Tangerine Dream-Force Majeure (1979)

"Force Majeure" es de los pocos álbumes que Tangerine Dream lanzaron durante su breve época de "rock sinfónico", y es de largo junto a “Tangram” (1980), el mejor logrado de todos ellos en donde la banda compuesta por Edgar Froese y Christopher Franke, con la colaboración del percusionista Klaus Krüger y Eduard Meyer (cello), lograron un impresionante disco cargado de ideas musicales con un ambicioso esplendor artístico. Comparado con todos los trabajos anteriores, aquí la guitarra eléctrica de Froese tiene un total protagonismo secundado por la batería de Kruger y los pasajes armoniosos de los sintetizadores de Franke. El tema principal se torna en el momento cumbre con esos sonidos ambientales muy dinámicos, en donde la guitarra asume la responsabilidad de armar un tema muy cercano al rock progresivo. Por unos derroteros parecidos se encuentra "Cloudburst Flight", un tour de forcé de sintetizadores, batería y un sonido pesado y contundente. Mientras el tema que cierra el álbum, "Through Metamorphic Rocks" es otra larga suite en donde escuchamos el estilo habitual de TD con esos sonidos ambientales oscuros y terroríficos, además de grandes pasajes de guitarra y sintetizadores.

Tangerine Dream-Encore (1977)

La carrera de Tangerine Dream se divide en varios periodos, el primero llamado “The Pink Years”, en donde marcaron una clara sonoridad inspirada en los primeros Pink Floyd, con un evidente sonido psicodélico en donde los teclados y los efectos de sonido eran el claro denominador común de su estilo.
De esa epoca destacan los álbumes “Alpha Centauri” (1971), “Zeit” (1972) y “Atem” (1973), trabajos todos ellos repletos de una sinfonía espacial electrónica que incluso incluían algunos elementos tribales y que se acercaban a la escena progresiva del krautrock.
La segunda etapa es la llamada “Los años de Virgin”, que entre 1974 y 1983 esta considerada la fase culminante del grupo.
Ella marca un giro radical en el sonido de Tangerine Dream, apostando nuevamente por las largas suites pero adquiriendo una entidad propia y un mayor y mejor usos de los teclados y sintetizadores y una propuesta mas accesible aunque sin embargo no alejados de la experimentación.
De esta epoca sobresalen los monumentales “Phaedra" (1974), "Rubycon" y "Ricochet", ambos de 1975, "Stratosfear" (1976), "Encore" de 1977 o "Force Majeure" de 1979.
Durante la segunda mitad de los setenta los conciertos en vivo de Tangerine Dream eran únicos y espectaculares. Por la delicadeza de los equipos analógicos, el trío alemán improvisaba cada noche un nuevo show, adoptando las líneas principales de largos conciertos donde la furia secuencial apoyaba la ferocidad de los sintetizadores, los teclados y el Mellotron, así como el enfoque rockero de la guitarra de Froese y "Encore" es seguramente uno de los mejores ejemplos de todo ello.
"Encore" fue el segundo álbum en vivo de Tangerine Dream. Esta vez, se trata de un doble álbum que se grabó durante la gira norteamericana de la banda, de marzo a abril de 1977. Pero a diferencia del anterior directo "Ricochet", el cual es técnicamente un álbum en vivo que no tuvo presencia de público, en "Encore" el público hace notar su presencia en determinados momentos, dotando a la grabación de un ambiente de directo adecuado.
Compuesto por cuatro largos temas, este doble álbum comienza con "Cherokee Lane", sin duda la más conservadora de las cuatro pistas en términos de duplicación de los trabajos anteriores. Los Mellotrones están por todas partes, creando ese estado de ánimo inquietantemente hermoso y místico. La siguiente "Monolight" proporciona el momento mas complejo, entretejiendo tonos mayores y menores con la melodía principal a base de los mini-moog. "Coldwater Canyon" es el título de la pista en donde sobresale Edgar Froese. Una suite intensa, optimista y rockera que presenta a Froese en plena forma con la guitarra eléctrica, mostrando su capacidad de destreza e improvisación. Aún siendo un tema de vanguardia, se aleja del repertorio habitual de la banda. La última pista, "Desert Dream", encierra el álbum en un estilo puramente atmosférico, pasando de pasajes oscuros y experimentales a partes hermosas y etéreas con toneladas de mellotrones y un toque oriental que encaja con el título de la pista, la cual finaliza recordando los vapores de "Invisible Limits" de "Stratosfear".

Jean-Michel Jarre-Equinoxe (1978)

Después de su antológico “Oxigene”, Jean-Michel Jarre dio un paso adelante con su siguiente obra “Equinoxe”, un álbum mas rítmico y soñador a través de diferentes paisajes sonoros, quizás no tan espacial como su predecesor muestra su lado más terrenal, como un viaje submarino en lugar de un viaje espacial, la música cambia para cada parte del álbum, desde ambientes atmosféricos hasta momentos más optimistas con capas de electrónica rítmica, presentada de tal manera que se vuelve extremadamente disfrutable y francamente adictiva.
Sin embargo Jean-Michel Jarre no abre con este trabajo nuevos caminos, pero lo que hace es más concretamente, lograr articular su ideología masiva basada en sintetizadores con un enfoque más sólido. Manteniendo la inteligencia para crear ambientes cautivadores y adornos sintetizados pegadizos, el renovado interés de Jarre en construir orquestaciones electrónicas bien elaboradas, le permite entregar y retratar un mayor sentido del orden y, por lo tanto, poner un mayor énfasis en las líneas melódicas básicas y su complementación con las armonías programadas y las capas de sintetizador etéreo.
Jarre también tiene especial cuidado en utilizar sub tonos percusivos en los arpegios programados y ambientar determinados pasajes. La producción de sonido también se siente un poco más fuerte, lo cual es bastante apropiado para la naturaleza del repertorio de este álbum. Las "Partes I y II" muestran esta tendencia bastante abiertamente, al igual que las "Partes IV y VII", los cuales son los momentos más poderosas del álbum. Los exquisitos motivos comprendidos en las "Partes IV y VII" alcanzan una postura casi épica, debido al constante despliegue de energía y al sutil uso de las reelaboraciones que van surgiendo, como la fuerte presencia de la Cuerda Solina que definitivamente ayuda a construir una sensación orquestal que parece estar flotando sobre las texturas y efectos electrónicos. "Part V" fue el sencillo del álbum, y no es de extrañar, ya que es bastante pegadizo y emana una vibra similar a la de 'Oxygene Part IV", mientras la "Parte VI" es básicamente una progresión minimalista de acordes secuenciados a lo "Radio-Activity" de Kraftwerk que establece un vínculo entre las "Partes V y VII". Finalmente, la "Part VIII", trae recuerdos ocasionales de un club bohemio en París (una sección que luego se llamaría 'Band in the Rain'), antes de que surja una grandilocuente repetición del tema principal de la "Part V" y el cual cierra un álbum de extraordinaria belleza y otro enorme éxito del músico francés.

Jean-Michel Jarre-Magnetic Fields (1981)

En “Magnetic Fields”, Jean Michel Jarre actualizo su sonido para incorporar los últimos sintetizadores y unas nuevas técnicas de grabación, sin embargo lo adapto al enfoque compositivo general que había comenzado con “Oxygene” y “Equinoxe”, (la parte 5 del álbum, por ejemplo, es esencialmente una versión un poco más mainstream del tipo “facil escucha” que había agregado al final del álbum anterior). Como tal, forma el final de una trilogía de obras (“Oxigene”, “Equinoxe” y “Magnetic Fields”), que abarcan los últimos días de la era de los sintetizadores analógicos y en los albores de la era de los sintetizadores digitales; precisamente por esto, es de interés para cualquiera que tenga una apreciación por la historia de la música electrónica, y ayuda que sea un álbum muy agradable de escuchar por derecho propio.
De alguna manera este álbum supone también un ligero cambio en el sonido de Jean Michel Jarre, con una música más compacta, menos flotante, espacial y más centrado en el sampleo y el ritmo. Este fue uno de sus primeros trabajos en presentar muestras de voces humanas y elementos "cotidianos" en la música, algo que Jarre experimentaría masivamente en el siguiente "Zoolook", lanzado algunos años después de este.
La brillante suite de apertura de casi 18 minutos, (las cuales incluyen las "Partes I y IV"), supone uno de los temas absolutos de Jarre, una suite construida como una secuencia de dos motivos principales sucesivos, con un interludio de ensueño que proporciona una especie de espíritu cósmico. El primer motivo principal se basa en una serie dinámica de progresiones de acordes sintetizados, con muchas capas altísimas y armonías adicionales que continúan mostrándose en un crescendo sólido y elegante; el segundo tiene una sensación más orquestal, de esta manera con una arquitectura progresiva (lo más cercano al progresivo que puede ser el pop electrónico), siendo la "Parte IV" el momento más hermoso del álbum: con unas líneas melódicas evocadoras y sus capas relajantes que nos recuerdan a las "Partes IV" y "VII" de "Equinoxe”, pero con una atmósfera más serena. Mientras la "Parte V" es simplemente una rumba: Jarre aquí profundiza en lo latino y ofrece una interpretación de este prototipo de sensualidad criolla latinoamericana.
En definitiva este tercer trabajo del músico francés, (aunque en realidad era su quinta obra), resulto un trabajo extraordinario, tan ambicioso como sus predecesores y que sin llegar a sus ventas multitudinarias, si lograría encaramarse entre los primeros puestos de muchos países alrededor del mundo y unas ventas que superaron con creces los 4 millones de copias vendidas.

Vangelis-El Greco (1998)

Para muchos, "El Greco" es el punto culminante de la enorme producción discográfica del griego Vangelis, confeccionado como álbum conceptual, fue publicado de manera oficial en 1998, como consecuencia de un relanzamiento aumentado de una obra titulada "Foros Timis Ston Greco", que había sido comercializada de manera limitada por un museo griego en 1995.
En esta ocasión el músico griego se recrea en la vida del pintor religioso heleno, afincado en España en el siglo XVI-XVII, Doménikos Theotokópoulos, apodado el Greco.
En este trabajo Vangelis sigue demostrando que es un verdadero artista que no le presta la menor atención a la comercialidad, mostrando un álbum sobrio y etéreo, emocionalmente profundo y espiritual, una música para los ojos de la mente.
Compuestos por diez extraordinarios movimientos en ejecución, muestra el sufrimiento del pintor y sus obras, casi de naturaleza opresiva, como representando la vida como un concepto y la mortalidad del sentido físico.
Durante los casi 73 minutos de duración, el teclista intenta transmitir una gran carga emocional muy profunda, y una estética musical agradable y sofisticada, en donde la música medieval, y bizantina van unidas de la mano de manera extraordinaria, la cual se asemeja por momentos a una poderosa banda sonora de película.
La música por otra parte posee una delicada esfera de misticismo y tristeza, lo que convierte a este trigésimo cuarto álbum del músico griego en una de sus grandes obras maestras.

Jean-Michel Jarre-Oxygene 7-13 (1997)

En el mundo de la música rock, las segundas partes de un álbum exitoso no siempre fueron una continuación que tuviera primero una gran acogida y segundo, el prestigio de su predecesor.
Ejemplos hay muchos, desde los que fueron exitosos como el “Out Of Hell II” de Meat Loaf, o el “Tubular Bells II” de Mike Oldfield o hasta los rotundos fracasos o que fueron duramente criticados como “The Final Cut” de Pink Floyd, una clara secuela de The Wall, entre otras muchas.
En 1997 después de 20 años y siete álbumes de estudios, Jean Michel Jarre decidió continuar su antológico debut “Oxigene” de 1976, con una secuela a la que titulo “Oxigene 7-13”, en referencia a los naturales movimientos cronológicos que siguen al álbum original, el cual consta de seis piezas.
En esta continuación, Jarre muestra muchas similitudes entre ambos álbumes, con una producción dominada por los patrones melódicos habituales en el músico francés, sin que por ello suenen los típicos clichés, ni intente repetir los mismos esquemas sonoros, dándole un enfoque mas moderno debido a los sonidos tecnológicamente mas avanzados. Sin embargo Jarre renuncia en gran parte del elemento pasional original, sustituyéndolo por una considerable emotividad y un mayor dinamismo, logrando un álbum refinado y muy atractivo, aunque sin lograr superar su asombroso debut.

Vangelis-Direct (1988)

A finales de los ochenta, el legendario teclista y compositor griego Vangelis, decide dejar atrás su lugar de residencia en Londres y se ubica en su Grecia natal en donde crea un nuevo estudio y da vida a su decimoquinto álbum “Direct”, donde en un alarde de genialidad se desvía hacia sonidos mas convencionales y accesibles con un resultado tan sorprendente como asombroso.
Abandonando sus grandes desarrollos divididos en múltiples movimientos de sus obras anteriores, aquí el músico griego se enfoca en sonidos electrónicos mas terrenales y contemporáneos, que de alguna manera se adapta a los tiempos modernos con una obra mas atractiva para el gran publico.
Un álbum que contiene joyas como la animosa “The Motion Star”, en donde Vangelis deja su impronta y que nos recuerdan obras tan emblemáticas como su clásico “Spiral” de los setenta, o esa maravillosa composición llamada “Will Of The Wind” con esos sonidos de elocuentes sintetizadores, luego aparece otra monumental composición “Metallic Rain” la cual demuestra el gran talento del músico griego al combinar las poderosas percusiones con un clímax sonoro cercano al rock emulando los sonidos de guitarras distorsionadas.
La espacial “Elsewhere” es un remanso de paz entre tanto frenesí sónico, la cual da entrada a otro memorable tema como es la rítmica y enorme “Dial Out” con una desarrollo in crescendo que termina de manera apoteósica. Llegados a este punto aparece la operística “Glorianna (Hymn a la Femme), un tema que será antesala del sonido de algunos de sus álbumes posteriores, o la comercial “Rotations Logic" con esos aires orientales y una batería sincopada.
En la recta final aparecen la melancólica y encantadora “The Oracle Of Apollo” con esta característica composición de arpa de Vangelis, y la épica siniestra “Message”, uno de los momentos mas conmovedores. Mientras “Ave” es otro tema rítmico con que se nos antoja sin ser una mala composición, lo mas flojo del trabajo, para terminar con dos de las mejores piezas de este “Direct”, por un lado la sensible y delicada “First Approach” y por otro, la apoteósica “Intergalatic Radio Station”, que como su nombre deja entrever es un tema cósmico y épico, con el cual da por finalizada un LP admirable que se suma a las incontables obras extraordinarias del mítico músico griego.

Tangerine Dream-Rubycon (1975)

Curioseando entre mis estanterías de discos me tope con una de las obras que me maravillaron cuando fue publicado en la década de los setenta, este “Rubycon” de los míticos Tangerine Dream, junto y todo hay que decirlo, a otros discos de la banda como los soberbios “Phaedra” o “Ricochet”, grabaciones todas ellas esenciales de TD y parte fundamental del progresivo electrónico.
“Rubycon” esta configurado como un viaje surrealista de ensueño, pero a la vez relajante y opresivo, con momentos espaciales y una gran carga emocional.
Sin embargo en comparación con el anterior álbum de la banda “Phaedra”, este es mas pausado, aunque durante su desarrollo haya momentos bastantes rítmicos, pero es el tono oscuro y disonante el denominador común de toda la obra.
“Rubycon” supuso un paso mas en la metamorfosis de la música sombría de TD que tendría su cenit creativo con los posteriores “Ricochet”, “Stratosfer”, “Clycone”, “Force Majeure” y “Tangram”.
Para muchos aquí estaba la mejor formación de toda la historia de la banda, algo en lo que personalmente discrepo, sin dudar de la capacidad instrumental y creativa de Chris Franke y Peter Baumann, siempre dejando fuera de cualquier duda a Edgar Froese, la mente creativa por excelencia de TD, pero por esta banda han pasado músicos de grandísimo prestigio como Klaus Schulze, Conrad Schnitzler o Johaness Schmoelling entre otros.
Lo que si es cierto es que esta formación seria la mas conocida y comercialmente la mas mediática a nivel mundial, publicando lo que se denomina la época progresiva de TD.
“Rubycon”, titulo sacado de un histórico río italiano de la época romana que tenia especial importancia en el derecho romano, al estar prohibido cruzarlo con su ejercito a cualquier general de Roma, es un álbum que nos transporta a otra dimensión, el disco perfecto para un experiencia audiófona, un viaje completo con grandes paisajes electrónicos vertiginosos, unos ritmos pulsantes, zumbidos analógicos profundos y estructura pinkfloydiana, convirtiendo a esta obra en una de las grabaciones esenciales de la década de los setenta.

Tangerine Dream-Stratosfear (1976)

“Stratosfear” fue el séptimo álbum de los germanos Tangerine Dream y el quinto y ultimo con su formación mas clásica; Edgar Froese, Christoph Franke y Peter Baumann. En esta nueva entrega publicada en 1976, Tangerine Dream se expanden con su estilo electrónico hacia senderos mas sinfónicos, mostrando unas ideas melódicas mas concisas, en donde los sintetizadores y el mellotrón son junto a los sutiles solos de guitarra, los que dan como resultado final una amalgama de secuencias hipnóticas y estilizada al mismo tiempo de sonoridades sublimes.
La dinámica pieza que da titulo al álbum tiene momentos cercanos a los sonidos espaciales, mientras la oscura y atmosférica “The Big Sleep In Searchof Hades”, es uno de los momentos mas sólidos del álbum. Sin embargo llegados a este punto aparece “3 am At the Border Of The Marsh From Okefenokee”, una inquietante pista de cerca de nueve minutos de escalofriantes sonidos que nos sumergen como su titulo indica, en los tenebrosos pantanos de Florida. “Invisible Limits” es la pieza mas larga en la cual nuevamente salen a relucir los sonidos espeluznantes que van en crescendo, para acabar en un final mas apacible y bello con sonidos de piano y un emulador de flauta.
“Stratosfear” se convertiría junto a los emblemáticos "Ricochet", "Phaedra" y "Rubycon", en el mayor apogeo creativo y comercial de TD, y una parte esencial del rock progresivo electrónico.

Ozric Tentacles-Strangeitude (1991)

Ya hemos comentado en este blog en otras ocasiones, que Ozric Tentacles son una de las bandas mas originales que hayan existido, su estilo esta basado fundamentalmente en sonidos instrumentales, su originalidad esta en el uso de la misma sección rítmica para casi todas sus composiciones, con diferentes variaciones y enriquecidas con los efectos solistas de cada uno de los músicos de la banda o de diferentes sonidos a lo largo de sus pasajes instrumentales. Además de ello, otra de sus grandes características esta en el flujo de los estados de animo, en donde por regla general, cada tema suele comenzar con suaves atmósferas para derivar en tempos crecientes, en ocasiones de manera vertiginosa y otras mas pausadas, dotando su estilo progresivo de ricos matices que no suelen ser los habituales del genero. Sus detractores suelen acusarles de repetitivos, y si bien es cierto que todos los álbumes de Ozric Tentacles, son bastantes similares en los ritmos y desarrollos musicales, también lo es que cada uno de ellos tiene su propia singularidad, lo que los convierte en trabajos muy atractivos y interesantes.
En 1991 la banda publicaría su tercer álbum “Strangeitude”, uno de sus mas aclamados discos para la comunidad progresiva y que junto al anterior “Erpland” (1990) y el posterior “Jurassic Shift” (1993) constituyen la trilogía de la mejor época de esta banda británica.
Un álbum que comienza con la ambiental y psicodélica “White Rhino” en donde las líneas de bajo son muy inventivas proporcionando un sonido excelente el cual enriquece enormemente la pieza. La enérgica y repetitiva “Sploosh”, es el clásico tema característico del grupo, mientras “Saucers” deja de lado los sonidos espaciales para derivar en una especie de jazz rock con múltiples efectos de sonido. La exótica e hipnótica  “Strangeitude”, nos sumerge en unos ambientes arabescos con progresiones espaciales, retornando a los sonidos space rock con la dinámica “Bizarre Bazaar”, para acabar con la pieza mas progresiva y espacial “Space Between Your Eyes”.

Ian Anderson-Walk Into Light (1983)

Para su primer álbum en solitario, el líder de Jethro Tull, Ian Anderson, quiso distanciarse de los sonidos de su banda madre y aunque de manera sutil y por mucho que se empeñara en hacerlo, de algún modo nos retraen a los sonidos de los Jethro Tull mas modernos y electrónicos de la década de los ochenta. En contra de todos aquellos elementos que hicieron de Jethro Tull una de las mas grandes bandas de la historia, con esas efectivas guitarras, las hermosas mandolinas y el folk y blues aderezados con sonidos épicos y progresivos, aquí Anderson sigue una estela novedosa y mas acorde con los tiempos que comenzaría con el álbum “A” de varios años antes junto a su grupo, en donde los sintetizadores tomaban el protagonismo en detrimento de las guitarras de Martin Barre, las orquestaciones y arreglos de David Palmer y John Evan (de hecho ya en el mencionado álbum estos no aparecerían como miembros permanentes de la banda), y ese sonido tan característico de Jethro Tull.
A todo esto, si ya el cambio musical de Jethro Tull había significado el alejamiento de sus seguidores mas puristas, con este primer álbum de Ian Anderson, su figura se vería en cierta medida mas impopular aún. Para rematar la faena Anderson solo contaría con un músico mas para la grabación de este trabajo, y seria uno de los músicos mas odiados por los seguidores mas ortodoxos de la banda, Peter-John Vitesse, por atreverse a contribuir e influir notoriamente en la formula de modernizar el sonido de la banda británica en el posterior “Under Wraps”, (el otro músico con un mismo signo, seria el teclista Eddie Jobson).
Un álbum en donde Anderson se encarga prácticamente de tocar todos los instrumentos (guitarras eléctricas y acústicas, bajo, flauta, batería electrónica, además de la producción), mientras Peter-John Vitesse seria el encargado de un extenso arsenal de sintetizadores y teclados.
Pese a que a los mas puristas este revestimiento musical no les agrado en absoluto, hay que reconocer que siendo objetivos, este “Walk Into Light” es un álbum brillante con una serie de temas melódicos y que aprovechando la tecnología punta de aquellos años es una especie de pequeña obra maestra del mejor rock progresivo de los tecnológicos años 80. Temas como la vibrante “Fly By Night”, con un trabajo soberbio de Anderson a la flauta encima de grandes capas de piano, la enérgica “Made in England”, la moderna y computarizada “Walk Into Light”, la electrónica “Trains”, la reflexiva “Black and White Television”, una clara ironía sobre la puritana y primitiva sociedad británica que rechaza la modernización pero se engancha con la MTV, o las geniales “Looking For Eden”, “User Friendly” y “Different Germany”, esta ultima una mirada socio-política a los problemas de la guerra fría en Europa en aquellos años, la cual se convierte en el tema mas progresivo de todo el álbum. 

"Walk Into Light" fue sin duda un paso adelante en la búsqueda de la innovación y la experimentación por parte de uno de los grandes genios de la música del siglo 20.

Michael Hoenig-Departure From The Northern Wasteland (1978)

Michael Hoenig es uno de los teclistas mas arraigados de la llamada escuela de Berlin, que comenzaría su andadura a principios de los 70 en la banda de krautrock Agitation Free, con los que aportaría notablemente un sonido electrónico gracias a sus sintetizadores, otorgando esa peculiaridad hipnótica y espacial que se reflejan en los álbumes "Malesch" (1972) y "Second" (1973), aunque su contribución mas notable la encontramos en el monumental "Last", disco en vivo publicado en 1974. Un año después Hoenig pasa a engrosar en los míticos Tangerine Dream, sustituyendo temporalmente a Peter Baumann, con los cuales realiza una extensa gira por Australia terminado en el Royal Albert Hall de Londres. Luego de retornar Peter Baumann a Tangerine Dream, Hoenig publicaría su primer trabajo en solitario "Departure From The Northern Wasteland" en 1978, el primero de los dos únicos que el músico ha publicado.
En este primer esfuerzo discográfico, Hoenig mantiene al oyente pegado a la música con continua atención debido a las secuencias musicales aquí expuestas, con un estilo electrónico melodramático, una clara mezcla del "Oxigene" de Jean Michel Jarre y el "Richochet" de Tangerine Dream", aunque a diferencia del primero, menos melódico y del segundo con una dimensión menos rock, debido a la inexistencia de una guitarra eléctrica como la que utiliza Edgar Froese en ese álbum. Una obra en donde predominan los ritmos de sintetizador de bajo omnipresente o lo que es lo mismo, los secuenciadores, que va cambiando su patrón continuamente, encontrándonos notas de teclados mas agudas que hacen determinadas melodías y unos teclados flotantes de fondo, tres capas que no necesariamente se reproducen simultáneamente. El corte que da nombre al álbum es la pieza principal, un delicioso desarrollo progresivo, con multitud de capas superpuestas y una atmósfera oscura. También destacan "Voices Of Where" un tema mas corto pero de gran belleza instrumental y "Sun and Moon" un tema con claro acento a la escuela de Berlín.
Casi diez años después Hoenig publicaría el mas previsible "XCEPT One", trabajando de manera paralela durante todo ese tiempo en componer la música para diferentes películas y algunos videojuegos para ordenadores como la destacada "Baldur´s Gate 2".

Ozric Tentacles-Jurassic Shift (1993)

Ozric Tentacles tienen tras de si una extensa discografía repleta de obras monumentales y brillantes, en todas ellas hay soberbias demostraciones de rock progresivo, jazz fusión, hard y heavy rock, pinceladas de la música electrónica e incluso sonidos cercanos a la new age. “Jurassic Shift” publicado en 1993 fue el cuarto trabajo de estudio de esta banda británica, el cual esta impregnado de teclados atmosféricos, guitarras punzantes y pasajes instrumentales dinámicos, una sección rítmica contundente y precisa y unos asombrosos desarrollos espaciales y complejos. Sin embargo aquí también hay cabida para los sonidos orientales y exóticos, lo que contribuye a realzar el ya de por si estilo inconfundible de Ozric Tentacles. Un álbum en el que no un hay un solo momento de fisura, todo encaja a la perfección, lo que lleva al oyente a uno de los viajes musicales mas alucinantes y emocionantes que existen. Y si bien es cierto que podemos encontrar otras muchas bandas que son quizás mas creativas e influyentes que ellos, ninguna ofrece esta elaboradísima mezcla de sonidos y inspiración como queda demostrado en la electrónica ambiental progresiva “Sunhair, el space rock “Stretchy”, la esotérica “Feng Shui”, la oriental “Half Light In Thillai” o la atmosférica “Jurassic Shift”. Ozric Tentacles son muy a menudo criticados por los mas puristas al progresivo por hacer y sonar siempre muy parecidos, y si bien es cierto que de alguna manera no les falta razón, también lo es el que ellos nunca repiten las mismas estructuras musicales en cada tema de cada uno de sus álbumes, combinando una gran cantidad de estilos y una perfecta ejecución instrumental que los convierte en únicos.

Jon And Vangelis-Private Collection (1983)

La amistad de Jon Anderson y Vangelis se remonta a mediados de los años 70, cuando el primero colaboraría en el disco del músico griego “Heaven and Hell”, incluso algún tiempo antes de este hecho, el cantante de Yes había sugerido que fuera el sustituto de Rick Wakeman en la formación británica, puesto que fue rechazado por el teclista, mas interesado por su carrera en solitario que volver a pertenecer a otra banda como ya le había ocurrido años atrás con Aphrodite´s Child.
La unión de ambos músicos se vio reflejado en diferentes trabajos bajo el nombre de Jon and Vangelis, publicando cuatro álbumes en el periodo comprendido entre 1980 y 1991.
“Private Collection”, fue la tercera colaboración y significo la mejor obra musicalmente hablando, aunque comercialmente no alcanzaría el éxito de ventas que obtuvieron “Short Stories” (1980) y “The Friends Of Mr Cairo” (1981). Para muchos críticos y fans, “Private Collection” incluso roza el estatus de pequeña obra maestra, principalmente por la suite “Horizons”, una epopeya de 23 minutos al mas puro estilo de lo que Yes había hecho con la soberbia “Awaken” de su formidable álbum “Going For The One” de seis años antes, aunque en esta ocasión con un tono mas acorde a la suite de “Chariot Of Fire” si excluimos la voz de Anderson. En esta nueva entrega Vangelis utilizo una serie de teclados con un sonido mas moderno y cristalino, a diferencia de los álbumes anteriores con una sonoridad mas extravagante, aquí el piano eléctrico y los sintetizadores dotan la música de sonidos flotantes y sinfónicos.
Pero además de la mencionada y épica “Horizons”, destacan la majestuosa “Italian Song”, con esa combinación perfecta entre la voz celestial de Anderson y los teclados etéreos de Vangelis, las intensas y irresistibles “Deborah” y “Polonaise”, la atmosférica “And When The Night Comes” o la mas accesible “He Is Sailing”, tema este ultimo en el que ya se intuye el estilo que el músico griego definiría en sus álbumes posteriores como “Direct” de 1988.

Manuel Göttsching-Inventions For Electric Guitar (1975)

Manuel Göttsching es uno de los grandes músicos del krautrock y uno de los pioneros de la música electrónica, que ha influido a generaciones de músicos posteriores con piezas tan emblemáticas como “Inventions For Electric Guitar”. Fundador de las míticas bandas Ash Ra Tempel y Ashra, sus comienzos fueron junto a Klaus Schulze y Harmut Enke con sonidos psicodélicos y cósmicos dentro del genero del krautrock. “Inventions For Electric Guitar” fue su segundo álbum en solitario aunque lo atribuiría a Ash Ra Tempel como el sexto álbum de la banda. En este ambicioso trabajo Manuel Göttsching hizo un experimento minimalista con la guitarra muy avanzado para su época. Publicado en 1975 es una obra en donde el músico explora todos los tratamientos de este instrumento usando para ello infinidad de efectos como ecos, dobles velocidades o bucles, consiguiendo con ello sonidos hipnóticos y envolventes con un resultado asombroso y hasta majestuoso. Un álbum que es sin duda una obra que aún hoy en día tiene total vigencia por su originalidad y su importancia como documento histórico.

Jean-Michel Jarre-Oxygene (1976)

Este es sin duda el disco de música electrónica más influyente e importante de la historia, además de ser el más vendido a nivel mundial del genero electrónico con más de 25 millones de copias alrededor del mundo. Hijo del compositor de bandas sonoras Maurice Jarre y destacado alumno de uno de los mas grandes músicos vanguardistas del siglo XX, como es Pierre Schaeffer, Jean Michel Jarre se inicio muy joven en el uso de sintetizadores y otros instrumentos electrónicos.
"Oxygene" fue el tercer álbum de Jean-Michel Jarre, (de los dos primeros casi nadie sabe de su existencia). En esta obra, los omnipresentes efecto wah-wah de manera cadenciosa y los sostenidos aplicados a los teclados intensamente de manera flotante son la nota predominante de Jean-Michel Jarre, un trabajo que se basa en las coordenadas de la música contemporánea repetitiva, utilizando estructuras cíclicas, Jarre se aferra a patrones melódicos y sonidos emulados de percusión que son capaces de competir con cualquier estribillo de música pop. Para esta magna obra Jarre se rodeo de un impresionante arsenal de sintetizadores, teclados, mellotrones y mini moogs, además de otros instrumentos de alta tecnología, todo ello usado de manera revolucionaria y sobre todo utilizando todos estos recursos de manera inteligente, logrando encontrar todas las posibilidades para producir un sonido con múltiples efectos envolventes, con patrones melódicos, atmósferas perturbadoras y sonidos apocalípticos y en cierta medida dramáticos.
Con esta obra monumental, Jarre lograría captar la atención de millones de seguidores alrededor del mundo e incluso hoy en día esta obra sigue siendo admirada y motivo de asombro.

Klaus Schulze-Timewind (1975)

En 1975 Klaus Schulze publicaba su quinto álbum “Timewind”, con el que alcanza su perfección sónica que ya había comenzado a experimentar en su trabajo de un año antes “Blackdance”. Pero para llegar hasta aquí, Schulze ya había recorrido un larguísimo camino junto a Tangerine Dream, Ash Ra Temple, The Cosmic Jokers o Stomu Yamashita en el grupo Go, por lo tanto no era nada extraño que con semejante curriculum, Schulze tuviera la suficiente experiencia para hacer cosas muy grandes con sus discos en solitario.
Concebido a modo de álbum conceptual, Schulze dedica esta obra a su admirado Richard Wagner, utilizando para ello por primera vez los secuenciadores para crear muros sonoros con efectos hipnóticos, logrando con ello sonidos cósmicos muy depurados.
Como era habitual en el músico, Schulze toco todos los instrumentos y la duración de álbum era de una hora de duración, algo complicado de hacer para los formatos de vinilo en aquella época, dividido en dos temas de 30 minutos cada uno. Con una magnifica portada de arte surrealista, al mas puro estilo de Dali, Schulze va agregando a la perfección una música electrónica y un rock espacial con unos desarrollos magníficos. Su pieza de apertura “Bayreuth Return”, es una enorme epopeya de exploraciones musicales donde el músico alemán exprime todas las posibilidades del sintetizador Moog, mientras que en la segunda cara del vinilo “Wannfried”, se mantiene en una línea parecida con un aura misteriosa, algo de pomposidad y ricos fragmentos melódicos.
La recepción de este álbum fue enormemente bien recibida por el publico y la critica, que llego a definirlo como la obra definitiva de la Kosmiche Muzik, en su vertiente electrónica.

Ozric Tentacles-The Yumyum Tree (2009)

Ozric Tentacles es una banda fundada a mediados de la década de 1980, en Somerset, un condado al suroeste de Inglaterra, Creada por un grupo de jóvenes relacionados con la música progresiva y el rock electrónico. Al principio eran habituales en el Festival de Glastonbury donde vendían sus canciones en casetes.
No sería hasta 1989 cuando lanzaron su primer disco "Pungent Effulgent" bajo el sello independiente Dovetail Records y distribuido por Snapper Music.
La música de Ozric Tentacles es una amalgama versátil de rock instrumental psicodélico y espacial, influenciada por el rock progresivo de bandas como Gong, Pink Floyd y el krautrock de principios de los 70.
A su primer disco le siguió una serie de soberbios trabajos todos centrados en la misma dirección, entre los que destacan "Erpland" (1990), "Jurassic Shift" (1993) o "The Hidden Step" (2000). En 2009 llegaría "The Yumyum Tree", su duodécimo álbum, que contiene una sugerente mezcla experimental con elementos orientales, ritmos electrónicos, funk, paisajes etéreos, guitarras ácidas e hipnóticas y potentes líneas de bajo, con una impresionante gama de instrumentos, todos esto convenientemente enmarcado en un exitoso equilibrio de relajación, frenesí e intensidad.
Una banda que produce una música tan fascinante y seductora que ha atraído a cientos de miles de fans en todo el mundo.

Kitaro-Ten Years (1988)

Kitaro es uno de los músicos más admirados y respetados a nivel mundial, su carrera ha estado marcada por grandes discos que han sido una referencia obligada en las llamadas nuevas músicas o la new age.
Su breve estancia en el grupo de rock progresivo Far East Family Band y su asociación algún tiempo después con Klaus Schulze y su escuela de electrónica, le valieron la experiencia suficiente para luego demostrar su inagotable talento con los sintetizadores y la composición.
Sin embargo, sería la banda sonora de "Silk Road", de principios de los ochenta, la que lo haría mundialmente famoso y como consecuencia el sello Geffen Records le firma un contrato para distribuir toda su discografía a nivel mundial.
"The Best of Ten Years", es un doble álbum recopilatorio que recorre sus creaciones desde sus primeros discos en 1976 hasta 1986, aquí Kitaro nos muestra una gran colección de melodías hipnóticas y elegantes, interpretadas con sintetizadores y sonidos sinfónicos muy profundos y con mucho dramatismo.

Brian Eno-Music For Airports (1978)

"Músic For Airports" se publicó en 1978, pero su autor Brian Eno, ya había ideado el concepto de esta obra unos años antes.
En 1975, mientras Brian Eno estaba convaleciente de un accidente automovilístico, le pidió a una amiga que había venido a visitarlo que pusiera un disco en su estéreo, (un disco de arpa del siglo XVII) antes de irse, algo que ella hizo sin ningún tipo de problema, sin embargo se olvidó de subir el volumen, por lo que Eno se encontró tratando de capturar las notas del arpa sobre el ruido ambiental, entre muchos otros como el que casualmente era un día lluvioso.
Lejos de frustrarse por tal desafortunado momento, el músico quedó cautivado por el sonido y de esta amarga experiencia surgió su concepto de "música ambiental".
"Music For Airports" fue el primer ejemplo de este concepto, y se reconfigura de formas inesperadas a partir de un impulso deliberado.
Con una estructura muy simple, con una serie de notas ordenadas en ciclos, una nota se repite cada 23 1/2 segundos, la otra cada 24 7/8 segundos, otra cada 29 15/16 segundos y así sucesivamente, sobre un fondo que repite constantemente.
Como los tiempos son totalmente irregulares, es imposible que los ciclos se sincronicen en un momento dado.
El resultado es una obra de duración infinita que simplemente nunca sonará igual en ningún momento.
En consecuencia, la obra en sí se vuelve menos importante que las reglas que determinan su evolución, y las notas y la duración de los ciclos.
A medida que se desarrolla la obra, se escuchan diferentes arreglos y configuraciones de los elementos irregulares, contrastando sobre los elementos básicos repetitivos, logrando un resultado fascinante.