Robert Lamm-Life Is Good In My Neighborhood (1993)

A principios de los noventa, Robert Lamm, uno de los miembros fundadores de la banda de jazz rock y AOR, Chicago, decidió concentrarse en su carrera en solitario, al margen de su banda madre, publicando su segundo álbum "Life Is Good In My Neighborhood" (el primero fue "Skinny Boy" publicado muchos años atrás en 1974). Grabado entre varios estudios de Los Ángeles y Nueva York, fue producido por Phil Ramone y obtuvo la colaboración de varios músicos como el guitarrista John McCurry, el teclista John Van Epsel, el bajista Bootsy Collins o la percusionista Carol Steele. En este segundo trabajo, Robert Lamm se alejo sustancialmente de los sonidos jazzisticos de metales de su banda madre, para mostrar su faceta melódica de west coast rock, un estilo que Chicago también dominó en muchos de sus álbumes. Los ritmos caribeños de canciones como "My Neighborhood", el pop melódico de la atractiva "When The Rain Comes", la bailable "In This Country", la conmovedora "When Will The World Be Like Lovers" o las excelentes west coast "My Naked Heart" y "Can't Believe My Eyes", fueron parte del comienzo en solitario de este cantante, teclista, compositor y guitarrista norteamericano, que de forma paralela a Chicago, siguió publicando una docena de discos hasta el año 2012, cuando lanzó su último trabajo titulado "Robert Lamm Songs: The JVE Remixes".

Fleetwood Mac-Live (1980)

En 1980 Fleetwood Mac publicaba el fantástico doble en directo "Live", donde se mostraba parte de las excelencias de la banda en vivo.
Fue grabado en diferentes localizaciones norteamericanas durante las giras posteriores a los álbumes ”Rumours" y “Tusk” durante los periodos que iban desde 1975 hasta finales de 1980.
Aquí están casi todos sus icónicos temas como "Sara" que se alarga en una coda de siete minutos, la épica y hipnótica "I´m So Afraid", esta ultima con un antológico solo de guitarra de Lindsey Buckingham o las eternas "Monday Morning", “Over & Over”, “Don´t  Stop”, "Dreams", "Oh Well", "Rhiannon" o "Landslide".
Además aparecen tres temas nunca antes publicados como son “One More Night”, “Fireflies” y la versión de los The Beach Boys, “The Farmer´s Daughter”.
El recibimiento posterior por parte de publico y la critica les llevaría a conseguir varios discos de oro y unas enormes ventas en el mercado británico y norteamericano, manteniendo el alto nivel de la banda y logrando al mismo tiempo otro de los grandes directos de la década de los 80 y de la historia de la música rock.

Gary Wright-The Dream Weaver (1975)

En 1970 el teclista Gary Wright abandonaba los Spooky Tooth, una de las mejores bandas británicas de finales de los 60 y principios de los 70. Sin embargo esta banda siempre fue perseguida por la mala suerte a la hora de conseguir un éxito masivo, pese a su enorme calidad, entre otros motivos por sus constantes cambios de formación, hecho este que les restaría consistencia y equilibrio a su estilo de hard y blues rock.
Una vez fuera de los mencionados Spooky Tooth, Wright comenzaría una carrera en solitario para lo cual se afincaría en los Estados Unidos, mas concretamente en la soleada costa californiana.
Tal vez influenciado por los sonidos suaves y melódicos de la costa oeste, Wright cambio el blues y el rock de su banda madre por un estilo mas ecléctico y melódico, donde tienen cabida sonidos funky, soul y jazz, impregnados con el pop rock californiano.
Aún así sus primeras obras pasan totalmente desapercibidas y ante tal fracaso Wright se aleja de sus propias grabaciones para centrarse en las colaboraciones de otros artistas como George Harrison, B.B.King o Ringo Starr.
Ya en 1975 Gary Wright lanzaría su tercer álbum “The Dream Weaver”, donde consigue aunar su gran talento como compositor con la de su enorme destreza con los teclados, facturando un disco memorable de rock melódico.
Para este tercer lanzamiento, Wright se rodeo de algunos músicos norteamericanos de renombre como el guitarrista Ronnie Montrose, el teclista David Foster y el batería Andy Newmark, entre otros conocidos artistas de la escena californiana.
“The Dream Weaver” esta confeccionado por una colección de grandes temas de escucha agradable sin demasiadas pretensiones, que sin embargo resultan adictivas y de gran clase instrumental, en donde los omnipresentes teclados de órganos Hammond, Fender Rhodes y los sintetizadores Moogs, son los protagonistas del álbum con atractivos pasajes instrumentales junto a la voz melodiosa de Wright.
Temas pegadizos e irresistibles como “Love Is Alive”, “Let Out”, “Made to Love You”, “Power Of Love”, “Dream Weaver” o “Blind Feeling”, certifican un sobresaliente Lp de rock melódico muy cercano a los sonidos AOR que llegarían algunos años mas tarde y que se convertiría en uno de los estilos predominantes en la década de los ochenta,
"The Dream Weaver” terminaría conquistando el mercado norteamericano con un sorprendente top ten en el Billboard y varios discos de platino por sus enormes ventas.

Fleetwood Mac-Tusk (1979)

Dos años después del impacto que supuso el tremendo y apoteósico “Rumours”, los componentes de Fleetwood Mac ya casi habían cicatrizado sus heridas y disputas que desembocaría en las rupturas sentimentales de Christine-John McVie y Lindsey Buckingham y Steve Nicks. Estas rupturas también tendrían sus consecuencias musicales en el siguiente álbum “Tusk”, publicado casi a finales de 1979.
Lanzado como doble álbum, es sin duda el trabajo mas vanguardista y experimental de Fleetwood Mac, en donde además del clásico estilo West Coast de la banda, hay sonidos muy cercanos al punk rock y a unos sonidos mas especulativos.
Todo ello es sin duda producto del mayor protagonismo en el álbum de Buckingham, quien firma casi la mitad de las veinte canciones que componen el trabajo, mientras el resto esta repartido entre Christine McVie y Steve Nicks.
Un doble Lp que pese a su poca cohesión entre todos sus temas, es precisamente esa amalgama de sonidos los que le otorgan un brillante resultado final.
Son justamente los temas firmados por el guitarrista quien mas se sale de la tónica habitual de la banda con temas como la rítmica country “The Ledge”, la folk intimista “Save Me A Place”, la rock “What Makes You Think You´re The One”, la atmosférica “That´s All For Everyone”, la punk rock “Not That Funny” o las country rock “That´s Enough For Me” y “I Know I´m Not Wrong”. Por su parte McVie firma las melódicas “Brown Eyes”, “Never Make Me Cry”, “Honey Hi”, la intensa y hermosa “Over & Over” o la rock “Think About Me”, mientras Stevie Nicks deja su impronta en la soberbia “Sara”, uno de los clásicos de la banda, la minimalista “Storms”, la melódica “Angel” o la intensa “Beautiful Child”, acabando este monumental disco de nuevo Buckingham con el rock melódico ”Walk a Thin Line” y con la estruendosa “Tusk”.
La recepción posterior tuvo otra gran acogida tanto por la critica como por el publico, sin embargo no llegaría a superar las cifras astronómicas de su predecesor, aún así obtuvo media docena de discos de platino por sus ventas a nivel mundial.

Fleetwood Mac-Mirage (1982)

Después de dos obras maestras como fueron “Rumours” y “Tusk”, Fleetwood Mac regresaron con su siguiente álbum “Mirage” en el cual mostraban su lado mas amable, producto sin duda de las cicatrices cerradas de los tumultuosos desenlaces de las parejas Buckingham-Nicks y John y Christine McVie. También supuso en cierta medida la continuación musical del anterior “Tusk” con soberbias piezas melódicas, demostrando el impresionante talento de sus principales compositores como eran Lindsey Buckingham, Stevie Nicks y Christine McVie, como queda demostrado en las adictivas “Hold Me”, “Gypsy” y “Love In Store”. El resto igualmente esta a una gran altura con piezas del calibre “Only Over You” una hermosa balada escrita por McVie, o las brillantes “Can´t Go Back” y “Oh Diane” ambas firmadas por el guitarrista, sin dejar de mencionar la irresistible y melódica “Straight Back” de Stevie Nicks. Pese a que el álbum lograría alcanzar el numero uno en los Estados Unidos con varios discos de platino y puestos muy altos en numerosos países, ni siquiera rozaría las asombrosas cifras de los antecesores trabajos de la banda.

Steely Dan-Pretzel Logic (1974)

Steely Dan siempre busco las excelencias musicales por medio de las exigentes pretensiones instrumentales tan minuciosos y versátiles, que se convirtieron en los alumnos mas aventajados del rock norteamericano. Antes de publicar su tercera obra, ya habían saboreado las mieles del éxito con su “Can´t Buy a Thrill” gracias al impactante “Do It Again” y con el espléndido pero infravalorado “Countdown to Ecstasy”. “Pretzel Logic” significaría su primera gran obra en donde la música envolvente y los sonidos perfectos aparecían en todas y cada una de las canciones de este álbum. La pegadiza “Rikki Don´t Lose That Number” abría de manera inquietante este trabajo que seguía con el homenaje a Charlie Parker en la fabulosa y contundente “Parker´s Band”, mientras el blues y el jazz asomaban sutilmente en el tema homónimo “Pretzel Logic”.
El resto es un delicioso viaje por las exuberantes melodías creadas por Donald Fagen y Walter Becker como la corta “Through With Buzz” o la medio sureña “Monkey In Your Soul".
Como fue norma habitual en la carrera del grupo, Donald Fagen y Walter Becker reclutarían a una serie de músicos de sesión para sus grabaciones, en esta ocasión tuvieron el apoyo del batería Jeff Porcaro, el cantante Michael McDonald, el teclista David Paich o el saxofonista Ernie Watts entre otros, demostrando con ello la dependencia que siempre tuvo Steely Dan de los músicos de estudio.

Fleetwood Mac-Rumours (1977)

Mas 45 millones de discos vendidos avalan este fantástico álbum, "Rumours" no solo es uno de los mas vendidos de toda la historia de la música popular, sino también uno de los discos mas impresionantes que jamás se hayan hecho.
Un álbum que trasciende mucho mas allá de su época gracias a una combinación de armonías y melodías casi irrepetibles.
Grabado en medio de los tortuosos problemas sentimentales que sufrían las parejas Buckingham-Nicks y Perfect-McVie, estas rupturas terminarían siendo la clave para la fuente de inspiración de tamaña obra maestra.
Todos los temas que componen el álbum podrían perfectamente haber sido singles de éxito, pero los que fueron elegidos llegaron a la cúspide como la dinámica "Don´t Stop", la rock "Go Your Own" o la deliciosa "Dreams".
Sin embargo es la sublime "The Chain" la que resume este álbum, por su originalidad, sencillez y al mismo tiempo sobria composición que convirtió a este "Rumours", en uno de los mejores 25 álbumes de la historia del rock sin paliativos y de la música contemporánea del siglo 20.

Fleetwood Mac-Fleetwood Mac (1975)

Fleetwood Mac tiene dos épocas bien diferenciadas, una primera donde el blues fue su principal género competitivo y una segunda donde predominaron los sonidos más comerciales enfocados en el rock sofisticado, sin dejar de mirar hacia las raíces de la música norteamericana.
"Fleetwood Mac" es el primer álbum de la banda de este segundo  período cronológico, editado en 1975 y con dos nuevos integrantes, por un lado el guitarrista Lindsey Buckingham y por otro la cantante Stevie Nicks.
Con estas nuevas incorporaciones la banda sufriría un cambio sustancial en su estilo musical, abandonando la senda del blues para pasar al terreno del pop-rock con pinceladas folk, estilos que para el resto de integrantes del grupo, el baterista Mick Fleetwood, la teclista Christine McVie y el bajista John McVie eran totalmente desconocidos.
Estos nuevos miembros y el cambio posterior que trajeron consigo, hicieron que el esfuerzo del giro creativo les valiera la pena de manera asombrosa en el plano comercial.
Y aunque en cuanto a ventas lo mejor estaba por llegar, este disco le proporcionó al grupo su primer número uno en Estados Unidos además de altos puestos en Reino Unido.
Tanto Nicks como Buckingham dieron su toque personal a la música de la banda con canciones como "Rhiannon" que aportaron una gracia etérea, mientras que el talento de la guitarra de Buckingham creó un sonido más rock en la canción de apertura "Monday Morning" y en la épica "I´m So Afraid".
Todo este conjunto de canciones trajo un equilibrio con mucha habilidad a las habituales canciones de amor de la principal compositora del grupo Christine McVie, y de hecho son las canciones de esta, las que aportan la calidez necesaria como "Warm Ways" o "Over My Head".
Con el paso del tiempo el álbum se ha convertido en uno de los más vendidos del grupo, alcanzando cifras millonarias y cinco discos de platino solo en los Estados Unidos.

Steely Dan

En el mundo del rock la perfección es casi imposible y digo casi, por que existen unas pocas excepciones, una de ellas es sin duda Steely Dan, ellos lo han logrado en muchísimas ocasiones, y esa excelencia que les mantuvo en la cima artística, igualmente lo acercaron al borde del precipicio.
Por que la perfección es un delicado status que es tan frágil que cuando lo consigues debes mantenerlo continuamente, ya que si solo lo rozas el fracaso esta asegurado.
Steely Dan esto lo tuvo presente y mientras duro su carrera fue un completo éxito, una banda que durante toda su trayectoria se mantuvo lejos de la fama y de la histeria colectiva, solo les importaba el perfeccionismo de sus obras, tanto que llegaron a convertirse en casi paranoicos y lunáticos de la perfección
Fue en la Universidad de Bard al noroeste de Nueva York a finales de los sesenta cuando dos estudiantes apasionados por la música y la literatura se conocen, por un lado Walter Becker y por otro Donald Fagen, ambos unos entusiastas de William Burroughs y su obra y ambos buenos compositores de canciones pop rock.
Sus talentos no pasan inadvertidos y pronto pasan a engrosar la filas de una banda llamada Jay & The Americans y de paso darse a conocer, hasta el punto que el productor Gary Katz les ofrece un contrato para el sello ABC.
En 1971 ya como dúo editan su primer trabajo que será la banda sonora de una película “Gotta walkYou it like you talk it” de Zalman King, pero que pasa tan desapercibida que el dúo decide formar una banda en toda regla, a la que llaman Steely Dan.
Para completar la formación deciden llamar a Jeff Baxter guitarrista, Jim Hodder batería, al también guitarrista Danny Dias y al cantante David Palmer.
De esta manera lanzan su primer álbum titulado “Can´t Buy a Thrill” (1972), que pronto se convierte en un éxito absoluto, el disco contenía una sabia mezcla de jazz con brillantes paisajes atmosféricos, todo ellos aderezado con irónicos textos, temas como el clásico “Do it Again” o “Reelin´into the years”, llevaron al álbum hasta los primeros puestos de las listas cosechando varios discos de platino.
Tanto Becker como Fagen pronto confirmaron las expectativas depositadas en ellos y su carrera subió meteóricamente como la espuma, básicamente por dos razones fundamentales, su perfecta fusión de estilos y por esas continúas críticas y alusiones a personajes y acontecimientos, ya fueran reales o ficticios.
Un año después repiten el éxito masivo con el siguiente trabajo “Countdown to ecstasy” (1973), un disco que al igual que el anterior repetía las mismas formulas; textos sarcásticos y un estilo sofisticado de rock, jazz y r&b, con unas complejas estructuras.
A partir del siguiente álbum “Pretzel Logic” (1974) la banda prácticamente se convierte en un grupo de estudio dedicado a profundizar en las técnicas de grabación, por lo que abandonan la idea de hacer conciertos y giras, limitándose a editar solo discos y nada más.
En este nuevo trabajo el grupo confirmo su pasión por el jazz de los años cincuenta con la versión de Duke Ellington “East St Louis Toodle-oo”, además el álbum contenía grandes momentos como el country rock “Rikki don´t loose that number” o la decadente “Through with buzz”, con esas dosis de humor negro sarcástico tan habitual.
A partir de aquí el grupo deja de existir como tal y solo se mantiene vivo el nombre y sus dos fundadores, y en adelante un restringido numero de músicos participaran en las sesiones de grabación y así aparecen “Katy Lied” (1975) y “The Royal Scam” (1976), ambos realizados con talentosos músicos como Larry Carlton, Jeff Porcaro o Michael McDonald, que puso su voz soul como contrapunto al estilo de la banda.
Ambos trabajos fueron igualmente de una calidad extraordinaria y a la postre éxitos masivos, el primero de ellos incluso tomaba apuntes de la creciente época disco por lo que se intuyen retazos del genero muy de moda por entonces, el segundo por el contrario tiene un mayor énfasis en las guitarras y en donde se trataba de la inmigración y el creciente trafico de drogas, todo ello cargado de ironismo y el humor negro.
En 1977 llega lo que para muchos se considera su obra maestra absoluta “Aja”, trabajo sublime en donde las tensiones del jazz y el dinamismo del rock junto con las experimentaciones, se mezclan de manera sobresaliente volviendo a contar con un plantel de músicos de autentico lujo como Victor Feldman, Tom Scott, Rick Marotta o el ya fijo en el plantel Larry Carlton.
De esta obra sobresalen temas como la urbana e irónica “Black Cow”, el poema sinfónico “Aja” o las funky “Peg” y “Josie”. 
Llegados a este punto la banda se toma un respiro, momento que aprovecha la compañía para editar un “Greatest Hits” (1978), un álbum doble que incluye un tema no editado en ningún lp oficial pero si en la banda sonora FM y que lleva por titulo de igual manera.

Para el siguiente álbum el grupo cambio de compañía discográfica, firmando con MCA y empiezan a trabajar en lo que probablemente se convierte en uno de los discos mas complicados de la historia del rock, este fue sujeto a múltiples cambios y retrasos debido al perfeccionismo de Fagen, además de otros pormenores y como consecuencia al histerismo de la compañía por tanto maniatismo tecnológico.
Entre esas otras incidencias, el borrado accidental de una de las caras del álbum por uno de los ingenieros de sonido, las continuas disputas con la discográfica por motivos de royalties o la muerte de la novia de Walter Becker por sobredosis, no hacían mas que empeorar la de por si complicadas sesiones de grabación del álbum.
Por fin el nuevo álbum titulado “Gaucho” fue editado en 1980 y resulto ser otro bello y perfecto disco pero con mas énfasis al formato de canciones simples y en donde sobresalían temas como “Hey Nineteen” o “Time out of mind”, pero y para seguir con la complejidad del disco pronto apareció otro inconveniente, Keith Jarreth anuncio una demanda legal por el tema “Gaucho”, ya que según el teclista se utilizaba parte de la composición de un tema suyo, concretamente “Long As You Know You're Living Yours”, por lo que finalmente es incluido en los créditos del álbum.
Para este trabajo la banda volvió a contar con grandes músicos entre los que estaban Mark Knopfler, Steve Gadd, Joe Sample, Michael Brecker, Randy Brecker, David Sanborn…etc
“Gaucho” significo el canto del cisne del grupo, hasta veinte años después cuando volvieron con “Two Against Nature”, pero antes Donald Fagen había publicado “Nightfly” (1982) un inmejorable trabajo más desenvuelto que las composiciones que había realizado con su banda, con viejas atmósferas del jazz de los años cuarenta que la radio de entonces emitía por las noches.
El álbum pronto se convierte en un best seller llegando a vender más de un millón de copias en poco tiempo y reafirmando a Fagen en uno de los mejores compositores norteamericanos de todos los tiempos.
Al igual que con su ex banda, Fagen se rodeo de músicos de prestigio para grabar el álbum, como Marcus Miller, Larry Carlton o Michael Brecker.
En los años sucesivos a falta de material nuevo, tanto ABC como la MCA reeditan y editan recopilatorios por doquier: “Gold” (1982), a “Decade of Steely Dan” (1985) o “Citizen of Steely Dan” (1993), son solo algunos de ellos.
En 1993 Fagen rompe su silencio y publica “Kamakiriad” producido por Walter Becker, un trabajo de arquitectura musical futurista en donde intentaba explotar otras vías distintas a las ya conocidas y a formulas caducas, que en parte tiene un éxito moderado.
A partir de aquí el dúo se embarca en una gira como Steely Dan para apoyar el álbum, algo que no sucedía desde 1974.
Aprovechando la ocasión se edita el álbum en directo “Alive in America” grabado en la posterior gira (1993-1994)
Como consecuencia de esta reunión el grupo publica su nuevo trabajo, el mencionado anteriormente “Two Against Nature” (2000) con nuevos temas con el clásico sonido de Steely Dan, pero aclimatados a los nuevos tiempos y con un sonido francamente contemporáneo, un álbum que cosecha cuatro premios Grammy y se convierte en otro éxito absoluto.
En el 2003 publican un nuevo álbum “Everything Must Go” y una vez más la banda, se las arregla para conceptualizar el desarreglo de la cultura consumista en que vivimos, en un contexto retro-futurista, se ocupan del sueño americano, el apocalipsis yuppie, el inevitable próximo Armaggedon Now...etc
Fagen por ultimo publico en 2006 un nuevo álbum titulado “Morph The Cat”.