Fresh Blueberry Pancake-Heavy (1970)

Fresh Blueberry Pancake fueron un poderoso power trío originario de la ciudad de Pittsburgh, en Pensilvania. Fundado a finales de 1968, estaba compuesto por el bajista y cantante Tony Impavido, el guitarrista John Behrens y el baterista Geoff Rydell.
Este banda estarían fogueándose durante varios años en multitud de conciertos por el estado de Pensilvania, consiguiendo con ello, una amplia legión de seguidores, además de la suficiente cantidad de material original para grabar una maqueta de demostración.
En 1970 y con una edición limitada de medio centenar de copias, lanzaron el disco "Heavy", para su uso promocional y que fue auto producido por la propia banda. En este único álbum, este enérgico power trio, navega entre diferentes estilos que van desde el rock acido pesado; "Clown On A Rose" o "Hassles", hasta el blues rock psicodélico "Being In Town" o "Where´s The Sun", pasando por acercamientos al folk rock como queda demostrado en "Bad Boy Turns Good". Después del lanzamiento de esta demo, la banda acortaría su nombre a Pancake, y algún tiempo mas tarde terminarían disolviéndose definitivamente.
Este es otro de los discos muy codiciados por los coleccionistas, llegándose a pagar en diferentes subastas, sumas desorbitadas por una de las copias originales. Sin embargo muchos años después, mas concretamente en el 2003, el sello alemán Shadock Music, recuperaría las maquetas originales y los reeditaron en formato CD, con un nuevo diseño de portada a todo color, en detrimento de la austera y minimalista carpeta original.

Neu!-Neu! ´75 (1975)

Neu ! es una de las bandas fundamentales de la escena del krautrock alemán, percusor entre otras cosas del famoso sonido “motorik”, y que en apenas tres años de carrera se convirtieron en leyenda en su país natal y en gran parte de la Europa continental. Formada a partir de la deserción de dos miembros originales de los también germanos Kraftwerk, el guitarrista Michel Rother y el percusionista Klaus Dinger, este dúo consiguió crear un estilo único en donde los paisajes evocadores son mas estimulantes que tranquilizantes, con unas melodías hipnóticas, siendo fuente de inspiración para muchos artistas de los años posteriores como por ejemplo Brian Eno.
En su breve existencia Neu! publicaron tres álbumes, desde su fascinante debut, una de las obras cumbres del rock experimental “Neu!” (1972), hasta “Neu! 75” (1975), considerado su trabajo mas accesible y el mas hábil musicalmente hablando, además de lograr su producción mas exitosa.
Su primer álbum contiene una de las composiciones emblemáticas de la historia de la música rock como es el enorme tema “Hallogallo”.
Después del extraño y experimental “Neu! 2”, publicado en 1973, el dúo terminaría por disolverse debido a sus continuas diferencias musicales y los continuos problemas financieros, dedicándose cada uno de sus miembros a proyectos por separado, por un lado Dinger fundaría la banda La Düsseldorf y por otro Rother haría lo mismo con Harmonía junto a Dieter Moebius y Hans-Joachim Roedelius.
Ya en 1975 Dinger y Rother liman asperezas y se unen para la publicación de su tercer larga duración “Neu 75”, en donde continuaban con esa senda iniciada en su primer álbum con esos sonidos esquizofrénicos y originales, un trabajo repleto de pasajes suaves y dulces que son el contrapunto a unos climax mas enérgicos y agresivos muy cercanos a proto-punk.
Dividido en dos partes bien diferenciadas, la primera cara del Lp contiene los sonidos agradables y atmosféricos, apuntando directamente a la belleza primitiva de los primeros álbumes en solitario de Rother.
Las tres primeras piezas están confeccionadas a modo de una mini suite de cerca de los 20 minutos, comenzando con el sonido contagioso motorik de “Isi”, que continua con la evocadora “See Land”  y termina con la hipnótica y sonámbula “Leb´Wohl”. La segunda cara es totalmente opuesta con unas guitarras corrosivas y  amplificadas, una fuerte percusión y unas voces caóticas. Sin embargo en todas ellas el ritmo motorik esta siempre presente como queda demostrado en las frenéticas “Hero” y “After Eight” o en la mecánica “E-Musik”.
Esta fue la ultima de las tres grabaciones clásicas de estos legendarios músicos, hasta que una década después volverían a reflotar el proyecto Neu! publicando el previsible y falto de emoción “Neu! 4”, un trabajo mediocre que ni de lejos se acercaba a la enorme creatividad y originalidad de sus tres primeras y emblemáticas obras.

Gary Wright-The Dream Weaver (1975)

En 1970 el teclista Gary Wright abandonaba los Spooky Tooth, una de las mejores bandas británicas de finales de los 60 y principios de los 70. Sin embargo esta banda siempre fue perseguida por la mala suerte a la hora de conseguir un éxito masivo, pese a su enorme calidad, entre otros motivos por sus constantes cambios de formación, hecho este que les restaría consistencia y equilibrio a su estilo de hard y blues rock.
Una vez fuera de los mencionados Spooky Tooth, Wright comenzaría una carrera en solitario para lo cual se afincaría en los Estados Unidos, mas concretamente en la soleada costa californiana.
Tal vez influenciado por los sonidos suaves y melódicos de la costa oeste, Wright cambio el blues y el rock de su banda madre por un estilo mas ecléctico y melódico, donde tienen cabida sonidos funky, soul y jazz, impregnados con el pop rock californiano.
Aún así sus primeras obras pasan totalmente desapercibidas y ante tal fracaso Wright se aleja de sus propias grabaciones para centrarse en las colaboraciones de otros artistas como George Harrison, B.B.King o Ringo Starr.
Ya en 1975 Gary Wright lanzaría su tercer álbum “The Dream Weaver”, donde consigue aunar su gran talento como compositor con la de su enorme destreza con los teclados, facturando un disco memorable de rock melódico.
Para este tercer lanzamiento, Wright se rodeo de algunos músicos norteamericanos de renombre como el guitarrista Ronnie Montrose, el teclista David Foster y el batería Andy Newmark, entre otros conocidos artistas de la escena californiana.
“The Dream Weaver” esta confeccionado por una colección de grandes temas de escucha agradable sin demasiadas pretensiones, que sin embargo resultan adictivas y de gran clase instrumental, en donde los omnipresentes teclados de órganos Hammond, Fender Rhodes y los sintetizadores Moogs, son los protagonistas del álbum con atractivos pasajes instrumentales junto a la voz melodiosa de Wright.
Temas pegadizos e irresistibles como “Love Is Alive”, “Let Out”, “Made to Love You”, “Power Of Love”, “Dream Weaver” o “Blind Feeling”, certifican un sobresaliente Lp de rock melódico muy cercano a los sonidos AOR que llegarían algunos años mas tarde y que se convertiría en uno de los estilos predominantes en la década de los ochenta,
"The Dream Weaver” terminaría conquistando el mercado norteamericano con un sorprendente top ten en el Billboard y varios discos de platino por sus enormes ventas.

Steve Vai-Passion And Warfare (1990)

Considerado uno de los grandes guitarristas del siglo 20, Steve Vai siempre se ha caracterizado a lo largo de su carrera por su estilo complejo, extravagante y en cierta medida experimental, lo que le ha valido ser venerado por millones de adictos a la guitarra, pero al mismo tiempo ser repudiado por los mas ortodoxos seguidores de la guitarra eléctrica.
Sus comienzos junto a Frank Zappa le ayudaron a labrarse una gran reputación, colaborando con el genial músico de Baltimore en muchas grabaciones entre las que destacan los soberbios “Shut Up ´n Play Yer Guitar” (1981), “You Are What You Is” (1981) o “Guitar” (1988). Pero aquí no se quedan sus interminables colaboraciones, Vai ha actuado como músico invitado o como miembro de pleno derecho en bandas y artistas como Whitesnake, Alcatrazz, David Lee Roth, Alice Cooper, Ozzy Osbourne, Meat Loaf o Al Di Meola, entre casi un medio centenar de grabaciones a lo largo de sus mas de 40 años de carrera artística.
Ya en 1984 publicaría su primer álbum titulado “Flex-Able”, en donde como no podía ser de otra manera mostraba sus claras influencias del maestro Zappa, con una serie de composiciones basadas en sonidos experimentales e intrincados.
Después de este debut se embarcaría en diferentes proyectos que lo tendrían ocupado hasta finales de la década, entre otros muchos, los álbumes “Disturbing The Peace” de Alcatrazz, “Eat ´Em and Smile” y “Skyscraper” de David Lee Roth o “Slip Of The Tongue” de Whitesnake”. Ya en 1990 y liberado de sus múltiples compromisos, publicaría su segundo álbum y a la postre su mejor obra, “Passion And Warfare”. En esta nueva entrega y a diferencia de su álbum debut, Vai muestra una faceta mucho mas ecléctica y unas composiciones mas maduras, todas ellas de una gran complejidad y no exentas de cierta excentricidad, que sin embargo no le resta un ápice a la accesibilidad, convirtiéndose en uno de los álbumes instrumentales de guitarra mas exitosos y que marcaría un hito sin precedentes.
Un álbum que cuenta con una serie de temas tan diferentes entre si como la delicada y con mil detalles sonoros “Ballerina”, la heavy rock “The Animal”, la compleja “Erotic Nightmares”, la melódica y adictiva “Liberty”, la extravagante “Love Secrets” o la monumental “For The Love Of God”.

Anderson Bruford Wakeman Howe-Anderson Bruford Wakeman Howe (1989)

A finales de los 80 el grupo británico Yes estaba sumido en una especie de caos estructural y es que mientras algunos miembros originales como Chris Squire, Alan White y Tony Kaye trabajaban en Nueva York en un nuevo álbum bajo el nombre oficial de Yes, junto a otros ex integrantes como Billy Sherwood, los miembros restantes hacían lo mismo en Londres, ellos eran Jon Anderson, Bill Bruford, Rick Wakeman y Steve Howe.
Sin embargo ambas formaciones no estaban por la labor de unir sus fuerzas y de hecho, fue esta segunda quien lanzara con las iniciales de sus apellidos y de forma unilateral, el álbum homónimo “ABWH”. Aunque la historia de este álbum fue concebida inicialmente como un trabajo en solitario de Jon Anderson quien les pediría a los mencionados ex compañeros su colaboración en la grabación del mismo, y que terminaría siendo firmado por los cuatro componentes como el proyecto ABWH. Por aquellos años la expectación fue enorme por ver como sonarían estos “Yes” camuflados sin Chris Squire, que además contaría con la producción y el diseño de la portada de los habituales en los anteriores álbumes de Yes, Eddie Offord y Roger Dean respectivamente.
Un disco que a priori se intuía convertirse en uno de sus trabajos mas memorables y que sin embargo pese a sonar en ciertos momentos a los Yes mas clásicos adolecería de la creatividad, el equilibrio necesario y cierta inconsistencia en el resultado final.
Dicho resultado final es una especie de sonidos híbridos entre los Yes originales, el grupo Asia, elementos de la world music y acercamientos a los sonidos new age. Parte de ello es causado por los novedosos sonidos en los teclados de Rick Wakeman, la extraña batería electrónica de Bill Bruford, las orquestaciones del teclista invitado Matt Clifford y los exóticos toques de guitarra de Steve Howe y Milton McDonald, otro de los músicos colaboradores en el álbum. Mención aparte es la participación de Tony Levin al bajo, el cual es sin duda uno de los mas destacados instrumentistas en este disco, influyendo notoriamente con su peculiar estilo, en los mencionados sonidos new age y world music.
Aún así hay momentos destacables como la sinfónica “Fist Of fire”, la atmosférica “Brother Of Mine”, la ambiental “Birthright”, la espacial “The Meeting” o la progresiva “Order Of The Universe”, tema este con un sonido cercano al de los Yes de su mejor época. Poco después del lanzamiento del álbum, las dos fracciones  llegarían a un acuerdo y todos juntos y de manera extravagante, grabarían el inferior “Union”, el cual contaría con un proceso de grabación tan surrealista como poco menos que absurda, con dos grupos de trabajo por separado (en realidad fueron tres), mientras por un lado estaban ABWH, por el otro se encontraban Chris Squire y sus colaboradores y por ultimo también aparecía Trevor Rabin con diferentes músicos en un disparatado y caótico trabajo en seis estudios de grabaciones diferentes, repartidos entre Nueva York, Los Ángeles y Paris.

Phil Collins-Face Value (1981)

A finales de los setenta, Genesis se habían reducido a trío, con una formación compuesta por Phil Collins, Tony Banks y Mike Rutherford, ellos habían facturado el meritorio y barroco “...And Then There We Three...”, con el cual alcanzaron puestos altos en las listas de éxitos a ambos lados del Atlántico y varios años después incluso superarían esos registros con el siguiente “Duke”, un álbum que se alejaba sutilmente de los sonidos progresivos de los años 70, y contenía un sonido mas comercial que seria la antesala del camino que la banda tomaría en el resto de la década de los ochenta.
Por aquellos años los tres miembros también tuvieron tiempo para publicar sus respectivos álbumes en solitario, y así tanto Tony Banks con el ambiental y progresivo “A Curious Feeling”, como Mike Rutherford con el pop progresivo “Smallcreep´s Day” (1980), quisieron plasmar sus propias ideas musicales que en parte no se alejaban demasiado del espíritu genesiano de los 70. Mientras que Phil Collins espero hasta después de la gira mundial del mencionado “Duke”, para lanzar su debut en solitario “Face Value”, que a diferencia de sus compañeros, optaría por un estilo mas comercial, pero de gran clase y sofisticación.
Para la grabación del álbum, Collins se rodearía de un plantel impresionante de músicos y artistas, empezando por los guitarristas Eric Clapton, Daryl Stuermer y Joe Partridge, los bajistas Alphonso Johnson y John Giblin, además del violinista L. Shankar o el cantante Stephen Bishop entre otros muchos mas.
En “Face Value”, Phil Collins muestra un sonido potente y contundente en muchos momentos del álbum, y una buena muestra de ello es la inicial y todo un clásico del pop rock “In The Air Tonight”, alternado con pasajes mas calmados como la delicada balada pop “This Must Be Love”, o la enérgica instrumental “Hand In Hand”, la adaptación pop del tema progresivo “Behind The Lines” o la versión experimental y progresiva de la canción de The Beatles “Tomorrow Never Knows”. El recibimiento posterior fue un éxito arrollador en medio mundo, con numerosos números uno y unas ventas que superaron con creces los 12 millones de copias.

Gryphon-Red Queen To Gryphon Three (1974)

Gryphon son otra de esas grandes bandas desconocidas para el gran publico, su estilo fusionaba diferentes géneros como el folk, la música barroca y renacentista, elementos de vanguardia y medievales y el rock progresivo. Su carrera se forjaría a lo largo de gran parte de la década de los setenta con cinco interesantes álbumes, siendo “Red Queen To Gryphon Three” su obra mas celebre.
Formados en Londres a principios de los setenta por Richard Harvey (teclados y flauta) y Brian Gulland (fagot), ambos estudiantes en la Royal Academy of Music, compartían la misma afición por los sonidos barrocos, el folk tradicional ingles y una visión moderna de la música renacentista. Ya en 1973 se unieron a la banda el guitarrista Graeme Taylor y el cantante y batería David Oberle, con los cuales se grabaría el acústico primer álbum titulado homónimamente como la banda.
Un año después se incorporaría el bajista Philip Nestor, participando en la grabación de “Midnight Mushrumps”, un álbum que contaba con un mayor numero de composiciones originales y una clara inclinación a los sonidos mas puramente rock. 1974 seria el año del lanzamiento del álbum que nos ocupa “Red Queen To Gryphon Three”, un disco conceptual sobre el juego del ajedrez, inspirado en la típicas suites de la música clásica. Un trabajo muy complejo, con un gran nivel en su estructura de canción, con constantes cambios de ritmo y que consta de cuatro extensas piezas interpretadas de manera impecable. Aires medievales, folclóricos y renacentistas, todo ello interpretado por flautas, fagot, piano, órgano, sintetizadores, guitarras eléctricas y acústicas y diferentes percusiones.
Este es definitivamente un clásico álbum de rock progresivo, en donde todo el contenido es soberbio de principio a fin, sin que ninguna de las composiciones sobresalga por encima del resto.

King Crimson-Red (1974)

Hacia muchísimo tiempo que no aparecía por este blog los inconmensurables King Crimson, una de las mas fascinantes bandas de todos los tiempos y una de las cinco mas grandes de la historia del rock progresivo. Esta vez nos centraremos en el ultimo trabajo que la banda liderada por el genial Robert Fripp hicieran en la década de los 70 y que llevo por titulo “Red”. Este álbum supuso el abandono de la indulgencia de los anteriores discos, al mismo tiempo es la obra mas cruda y poderosa de KC, en el escuchamos ecos de “Larks Tongues In Aspic” y “Starless And Bible Black”, pero en un tono mas avanzado, con una identidad musical mucho mas oscura, moviendo los hilos entre las distorsiones y los compases hipnóticos. Aquí aparece una de las mejores y mas impresionantes composiciones de la historia de la música popular como es la antológica “Starless”, que se inicia con unas bellas capas de mellotrones acompañada por una guitarra melancólica e hipnótica, que culmina en un final épico de manera brillante y apoteósico.
Pero volvamos al principio y hagamos un poco de historia, estamos en 1974, Robert Fripp seguía manteniendo la base principal de la banda de los dos álbumes anteriores a excepción del violinista y teclista David Cross, que sin embargo participa aquí como músico invitado, por lo tanto el grupo estaba formado por John Wetton al bajo y voz y Bill Bruford a la batería y percusiones, mientras el propio Fripp se encargaba de la guitarra y el mellotrón. Además en las grabaciones del álbum aparecen Ian McDonald al saxo, Robin Miller (oboe), Marc Charig (trompeta) y Mel Collins (saxo). Musicalmente “Red” esta construido con intensas capas distorsionadas en donde el bajo de Wetton suena junto a la guitarra de Fripp de manera amenazante y cruda, la música esta tensamente concebida con una sincronización potente pero con su propia textura musical. Casi todos los temas están rodeados de melancolía y oscuridad, con sutiles toques de instrumentos de viento que impulsan esa sensación amenazante, pero que al mismo tiempo están muy elaboradas y son muy complejas .
Un álbum que comienza con la contundente canción del mismo titulo del disco, mientras “Fallen Angel”, se inicia con una delicada introducción acústica para terminar en una exuberante distorsión progresiva con una melódica voz y un saxo antológico, la mas accesible pero de cierta complejidad “One More Red Nightmare”, da paso a la progresiva y experimental “Providence”, para llegar a la mencionada anteriormente “Starless”, la pieza mas oscura y e inmensa del álbum y al mismo tiempo, la pieza mas cautivadora de KC.
“Red” es sin duda una obra que tiene detrás de si un elaboradísimo trabajo musical, tanto en las partes vocales, como en sus oscuras letras, en su intrincada producción y en los sublimes arreglos instrumentales, un álbum que suena tan apoteósico como su enorme debut, pero con mas profundidad y una esencia mas siniestra.

Kravetz-Kravetz (1972)

Paradojas del destino convirtieron al francés Jean-Jacques Kravetz en uno de los pioneros del rock alemán o como comúnmente se denomina, "krautrock". Afincado en Hamburgo desde finales de los sesenta con apenas 20 años, este multiinstrumentista parisino se labraría una gran reputación en el circuito musical del incipiente movimiento psicodélico de la época, convirtiéndose en uno de sus grandes impulsores. Algunos años mas tarde publicaría de manera moderada y sin prácticamente promoción, su único álbum en solitario junto al mítico batería Udo Linderberg, y a los músicos Thomas Kretzschmer como guitarra, el bajista Carl Stepehan y la cantante Inga Rumpf. En este único álbum, Kravetz combina magistralmente los pesados y difusos sonidos de órgano y los sintetizadores con unas puntuales y afiladas guitarras eléctricas. Esto dicho queda demostrado en la primera pieza “I?d Like To Be A Child Again” o en la espacial “Ann Toomuch”, mientras la experimental “Routes” pone la nota psicodélica y oscura de esta obra, que desemboca en la jazz progresiva “Master Of Time”, que ponen el punto y final a un disco que marcaría uno de los sonidos tempranos del krautrock
En los siguientes años Kravetz pasaría a engrosar como miembro por pleno derecho de tres de las mas grandes bandas del rock alemán como fueron Frumpy, Kin Ping Meh y Atlantis, facturando con todos ellos excelentes álbumes, entre los que se encuentran algunos de los clásicos del rock alemán y el prog rock.

Ambrosia-Road Island (1982)

Ambrosia son una de las bandas mas exquisitas del panorama de la música rock, sus irresistibles voces y sus pegadizas melodías le otorgaron durante una década el estar entre las mejores formaciones norteamericanas.
Formado a principios de los setenta en California, esta banda nacería en la mejor era del rock progresivo y obtuvieron una grandísima legión de seguidores gracias a su creatividad y sus fantásticos arreglos. Ya con su primer álbum “Ambrosia”, saltarían a la fama con un trabajo que fue producido por nada mas y nada menos que Alan Parsons y que contaba con éxitos del calibre de “Holdin´On The Yesterday” y “Nice Nice, Very Nice” ambos unos clásicos de las emisoras FM norteamericanas. Los siguientes movimientos de la banda también obtuvieron notables éxitos como “Somewhere I´ve Never Traveled”, el cual fue incluso nominado al Grammy o el hit “Life Beyond L.A.” todo un numero uno en las listas de Billboard.
Después de tantos éxitos, en 1982 Ambrosia publicaba su quinto y a la postre ultimo trabajo titulado “Road Island”, en donde vuelven a mostrar algunos elementos progresivos al mismo tiempo que comerciales, todo ello fusionado con unas melodías memorables y unas irresistibles voces.
Los sonidos AOR están presentes en las adictivas “Still Not Satisfed” y “How Can You Love Me”, los potentes temas rock también tienen cabida en “For Openers-Welcome Home” y “Kid No More”, mientras mantienen intacta la vena melódica con hermosas composiciones como “Feelin´Alive Again”, “Fool Like Me” y “Endings”, para acabar con la mas progresiva y compleja “Ice Age”. En el año 2000 y celebrando los 30 años desde su fundación, volverían a reunirse para realizar una extensa gira por todos los Estados Unidos con un gran éxito de taquillas, demostrando con ello la enorme popularidad de esta magnifica banda californiana.

Citizen Cain-Somewhere But Yesterday (1994)

Esta banda británica de rock progresivo fue fundada en 1982, pero no seria hasta diez años después cuando vieron publicado su primer álbum. Formados en torno al bajista y vocalista George Scott y al multiintrumentista Gordon Feenie, estuvieron durante largos años actuando junto al guitarrista Tim Taylor e incluso llegaron a grabar algún material que fue publicado en un álbum recopilatorio titulado “Fire In Harmony”. Sus actuaciones en el mítico Marquee de Londres les labraron una gran reputación y el sello EMI se intereso por ellos, pero cuando todo iba a formalizarse un accidente deja incapacitado de un brazo a Scott, por lo que la banda desaparece en el año 1988. Varios años después el propio Scott recluta al guitarrista Frank Kennedy, al cantante Stewart Bell, al bajista Dave Elam y al batería Chris Colin y reflotan a Citizen Cain. Ya en 1991 una maqueta del grupo recibe unas excelentes criticas y grandes elogios, lo que les ayuda a que el subsello discográfico Cyclops les financie su primer álbum “Serpents In Camouflage”. Si bien en un primer momento no obtiene el resultado apetecido, gracias a uno de los promotores del sello A&R les consigue que abran los conciertos de bandas como Pendragon, The Enid o Final Conflict. Sin embargo pronto comienzan las desavenencias entre los miembros del grupo que termina por el abandono de algunos de ellos, que son reemplazados por el batería Nick Arkless, el bajista Andy Gilmour y el guitarra Alistar MacGregor. Con esta nueva formación publican el soberbio “Somewhere But Yesterday” en el año 1994. Para este segundo trabajo la banda muestra un estilo mucho mas complejo y su mejor obra, con unas influencias mas que notorias a los primeros Genesis de “Nursery Crime” o “Foxtrot”, pero con un estilo propio y personal. La elaborada y épica “Junk and Donuts”, la asombrosa suite progresiva “Somewhere But Yesterday”, la dinámica “Jonny Had Another Face/ Parallel Lines” y la oscura “To Dance The Enamel-Faced Queen” rememorarían la esencia de la mejor época de los Genesis de la era Gabriel, pero sin cometer el error de ser unos meros imitadores y una burda banda clon.