The Pentangle-Solomon´s Seal (1972)

Apenas cuatro años después de su debut, uno de los fundamentales grupos del folk rock progresivo británico como fueron Pentangle, lanzaron su último álbum, hasta años más tarde cuando volvieron en los ochenta. Aunque ellos siempre se definieron como folk jazz, su música contenían elementos vanguardistas impulsados por el contrabajo de Danny Thompson, las maravillosa voces de Bert Jansch y Jacqui McShee y la delicada e intensa interacción de los instrumentos de cuerda por parte de los geniales John Renbourn y del propio Bert Jansch, más el añadido de estilo jazzistico de uno de los bateristas más famosos de la época como Terry Cox. Así que aquí tenemos una verdadera banda de virtuosos, que entrelazan sus melodías con verdadera maestría y una increíble complejidad. Musicalmente "Solomon's Seal" conserva todas las peculiaridades de sus álbumes anteriores, aunque sin embargo aquí hay más melancolía y pasajes reflexivos. El repertorio es la habitual mezcla de composiciones tradicionales con temas propios, siendo uno de sus puntos culminantes la extraordinaria interpretación vocal de McShee en "The Cherry Tree Carol", bajo un excelente acompañamiento de dos guitarras acústicas o la versión de la balada tradicional escocesa del siglo XVIII, "Will O´Winsbury". El resto son canciones breves y bastante fieles a sus raíces folk, con apenas adornos y florituras, que en parte nos recuerdan a la faceta acústica de las otras dos emblemáticas formaciones del folk británico; Fairport Convention y Steeleye Span.

Moraina-Loners & Lovers (1974)

Esta banda danesa formada a principios de los setenta, sólo publicó un excelente álbum, el cual se encuentra entre las mejores producciones musicales de Dinamarca. Formada por músicos que provenían de otras destacadas bandas de su país como Culpeper´s Orchard o Day Of Phoenix, su formación estaba compuesta por el vocalista Hans Lauridsen, el guitarrista y teclista Nils Henriksen, el guitarrista y armónica Ole Prehn, y el batería Ken Gudman, cerrando la banda el bajista Thorkild Nielsen. Durante sus primeros años esta banda se granjeo una gran reputación en su país de origen publicando una serie de sencillos que obtuvieron bastante notoriedad. Ya en 1974 lanzaron su único larga duración, este “Loners & Lovers”, un estupendo álbum en donde las cálidas armonías vocales muy emparentadas con los norteamericanos Crosby Stills and Nash o America, eran secundadas con unas hermosas líneas melódicas de folk rock. En contraste estos sonidos también encontramos momentos muy inspirados mas cercanos al rock enérgico e incluso al blues rock como la inicial “Late Night Woman Blues”, la vigorosa “Rock´n´Man” o la boggie bluesy “Fortunate & Fame”, mientras la vena folk/country mencionada esta presente en las arrebatadoras “Break It Up”, “Since You've Been Gone” y la melancólica “Alone”. Incluso hay cabida para cortes AOR como son las pegadizas medio tiempo “Deep Within The Storm” o “City Rambling Boy”. Algún tiempo después la banda se disolvería definitivamente dejando para la posteridad este magnífico trabajo de folk, blues y rock el cual se ha ganado su merecido reconocimiento entre los seguidores a la música rock de la década de los 70.

Mostly Autumn-White Rainbow (2018)

"White Rainbow" es un álbum muy especial en la discografía de los británicos Mostly Autumn. Este álbum, el decimotercero de su carrera, esta dedicado al guitarrista Liam Davison, fallecido un año antes, por lo que se torna como uno de sus trabajos mas oscuros y melancólicos, y es precisamente esa cualidad la que le otorga una gran brillantez compositiva. La formación que grabaría este álbum estaba compuesta por Bryan Josh (voz, guitarras y teclados), Olivia Sparnenn-Josh (voz principal, coros y bajo), Chris Johnson (voz, guitarras, teclados y bajo), Iain Jennings (teclados, órgano Hammond, piano y cuerdas), Angela Gordon (coros y flauta), Andy Smith (bajo) y Henry Rogers (batería y percusión). Además también participaron otros músicos invitados como la cantante Anne-Marie Helder, el gaitero Troy Donockley, el teclista Simon Wagott y el baterista Gavin Griffiths. Su relevante y característico folk progresivo con ciertos elementos psicodélicos siguen presentes en este lanzamiento como queda patente en la mayoría de su repertorio. Aquí es la cantante Olivia Sparnenn-Josh la que se convierte en el centro de atención por ser la voz perfecta para el original estilo de la banda. Piezas como la semi progresiva con raíces de la world music "Procession", la emotiva folk "Viking Funeral", la folk blues "Run For The Sun", la bluesy "Into the Stars" o la extensa y dinámica "White Rainbow", son parte de un álbum excepcional realizado por una de las mejores formaciones del folk progresivo europeo actual.

Piirpauke-Yö Kyöpelinvuorella (1980)

Piirpauke son una legendaria banda finlandesa que fueron muy apreciados por los fanáticos a los sonidos progresivos de mediados de los 70. Mezclando los sonidos del folk tradicional, rock, jazz y la música clásica, Piirpauke está considerada una de las bandas icónicas de Finlandia. Formada por Sakari Kukko (saxo, flauta, clarinete y teclados) y Jukka Wasama (batería y percusión), se unieron al guitarrista Juha Björninen y al bajista Olli-Pekka Wasama (hermano de Jukka), en la primera parte de la década de los 70. Después de sus dos primeras obras ("Piirpauke" (1975) y "Piirpauke II" (1976) ), lanzaron el tercer álbum titulado "Yö Kyöpelinvuorella", en donde dejaban atrás los sonidos exóticos que se escuchaban en sus primeros discos. Con un estilo más enfocado en la línea del jazz fusión, estos finlandeses construyeron un trabajo sólido e interesante con canciones como la jazz folk "Makedonialainen twist", la melancólica versión en clave progresiva de un clásico finlandes del siglo 19 "Soi veinosti murheeni soitto", la jazz fusión "Anglais Ranne Mo Mari" o la jazz rock "Yö Kyöpelinvuorella (Night on Bald Mountain)". En los sucesivos años y debido a los constantes cambios de formación y su evolución hacia los sonidos más cercanos al soft jazz y al folk pop, comenzaron a perder cierto interés en los aficionados al género progresivo, aunque sin embargo han seguido lanzando álbumes de gran calidad durante todos estos años hasta el 2017, cuando publicaron su último trabajo.

Dan Fogelberg-Phoenix (1979)

Dan Fogelberg fue uno de los más exquisitos cantautores del folk y el country rock de los años 70, con un palmarés repleto de éxitos, como queda patente en sus primeros seis álbumes, todos ellos discos de platino y que a la postre lo convirtiera en uno de los artistas más significativos del género y todo un ídolo en los Estados Unidos.
Dan Fogelberg también fue un asiduo colaborador en los trabajos de otros grandes artistas como Jackson Browne, Roger McGuinn o Randy Newman.
Ya desde su segundo álbum “Souvenirs” (1974), Dan tuvo el respaldo de algunos de los integrantes de The Eagles como Joe Walsh, Don Henley y Glenn Frey, además de otros legendarios músicos como Gerry Beckley de America, Al Perkins de The Flying Burrito Brothers o Graham Nash.
En los sucesivos años, Dan Fogelberg iría publicando una serie de brillantes álbumes de folk y country rock como “Captured Angel” (1975), “Nether Lands” (1977) o “Phoenix” (1979).
Este último fue su mayor logro comercial, con más de dos millones de copias vendidas y una tercera posición en las listas de éxitos de US Billboard, y en el cual se incluía el tema “Longer”, una de sus canciones más emblemáticas y todo un hit número uno en los rankings, además de otros cortes atractivos como las country rock “Phoenix” y “Face The Fire”, la bellísima folk intimista “Gypsy Wind”, o las irresistibles y atrayentes soft rock “The Last To Know”, “Beggar´s Game” y “Heart Hotels”.

Mark Knopfler-Local Hero (1983) - Cal (1984)

En 1983 Mark Knopfler iniciaría su carrera en solitario de manera paralela a su banda madre Dire Straits y lo haría con el brillante “Local Hero”, que a su vez era la banda sonora de la película del mismo nombre.
En este debut, Knopfler estaba acompañado por parte de sus compañeros de banda como el teclista Alan Clarke, el bajista John Illsley y el batería Terry Williams, además de otros ilustres músicos como Michael Brecker, Mike Mainieri, Gerry Rafferty, Tony Levin o Steve Jordan.
Repleto de momentos que lo acercan al folk escoces con un sonido sutil y elegante, contiene temas memorables como “The way It Always Starts” con un sublime Rafferty a la voz, las exquisitas y ambientales “Wild Theme” y “The Mist Covered Mountains”, la folky “The Ceilidh Louis´Favorite Billy Tune”, la jazzística “Boomtown”, las espaciales “The Ceilidh and The Northern” y “Stargazer” o la extraordinaria “Going Home”.
Un año después repitió con una segunda banda sonora, esta vez perteneciente a la película irlandesa “Cal”, un trabajo más orientado hacia los sonidos celtas y en donde contaría con un plantel de músicos del folk irlandes como Paul Brady o Liam O´Flynn, además de sus compañeros de Dire Straits.
Bellisimos cortes como “The Road”, “The Long Road”, “Irish Boy”, “Irish Love” o "Father And Son”, mostraban la gran creatividad y la inspiración de Mark Knopfler para crear discos de hermosas melodías y cautivadoras atmósferas ambientales.

Neil Young-Harvest (1972)

El álbum mas aclamado y exitoso de Neil Young es al mismo tiempo una de sus obras musicalmente hablando mas regulares.
Lanzado a principios de 1972, “Harvest” es el cuarto trabajo del compositor, guitarrista, productor y cantante canadiense, en donde además de la colaboración de sus ex compañeros David Crosby, Stephen Stills y Graham Nash, también participaron en su elaboración Linda Ronstadt, James Taylor, la London Symphony Orchestra, Jack Nitzsche o Kenny Buttrey entre otros músicos.
A medio camino entre su lado acústico y rockero, Neil Young dejaría un trabajo que esta marcado por el tema estrella de disco, la inmensa y emotiva “Heart Of Gold”, que en parte sepulta otros cortes de gran mérito como las country rock “Are You Ready For The Country” y “Alabama”, la elaborada “Old Man”, o la melancólica “The Needle And The Damage Done”.
Sin embargo son la previsible y fuera de lugar “A Man Needs A Maid” y la orquestada “There´s A Word”, las que de alguna manera dejan cierto sabor agridulce a un álbum que cosecharía un irrefutable éxito comercial con cerca de los diez millones de copias vendidas a nivel mundial.

Crosby Stills & Nash-Daylight Again (1982)

En 1982, David Crosby, Stephen Stills y Graham Nash, volvieron a reunirse para la grabación de su cuarto álbum en trece años, un brillantísimo trabajo que demostraba el talento único de estos legendarios músicos norteamericanos.
Seria a finales de los sesenta cuando Crosby fue invitado a salir de The Byrds debido al rechazo de sus compañeros de banda por sus canciones contraculturales como por ejemplo la controvertida "Triad", Nash por su parte estaba bastante frustrado debido a los derroteros musicales que su banda Hollies estaban tomando alejados de su esencia hippie inicial.
Mientras que Stills que ya había cumplido su etapa frente a la banda folk-rock Buffalo Springfield, decidiría abrir nuevos horizontes musicales.
La unión de estos tres genios fue considerado el primer supergrupo de la historia, la cual se vería reforzada en 1970 con la inclusión del canadiense Neil Young, otro de los grandes genios del movimiento hippie de finales de los 60.
"Daylight Again" fue originalmente concebido como un álbum del dúo Stills and Nash, para el cual recibieron la colaboración de un amplio plantel de grandes artistas entre los que se encontraban Art Garfunkel, Timothy B. Schmit o Jeff Porcaro entre una veintena de celebres músicos de la costa oeste norteamericana.
Sin embargo por presiones de la Atlantic Records, terminarían por incluir a David Crosby, el cual se incorporaría casi al final del proceso de grabación del álbum.
"Daylight Again" sin llegar a las excelencias ni a la creatividad de sus tres primeros álbumes, es un gran ejercicio de folk y rock americano, con un repertorio rico y variado como la inicial "Turn Your Back On Love", un adictivo rock melódico, la melancólica folk "Wasted On The Way", la brillante y armónica “Southern Cross”, las rock "Into The Darkness" y "Too Much Love To Hide", la rítmica “Since I Met You”, la bellísima “Song For Susan” o la introspectiva canción acústica que da título al álbum “Daylight Again”.
“Daylight Again” sería certificado con un disco de platino por haber vendido mas de un millón de copias en el mercado norteamericano y cerca de ochocientas mil a nivel mundial.

Sutherland Brothers & Quiver-Reach For The Sky (1975)

El debut de este cuarteto escocés a principios de 1972, les colocarían fulgurantemente como una de las bandas mas prometedoras del folk rock, influenciados del estilo heredero de las irresistibles melodías vocales de The Beatles y la sonoridad instrumental de The Byrds.
Formado por los hermanos Iain y Gavin Sutherland, ambos guitarristas y voces, Kim Ludman bajista y Neil Hopwood batería, tuvieron sus inicios a principios de los 70 cuando lograron fichar por el sello Island Récords con quienes publicaron su primer álbum "The Sutherland Brothers Band" en 1972, el cual contenía el sencillo "Sailing", un tema que versionaría algún tiempo mas tarde Rod Stewart, obteniendo un rotundo éxito en las listas británicas.
Poco después la banda se disuelve y los hermanos Sutherland deciden continuar como dúo publicando el disco "Lifeboat" (1973), que pasa totalmente desapercibido.
Sin embargo en un intento de diversificar su estilo del folk rock, el dúo se uniría a una banda de rock local llamada Quiver que estaba formada por el guitarrista Tim Renwick, el bajista Bruce Thomas y el batería Willie Wilson.
De esta unión surgirían los álbumes "Dream Kid" (1973), "Beat of The Street", "Reach For The Sky", "Slipstream" (1976) y "Down To Earth" (1977).
Con una serie de importantes hits que alcanzaron bastante notoriedad como "Ain´t Too Proud", "Arms of Mary", When the Train Comes", "Secrets" o "Easy Come Easy Go", la banda se confirmaba como una de las grandes sensaciones del folk rock británico de mediados de los 70.
Sin embargo después del álbum "Down to Earth", la banda terminaría desapareciendo al abandonarla algunos de sus integrantes como Renwick, quien pasaría a colaborar con Al Stewart y con el cual ya había trabajado en los años anteriores o Bruce Thomas que acudiría a la llamada de Elvis Costello para ingresar en su grupo The Attractions, mientras que Willie Wilson pasaría a participar activamente en los proyectos del guitarrista de Pink Floyd, David Gilmour.

Horslips-The Book Of Invasions-A Celtic Symphony (1976)

The Horslips esta considerada la banda mas grande del folk progresivo de Irlanda, además de la mas aclamada y la que en su mejor momento fueron quienes mas seguidores a nivel nacional tuvieron, por encima de otras leyendas irlandesas como Van Morrison, Rory Gallagher o Thin Lizzy.
Emparentados musicalmente con otras bandas coetáneas como Jethro Tull, Fairport Convention o Steelye Span, ellos acuñaron como nadie el termino “celtic-rock”, basando sus raíces en el misticismo celta mezclado con el hard rock.
Durante la década de los 70 grabaron una docena de álbumes de estudio y varios directos, siendo sus primeros seis lanzamientos los mas aclamados de toda su carrera.
Formados a principios de los 70, por Barry Devlin (bajo y voz), Sean Fean (guitarra) Eamonn Carr (batería), Charles O'Connor (violín, mandolina y voz) y Jim Lockhart (flauta y teclados), publicaron su primer álbum en 1972 titulado "Happy To Meet, Sorry To Part", con el cual tuvieron bastante notoriedad.
Los siguientes años irían lanzando una serie de discos de gran nivel como los brillantes "The Táin" (1973), "Dancehall Sweethearts" (1974), “The Unfortunate Cup Of Tea" (1975), "The Man Who Built America" (1978) o este que nos ocupa aquí "The Book Of Invasions-A Celtic Symphony".
Como casi todos sus álbumes, este esta concebido a modo conceptual sobre historias legendarias de Irlanda, la mitología irlandesa y los tiempos paganos precristianos.
Un trabajo que esta impregnado como no podía ser de otra manera de los sonidos celtas como la inicial "Daybreak", mientras que los temas orientados al rock mas convencional aparecen en "The Power and The Glory", acentuando sus sonidos del folk rock melódico en las estupendas "Warm Sweet Breath Love" y "The Rocks Remain" sin dejar de lado sus acercamientos al folk progresivo con la increíble "Ride To Hell".

Cai-Noche Abierta (1980)

"Noche Abierta" es una de las joyas del movimiento progresivo andaluz, un álbum que contiene una sabia maestría musical, repleto de sensibilidad jazzistica, esencia flamenca y los sonidos atmosféricos del rock progresivo.
La banda que creo este soberbio trabajo eran la formación española originaria de Cádiz, Cai, fundada mediados de 1977 por el batería Diego Fopani, los guitarristas Jose Fernandez y Francisco Delgado, el teclista y voces Sebastian Dominguez y el bajista Jose Vélez.
Esta banda lanzaría tres álbumes entre los años 1978 y 1981, disolviéndose poco después del tercer y ultimo trabajo para volver a reformarse casi 25 años mas tarde, cuando volvieron a producir nuevo material que lanzaron en dos nuevos trabajos.
El moderado éxito de su álbum debut "Mas Alla de Nuestras Mentes Diminutas" (1978), les abriría el camino para fichar con una gran discográfica, la subsidiaria de la CBS Epic Records, con quienes publicaron este "Noche Abierta" en 1980.
El previsible potencial del primer álbum se hace realidad en esta continuación con un progresivo andaluz de primer nivel con sinfónicos y fuertes toques de fusión en todas las composiciones que se combinan con las interpretaciones virtuosas de todos sus integrantes.
Aires de jazz rock, sonidos cercanos al Canterbury o las atmósferas etéreas y progresivas están muy presentes en cortes como "Alegrías de Cai", "Extraña Seducción" o "La Roca del Diablo".
Este es sin duda alguna uno de los momentos cumbres del rock progresivo andaluz de todos los tiempos y toda una obra atemporal.

Keith Cross & Peter Cross-Bored Civilians (1972)

Al principio de los setenta, las influencias del sonido west coast de los hippies norteamericanos llegaba a Inglaterra, un estilo el cual seria una gran influencia para muchas bandas de británicas de la epoca.
Sin embargo el clima soleado, playero y surfista americano era una clara contradicción con la siempre lluviosa Gran Bretaña, por lo que la llamada "British West Coast" tenían un inequívoco tono tristón y melancólico, directamente conectados su clima, aunque su personalísimo folk contribuiría también a un tono algo mas sombrío y oscuro.
Una de esas bandas fueron el dúo Keith Cross & Peter Cross, dos hermanos que procedían de varias bandas como eran la progresiva T2 y Hookfoot, esta ultima la banda de acompañamiento de Elton John.
Después de componer una serie de canciones reclutan a varios músicos como los guitarristas Nick Lowe que precedía de Brinsley Schwartz y B.J. Cole ex-Cochise, además del saxofonista de Caravan Jimmy Hasting.
El único registro de esta unión fue el álbum "Bored Civilians", una de esas raras joyas muy cotizadas hoy en día debido a la conjunción del impresionante plantel de músicos y de su extraordinario contenido.
Cortes al mas puro estilo CSN o Seals & Crofts como "The Last Ocean Ride", temas folk rock aderezado de voces celestiales "Peace in the End", (esta ultima una revisión de un tema de los incomprendidos Fotheringay), canciones con una clara textura jam psicodélica "Story to a Friend", elegantes composiciones como "Loving You Takes So Long", "Pastels", "The Dead Salute" o "Bo Radley" o temas acústicos como la irresistible "Fly Home", conforman todas ellas un álbum de extraordinaria calidad.
Sin embargo poco después de la publicación la banda se separaría siguiendo cada uno de sus integrantes carreras independientes, dando así por acabada la efímera aventura de esta magnifica y olvidada banda.

Jethro Tull-Rock Island (1989)

En 1989 Jethro Tull venían de obtener el Grammy al mejor álbum de hard rock por su brillantísimo “Crest of a Knave”, un galardón que sorprendió a propios y extraños, además de suscitar una controvertida polémica.
La extrañeza de este premio fue que seria otorgado a una banda eminentemente de folk rock progresivo y que a excepción de algunos momentos puntuales en su carrera, ellos nunca se habían desviado al genero hard rock como para catalogarla como banda de ese genero.
Así que de alguna manera con su siguiente trabajo publicado en los albores de la década de los noventa, Jethro Tull irónicamente se acercan descaradamente al hard rock con su trabajo “Rock Island” y de paso abandonan los "tecnológicos años 80", otorgando a Martin Barre y sus poderosos riffs de guitarra hard rock el protagonismo absoluto, dejando en parte de lado los habituales sonidos pastorales y las guitarras acústicas del folk británico.
Líricamente Ian Anderson sigue con sus metafóricas letras, esta vez tratando la soledad de la sociedad actual entre otros temas mas recurrentes como el hogar y la familia.
Pese a que en diferentes momentos aparece esa sensibilidad folk característica, son los sonidos vibrantes y enérgicos los que inundan este decimoctavo álbum de la banda británica como queda sentado en cortes como “Kissing Willie”, “The Rattlesnake Trail”, “Rock Island”, “Big Riff and Mando” o “Heavy Water”, mientras en “Ears of Tin” o “Another Christmas Song”, regresan a su peculiar y fascinante estilo. Por otro lado son "The Whaler´s Dues" y "Strange Avenues" los cortes mas progresivos del álbum.

Renaissance-Ashes Are Burning (1973)

En el cuarto álbum de Renaissance, publicado en 1973, la banda liderada por la inconfundible voz de Annie Haslam, el sinuoso bajo de JonCamp y los magníficos teclados renacentistas de John Tout, muestra un claro y solido giro hacia los derroteros del folk rock sinfónico.
En este trabajo la banda lograba la madurez necesaria para mostrar el equilibrio perfecto entre el folk, el rock y la música clásica.
Desde la inicial "Can You Understand", Renaissance muestra perfectamente la síntesis atractiva de la música folclórica y el rock sinfónico emulando la filosofía de la música clásica con un énfasis muy poderoso.
Un tema que tiene influencias de los compositores clásicos rusos como Rachmaninov y Prokofiev. La dulce balada "Let it Grow", muestra las excelencias vocales de Annie Haslam en un gran estado de gracia, mientras que la arreglada y acústica "On The Frontier" nos deja ese regusto que la banda tiene por la música renacentista.
La melódica y orquestal  "Carpet of the Sun" da paso a la mas ambiciosa "At The Harbour", que junto al cierre "Ashes Are Burning", en donde participa el guitarrista de Wishbone Ash, Andy Powell, con un soberbio solo de guitarra, son los momentos mas progresivos de uno de los álbumes mas brillantes del grupo británico, que culminaría con los posteriores y sobresalientes "Turn of the Cards" y "Scheherazade and Other Stories" .

David Crosby-If I Could Only Remember My Name (1971)

David Crosby es un icono de la música norteamericana, el fue un formidable percusor de los sonidos folk y country como queda demostrado en los soberbios álbumes junto a The Byrds; “Mr. Tambourine Man”, “Turn! Turn! Turn!”, “Fifth Dimension”, “Young Than Yesterday” o “The Notorious Byrd Brothers”, todos ellos obras fundamentales del genero publicadas a finales de los años 60.
Tras abandonar The Byrds, Crosby se uniría al ex Buffalo Springfield, Stephen Stills y al ex The Hollies, Graham Nash para formar CSN con los que grabaría el antologico disco homónimo “Crosby, Stills & Nash” en 1969 y “Déja Vu” un año después con la inclusión del guitarrista canadiense Neil Young, formando así una de las mayores y mas aclamadas superbandas de la historia de la música rock.
A principios de 1971 David Crosby no pasaba por su mejor momento debido a las adición a la marihuana y otras sustancias y a la muerte de su novia en un trágico accidente automovilístico.
Fruto de todo ello fue el resultado de su primera grabación en solitario “If i Could Only Remember My Name” lanzando en febrero de 1971 y en la cual contaría con la colaboración de sus ex compañeros Graham Nash y Neil Young, la cantante Joni Mitchell, el guitarrista de Jefferson Airplane, Jorma Kaukonen o el líder de los Grateful Dead, Jerry Garcia, entre otros muchos mas.
“If i Could Only Remember My Name” esta confeccionado por breves inspiraciones de maestría musical, con grandes armonías vocales y una gran dimensión político y social, representando diferentes estilos como el flower power o el folk psicodélico.
Repleta de canciones profundas como la embriagadora “Music is Love”, la capella “I´d Swear There Was Somebody Here”, la angelical “Orleans”, la acústica “Traction In The Rain”, la filosófica “Laughing” o el tour de Force “Cowboy Movie”, conforman un álbum algo caótico pero al mismo tiempo absolutamente brillante.

Loggins and Messina-On Stage (1974)

Loggins and Messina son uno de los dúos históricos de la música norteamericana, y uno de los mas exitosos comercialmente.
Los comienzos de este formidable dúo fue de manera casual; Jim Messina había pertenecido a las bandas de country rock Buffalo Springfield y Poco, con los cuales había grabado cuatro magníficos discos hasta que decidió abandonarla para seguir como productor profesional para la Columbia Records.
Por otro lado Kenny Loggins era un novel cantante de folk rock que a principios de los setenta comenzaba a despuntar, un hecho que no pasaría desapercibido para los directivos de la Columbia quienes les contrataron para grabar un primer álbum en 1971.
Messina que fue el elegido como productor de este álbum debut termino contribuyendo tanto en la producción como a la guitarra y voz, con el resultado que culminaría firmado oficialmente como “Kenny Loggins With Jim Messina Sittin´In”.
El gran recibimiento de este debut replantearía la carrera del dúo, que a partir de aquí permanecieron juntos durante casi toda la década de los setenta publicando seis álbumes en estudio y dos en directo.
En 1974 durante la gira de su tercer y exitoso álbum “Full Sail”, se extrajo diverso material que fue incluido en su doble en vivo “On Stage”.
Lanzado ese mismo año de 1974, recoge parte de los conciertos ofrecido en el Carnegie Hall de Nueva York, en el Winterland de San Francisco y en el Orpheum Theatre de Boston, con un repertorio compuesto por los mejores temas del grupo hasta esos momentos y una emocionante versión de 20 minutos de “Vahevala”, toda una epopeya que termina convirtiéndose en una explosiva jam rock.
Ademas también contiene las atractivas “Angry Eyes”, “Golden Ribbons”, “Back to Georgia”, “Listen to a Country Song” o “You Could Break my Heart”, todas ellas interpretadas brillantemente por una banda en un gran estado de gracia, en unos shows espectaculares con grandes aportes de rock, country y folk.
“On Stage” ha pasado a ser considerado uno de los grandes álbumes de la música norteamericana y otro de los históricos dobles en directo de la historia, logrando vender mas de un millón de copias, obteniendo un disco de platino y un decimotercer puesto en las listas del Billboard.
 

Joni Mitchell-Shadows and Light (1980)

Esta famosísima cantautora canadiense comenzaría su carrera artística a mediados de los sesenta en su país natal, logrando un gran prestigio en los circuito del folk de Ontario y los alrededores. Casi a finales de la década decide probar fortuna en los Estados Unidos. Una noche mientras actuaba en un club de Nueva York, conoce a David Crosby, el cual queda sorprendido por el talento de Mitchell y decide ser su mentor durante algún tiempo en tierras americanas.
Sus primeros álbumes la llevaron a ser considerada la “Bob Dylan femenina”, además de obtener un éxito rotundo en las listas norteamericanas.
Álbumes como “Clouds” (1969), “Ladies of the Canyon” (1970), “Blue” (1971), “For The Roses” (1972) o “Court and Sparks” (1974), la auparon hasta conseguir el prestigio y la fama mundial.
Aunque realmente conseguiría pasar a los anales de la música rock cuando compuso el tema “Woodstock”, con motivo del mítico festival y que en voces de Crosby, Stills, Nash and Young, cobraría una dimensión apoteósica y épica.
Casi a mitad de los setenta, Joni Mitchell, hasta entonces vinculada al folk rock, la canción de autor y el country, comienza a realizar sus primeras incursiones en el mundo del jazz. En 1979 decide grabar un álbum con el contrabajista Charles Mingus, el cual no llegaría a verlo terminado al fallecer durante el proceso de grabación. Mitchell lo concluye sola y lo publicaría con el titulo de “Mingus” (1979), y poco después saldría de gira para la presentación del álbum.
Durante dicha gira se realizara una película promocional llamada “Shadows and Light” y uno de los conciertos fue publicado como álbum doble que lleva el mismo titulo y seria lanzado comercialmente un año después.
Mitchell para esa gira contaría con un plantel de músicos del mas alto nivel, empezando por el guitarrista Pat Metheny, el bajista Jaco Pastorius, el teclista Lyle Mays, el batería Don Alias y el saxofonista Michael Brecker.
El repertorio del álbum consiste en canciones extraídas de sus últimos trabajos, además de algún clásico o el himno generacional “Woodstock”, tocado en clave jazz. El folk-jazz eléctrico y de sonido austero se ve reflejado en todo el directo como en las melodías cromáticas de “The Dirty Cleaner from Des Moines”, o en la arreglada “Furry Sings the Blues”, mientras la áspera “Black Crow”, la melódica “Amelia” con un Pat Metheny deslumbrante, o las brillantísimas “Edith and the Kingpin” y “Shadows and Light”, conforman un extraordinario documento digno de los mejores álbumes de rock en vivo. “Shadows and Light” es una obra maestra translucida del jazz y el folk, que encarna tanto la libertad personal de la cantante como la majestuosidad instrumental de toda una banda descomunal.

Stealers Wheel-Stealers Wheel (1972)

Stealers Wheel son una de las bandas fundamentales del folk rock británico, ellos se ganaron el fervor del publico y de la prensa con algunos de los mejores álbumes del genero en la década de los 70.
Con un estilo emparentado con las líneas vocales de Crosby, Stills and Nash y la esencia Beatle, esta banda fue producto de la reunión de dos de los mas grandes compositores británicos, por un lado Gerry Rafferty, un afamado guitarrista y compositor que ya tenia tras de si una larga carrera con el grupo The Humblebums y en solitario y por otro Joe Egan quien también fue miembro de la misma banda con la cual lanzaron varios discos de folk rock de suaves melodías y grandes arreglos.
Una vez acabada esa aventura cada uno tomara rumbos diferentes, Rafferty publicaría el meritorio álbum “Can I Have My Money Back” en 1971, en el cual también participara Joe Egan como músico invitado.
Sin embargo un año después ambos músicos vuelven a reunirse y deciden fundar la banda Stealers Wheel para lo cual reclutan al guitarrista Paul Pilnick, al bajista Tony Williams y al batería Rod Coombes.
Después de muchos meses de ensayos y con bastante material compuesto, logran firmar un contrato con el sello A&M Records con quienes graban su primer álbum “Stealers Wheel” bajo la producción de los norteamericanos Leiber & Stoller.
El resultado fue un excelente trabajo de folk rock con ramalazos psicodélicos y claras connotaciones beatle.
En el sobresalían las beatle “Star” y “Stuck In The Middle With You”, la preciosista “Late Agian”, la artística “You Put Something Better Inside” la folk “Another Meaning”, la rock “I Get By”, la enérgica "Jose" o la psicodélica “Outside Looking In”.
Un año después y con algunos cambios de formación se publica el segundo trabajo “Ferguslie Park”, otro álbum de excelente folk rock el cual contenía el hit “Everything Will Turn Out Time”.
En “Right or Wrong” el siguiente paso discográfico lanzado dos años después, la banda se había reducido al dúo Rafferty-Egan, que pese a la enorme calidad que atesora no tuvo demasiado repercusión mediática.
Poco después Raffery y Egan comienzan a estar en desacuerdo en el rumbo a seguir, que junto a la falta de éxito empeora su relación y deciden dar por terminada la historia del grupo y reanudar uno y comenzar el otro sus propias carreras en solitario.

Tony Joe White-Black and White (1969)

Tony Joe White es uno de los grandes abanderados del swamp rock, apodado como “The swamp fox”, (el zorro del pantano), siempre tuvo la habilidad y el talento de escribir canciones que trasmitían la idiosincrasia y las tensiones raciales del sur de los Estados Unidos.
Muchas de sus canciones son hoy en día universales y fueron versionadas por grandes artistas como Rod Stewart, Ray Charles, Rory Gallagher, Elvis Presley o Tina Turner.
Nacido y criado en un pequeño pueblo del sur de Luisiana, creció cosechando algodón y maíz y pronto mostraría su interés por el blues y los sonidos de sur como el cajun, el zydeco, el folk o el country.
Todo ello le inspiraría para escribir canciones y después de conocer un cazatalentos que vio en el un genio inconformista, este le facilitaría un contrato con el sello ubicado en Nashville, Monument Records a finales de 1967.
Sin embargo sus primeras canciones apenas tuvieron ningún impacto mediático ni comercial hasta que un tema suyo llamado “Polk Salad Annie” alcanzaría entrar en el top 40 debido principalmente a que el propio Elvis Presley lo empezaría a incluir en sus conciertos de finales de los 60.
Cuando “Polk Salad Annie” comenzó a ser masivamente radiado por las emisoras de gran parte de los Estados Unidos, muchos creyeron en un principio que era una nueva canción de los Creedence Clearwater Revival, ya que su estilo era muy parejo al de las huestes de John Fogerty y compañía, sin embargo Tony Joe White era realmente un nativo de los pantanos, mientras que los Creedence eran de California.
“Black and White” lanzado a mediados de 1969, fue su primer larga duración y en el se muestra su maestría fusionando el blues, el zydeco y el hillbllly rock, mostrando un amplio muestrario de temas que se acercan incluso a los sonidos soul con esa voz profunda y muy personal que por muchos momentos se acerca a la de un negro.
Temas como “Don´t Steal My Love”, “Who´s Making Love “ o “Scratch my Back” muestran ese sentimiento negroide profundo, mientras las relaciones raciales en clave funky están presentes en cortes como “Soul Francisco”, la luminosa “Willie and Laura Mae Jones”, o logrando esplendorosas versiones de otros artistas como “Little Green Apples” o “Wichita Lineman”, conformando con todas ellas un soberbio debut de la mejor música de la América profunda.

Drive By Truckers-Decoration Day (2003)

En el revolucionario álbum doble de 2001 de Drive By Truckers, “Southern Rock Opera”, la banda cambió su enfoque de rock sureño con esos riffs de guitarras poderosas por tímidas guitarras acariciadas por sordos arpegios y lloronas pedal steel guitars, bañadas en unas voces oscuras, todo ello en un tono lúgubre donde se cuentan historias sombrías y las costumbres mas ancestrales del sur de los Estados Unidos.
Dos años mas tarde publicaron “Decoration Day”, en donde la banda originaria de Georgia, vuelve con otro álbum conceptual después del mencionado “Southern Rock Opera”, pero esta vez las melodías se desarrollan entre sonoras construcciones guitarreras densas y oscuras, con ritmos lentos como flotando entre nieblas y olores funestos, evocando tristes recuerdos campesinos sobre tiempos pasados ya olvidados. De principio a fin, cada canción de este disco de claro corte roots-rock descarnado, sin disculpas y con tintes de rock mundano, se convierten en un clásico, ya que los maestros narradores Patterson Hood y Mike Cooley, desentrañan unas trágicas y escalofriantes historias sureñas de pueblos pequeños una tras otra.
Temas que invocan al infierno “Hell No, I Ain´t Happy”, aromas country como la triste “My Sweet Anette”, o la melancólica “Sounds Better In The Song”, conviven con sensibles baladas “Outfit” o oscuras reflexiones “Decoration Day”, que son el espejo de esas historias.
Todas ellas junto con otras tan brillantes como “Skin Hole”, “Your Daddy Hates Me” o “Heathens”, forman un hermoso álbum, tan sugestivo como amargo es el regusto de la tradición mas oscura y caduca del sur norteamericano, pero al mismo tiempo la mas romántica, aquella en cuyo espíritu se edifica una forma de sentir la vida y también la del sentir de su música mas ancestral.