miércoles, 31 de marzo de 2021

Triode-On N´A Pas Fini D´Avoir Tout Vu (1971)

Triode fueron una banda francesa de la que apenas se tiene mucha información. Formados a principios de los 70 lograrían grabar un solo album bajo el sello Futura Red, el cual hoy en día es muy cotizado entre los fans del rock progresivo.
Su único album publicado en 1971 es “On N´A Pas Fini D´Avoir Tout Vu” y es totalmente instrumental y esta dominado por los sonidos excelentes de la flauta de Michel Edelin, con un estilo muy cercano a Ian Anderson de Jethro Tull y deudora del sonido Canterbury. Los interludios de flauta y el progresivo instrumental esta mas enfocado al jazz con tonos psicodélicos de guitarras. Un album muy rítmico y versátil en donde ninguno de sus cortes son piezas de relleno, con animadas instrumentaciones que demuestran la plenitud de una banda con talento y buenas ideas musicales. La versión del tema de The Beatles “Come Together” es sencillamente original y perfectamente ejecutada con un sonido psicodélico y progresivo de gran nivel

martes, 30 de marzo de 2021

Five Day Rain-Five Day Rain (1970)

Five Day Rain fue una banda británica de psicodélica y prog rock que están encuadrados dentro de la transición de esos sonidos de finales de los sesenta y principios de los setenta. Formado por el guitarrista Rick Sharpe, el bajista Clive Shepherd y el bateria Dick Hawkes que ya actuaban bajo el nombre de Iron Prophet, conocen al organista Graham Maitland y denominan a un nuevo grupo como Five Day Rain. Su unico album grabado y publicado en 1970 contaría con la ayuda del guitarrista adicional John Holbrook, ademas de la cantante Sharon Tandy y los miembros del grupo America, que colaboraron en las canciones con tendencia folk "Goodyear" y "Sea Song" en las voces y coros.
En este album sobresalen los sonidos potentes y psicodélicos “Mariés A Woman” o la extensa instrumental “Rough Cut Marmalade” con unas guitarras abrasivas y distorsionadas y unos sonidos de Hammond punzantes y estelares. Originalmente lanzando como una edición limitada no será hasta casi 20 años después cuando se descubren el prensado original del album y empezaron a aparecer ediciones piratas destinado al mercado de coleccionistas. Años mas tarde el sello italiano Nightwings lo publicaría en edición remasterizada con la participación de los miembros originales de la banda.


lunes, 29 de marzo de 2021

Led Zeppelin-In Through The Out Door (1979)

En 1978 Led Zeppelin se dirigieron a los Polar estudios de Estocolmo para grabar el que se convertiría en el ultimo album de la banda. Por aquella epoca la banda estaba inmersa en serios problemas, por un lado Robert Plant aun no había superado la muerte de su hijo Karat ocurrido un año antes, por otra lado Jimmy Page y John Bonham seguían con sus adiciones a las drogas y al alcohol, y por si esto fuera poco, en ese año la explosión del movimiento punk amenazaba por destruir todas aquellas bandas consideradas dinosaurios. Llegados a este punto el nuevo album “In Through The Out Door” publicado en agosto de 1979, supuso el primer trabajo de la banda en donde Jimmy Page, el principal compositor del grupo tuvo menos participación en la composición de los temas que cualquier otro disco de Led Zeppelin, lo que ocasionaría que fuera John Paul Jones el autor de la mayoría de los temas del album, junto a Robert Plant.
La primera consecuencia de esa autoria, fue la atractiva variedad de sonidos con algunos ritmos orientales y latinos (de manera muy sutil), fusionados con el hard rock como base principal, con una mayor importancia en los teclados. Esas reminiscencias orientales se perciben en la inicial y épica “In The Evening” mientras los sonidos zeppelianos están presentes en muchos momentos de la extensa “Carouselambra”, por su parte el tono blues de “I´m Gonna Crawl” con una base en los teclados es junto a la exquisita balada “All My Love” lo mas destacado de este album. El resto sin ser temas de relleno resultan mas previsibles como la rockabilly “Hot Dog” o “Fool In The Rain” un hard rock orientado a las radio formulas con cierto sonido latino.
“In Through the Out Door” ha quedado como la muestra final de Led Zeppelin, que pese a ser considerado un disco "menor" en comparación con sus cinco primeros discos, fue un digno epitafio, que comercialmente ha vendido cerca de 8 millones de copias a nivel mundial, y en su momento ocupo el numero uno absoluto en las listas de UK y Estados Unidos.

domingo, 28 de marzo de 2021

Atomic Rooster-Death Walks Behind You (1970)

Atomic Rooster son una de las mas formidables bandas del hard rock de todos los tiempos, surgida de las cenizas de la legendaria banda The Crazy World Arthur Brown.
El líder musical este ultima banda era Vincent Crane que en 1969 formaría junto al bateria Carl Palmer y al bajista y voz Nick Graham Atomic Rooster. Poco después de publicar su primer album hononimo bajo el sello ABC, un soberbio disco de hard progresivo, esta formación se desintegra, al abandonar Palmer para ingresar en el trío Emerson, Lake and Palmer. Para sustituirlo Crane contrata al bateria Paul Hammond y amplia la banda con el guitarrista John Du Cann, y con esta nueva formación graban una de las obras maestras del hard rock germinal “Death Walks Behind You” (1970). En este album el sonido es grandilocuente y disparatado, pesado y poderoso en donde cada músico se luce de manera espectacular gracias a su virtuosismo, el poderío y la fuerza de la música aqui mostrada, lo cual convierten a este disco en una obra indispensable del rock. Un album que ha influido en bandas punteras como Iron Maiden, y otras del heavy metal en las décadas posteriores.

sábado, 27 de marzo de 2021

Manuel Göttsching-Inventions For Electric Guitar (1975)

Manuel Göttsching es uno de los grandes músicos del krautrock y uno de los pioneros de la música electrónica, que ha influido a generaciones de músicos posteriores con piezas tan emblemáticas como “Inventions For Electric Guitar”. Fundador de las míticas bandas Ash Ra Tempel y Ashra, sus comienzos fueron junto a Klaus Schulze y Harmut Enke con sonidos psicodélicos y cósmicos dentro del genero del krautrock. “Inventions For Electric Guitar” fue su segundo album en solitario aunque lo atribuiría a Ash Ra Tempel como el sexto album de la banda. En este ambicioso trabajo Manuel Göttsching hizo un experimento minimalista con la guitarra muy avanzado para su época. Publicado en 1975 es una obra en donde el músico explora todos los tratamientos de este instrumento usando para ello infinidad de efectos como ecos, dobles velocidades o bucles, consiguiendo con ello sonidos hipnóticos y envolventes con un resultado asombroso y hasta podríamos decirlo majestuoso. Un album que es sin duda una obra que aun hoy en día tiene total vigencia por su originalidad y su importancia como documento histórico.

viernes, 26 de marzo de 2021

David Lanz & Paul Speer-Natural States (1985)

David Lanz y Paul Speer publicaron en 1985 uno de los mejores trabajos del género de las llamadas nuevas músicas o "new age", el cual es ya un clásico de este estilo, y que también se convirtió en uno de los mayores éxitos del sello Narada.
Anteriormente, David Lanz había logrado el reconocimiento popular con los albumes "Heartsounds"  (1983) y "Nightfalls" (1984), en donde este pianista estadounidense mostraba su enorme talento para “crear viñetas domesticas, basadas en melodías folkies” en palabras de un critico musical de la epoca.  
Un año después del mencionado “Nightfalls”, este virtuoso pianista se uniría al compositor, guitarrista y productor Paul Speer y juntos empezaron a explorar otros sonidos más electrónicos. De esta colaboración surgió "Natural States" que gracias a una fantástica base melódica de teclados electrónicos y piano de Lanz junto con los hipnóticos sonidos de las guitarras eléctricas de Speer lograron crear un disco inolvidable. “Natural States” contiene momentos realmente cautivadores como el delicioso "Behind the Waterfall", una melodía que se ha emitido miles de veces y que ha sido la sintonía de programas de televisión o la música de documentales y spots publicitarios, pero ademas también aquí el duo interpreta temas mas enérgicos como "Miranova", sutiles pasajes melancólicos "Faces of the Forest”, sonidos atmosféricos "Allegro 985" o el enorme y etéreo "First Light", culminando todos ellos una de las grandes obras del género.

jueves, 25 de marzo de 2021

Jimmy Page & The Black Crowes-Live At The Greek (2000)

“Live At The Greek” es un doble en directo publicado en el año 2000, en donde la banda norteamericana de hard rock blues The Black Crowes en compañía de Jimmy Page les dedicaban un tributo a Led Zeppelin y a algunos grandes del blues.
En ese año de 1999, The Black Crowes y Jimmy Page se embarcaron en un tour de varios meses en el que no solo interpretaban temas de Led Zeppelin si no también clásicos de blues y el rock, alternandolos con sus propios temas. Sin embargo la Columbia Records, discográfica de The Black Crowes, no vio con buenos ojos que el material de estos compartieran el mismo espacio que los de Led Zeppelin y esto provocaría que en un momento dado, los temas de The Black Crowes desaparecieran del set list de los conciertos que fueron grabados.
Esto no fue de agrado de la banda de Georgia que pesa a todo siguieron adelante cumpliendo así el contrato que tenían firmado para dicha gira. Este “Live At The Greek” fue grabado en el mítico The Greek Theatre de los Angeles durante los días 19 y 20 de octubre de 1999. El repertorio esta compuesto por versiones de Led Zeppelin y grandes del blues como B.B.King, Peter Green, Sonny Boy Williamson, Elmore James, Willie Dixon y Jimmy Rogers, ademas del clasico de The Yardbirds “Shapes of Things”.
En este doble album la banda de los hermanos Robinson lograron llevar las versiones a su terreno, cubriendo la música de su estilo de hard rock y blues inconfundible con esos matices únicos y aun así respetando al máximo el espíritu original de cada tema. Por su parte Jimmy Page demuestra un gran estado de forma, rejuvenecido y tremendamente hiperactivo demostrando el por que es uno de los grandes de la guitarra y mas aún en su terrenal cielo musical. “Live At The Greek” volvería a cubrirles de gloria ademas darles unas ventas millonarias. Un doble album del mejor rock interpretado por un grupo de talentosos musicos que saben percibir el color y el olor de la mejor música rock.

miércoles, 24 de marzo de 2021

Visitor 2035-Visitor 2035 (1978)

Visitor 2035 fue una banda britanica de nombre futurista de mediados de los 70, que con una corta duración, mostrarían una interesante propuesta musical de jazz rock progresivo. Formados por el irlandés John Mason ex- Fruupp (teclados) y Craig Pruess (trompeta), ex- Mike Oldfield, el resto la completaban Ray Deefholts (guitarra), Nigel Robinson (percusión) y Peter Stroud (bajo).
En 1976 la banda se había auto producido su primer album “Can! A Modern Mysery Play"
y dos años después consiguen un contrato con el sello alemán Hansa quienes les publica el album hononimo “Visitor 2035”. Con un estilo basado fuertemente en el jazz rock y el jazz fusión con elementos de teclados progresivos y unos desarrollos que combinan los sonidos relajados con momentos mas enérgicos, mostrando un buen equilibrio entre los sintetizadores, la percusión y las guitarras con sutiles sonidos de funk y rock progresivo.

martes, 23 de marzo de 2021

Holding Pattern-Holding Pattern (1981)

Holding Pattern fue una banda de rock sinfónico progresivo que bajo la tutela del guitarrista Tony Spada fue fundada en 1981 en Connecticut en Estados Unidos. Junto a Spada también estaban el experto bateria Robert Hutchinson, un veterano de la escena progresiva norteamericana que había pertenecido a bandas como Elysin Field, el bajista Jerry Lalancette y el teclista Mark Tannenbaum. Esta banda mostró una gran propuesta progresiva sinfónica, una fuerte vibración melódica en sus composiciones y mucha energía en sus directos. Spada era el líder absoluto escribiendo prácticamente todas las composiciones, sin embargo pese a que su guitarra siempre esta presente en todas ellas, el sonido se basa en las interacciones de los teclados y los sonidos de guitarras fuertemente apoyados por una sección rítmica solida. Su enfoque melódico esta influenciado en grupos como Camel, los Genesis post Gabriel y los sonidos de bandas como Happy The Man. Su único album fue publicado en 1981 aunque en realidad fue un EP con cuatro extensos temas. En este album la destreza instrumental es excelente con toques nítidos y pulidos, pero que sin embargo carece de una buena producción. La contundente "Another Point Of View", es una canción con una estructura compleja. El ejercicio inquietante de melancólia "Honor Before Glory" posee el característico sonido que Steve Hackett presenta en sus albumes de finales de los 70. La ágil "Jigsaw Dream" se mueve entre las cadencias de funk y los desarrollos sinfónicos muy dinámicos. Mientras el epitafio final "Out Of The Tunnels" encontramos sutiles sonidos crimsonianos y también la faceta mas rockera de Holding Pattern.

lunes, 22 de marzo de 2021

Manfred Mann´s Earth Band-Solar Fire (1973)

A finales de los sesenta el teclista sudafricano Manfred Lubowitz, mas conocido como Manfred Mann, había publicado dos buenos discos de jazz rock con su banda Manfred Mann Chapter Three, en ellos el músico dio rienda suelta a sus inquietudes mas jazzisticas y progresivas con un estilo que por la epoca estaba en plena efervescencia. Después de esta aventura en 1971 funda Manfred Mann´s Earth Band, con un sonido mas actualizado y enfocado a los sonidos puramente progresivos. Solar Fire (1973) fue el cuarto album de esta banda y esta considerado una de sus mejores obras y el que más orientado esta hacia al rock.
Para este album la banda ademas de Manfred Mann estaba compuesta por el bateria Chris Slade, el bajista Colin Pattenden y el guitarrista Mick Rogers, ademas de las coristas Irene y Doreen Chanter.
En “Solar Fire” los teclados de Manfred Mann se erigen como protagonistas indiscutibles además de las guitarras y los arreglos instrumentales, algunos de ellos inspirados en la suite clásica de Gustav Holst, “The Planets”. Manfred Mann siempre ha sido un músico que gustaba de hacer versiones de otros artistas y en sus albumes solía incluir algunas de ellas. Este album se iniciaba con la versión del tema de Bob Dylan “Father Of Day, Father Of Night” que Manfred Mann lleva hasta los nueve minutos en donde ilustra a la perfección el sonido característico de esta banda, una especie de rock progresivo con predominio de teclados y guitarras eléctricas. También están presentes en este disco los coros femeninos que le dan un aire clásico y sombrío. “In The Beginning, Darkness” sigue la estela del tema anterior, un poco más cercano al hard rock progresivo y en el que las mejores partes siguen siendo las improvisaciones de teclados y guitarra, el ritmo de “Pluto the Dog”, nos recuerda a los pasajes hipnóticos de Pink Floyd, mientras en la espacial “Solar Fire'” destacan ese peculiar sonido de órganos y sintetizadores y guitarras. 'Saturn, Lord of the Ring/Mercury, The Winged Messenger” es mas solemne, dividido en tres partes, con momentos más rítmicos, otros mas pausados y una última parte improvisada. Finalmente “Earth the Circle” dividida en dos partes, son ejercicios de improvisacion y diferentes variaciones para el lucimiento del propio Manfred Mann.

domingo, 21 de marzo de 2021

Metamorfosis-Papallones I Elefants (1982)

Esta formación española fue fundada en la localidad de Tarragona en 1979, aunque originalmente se denominaban Companyia Oliva Negra, para posteriormente cambiar el nombre por Metamorfosis ( existen dos bandas mas con el mismo nombre, una checa y otra suiza, ambas llamadas Metamorphosis). Su formación estaba comprendida por el teclista y principal compositor Jaume Montcusi, el guitarrista Luis Garcia, el también guitarrista ademas de percusión Joan Ramos, el bajista Jordi Papaseit y el bateria Joan Grimau.
Metamorfosis solo publicaron un album en 1982, titulado “Papallones i Elefants”, el cual era totalmente instrumental. Su estilo era un interesante estilo híbrido entre el jazz, el rock, el jazz fusión y elementos progresivos, con una instrumentación competente y muy acertada, destacando el trabajo de los teclados de Montcusi. Después de este album la banda se desintegro y el propio Montcusi se dedicaría a la producción de otras bandas locales y de toda Cataluña, participando en discos de bandas regionales, mientras el guitarrista Joan Ramos pasaría a engrosar en la banda UCCAT.

sábado, 20 de marzo de 2021

Osiris-Osiris (1981)

Hay cosas que si me la cuentan hace 35 años, hubiese tildado de quien lo hizo de fantasioso o embustero, esto viene a cuento de una de las bandas surgidas en el oriente próximo, (hay algunas cuantas mas, por muy extraño que nos pueda parecer hoy en dia), en la década de los setenta. Pues bien, una de ellas es Osiris, creada en Bahrein a finales de los 70 y compuesta por una serie de jóvenes abiertos a la cultura musical occidental, principalmente británica y europea. Su primera formación estaba compuesta por Mohamed Al-Sadequi como guitarra y voz, Mohamed Abdul Razak-Aryan como teclista, Nabil Alsedeqi, bateria, Sabah Alsedqi como principal vocalista, Abdul Razzak Arian, teclados, Nader Sharif, teclados y Ali Knonji bajista. Llama poderosamente la atención que esta banda tuviera tres teclistas en su formación, algo que por otra parte y de alguna manera les otorga un solido sonido a su estilo progresivo. Su producción no es la mejor que digamos, pero tampoco podemos pedir mucho mas si nos fijamos de donde provenian, en cuanto a su música, esta claro que en su país era fácil conseguir los discos de Camel, por que sus influencias son mayormente de la mítica banda británica. Su primer album fue lanzado en 1981, y en el este grupo alterna excelentes solos de guitarra y teclados rápidos y emocionantes, con desarrollos complejos de órganos y sintetizadores muy llamativos. Es curioso como una banda de esa remota parte del mundo en aquella epoca, hiciera una música tan increíble y excelentemente compuesta.

viernes, 19 de marzo de 2021

Canamii-Concept (1980)

Este proyecto fue inspirado en la “temática” musical de The Alan Parsons Project, donde junto a músicos de sesión crearon un album de excelente musicalidad. Canamii fue fundado en Sudafrica por los descendientes británicos Phil Nel (teclados) y Claire Whitakker (voz) que junto a el guitarrista Paul Woodley son los creadores de su primer y único album. Este lanzamiento fue en el año 1980, y si bien el concepto general es un progresivo sinfónico, realmente se ajustan mejor al sonido crossover. La música se podria catalogar entre un hibrido entre los sonidos del barroquismo y el sinfónico, con una excelente influencia clásica. El poder de este grupo esta en la voz de Whittaker (con un timbre de voz muy parecida a la de Annie Haslam de Renaissance), con unas agradables superposiciones vocales y excelentes, como se puede escuchar en el tema “The Jester”, otros temas como “Spiral” trae un sentimiento de prog jazz, “Afrok” es la síntesis del sonido del grupo, mientras las melancólicas e hipnoticas “Rain” y “Feelings” muestran el rico sonido de teclados y la voz melodiosa de su cantante. En la faceta mas progresiva están los temas “And The Moon Be As Bright”, “Children” y “Tri”.

jueves, 18 de marzo de 2021

Try-Just A Try (1980)

Try surgió como consecuencia de la colaboración de los músicos alemanes Amadeus Reineck (guitarras y cuerdas) y Michael Lapp (teclados y guitarras), que entablaron amistad en 1976 y que junto con el bajista Dieter Bauer formaron la banda de folk rock Marzipan, de escaso recorrido. Ya en 1980 volverían a intentarlo con el grupo Try, pero esta vez con un enfoque mas progresivo, con una fusión de elementos acústicos y electrónicos, en un claro ejemplo de lo que artistas como el ex Genesis Anthony Phillips o Cluster hacían por la epoca. Su único album es una de las joyas menores del progresivo pastoral, principalmente en los sonidos mas bucólicos con grandes momentos de guitarras eléctricas. Una buena fusión de momentos sinfónicos, folclóricos y electrónicos. Tanto Reineck como Lapp tenían una amplia experiencia en la ingeniería musical y el trabajo en estudio en Berlin, gracias a ello consiguen una exquisita producción que incluso hoy en día suena de manera sorprendente. Composiciones como la extensa “Wreck On The Wire” con la voz encantadora de la cantante Carolyne McCombs y unas guitarras agresivas demuestran la calidad de esta banda que después de este album se disolverían definitivamente dejando tras de si una carrera que podria haber sido mucho mas proclive e interesante.

miércoles, 17 de marzo de 2021

Lethe-Lethe (1981)

Una vez terminada la aventura de un solo album de la banda Mirror y despues de una extensa gira por Holanda, la banda se separa y tres de sus miembros fundan Lethe en 1978. Estos músicos fueron Philip De Goey (piano, flauta y oboe), Johan Saanen (bajo) y Kees Walravens (guitarra), a los que se les añadirán el bateria Hans Lambers y el teclista Thuur Feyen. Al igual que ocurriría con Mirror, Lethe también duraría apenas un año como banda, el tiempo suficiente para publicar el album “Lethe” en 1981. Un disco que consta de cuatro extensas piezas instrumentales, empezando por el tema hononimo, un folk de elegantes guitarras acústicas, sutilmente secundado por un delicado piano y oboe, y algunos sonidos ambientales y de sintetizador, un comienzo este, que nos recuerdan al estilo inconfundible de la banda norteamericana Oregon. La siguiente “Avbury Circle”, con un comienzo de similar estructura musical, se deriva en un final vibrante con ciertos acercamientosal al jazz, un órgano Hammond brillante y unas guitarras puramente rock. En la segunda cara del vinilo comienza con la infecciosa y vivaz “Cold In Fingers” y termina con la progresiva “Le Tombeau” repleto de gloriosos sonidos de órganos, una gran linea de guitarra y ciertos sonidos jazzisticos secundados por una poderosos sección rítmica.


martes, 16 de marzo de 2021

Queen-Jazz (1978)

Jazz fue el séptimo album de Queen y a la postre su ultima gran obra, después de aquí la banda se perdería en meandros discográficos, algunos de gran calibre y otros para olvidar sin pestañear.
Por aquel año de 1978, Queen venían de publicar el grandioso “News Of The World”, por lo que habían dejado el listón muy alto y difícilmente podrían superar esa obra y mas complicado aun, las anteriores “Night At The Opera” (1975) y “A Day At The Races (1976).
“Jazz” fue lanzado casi a finales de 1978 y en un principio fue bastante vapuleado por la prensa y tuvo una menor acogida por parte de publico en comparación a las obras antes mencionadas. Sin embargo Freddie Mercury y compañía aun tuvieron la capacidad de sorprender con una selección de canciones bastante eclécticas, como la inicial “Mustapha” en donde Freddie Mercury utiliza una indescifrable letra improvisada imitando la fonética árabe, un tema que interpretado por cualquier otro artista hubiese sido de un ridículo espantoso, aquí se convierte en una fantástica manera de iniciar un album. La rock “Bicycle Race” nos vuelve a poner en la onda característica del grupo, a renglón seguido llega la descarada “Fat Bottomed Girls”, la versátil y el tema mas exitoso del album “Don´t Stop Me Now”, la hard rock “Let Me Entertain You” y las poderosas “If You Can´t Beat Them” y “Dead On Time”. Por el lado melancólico estan las baladas “Jealousy” con ese extraño sonido exótico, ademas de “In Only Seven Days” y “Leaving Home Ain´t Easy”, estas ultimas las composiciones de menor impacto pese a su innegable calidad. Con este album se acabaría la mejor epoca, la de mayor esplendor musical del grupo, y empezara otra de menor calidad compositiva, pero sin embargo de mayor éxito comercial, con algunos momentos de gran rock, pero muy alejados de sus obras de los 70.

lunes, 15 de marzo de 2021

Meat Loaf-Dead Ringer (1981)

La carrera de Meat Loaf es bien conocida por todos, este cantante y actor no solo es famoso por la trilogía de albumes “Ball Out Hell” de la cual ha vendido cerca de los cincuenta millones de copias, sino también por una carrera repleta de otros enormes albumes enfocados al rock pomposo y épico. Nacido en 1947 en Dallas, este cantante ha publicado cerca de la treintena de discos y ha participado en un centenar de películas entre el cine y la TV.
En 1981 publicaría su segundo album, “Dead Ringer” que antes de su publicación ya venia lastrado por el predecesor y monumental “Ball Out Of Hell”, considerado una de las obras maestras del rock de todos los tiempos. Para este segundo trabajo el cantante ya no contaría con el productor y uno de los principales artífices del éxito del anterior album, Todd Rundgren, sin embargo eso no fue un impedimento para que Meat Loaf no volviera a crear otro grandioso disco, si bien es cierto que sin llegar a las excelencias del anterior, pero sin duda de un nivel sobresaliente.
Su mano derecha, el compositor Jim Steinman volvería a ser parte fundamental en este disco, dotando el sonido de este album hacia derroteros mas comerciales y menos épicos.
Para este nuevo album Loaf se rodearía de un selecto grupo de músicos como los guitarristas Mick Ronson y Davey Johnstone, los teclistas Roy Bittan, Larry Fast y Nicky Hopkins, los baterias Max Weinberg y Liberty DeVito o la cantante Cher.
Menos complejo que la anterior obra, “Dead Ringer” muestra otro album soberbio en donde destacan los duetos vocales “Dead Ringer For Love” o “Peel Out” o poderosos rock con majestuosos coros como “I´m Gonna Love Her For Both Of Us”, o "I´ll Kill You If You Don´t Come Back” o la increscendo y hermosa “Everything Is Permitted”.

domingo, 14 de marzo de 2021

Appaloosa-Appaloosa (1969)

El único album de Appaloosa fue uno de los mas sobrios ejercicios de folk barroco de finales de los 60, un estilo que estaba muy extendido en esa epoca y que describía perfectamente un folk fusionado con la música clásica sinfónica. Surgidos de la escena folk de Boston, este grupo estaba compuesto por el guitarrista y vocalista John Parker, el cual también era el principal compositor, el bajo David Raiser y Robin Batteau y Eugene Rosov, ambos instrumentos de cuerda. Durante algun tiempo esta banda se concentro en pequeños conciertos en las Universidades de Cambridge en Boston e incluso llegaron a telonear a Tim Hardin en alguna ocasión, antes de mudarse a Nueva York en donde se pusieron en contacto con Al Kooper quien después de escucharlos les ofrece un contrato con la Columbia para grabar un LP. Publicado en 1969 el album hononimo contaría con la producción del propio Al Kooper quien incluso participaría en la grabación tocando varios instrumentos, ademas de otros músicos de sesión de los estudios de la propia Columbia en Nueva York. Las once canciones que se incluyen, personifican el folk rock de la zona de Boston, con ciertas similitudes a lo que hacían Earth Opera o James Taylor. El tema inicial "Tulu Rogers" es una deliciosa pieza de folk campestre con influencias de Bach, en esa misma onda aparece "Pascal´s Paradox", mientras la nostálgica "Yesterday´s Road" o las jazzisticas "Thoughts Of Polly", "Billy-Weekly" o "Now That I Want You" llevan el sello inconfundible de Al Kooper, "Rosalie" por su parte es un folk con acercamientos al country. Pese a la increíble calidad de este album, pasaría totalmente desapercibido, aunque su legado quedaría como un modelo a seguir para algunos artistas posteriores del folk barroco.

sábado, 13 de marzo de 2021

The Outlaws Blues Band-The Outlaws Blues Band And The People (1968)

The Outlaws Blues Band fueron otra de las bandas punteras de blues rock de finales de los sesenta, rivales directos de coetáneas como Canned Heat, que pese a ello han sido olvidados durante décadas y están siendo redescubiertas por los fanáticos del blues y el jazz.
Formados en los Angeles a principios de los 60 por el bateria Victor Alemán, el bajista Joe Francis Gonzalez y el guitarrista Phillip John Diaz, ellos estaban influenciados por los grandes del blues, el R&B y el soul como Sam Cooke o Muddy Waters, al que les agregaron sonidos provenientes de la invasión británica. Un tiempo mas tarde cuando empezaron a construir una solida reputacion gracias a sus dinámicos directos, la banda firmo un contrato con el sello Bluesway Records, subsidiaria de ABC y graban los albumes "The Outlaw Blues Band and The People" en 1968 y "Breaking In" en 1969, ambos con el legendario productor Bob Thiele. Su album debut se iniciaba con una versión particularmente funky del blues grasiento "Tobacco Road", a continuación mostraban la faceta mas blues con "Tried To Be A Good Boy", con sonidos jazzisticos gracias a la flauta del tenor Joe Whiteman. Mientras tanto la banda demuestra su ecléctico estilo con la soul blues "How Bad Love Can Be", la abrasadora "Lost In The Blues" , o la caótica instrumental "Death Dog Of Doom" de ocho minutos, en donde combinan perfectamente blues, rock, jazz, funk y soul con influencias latinas y un toque salvaje. La versión del tema de B.B.King "Sweet Sixteen" tocada de manera sedosa y ahumada y la cacofónica "Two Tranes Running" cierran un disco memorable, una mezcla viva y única de blues, rock, jazz y soul , con unas composiciones multirraciales y una profunda influencia y mezcla de los sonidos de la Electric Flag, Paul Butterfield Blues Band, Santana o The Allman Brothers Band.

viernes, 12 de marzo de 2021

Black Cat Bones-Barbed Wire Sandwich (1970)

"Barbed Wire Sandwich" fue la única grabación de Black Cat Bones, una banda británica formada en 1966, que se forjaría durante algun tiempo como banda de apoyo de algunos viejos bluesman norteamericanos que vivieron una segunda juventud en Inglaterra, gracias al fenómeno revival del blues, en particular Champion Jack Dupree. En la primera formación de Black Cat Bones se encontraban el guitarrista Paul Kossoff, el bateria Terry Sims, el vocalista Paul Tiller, el bajista Stuart Brooks y su hermano el guitarrista Derek Brooks. Algun tiempo después el bateria Simon Kirke reemplazaría a Sims. Gracias al dueño del sello Blues Horizon, Mike Vernon, consiguen ser la banda de apoyo del mencionado Champion Jack Dupree en un tour por el Reino Unido. Una vez acabada Simon Kirke y Paul Kossoff abandonan la banda para junto a Paul Rodgers y Andy Fraser formar el núcleo de Free. Con una nueva alineación formada por Brian Short como vocalista, Rod Price como guitarra, el bateria Phil Lenoir, Stu Books al bajo y el guitarrista rítmico Derek Brooks, Black Cat Bones entran a grabar su album debut que seria publicado por el sello Deram, la división progresiva de la discográfica Decca. "Barbed Wire Sandwich" publicado en 1970, es un album que esta sostenido en una serie de composiciones de estructuras simples pero efectivas e irresistibles. El trabajo de Price con la guitarra es encomiable, con un sonido que se vuelve refinado al mismo tiempo que agudo, áspero y saturado, con unos riffs pesados y contundentes. Desde la inicial "Chaffeur" un robusto heavy blues, seguido por el soberbio "Death Valley Blues" o los densos "Save My Love" y "Good Lookin´Woman", Black Cat Bones muestra una consistencia envidiable y una solida compenetracion entre todos sus miembros. Sin embargo la psicodélica "Four Women" y el blues acústico "Sylverrster´s Blues" difieren bastante del resto del album, restando algo de coherencia y equilibrio al resultado final. Aun así "Barbed Wire Sandwich" es uno de los discos mas interesantes del heavy blues británico de finales de los 60, y pese a su horrenda portada (una de las mas feas que se conocen) su legado a perdurado como el germen en muchas bandas posteriores, nostálgicas de una epoca que nunca vivieron.

jueves, 11 de marzo de 2021

Roxy Music-Avalon (1982)

"Avalon" fue el ultimo album de Roxy Music, y su obra maestra, un trabajo tan exquisito como elegante, al mismo tiempo seria su disco mas exitoso a ambos lados del Atlántico. Pero para llegar hasta este album perfecto de sofistificacion musical, Roxy Music había navegado durante casi 10 años por las aguas de diferentes estilos, desde sus inicios con cierta pluma glam hasta el pop rock, pasando por la música vanguardista o el art rock, y pese a que sus albumes siempre fueron bien recibidos por los fans y la critica, también es cierto que alternaron obras de grandisima calidad con otras mas previsibles. Liderados por el refinado y tremendamente primoroso Bryan Ferry, la banda se había convertido en trío junto a los inseparables Phil Manzanera y Andy Mackay, los tres únicos miembros que siempre permanecieron desde sus inicios. Para este album contarían ademas con la colaboración de Paul Carrack, Rick Marotta, Neil Hubbard, Neil Jason o Andy Newmark entre otros y con la producción de Rhett Davis, afamado ingeniero que ya había estado al frente de obras tan emblemáticas como “Selling England By The Pound” de Genesis, “Snow Goose” o “Moonmadness” de Camel o el primer album de Dire Straits. “Avalon” es un disco que reboza de excelentes armonías con unas insuperables melodías, empezando por la hipnótica y adictiva “More Than This”, o la irresistible” The Main Thing”, mientras temas como la serena “Avalon” con una sugerente instrumentación, la contagiosa “Take A Chance With Me”, la apasionada “White My Heart Is Still Beating”, la atmosférica “True To Life” o la rítmica “The Space Between” constituyen un album tan magistral como imprescindible.

miércoles, 10 de marzo de 2021

Pretty Maids-Future World (1987)

"Future World" fue el segundo album de los daneses Pretty Maids, la obra que les abriría el mercado americano y junto a su album debut "Red, Hot And Heavy" sus dos mejores contribuciones al hard rock y al heavy metal, al mismo tiempo que sus mas exitosos discos. Publicado en 1987, tres años después del mencionado debut, Pretty Maids orientan aquí su estilo hacia un sonido americanizado con grandes estribillos, guitarras contundentes y afiladas, que junto con la interacción de los teclados consiguen estar entre los mejores del genero heavy metal de finales de los ochenta. Temas como las soberbias "Needles In The Dark" o "Loud N´Proud" se alternan con temas de corte mas melódico como "Eye Of The Storm" o " Long Way Go", claros temas AOR "Rodeo", o baladas heavy de claro signo épico como "Yellow Rain". A partir de aquí la banda publicaría grandes discos como el siguiente "Jump The Gun" (1990), en donde contaron con la colaboración de Roger Glover en la producción que triunfaron masivamente en paises como Japon o "Pandemonium (2010) con los que consiguieron un album realmente envidiable de gran heavy metal.

martes, 9 de marzo de 2021

Duncan Mackay-Chimera (1974)

Injusta y tristemente olvidado, Duncan Mackay es un teclista británico que grabaría varios albumes de rock progresivo sinfónico de grandísima calidad y que ademas participaría en obras de Camel o de Steve Harley & Cockney Rabel. Sus orígenes se encuentran en 1967 cuando finaliza sus estudios en la escuela de Shrewsbury en el condado de Shropshire al oeste de Inglaterra, allí consiguió graduarse en el violín, y pronto seria nominado como el violinista mas prometedor del Reino Unido. Sin embargo pronto cambiara ese instrumento por los teclados con los que también obtendría una gran notoriedad. Ya en 1970 fue invitado a unirse a la banda del pianista brasileño de jazz Sergio Mendez. En 1974 Mackay consigue que el sello Vertigo le publique su primer y su mejor obra "Chimera", un debut donde demuestra sus influencias mas notorias que estaban en los sonidos de ELP y The Nice, con unos sobresalientes teclados Hammond que envolvían toda su música. Compuesto por tres extensas suites "Chimera" comenzaba con la épica "Morpheus", en la cual el teclista muestra sus buenas dotes vocales en una pieza alegre y rítmica con momentos mas ásperos y viscerales, con pasajes orientados hacia terrenos jazzisticos e incluso cercanos al pop. La progresiva "12 Tone Nostalgia" es una brillante composición dominada por musculosos sonidos de Hammond, mientras la mastodontica "Song For Witches" es una memorable suite de pasajes progresivos al mas puro estilo de las primeras obras de los citados ELP, con sonidos psicodélicos y enigmáticos.
Tres años después Mackay publicaría su siguiente obra “Score”, otro formidable ejercicio de rock progresivo, pero a partir de ahí sus siguientes publicaciones serian de menor entidad, dedicando su carrera posterior a colaborar con grupos como The Alan Parsons Project, Budgie o Camel, en donde puso sus extraordinarios sonidos de teclados en el mítico album “Nude”.
"Chimera" es una de las joyas ocultas del rock progresivo que ha pasado totalmente inadvertida ante tantas obras maestras de grupos y artistas coetaneos mas mediaticos y consagrados. 

lunes, 8 de marzo de 2021

Deep Purple-Made In Europe (1976)

Para cuando se publico el album en vivo “Made In Europe”, Deep Purple ya prácticamente se habían disuelto, de hecho este disco fue publicado a modo de epitafio por la Purple Records y publicado por EMI meses después del ultimo album de la banda en los años 70, “Come Taste The Band”. Si la denominada Mark II ( Glover, Blackmore, Gillan, Lord y Paice) habían publicado su directo, el fabuloso “Made In Japan”, esta formación, la Mark III, compuesta por Blackmore, Lord, Paice, Coverdale y Hughes también tendría su album en vivo, grabado durante la gira del album “Stormbringer” en el mes de abril de 1975 en Alemania y Austria. Concretamente serian los tres últimos shows que la banda daría y por lo tanto los últimos del guitarrista Ritchie Blackmore antes de largarse para fundar Rainbow ese mismo año. Lastrado continuamente por el mencionado  “Made In Japan”, este directo muestra aun la grandeza que Deep Purple conservaba por entonces. Las soberbias interpretaciones de las gloriosas “Burn” y “Mistreated” son por si solas motivo para considerar este album como digno colofón a la carrera del grupo en esa década. El resto de temas que componen este directo no le va a la zaga, la frenética “Lady Double Dealer” muestra las capacidades vocales de Coverdale y Hughes con un Blackmore pletórico a las seis cuerdas, “You Fool No One” se convierte en una especie de jam para las diabluras de un excelso Blackmore y las extraordinarias capacidades de Paice a las baquetas, acabando con la portentosa “Stormbringer”. Con esta obra se acabaría Deep Purple en los 70, dejando así huérfanos a los fans de la banda...al menos durante casi diez años cuando volverían a reunirse para el esperado regreso con el portentoso “Perfect Strangers”, pero mientras tanto la saga Purple seguria adelante con los mencionados Rainbow, Whitesnake o Ian Gillan Band que llenarían ese hueco de manera extraordinaria, hasta el retorno de la mejor formación de los Purple en 1984.

domingo, 7 de marzo de 2021

Love Sculpture-Blues Helping (1968)

Dave Edmunds suele estar históricamente asociado a la new wave y al pub rock. Conocido por liderar la banda Rockpile en los 70 y una fructifera carrera en solitario en los ochenta, en sus inicios sin embargo y mucho antes de su enamoramiento de los sintetizadores y las producciones elegantes de los ochenta, lideraba una banda de blues olvidada llamada Love Sculpture. Con esta banda fundada en 1966 e inspirada en el estilo de los Bluesbrakers de John Mayall o los Fleetwood Mac de Peter Green, Dave Edmunds dio forma a uno de los germinales y mas poderosos trios de blues rock de la epoca. Junto a la guitarra y voz de Dave, estaban John Williams al bajo y el bateria Bob Jones. Estos tres músicos ya tenían suficiente experiencia al haber tocado en bandas como The Riders y Human Beans, la primera con un estilo orientado al rockabilly y la segunda al blues clásico. Después de firmar un contrato con el sello Parlophone de EMI Odeon, publicaron su album debut en medio de la efervescente escena del blues británico, que ademas de las citadas Fleetwood Mac y la banda de John Mayall estaban Savoy Brown y Cream entre otras muchas. Este primer album titulado “Blues Helping” contenia una gran colección de estándares de blues y R&B, y una composición propia de Edmunds, creada como escaparate para sus excelencias con las seis cuerdas. Un album que con la inicial y vertiginosa versión del blues de Freddie King “The Stumble” ya demostraba el temple de la guitarra de Edmunds, a la que siguen la cadenciosa “I Believe To My Soul” de Ray Charles o el estridente rhythm and blues “So Unkind” original de Elmore James. La extraña “Summertime” de George Gershwin proporciona el momento psicodélico del disco que contrasta con la saturada versión del clásico “On The Road Again” que tan famosa hicieran los míticos Canned Heat, mientras “Don´t Answer The Door” es una correcto blues interpretado con feeling y mucha pasión por parte del power trío, para terminar con “Blues Helping” la única composición original en donde Edmunds presenta una infinidad de notas aceleradas y vertiginosas con su guitarra. Dos años después llegaría el segundo album “Forms and Feelings”, un intento algo descafeinado de repetir la hazaña de este primer album que pasaría sin pena ni gloria provocando la disolución de la banda a finales de 1970.

sábado, 6 de marzo de 2021

Werwolf-Creation (1982)

Seguimos con la serie de bandas "desconocidas", esta vez con los alemanes Werwolf que fue fundada en Sauerland en 1970 por el bateria y vocalista Peter Besting, el guitarrista Hartwig Kugoth y el bajista Peter Lorenz. Durante un tiempo fueron un trio, hasta que en 1972 entraría el teclista Jürgen Göckle, Michael Schlimm en el saxofón y flauta y la cantante Ellen Wiederstein. Con esta formación Werwolf grabaron una maqueta para distribuirla entre diferentes ellos discográficos y así conseguir un contrato, pero sin éxito. En esos años la banda se enfocaría en los directos, girando con bandas como Birth Control o Eloy. No seria hasta 1982 cuando publicaron su primer album "Creation" en donde solo aparecía Peter Besting de la formación original. En este debut discográfico Wearwolf se orienta hacia los sonidos del folk progresivo con agradables guitarras acústicas y la encantadora voz de su cantante Gitta Loewenstein, la cual contiene cierto parecido vocal a la británica Annie Haslam de Renaissance. Ademas de la voz de Loewenstein, los aspectos mas destacados de este album provienen del gran trabajo del guitarrista Gerd Heuel y los teclados sinfónicos de Wolfgang Unthan. Temas extensos con grandes desarrollos y los continuos cambios de ritmo, le dan una cierta sensación de música hecha en los setenta y no en los ochenta, algo que se entiende al ser composiciones escritas muchísimo antes de ser grabadas. "The Journey To The Land Of The Flying Pigs" o "Daydream" son claros ejemplos de ello, mientras "The Eight Day", "The Song" o la inicial "Höhenflug" son complejas composiciones progresivas con un sonido mas acorde a la década que fue grabado.

viernes, 5 de marzo de 2021

The Gary Moore Band-Grinding Stone (1973)

Gary Moore fue uno de los grandes guitarristas de la historia que influenciado principalmente por el blues se adentro en terrenos mas duros como el hard rock o el heavy metal, e incluso tuvo acercamientos al jazz rock progresivo.
Los inicios de Gary Moore se remontan a finales de los sesenta cuando procedente de Belfast y con tan solo 17 años se incorporó a la banda Skid Row (no confundir con la banda del mismo nombre de origen norteamericano de la década de los ochenta).
Con esta banda Gary Moore grabaría tres discos y se haría conocido girando para bandas consagradas como Mountain o The Allman Brothers por todos los Estados Unidos.
Ya en 1973 Gary Moore decidió fundar su propia banda bajo el nombre de The Gary Moore Band, con la cual graba su primer disco titulado "Grinding Stone", donde el guitarrista irlandés ya daba muestra de lo que vendría en los años siguientes.
"Grinding Stone" es un magnífico disco de hard rock y blues psicodélico con destacadas composiciones como el tema de apertura "Grinding Stone", un instrumental psicodélico donde Moore muestra su talento con las seis cuerdas, la épica con tintes progresivos "Spirit" o la Boogie Blues "Boogie My Way Back Home".
A partir de aquí Gary Moore no dejaría de publicar discos con distintas formaciones como la banda de jazz rock progresivo Colosseum, Thin Lizzy o publicando discos en solitario, donde alternaria discos de hard rock y metal con otros de blues tradicional e incluso se adentro en mas de una ocasión en los ritmos y melodías de la música tradicional de Irlanda, su tierra natal.
En 2011 Gary Moore fue hallado muerto en una habitación de un hotel de Malaga consecuencia de un ataque al corazón mientras dormía, tenia 58 años de edad y mas de cuarenta en su carrera dentro de la escena musical.

jueves, 4 de marzo de 2021

Led Zeppelin- II (1969)

A finales de 1969 Led Zeppelin publicaban su segundo album, ese mismo año, 9 meses antes, en enero habían debutado con su soberbio y ya mítico “Led Zeppelin I”, obra que cambiaría para siempre el devenir de la musica rock. Para este segundo album “Led Zeppelin II” la banda demostraba con creces que no eran flor de un día, en un trabajo tan apabullante como unico en donde imprimen mucha mas dosis de hard rock a diferencia de su antecesor en donde los sonidos blues eran el denominador común. Con una inicial y tan rotunda como legendaria "Whole Lotta Love", con sus riffs, convierten a esta canción en una de los estandares del heavy metal, la exquisita y monumental “What Is And What Should Never Be” abre la puerta para otra de las joyas del disco, la blues rock majestuosa  “The Lemon Song”. Después de semejante arsenal llega “Thank You” una balada aterciopelada que de alguna manera desencaja en la tónica general de este album, llega uno de los riffs mas asesinos de Jimmy Page, “Heartbreaker”, otra de las canciones iconicas del cuarteto, por su parte “Living Loving Maid (Sheis Just A Woman), es la otra pieza menor del album, un rock´n´roll de buena factura que es la antesala de “Ramble On” otro de sus clásicos temas legendarios el cual casi enlaza con la arrolladora “Moby Dick” con un Page antologico y un Bonham virtuoso, y cuando todo parece ya acabado aparece para terminar “Bring It On Home” con otro riff incendiario de Page con un ritmo contagioso y juguetón con la cual acaban un album monumental y soberbio como pocos se han publicado jamas y que junto al mencionado debut removieron los cimientos del rock.

miércoles, 3 de marzo de 2021

Point Blank-The Hard Way (1980)

Point Blank se mantienen como una de las bandas mas infravaloradas de la escena del southern rock de la década de los 70, pese haber publicado seis grandes albumes entre 1976 y 1982, que fueron muy bien considerados por la critica y bien recibidos por el publico.
Originarios de Texas, Point Blank nacieron de las cenizas de Southpaw, una banda local del área de Dallas, fundada oficialmente en 1974 por los guitarristas Rusty Burns y Kim Davis, el bateria Buzzy Gruen, el cantante John O´Daniel y el bajista Philip Petty. Su estreno discográfico "Point Blank" fue publicado en 1976, en donde ya mostraban sus credenciales de poderoso rock sureño a la misma altura que otras coetáneas como Molly Hatchet o Blackfoot. Después de su siguiente trabajo "Second Coming" (1977) la banda rompe con el sello Arista y firman con la MCA con quienes graban el estupendo "Airplay" (1979) que contiene el clásico del rock sureño "Mean To Your Queenie".
Un año después llegaría "The Hard Way", y en el la banda muestra un sonido mas duro, con esos dobles y poderosos riffs de guitarras, una furia contenida y muy buenas composiciones del mejor southern rock. En "The Hard Way" destacan la inicial y melódica "On The Run", el boogie rock "Point Blank", la blues rock "Wrong To Cry / Thank You Mama" o una excelente y "sureña" versión del clasico de Deep Purple "Highway Star". Este disco tuvo muy buena recepción en las listas de éxitos y una gran difusión en la estaciones de radios FM norteamericanas.
A partir de aquí la banda sufre sus primeras bajas en su formación como el vocalista O´Daniel, descontento por la orientación cada vez mas AOR de la música del grupo, como puede verse en su album "American Exce$$". No obstante este ultimo album se convirtió en su mayor éxito comercial, y su tema "Nicole" escalo los puestos altos de las listas de éxitos del rock melódico  Poco después de su album "On A Roll" (1982) la banda se disuelve definitivamente, hasta el año 2005 cuando se reunirían para un concierto benéfico, permaneciendo juntos hasta la actualidad e incluso publicando nuevos albumes como el directo "Reloaded" (2007) o "Volume 9" (2014), y con continuas giras alrededor de los Estados Unidos y Europa.

martes, 2 de marzo de 2021

Sweet-Off The Record (1977)

Iconos del glam rock y toda una institución en Gran Bretaña, Sweet, fue una de las mejores bandas británicas de todos los tiempos, a pesar de que durante sus doce años de carrera (1968-1981) su estilo fue diversificando hacia otros estilos como el hard rock o sonidos mas comerciales y melódicos. En sus inicios, a principio de los 70, con su poderoso estilo de glam rock anegaron las listas de éxitos con algunas canciones clásicas y míticas como "The Ballroom Blitz", "Blockbuster", “Fox On The Run”, o “Teenage Rampage”.
Pero sin embargo a partir de la mitad de la década, el declive de la banda parecía cada vez mas cerca, los gloriosos días del glam se habían acabado y el glamour de aquel movimiento tan irresistible ya no volvería, tragado por los sonidos de la música disco, el rock progresivo o el heavy metal. En 1977 publicaban "Off the Record" su quinto álbum que contra todo pronóstico fue uno de sus discos más emblemáticos, grabado con grandes dosis de hard rock y melodías cercanas al heavy metal, pero sin abandonar su estilo inconfundible de glam rock.
Canciones pegadizas con poderosos riffs de guitarras como “Fever Of Love” y “Lost Angels”, contundentes temas de hard rock “Live For Today” o “Midnight To Daylight”, o heavy glam aplastantes como “Windy City”, “She Gimme Lovin´” o “Hard Times”, con incluso acercamiento a los sonidos mas comerciales con la funky “Funk It Up”, demostraron que con este album y que a pesar de que su epoca de gloria ya había pasado, Sweet aun mantenían el empuje suficiente y la creatividad precisa para continuar en lo mas alto y dejar su impronta a modo de un legado incuestionable, el cual seria imitado por innumerables bandas del metal pop de la siguiente década de los ochenta.

lunes, 1 de marzo de 2021

Hunger-Strickly From Hunger (1968)

Hunger fueron una excelente banda de rock psicodélico, musicalmente emparentados con The Doors, Jefferson Airplane o Strawberry Alarm O´Clock, que tuvieron su momento de gloria en la escena californiana de finales de los 60. Sus orígenes fueron en Portland, Oregon, a mediados de los sesenta y ya casi a finales de la década se trasladaron a Los Angeles  donde comenzaron a ganarse una gran reputacion entre la floreciente escena psicodélica hippie de la costa oeste. Durante ese tiempo abren conciertos para Cream, Frank Zappa o The Byrds. En 1968 publicaron su único album "Strickly From Hunger", en donde sus largas pausas instrumentales impulsadas por los sonidos de órgano y las penetrantes lineas de guitarra, les confieren un estilo muy cercano a la banda de Jim Morrison. Buena muestra de esa influencia son los temas  "She Let Him Continue" un rock psicodélico con diferentes efectos de sonidos, la instrumental "Portland" o la siniestra "Colors". En "Strickly From Hunger" se pueden escuchar elementos de casi todos los géneros (jazz, blues, pop, rhythm & blues) entremezclados en cada canción, aunque su escucha debe ser detenida para saborear los matices de cada una. Cada canción sirve como un excelente ejemplo de la polinización cruzada de géneros. Hunger fueron mucho mas que una simple banda de rock psicodélico, llamados a ser estrellas, si el destino no se hubiera interpuesto en su camino, con una serie de lamentables acontecimientos como el robo de todo su equipo en varias ocasiones, entre otros desafortunados hechos, que tal vez la hubieran convertido en una banda importante, tan respetada e influyente como sus contemporáneos de la costa oeste.