miércoles, 27 de enero de 2010

Blood Sweat and Tears

De las cenizas de una de las bandas de culto por excelencia como fueron The Blues Project, surgió Blood Sweat & Tears, una de las mas grandes formaciones del jazz rock & rhthym blues de la historia.
En dicha banda compartían proyecto Steve Katz y Al Kooper, este ultimo un inquieto músico, dotado de una visión extraordinaria de la música.
Kooper ya desde muy joven y perteneciendo al grupo The Royal Teens, había conocido las mieles del éxito con un tema suyo llamado “Short Short”.
Convertido en un verdadero vagabundo del rock, participo entre otros muchos, en los míticos “Highway 61 Revisited” y “Blonde on Blonde” de Bob Dylan como organista antes de formar la anteriormente mencionada The Blues Project.
Junto a Katz y Kooper también se unen a este nuevo proyecto Jim Felder batería, el percusionista Boddy Colomby, y la sección de viento formada por Randy Brecker, Fred Lipsius, Dick Halligan y Jerry Weiss.
Una vez conformada graban el álbum “Child is father to the man” (1968) , trabajo con tendencias jazzisticas, pero con una sólida base de blues, sin embargo también manifestaban el poco rodaje que aún tenían lejos de las obras que pronto llegarían y dejarían sentado el nacimiento del jazz-rock. “Child Is Father...” es un álbum que contenía temas de cosecha propia así como versiones de de Nilsson, Randy Newman o Carole King.
Unos posteriores problemas surgidos a partir de este disco, entre los componentes de la banda y como consecuencia del escaso éxito del álbum, terminan con el abandono de Kooper, el fundador decide así tomar otro rumbo y entre muchísimas aventuras perpetro uno de los discos mas famosos de la historia del rock junto a Mike Bloomfield y Stephen Stills, titulado “Supersesión” (1968), un excelente álbum de blues-rock que pronto pasaría a ser todo un clásico de la música rock.
En los años siguientes Kooper tomo una posición relevante como productor y descubridor de nuevas promesas como hizo por ejemplo con los Lynyrd Skynyrd.
Pero la banda lejos de desintegrarse tras el abandono de su líder deciden seguir y aprovechan el tirón de los cambios surgidos a finales de los años sesenta, desde la psicodelia, hasta el jazz electrónico y vanguardista.
Para empezar el sustituto de Kooper recae en el cantante canadiense David Clayton-Thomas, también se elimina la sección de cuerda y se amplia el numero de músicos de viento procedentes del jazz, Chuck Winfield, Lew Soloff y Jerry Hyman, además de que cambian de productor, James W.Guercio seria el encargado.
Y así nace el segundo álbum titulado “Blood Sweat & Tears” ( 1969), considerado por la critica y publico como una verdadera obra maestra, además de ser un éxito comercial impresionante, permaneció siete semanas en lo mas alto de las listas norteamericanas y gano el premio Grammy al mejor álbum del año.
El disco contenía grandes momentos de perfecta conjunción entre el arquetipo rock y los arreglos del jazz, como el clásico tema de la Motown “You´ve made me so very happy”, la sofisticada y reinventada “Gymnopedies” del compositor clásico Eric Satie o la versión de Traffic, “Smiling Phases…”, todo un disco que resultaba arrebatador y excitante.
Y pasaron a ser el grupo de moda sacudiendo a medio mundo con su nuevo y espectacular sonido y estilo.
“Blood Sweat Tears 3” (1970), fue otro éxito siguiendo el mismo patrón musical y conteniendo grandes temas como las versiones “Hi-de-ho” de Carole King y “Sympathy for the devil” de los Rolling Stones.
Llegados a este punto la banda no paraba de hacer giras con impresionantes conciertos multitudinarios y pronto el éxito les paso factura, posiblemente por que el equilibrio logrado era producto de un análisis radical de intereses artísticos y ese equilibrio difícilmente se podía mantener en lo sucesivo.
A partir de aquí la calidad o mejor dicho la genialidad y la magia fueron poco a poco desapareciendo y aunque la banda siguió editando discos, estos eran mediocres parodias de su misma versión, trabajos como “New Blood” (1972), “No Sweat” (1973), “Mirror Image” (1974) y por ultimo “New City” (1975), fueron obras cada vez menos interesantes. Pese a todo el grupo seguía manteniendo en los conciertos un altísimo nivel, fundamentalmente por la enorme calidad de los músicos que lo componían.
Ya a principio de los ochenta Blood Sweat and Tears dejaron de existir, terminando así sus días de una manera poco gloriosa y casi arrastrándose por nefastos escenarios e ignorados por el gran publico, un final injusto para una banda que llenaba los mayores estadios norteamericanos y que vendió la friolera de 40 millones de discos.


lunes, 25 de enero de 2010

Steely Dan

En el mundo del rock la perfección es casi imposible y digo casi, por que existen unas pocas excepciones, una de ellas es sin duda Steely Dan, ellos lo han logrado en muchísimas ocasiones, y esto que les mantuvo en la cima artística, igualmente lo estuvieron al borde del precipicio.
Por que la perfección es un delicado status que es tan frágil que cuando lo consigues debes mantenerlo casi continuamente, ya que si solo lo rozas el fracaso esta asegurado.
Steely Dan esto lo tuvo presente y mientras duro su carrera fue un completo éxito, una banda que durante toda su historia se mantuvo lejos de la fama y de la histeria colectiva, solo les importaba el perfeccionismo de sus obras, tanto que llegaron a convertirse en casi paranoicos y en lunáticos de la perfección
Fue en la Universidad de Bard al noroeste de Nueva York a finales de los sesenta cuando dos estudiantes apasionados por la música y la literatura se conocen, por un lado Walter Becker y por otro Donald Fagen, ambos unos entusiastas de William Burroughs y su obra y ambos buenos compositores de canciones pop rock.
Sus talentos no pasan inadvertidos y pronto pasan a engrosar la filas de una banda llamada Jay & The Americans y de paso darse a conocer, hasta el punto que el productor Gary Katz les ofrece un contrato para el sello ABC.
En 1971 ya como dúo editan su primer trabajo que será la banda sonora de una película “Gotta walkYou it like you talk it” de Zalman King, pero que pasa tan desapercibida que el dúo decide formar una banda en toda regla, a la que llaman Steely Dan.
Para completar la formación deciden llamar a Jeff Baxter guitarrista, Jim Hodder batería, al también guitarrista Danny Dias y al cantante David Palmer.
De esta manera lanzan su primer álbum titulado “Can´t Buy a Thrill” (1972) que pronto se convierte en un éxito absoluto, el disco contenía una sabia mezcla de jazz con brillantes paisajes atmosféricos, todo ellos con aderezado con irónicos textos, temas como el clásico “Do it Again” o “Reelin´into the years”, llevaron al álbum hasta los primeros puestos de las listas cosechando varios discos de platino.
Tanto Becker como Fagen pronto confirmaron las expectativas depositadas en ellos y su carrera subió meteóricamente como la espuma, básicamente por dos razones fundamentales, su perfecta fusión de estilos y por esas continúas críticas y alusiones a personajes y acontecimientos, ya fueran reales o ficticias.
Un año después repiten el éxito masivo con el siguiente trabajo “Countdown to ecstasy” (1973) un disco que al igual que el anterior repetía las mismas formulas; textos sarcásticos y un estilo sofisticado de rock, jazz y r&b, con unas complejas estructuras.
A partir del siguiente álbum “Pretzel Logic” (1974) la banda prácticamente se convierte en un grupo de estudio dedicado a profundizar en las técnicas de grabación, por lo que abandonan la idea de hacer conciertos y giras, limitándose a editar solo discos y nada más.
En este nuevo trabajo el grupo confirmo su pasión por el jazz de los años cincuenta con la versión de Duke Ellington “East St Louis Toodle-oo”, además el álbum contenía grandes momentos como el country rock “Rikki don´t loose that number” o la decadente “Through with buzz” con esas dosis de humor negro sarcástico tan habitual.
A partir de aquí el grupo deja de existir como tal y solo se mantiene vivo el nombre y sus dos fundadores, y en adelante un restringido numero de músicos participaran en las sesiones de grabación y así aparecen “Katy Lied” (1975) y “The Royal Scam” (1976), ambos realizados con talentosos músicos como Larry Carlton, Jeff Porcaro o Michael McDonald, que puso su voz soul como contrapunto al estilo de la banda.
Ambos trabajos fueron igualmente de una calidad extraordinaria y a la postre éxitos masivos, el primero de ellos incluso tomaba apuntes de la creciente época disco por lo que se intuyen retazos del genero muy de moda por entonces, el segundo por el contrario tiene un mayor énfasis en las guitarras y en donde se trataba de la inmigración y el creciente trafico de drogas, todo ello cargado de ironismo y el humor negro.
En 1977 llega lo que para muchos se considera su obra maestra absoluta “Aja”, trabajo sublime en donde las tensiones del jazz y el dinamismo del rock junto con las experimentaciones se mezclan de manera sobresaliente y volviendo a contar con un plantel de músicos de autentico lujo como Victor Feldman, Tom Scott, Rick Marotta o el ya fijo en el plantel Larry Carlton.
De esta obra sobresalen temas como la urbana e irónica “Black Cow”, el poema sinfónico “Aja” o las funky “Peg” y “Josie”. 
Llegados a este punto la banda se toma un respiro, momento que aprovecha la compañía para editar un “Greatest Hits” (1978), un álbum doble que incluye un tema no editado en ningún lp oficial pero si en la banda sonora FM y que lleva por titulo de igual manera.
Para el siguiente álbum el grupo cambio de compañía discográfica, firmando con MCA y empiezan a trabajar en lo que probablemente se convierte en uno de los discos mas complicados de la historia del rock, este fue sujeto a múltiples cambios y retrasos debido al perfeccionismo de Fagen además de otros pormenores y como consecuencia al histerismo de la compañía por tanto maniatismo tecnológico.
Entre esas otras incidencias, el borrado accidental de una de las caras del álbum por uno de los ingenieros de sonido, las continuas disputas con la discográfica por motivos de royalties o la muerte de la novia de Walter Becker por sobredosis, no hacían mas que empeorar la de por si complicadas sesiones de grabación del álbum.
Por fin el nuevo álbum titulado “Gaucho” fue editado en 1980 y resulto ser otro bello y perfecto disco pero con mas énfasis al formato de canciones simples y en donde sobresalían temas como “Hey Nineteen” o “Time out of mind”, pero y para seguir con la complejidad del disco pronto apareció otro inconveniente, Keith Jarreth anuncio una demanda legal por el tema “Gaucho”, ya que según el teclista se utilizaba parte de la composición de un tema suyo, concretamente “Long As You Know You're Living Yours”, por lo que finalmente es incluido en los créditos del álbum.
Para este trabajo la banda volvió a contar con grandes músicos entre los que estaban Mark Knopfler, Steve Gadd, Joe Sample, Michael Brecker, Randy Brecker, David Sanborn…etc
“Gaucho” significo el canto del cisne del grupo, hasta veinte años después cuando volvieron con “Two Against Nature”, pero antes Donald Fagen había publicado “Nightfly” (1982) un inmejorable trabajo más desenvuelto que las composiciones que había realizado con su banda, con viejas atmósferas del jazz de los años cuarenta que la radio de entonces emitía por las noches.
El álbum pronto se convierte en un best seller llegando a vender más de un millón de copias en poco tiempo y reafirmando a Fagen en uno de los mejores compositores norteamericanos de todos los tiempos.
Al igual que con su ex banda, Fagen se rodeo de músicos de prestigio para grabar el álbum, como Marcus Miller, Larry Carlton o Michael Brecker.
En los años sucesivos a falta de material nuevo, tanto ABC como la MCA reeditan y editan recopilatorios por doquier: “Gold” (1982), a “Decade of Steely Dan” (1985) o “Citizen of Steely Dan” (1993), son solo algunos de ellos.
En 1993 Fagen rompe su silencio y publica “Kamakiriad” producido por Walter Becker, un trabajo de arquitectura musical futurista en donde intentaba explotar otras vías distintas a las ya conocidas y a formulas caducas, que en parte tiene un éxito moderado.
A partir de aquí el dúo se embarca en una gira como Steely Dan para apoyar el álbum, algo que no sucedía desde 1974.
Aprovechando la ocasión se edita el álbum en directo “Alive in America” grabado en la posterior gira (1993-1994)
Como consecuencia de esta reunión el grupo publica su nuevo trabajo, el mencionado anteriormente “Two Against Nature” (2000) con nuevos temas con el clásico sonido de Steely Dan, pero aclimatados a los nuevos tiempos y con un sonido francamente contemporáneo, un álbum que cosecha cuatro premios Grammy y se convierte en otro éxito absoluto.
En el 2003 publican un nuevo álbum “Everything Must Go” y una vez más la banda, se las arregla para conceptualizar el desarreglo de la cultura consumista en que vivimos, en un contexto retro-futurista, se ocupan del sueño americano, el apocalipsis yuppie, el inevitable próximo Armaggedon Now...etc
Fagen por ultimo publico en 2006 un nuevo álbum titulado “Morph The Cat”.

domingo, 17 de enero de 2010

Passport

Passport esta considerada como una de las mejores formaciones europeas del jazz-rock progresivo y fusión de la historia, una propuesta musical de Klaus Doldinger, su creador y líder absoluto.
Doldinger había nacido en Berlín en 1936, y a los once años entro en el conservatorio de Dusseldorf adquiriendo allí una amplia experiencia, además de pulir su ya innato talento musical. Ya a mediados de los 50 paso a engrosar las filas de una banda de jazz Dixieland llamada Feetwarmers e incluso llego a grabar un disco con ellos.
Posteriormente fundo su propio grupo, mas exactamente un trío al mas puro estilo Oscar Peterson, cosechando un discreto éxito en los circuitos de jazz de su país.
Ya a finales de los sesenta y principios de los setenta Doldinger fue muy influenciado por el jazz moderno y electrónico que provenía fundamentalmente de Norteamérica, y decide fundar una banda a semejanza de las bandas punteras como Miles Davis, Weather Report o Herbie Hancock.
El talento de Doldinger al saxo y a los teclados (especialmente el moog), dejaban claro que seguía la tradición germana del culto al sintetizador que otras bandas como Kraftwerk o Tangerine Dream, popularizaron a nivel global y aunque siempre las influencias prog eran claramente perceptibles con los teclados predominando su música, el jazz era su denominador común, intentando siempre rodearse de inquietos músicos capaces de adaptarse a unos estilos no convencionales y muy variados.
La primera formación del nuevo grupo llamado Passport, la componen Olaf Kluber al saxo, Jimmy Jackson al órgano, Udo Lindenberg a la batería y Lothar Meid al bajo y graban su primer álbum titulado “Passport Doldinger” (1971), un debut en donde ya se mostraban las destrezas del propio Doldinger al saxo y su inconfundible sonido y a los teclados, y en donde ya se empieza a intuir el sonido que el músico quiere consolidar, una base bebop con rock progresivo y alardes de funk.
Aún así el propio Doldinger no debió quedar muy satisfecho con el resultado de este disco y cambia totalmente la formación del grupo (aunque esta fue una constante en la carrera del grupo ) y recluta a John Mealing, Wolfgang Schmid y Bryan Spring para el segundo trabajo editado un año después y titulado “Second Passport” (1972), trabajo no muy distante del primer álbum, al que siguen el interesante “Hand Made” (1973) y el excelente “Looking Thru” (1973), unos trabajos en donde las influencias de Return to Forever o Weather Report son aun mas elocuentes, con sonidos de mellotrón y rock progresivo fusionados a la perfección.
Tanto para este trabajo como para el anterior la banda ya contaba con lo que seria la formación más longeva y también la más exitosa, además de Doldinger y Wolfgang Schmid completaba el grupo Curt Cress a la bateria y Kristian Schultze a los teclados.
En 1975 se edita “Cross-Collateral” con el se les abre la puerta al mercado americano, entre otras cosas por que fichan por Atlantic Records y evidentemente por que consiguen realizar un fantástico trabajo de jazz rock muy apropiado para el publico americano por su calidad y sofisticación.
Ese mismo años la Atlantic aprovechando el tirón comercial de la banda reedita todo sus álbumes y pone en circulación un álbum en directo “Doldinger Jubilee Concert” en el cual participa Buddy Guy y Johnny Griffin.
“Infinity Machine” (1976) “Iguacu” (1977) “Ataraxia” (1978), “Garden of Eden” (1978) y “OceanLiner” (1980), siguieron por una tonica musical muy parecida cosechando éxitos en los circuitos del jazz-rock, con un sonido mas accesible muy emparentado con la música de Jean Luc Ponty, trabajos en donde las fusiones anteriormente citadas se mezclaban con ciertos aires funk y pasajes atmosféricos.
En 1980 se edito el doble álbum en directo “Lifelike” en donde además de la banda colaboraban Dick Morrisey, Jeff Berlin, Herbie Mann, Jim Mullen, Steve Ferrone o Etta James, dejando bien sentado con ellas el respeto y el prestigio que se habían ganado entre los músicos de jazz norteamericanos.
A partir de aquí los discos se suceden uno tras otro: “Blue Tattoo” (1981), “Earthborn” (1982), “Man in the Mirror” (1983), “Heavy Nights” (1986), “Talk Back” (1988), “Balance of Happiness” (1990), “Down to Earth” (1993) y “Passport Control” (1997), consiguiendo todos ellos el reconocimiento de los fans del jazz alrededor del mundo, con obras de mucha calidad, aunque lejos de las experimentaciones de los primeros trabajos o de la fusión de los de finales de los setenta y principio de los ochenta, en estos últimos Doldinger explora la fusión mas abstracta, con hermosas composiciones, sonidos limpios y nítidos y un jazz mas mainstream.
En los últimos años Doldinger ha explorado otros campos como el étnico en el álbum “Passport to Morocco” ( 2006) e incluso con elementos latinos como en “Passport to Paradise” (1997), el blues en “Blues Roots” (2001) con otros mas convencionales como “Move” (1996) o “Running in real Time” (2001), además de editar directos como “Passport on Stage” (2008) o “Live” (2000), trabajos el cual ha firmado bajo su propio nombre diferenciando así la época progresiva y experimental de Passport a los escarceos con otras fusiones que el mismo se ha ido labrando en esta ultima década.

sábado, 16 de enero de 2010

Høst-Hardt Mot Hardt (1976)

Høst fueron otra de las importantes bandas de la escena rock de Noruega de la década de los 70. Formada en la localidad de Knapstad en 1971, en sus orígenes, se orientaron hacia el hard rock lanzando el album "På Sterke Vinger" (1974), el cual tuvo cierta notoriedad en el circuito heavy rock de su pais.
Pero después de este lanzamiento tres de sus integrantes abandonan la banda y son sustituidos por el guitarrista Fezza Ellingsen, el baterista Willy Bendiksen y el teclista Halvdan Nedrejord, mientras que los miembros que permanecieron eran Geir Jahren (voz) y Bernt Bodahl (bajo).
Con esta formación publicarían el álbum "Hardt Mot Hardt" en 1976, que a diferencia del anterior, esta enfocado a los sonidos progresivos conservando sutilmente el hard rock inicial. La inclusión del nuevo guitarrista, fue fundamental para favorecer las complejas composiciones del nuevo disco, su diverso estilos guitarrístico, mezclando los riffs del heavy rock con las influencias clásicas y el folk noruego es lo mas destacado de este segundo disco. En "Hardt Mot Hardt" sobresalen cortes como "Gorobin", "Sirkus", "Æræeo" o "Nattergalen", en donde las teatrales voces cantadas en noruego, junto a los sonidos de la flauta y órgano, son el contrapunto perfecto al virtuosismo instrumental de su guitarrista.

sábado, 9 de enero de 2010

Man-Rhinos, Winos and Lunatics (1974)

Man fueron una banda galesa de rock progresivo que se encuentras entre las destacadas formaciones de culto del rock británico.
Pero su enorme calidad nunca tuvo el reconocimiento merecido, en parte debido a la encarnizada competencia que había entre las innumerables bandas británicas de la época. Ellos son otra de esas cientos de bandas que pasaron de puntillas y sin hacer mucho ruido, pese a que crearon algunos de los mas grandes álbumes del rock británico de esa década de los 70.
Entre sus influencias habría que destacar la de la banda norteamericana Quicksilver Messenger Service, hasta el punto de que el líder de la misma formaría también formo parte de Man durante algún tiempo.
Con un estilo basado en el rock psicodélico y un sonido elaborado y complejo, esta banda navegaba entre los sonidos del rock progresivo y vanguardista y la experimentación.
En 1974 llegaría “Rhinos, Winos and Lunatics”, el octavo álbum del grupo, el cual fue producido por Roy Thomas Baker, en donde muestran sus hermosas armonías y sus elaboradas composiciones en una serie de cortes como “Taking The Easy Way Out Again”, “The Thunder And Lightning Kid” o “Four Day Louise”, mientras la faceta instrumental repleta de experimentación, están presentes en las soberbias “Intro” y “Exit”.

jueves, 7 de enero de 2010

Them Crooked Vultures-Them Crooked Vultures (2009)

Como todo gran supergrupo, Them Crooked Vultures han tenido que lidiar con varios inconvenientes, el primero y sin duda el mas problemático, es la expectación desmedida y exagerada que se torna a su alrededor, ya que tanto el publico como la prensa especializada les exigirá cuanto menos unas obras que tengan la mínima calidad para ser comparadas con trabajos realizados anteriormente por algunos de sus miembros y esto a la postre termina por sucumbir muchas de esas superbandas.
Y he aquí que tanto John Paul Jones (Led Zeppelin), Dave Grohl (Nirvana y Foo Fighters) y Josh Homme (Queens of the Stone Age) lo han sabido ejecutar de manera airosa y muchos casos del álbum casi antológica…si no fuera por que la sombra de Led Zeppelin es mucho lastre del cual tirar.
En cualquier caso el álbum respira un cierto regusto zeppeliano en temas como "No one loves me & neither do i" o en "Elephants", donde los arreglos y riff´s nos recuerdan a la majestuosa banda liderada por Jimmy Page, también podemos intuir ramalazos de los Cream mas profundos en "Scumbag Blues" o esencias de The Doors en la insinuosa "Gunman" con un Jones pletórico a los teclados.
Sin duda el peso tanto musical como de producción tiene en la mano de Jones un claro líder, pero sus compañeros de viaje también salen airosos de tal embate, y es que aquí el bajista lo que ha buscado es la revitalización de algunos de los elementos esenciales del hard rock de los 70: riffs, su sonido valvular y la búsqueda artística, Grohl en cambio deja bien sentado que lo suyo son las baquetas y de que manera!, y Homme parece que ha dejado atrás su peculiar manera de cantar para darle mas sentido y personalidad a su voz.
En definitiva un trabajo el cual demuestra que Jones sin Jimmy Page también sabe arreglárselas solo aunque si alguien busca un sinónimo del "Nevermind" o del "Zeppelin IV", será difícil que lo encuentre y es que, si en vez de ser quienes son, hubiese sido el disco debut de cualquier otra banda, ahora mismo hablaríamos de un fantástico debut.

sábado, 2 de enero de 2010

Camel

A menudo considerada una banda a la sombra de otras coetáneas como Pink Floyd, con los cuales siempre fueron comparados injustamente por la prensa británica de principios de los setenta, Camel han sido una de las bandas mas originales y fundamentales de la historia del rock progresivo. Sus orígenes se remontan a mediados de los sesenta cuando los hermanos Ian y Andy Latimer se unieron a Alan Butcher y Richard Over y fundaron una efímera banda llamada The Phantom Four.
Ya en 1969 Andy forma una nueva banda llamada The Brew en donde cuenta con la colaboración de Doug Ferguson al bajo y Andy Ward a la batería. Esta formación terminaría consolidándose como la definitiva, compuesta por los mencionados Ferguson, Ward y la inclusión del teclista Peter Bardens.
A finales de 1971 hacen su presentación como teloneros de los Wishbone Ash, logrando una actuación memorable, lo que les lleva a firmar con el sello MCA.
Poco después entran en los estudios de grabación y completan su álbum debut “Camel”, lanzando a principios de 1973. En este debut pese a contener grandes momentos como la fantástica “Never Let Go”, un clásico de su repertorio, no terminan por triunfar al carecer de un claro rumbo estilístico.
Sin embargo Camel son nombrados la mejor banda promesa de ese año, cuyo estilo aglutina elementos del jazz y la música clásica, lo cual serviría de ejemplo para muchas bandas posteriores.
Un año después el grupo logra crear una de las obras capitales del rock progresivo con su álbum “Mirage”, por la cual serán admirados dentro del circuito progresivo. Un álbum que contiene todas las cualidades para considerarla una obra maestra del genero, composiciones que muestran energía, sensibilidad e ingenio, grandes ejecuciones instrumentales y unas composiciones solidas y esplendorosas.
Cortes como “Lady Fantasy” o “Freefall” pasan a ser clásicos dentro de su repertorio.
Para su tercer trabajo “The Snow Goose”, se inspiran en la famosa obra literaria de Paul Gallico, convirtiéndose de esta manera en su primera obra conceptual.
Para la grabación de esta compleja obra, cuentan con la colaboración del arreglista David Bedford, el cual convierte a este álbum en una obra clásica llevada a los extremos, para convertirla en uno de los mejores proyectos del genero progresivo.
Con este disco consiguen una gran elocuencia con la historia, que es muy bien representado musicalmente con una interpretación instrumental soberbia y antológica.
El siguiente “Moonmadness” y el posterior “Rain Dances”, muestran la inclinación hacia los sonidos mas jazzisticos muy cercanos al sonido Canterbury, logrando con ambos un gran éxito en las listas británicas.
En “Moonmadness” evolucionaron hacia los terrenos mas previsibles del rock progresivo y con un mayor predominio de las voces y en donde sobresalen cortes como “Lunar Sea”, “Song Within A Song” o “Chord Change”, redondeando un trabajo equilibrado y solido.
Después de este álbum la banda sufre sus primeros cambios de formación, así Doug Ferguson abandona siendo sustituido por el ex Caravan Richard Sinclair, el cual influye en los sonidos jazzisticos del posterior “Rain Dances”, que pese a su enorme calidad se convierte en su trabajo menos excitante y mas previsible.
Después lanzarían el fantástico doble álbum en directo “A Live Record”, grabado en diferentes conciertos de las giras de “Mirage”, “Rain Dances” y “The Snow Goose”, durante los años 1974, 1975 y 1977.
El siguiente trabajo se convertiría en su obra mas controvertida hasta esos momentos, “Breathless”, que lanzado en 1978 se orientaba a los sonidos mas comerciales pero manteniendo la filosofía del grupo y en donde se encontraban cortes de grandísima calidad como la compleja “Echoes”, la progresiva jazz “Wind And Prayer” o la rítmica “Summer Lightning”. Un año después seguirán con esa tónica lanzando el excelente “I Can See Your House From Here” en donde las influencias de la música tecno están muy presentes conformando un álbum diverso y atractivo de pop progresivo.
Llegados a este punto la formación estaba compuesta por una serie de músicos que habían sustituido a Peter Bardens o Richard Sinclair como el bajista Colin Bass, o los teclistas Kit Watkins y Jan Schelhass
Dos años después regresarían con otro trabajo conceptual “Nude”, inspirado en la historia de un soldado japonés que fue dado por desaparecido en la Segunda Guerra Mundial y que paso buena parte de su vida en una isla desierta hasta muchos años después del mencionado conflicto bélico.
En este nuevo disco muestran su lado mas sensible y melancólico, de excelente  rock progresivo introspectivo y desgarrador.
Los siguientes “The Single Factor” (1982) y “Stationary Traveller” (1984), mostraban a una banda mas enfocada a los sonidos del pop sinfónico muy cercano al estilo de The Alan Parsons Project.
Los fans del grupo tendrían que esperar seis años en volver a ver un nuevo trabajo de Camel, ello fue motivado por las continuas disputas de Andy Latimer sobre los derechos del grupo con el sello Decca. Finalmente Latimer consigue rescindir su contrato con el sello británico y funda su propia discográfica, Camel Productions y al mismo tiempo compra todos los derechos de los álbumes anteriores. Después de afincarse en California y gestionar la publicación de toda su obra anterior en el formato de compact disc, (toda esa obra bajo el sello Decca solo estaba disponible en vinilos y cassettes), conforma una nueva formación y graban el nuevo disco “Dust And Dreams” que fue lanzado a finales de 1991.
En esta ocasión Camel esta formada por el propio Andy Latimer (guitarras, flauta, voz y teclados, además de la producción y arreglos), Colin Bass (bajo), Paul Burgess (batería) y Ton Scherpenzeel (teclados), y de diferentes músicos colaboradores como David Patton (voz), Mae McKenna (voz), Don Harris (teclados) o Christopher Bock (batería) y fue grabado en los estudios propiedad del propio Andy Latimer en Los Ángeles.
En este nuevo lanzamiento la guitarra de Latimer es la protagonista absoluta de la obra que es mucho mas sinfónica que progresiva, en donde la mencionada guitarra cubre todo el álbum de manera tan brillante como efectiva.
Cinco año después llegaría otra obra conceptual “ Harbour Of Tears”, esta vez inspirada en la historia de los miles de trabajadores emigrantes que dejaron Irlanda para iniciar una nueva vida en América a principios del siglo 20.
Este ambicioso trabajo es una obra completa con cierta idiosincrasia que nos trae a la mente “The Snow Goose”, aunque en un tono mas delicado y tradicional fusionado con elementos progresivos conformando un álbum soberbio.
“Rajaz” publicado en 1999 esta basado en los sonidos sobre las músicas del mundo, con un predominio de ritmos arabescos y orientales con ligeros toques de jazz y exquisitos elementos progresivos.
“A Nod & A Wink” publicado en el 2002, seria el siguiente y ultimo movimiento discográfico de Camel, otro soberbio y espectacular trabajo repleto de mágicas composiciones en donde las guitarras y los teclados evocan el mejor sonido progresivo, con un Latimer que puso todo su corazón y su alma en un trabajo que le dedicaría a su amigo y ex compañero Pete Bardens que había fallecido a principios del 2002.