge y el guitarrista Derek Foley.
Su estilo estaba orientado hacia una gran variedad de sonidos en donde tenían cabida el jazz rock, el heavy rock, guiños a la música norteamericana, sutiles toques latinos y unas voces melódicas y adictivas, todo ello bajo la tendencia musical progresiva y psicodélica.
En este segundo álbum destacaban la jazz rock “Give Me Your Hand”, una verdadera cruzada de guitarras, teclados y percusiones contundente, en “Well We Might”, la banda pone la quinta marcha con un acelerado blues rock progresivo, o la frenética y poderosa hard rock “Get One Togheter”, mientras “Mix Your Mind with Moonbeams", es una epopeya de heavy prog, bañada en un viaje de ácido psicodélico extraño y oscuro, para terminar con “Watching the World Pass By", con una apertura de teclados y una armónica engañosamente ligera y alegre, la cual se convierte en el preludio para otra explosión gigantesca de poderoso tema de hard rock progresivo, conformando de manera arrolladora un álbum soberbio, que es muy apreciado por los prog heads y los fans de los sonidos heavy prog de los 70.
En alguna ocasión hemos comentado que casi todo esta inventado y que de alguna manera en algún momento de la historia alguien ideo y creo (obviamente de manera mas rudimentaria y dependiendo de los avances del momento), algo que hoy en día parece novedoso y que es atribuido a gente muchos años después, y esto es lo que ocurre con Beckett, una formidable banda que con su espectacular música, un híbrido entre el pop progresivo de The Alan Parsons Project, con esos espectaculares arreglos orquestales y los riffs del heavy rock dinámico que Iron Maiden explotaron muchos años después, se convirtieron en unos adelantados a su tiempo y en uno de los grupos de culto por excelencia.
Haciendo un poco de historia, esta banda fue formada en la ciudad de Newcastle a mediados de los 70 por el ex guitarrista de Yellow, Ken Mountain, el también guitarrista Ian Murray (hermano de Dave Murray de los mencionados Iron Maiden), el bajista Frankie Gibbon, el fantástico vocalista Terry Wilson-Slesser, y el batería Keith Fisher.
Sin embargo justo antes de la grabación de este único álbum, Ian Murray abandona siendo sustituido por el guitarrista Arthur Ramm.
Para la producción de este disco contarían con nada mas y nada menos que el líder de Family, Roger Chapman y fue publicado por el sello británico especializado en los sonidos vanguardistas, Island Records.
Este único álbum titulado homónimamente es uno de los mas grandes y mas injustamente desconocidos discos en la actualidad en cualquier pagina oficial de la música rock y sin embargo es enormemente apreciado por los melómanos y coleccionistas de las rarezas de la música progresiva de los 70.
Esta obra maestra comienza con la intro épica "Once Upon A Time…The End" que da paso a la siguiente "Rolling Thunder" en donde los complejos arreglos nos recuerdan lo que algun tiempo mas tarde harían The Alan Parsons Project.
La hermosa "Rainclouds" es la antesala de "Life´s Shadow" un soberbio corte que muchos años después fue utilizado por Iron Maiden para sacar algunos de sus pasajes musicales en el tema "The Number Of The Beast", algo que también harían con "A Rainbow´s gold" en su tema "2 Minutes To Midnight" de su álbum "Powerslave" en 1984.
El resto sigue teniendo una irresistible mezcla de rock complejo y sofisticado, melodías irresistibles con grandes instrumentaciones de guitarras, mellotrones y la voz inconmensurable de Wilson-Slesser.
El álbum pese a su enorme calidad paso desapercibido, poco mas allá del centenar de copias vendidas y a la vista del fracaso comercial, la banda se disuelve poco tiempo después, con un diferente signo profesional posterior de sus miembros, siendo Terry Wilson-Slesser quien tuviera una carrera mas fructífera, junto a Paul Kossoff en la banda Back Street Crawler, o como cantante ocasional en Michael Schenker Group, e incluso fue candidato a sustituir al fallecido Bon Scott en AC/DC a finales de los setenta.
Con ello también Pat Metheny cumplía primero, con uno de los registros que le debía a la ECM, y por otro y de paso, se aseguraba un brillante epilogo a su etapa con la discográfica germana.
Para dicha gira Pat Metheny había ampliado su banda con el percusionista y cantante brasileño Naná Vasconcelos, con el cual los temas cobraban una mayor dimensión atmosférica, con sus atrayentes coros y su sutil toque latino en las percusiones.
El resto estaba formado por su banda habitual, empezando por el teclista y mano derecha de Pat Metheny, Lyle Mays, el batería Danny Gottlieb y el bajista Steve Rodby, mientras el propio Pat se encargaba de las guitarras acústicas, eléctricas y el sintetizador de guitarra.
Por aquella época Pat Metheny aun no había derivado su música hacia derroteros cercanos a las influencias del rock, si bien es cierto que en algunos de sus anteriores trabajos había composiciones progresivas, pero siempre desde la arquitectura jazzistica. Temas como “Phase Dance” y “San Lorenzo” están sin embargo impregnadas de una grandeza verdaderamente sinfónica y progresiva en donde como era norma habitual, Pat Metheny pone todo su feeling en sus memorables solos, todo ello con unas melodías de piano y sintetizador muy apasionados, ejecutados de manera sobresaliente por Mays.
“Travels” este repleto de momentos encantadores como queda demostrado en la dramática y épica “As Falls Wichitsa, So Falls Wichita Falls”.
Como contrapunto a todo los dicho, la mas cercana a la música rock, la encontramos en la inicial “Are You Going With Me?”, uno de los temas mas carismáticos de Pat Metheny, con ese celebre solo interpretado con el sintetizador de guitarra.
Con “Travels”, Pat Metheny no lograría alcanzar el numero uno de su anterior “Offramp” en las listas del Jazz Billboard, logrando “solo” un meritorio octavo puesto, sin embargo si repetiría el máximo galardón a la mejor interpretación del Jazz Fusión del año 1984 en los premios Grammy.
