jueves, 29 de diciembre de 2022

Poco-Legend (1978)

Para cuando la banda norteamericana de country rock Poco, publico su onceavo álbum “Legend”, su formación prácticamente no tenia nada que ver con la que nueve años antes debutara con “Pickin´Up The Pieces”. En todos esos años transcurridos, habían sufrido innumerables cambios, con un ir y venir de músicos entre los que estaban Randy Meisner, Jim Messina, Richie Furay o Timothy B. Schmit entre otros muchos mas.
Sin embargo este onceavo álbum fue producto de un hecho casual y oportuno debido al fracaso comercial que supuso el anterior “Indian Summer”, publicado en 1977.
Por aquel entonces la banda estaba formada por Paul Cotton, Rusty Young, Timothy B. Schmit y George Grantham, sin embargo poco después del lanzamiento del mencionado “Indian Summer”, Schmit recibe la llamada de The Eagles, para sustituir a Randy Meisner y con ello se sumaba así a la larga lista de músicos que abandonaron la banda, quedando esta, como trío y además en medio de una gran crisis creativa y de malos resultados comerciales.
Con este panorama Paul Cotton y Rusty Young deciden seguir por su cuenta, formando el grupo Cotton-Young Band, contratando para ello al batería Steve Chapman y al bajista Charlie Harrison. Una vez tuvieron el material suficiente para grabar un álbum, la discográfica ABC, propietaria de los derechos de autor de Cotton y Young, accede de buen grado a su grabación y posterior lanzamiento, siempre y cuando fuera firmado bajo el nombre de Poco. Esto provoca que el tercer miembro oficial de la banda, George Grantham quedara fuera de la nueva formación de manera unilateral.
Un álbum en donde destacan sobresalientes cortes envueltos en un estilo cercano al pop rock como las enérgicas “Boomerang” y “Legend”, la fascinante “Crazy Love”, la preciosa “Heart Of The Night”, la melódica “Spellbound”, la pop rock “Little Darlin” o las arrebatadoras “Love Comes Loves Goes” y “The Last Goodbye”, todas ellas evocando el sonido de bandas coetáneas como The Eagles, America o Crosby, Stills & Nash, por su irresistible juego de voces y sus melodías cristalinas y cautivadoras.
Comercialmente “Legend” se convirtió en su álbum mas exitoso, entrando en el top 20 del Billboard, logrando varios discos de oro por sus ventas y al mismo tiempo se convirtió en el que daba comienzo a su época mas comercial, con un previsible country pop enfocado a las listas de éxitos.


lunes, 26 de diciembre de 2022

Uriah Heep-Demons and Wizards / The Magician´s Birthday (1972)

En 1972 Uriah Heep lanzaría ese mismo año sus dos últimos álbumes orientados al hard rock progresivo como son “Demons and Wizards” y “The Magician´s Birthday”, publicados con una diferencia siete meses.
Con “Demons and Wizard” y “The Magician´s Birthday”, Uriah Heep se aseguro su posición dentro del mundo del rock, como maestros de heavy metal con influencias góticas, con unos álbumes que contienen una serie de temas afilados de hard rock combinado con otras de carácter progresivo, con desarrollos épicos y densos, cortes melancólicos y oscuros, y baladas sublimes repletas de belleza, todo ello envuelto de manera conceptual en viajes fantásticos y mitológicos como demuestran las dos portadas de carácter medieval e imaginario diseñadas por Roger Dean.
El comienzo de “Demons and Wizard” no puede ser mas espectacular con la melódica y grandilocuente “The Wizard”, a la que le siguen las hard rock “Traveller In Time” y “Easy Living”, o la compleja y sobresaliente “Circle of Hands”, para retomar el hard rock con dos nuevos trallazos como son “Rainbow Demon” y “All My Life”. Como colofón nos encontramos con la suite apoteósica “Paradise/ The Spell”, que dividida en varias partes, comienza de manera atmosférica y melancólica, para convertirse en un contundente tema de hard rock progresivo liderado por un órgano omnipresente y una guitarra al mas puro estilo floydiano.

Siete meses después la banda lanzaba “The Magician´s Birthday”, para muchos la continuación natural al anterior, e incluso muchos consideraron que los temas aquí incluidos, fueron desechados para el anterior “Demons and Wizard".
Fuera como fuera, este “Magician´s Birthday” sigue la estela conceptual de la mitología fantástica del anterior, y comienza al igual que aquel, de manera sublime con la poderosa hard rock “Sunrise”. El resto de temas son generalmente mas cortos y de estructuras musical menos complejas, a excepción del tema que da titulo al álbum, el cual retoma las historias de magias y fantasías históricas del anterior y muestra esa faceta de hard rock progresivo. Entre el resto destacan “Spider Woman” con ese tono boogie rock, la efectiva “Sweet Lorraine” o la nostálgica “Tales”, que junto a melancólica “Rain” y la oscura “Echos In The Dark” otorgan un tono mas sombrío y melancólico a este álbum, aunque bastante alejado musicalmente del mas vigoroso y animado predecesor.

viernes, 23 de diciembre de 2022

Utopia-Todd Rundgren´s Utopia (1974)

En 1973, el guitarrista, compositor y productor Todd Rundgren, formo la banda Utopia, alternado los trabajos de esta formación con sus propios lanzamientos en solitario de manera paralela.
Su primer álbum contaría con una formación que ya nunca se volvería a repetir en ninguno de los posteriores lanzamientos de la banda, compuesto por tres teclistas, Mark Klingman, Ralph Schuckett y Jean-Ives Labat, el bajista John Siegler y el batería Kevin Ellman, además de la guitarra y la producción del propio Todd Rundgren.
“Todd Rundgren´s Utopia” consta de cuatro temas, dos de ellos exceden de los diez minutos, mientras en el lado dos del Lp aparece una suite de media hora de duración. Un álbum repleto de sonidos de sintetizadores psicodélicos burbujeantes, baterías hiperactivas y unas guitarras abrasadoras, con sonidos que van desde el jazz rock mas enérgico, los sonidos contundente del heavy rock y unas estructuras progresivas y vanguardistas.
Rundgren conseguiría lo imposible con este álbum, superando a casi todas las demás bandas progresivas en términos de destreza instrumental y el tono épico, empezando por la monumental “The Ikon”, 30 minutos de rock progresivo de exceso total, la cósmica “Utopia Theme”, la dinámica “Freedom Fighters” y el funk aterrador y progresivo “Freak Parade”.
Un disco que funciona asombrosamente como lo hace, es solo producto de la mente de un genio como Rundgren, que junto a otros cinco talentosos músicos consiguieron realizar una de las obras maestras del rock progresivo de todos los tiempos.

martes, 20 de diciembre de 2022

Dire Straits-Communique (1979)

Después de su exitoso álbum debut, Dire Straits tenían la posibilidad de consolidar de modo convincente que eran una de las bandas mas solidas y prometedoras de finales de los setenta y principios de los ochenta.
Con un Lp compuesto por nueve temas, Mark Knopfler intentaba dejar claro su propuesta y su estilo, aunque a posteriori recibiría unas malas criticas por parte de la prensa por considerarlo una mera copia continuista de su primer disco.
Con una portada mágica y ensoñadora, la cual obtendría el premio a la mejor portada del año concedida por la revista británica New Musical Express, este álbum se inicia con una magistral intro de guitarra de Knopfler en la sensacional “Once Upon A Time In The West”, con ese sonido heredado de J.J.Cale, a la que le siguen las intimistas “News” y “Where Do You Think You´re Going” o “Communique”, un guiño lejano al sonido del gran Bob Dylan. Mientras “Lady Writer” sigue una estela parecida al monumental “Sultans Of Swing”, pero sin llegar a su excelencia instrumental, mientras el álbum acaba con tres de las mejores composiciones del disco como son la folky “Portobello Belle”, la encantadora y oscura “Single Handed Sailor" y la irresistible con sonidos bluesy “Follow Me Home”.
Pese al varapalo de gran parte de la critica especializada, el álbum conseguiría alcanzar unas cifras cercanas al millón de copias vendidas a nivel mundial.


domingo, 18 de diciembre de 2022

The Parlour Band-Is a Friend? (1972)

The Parlour Band fue una oscura y olvidada banda británica originarios de la isla de Jersey, frente a las costas de Normandía. En 1972 debutaron discográficamente bajo el sello progresivo Deram, subsidiaria de la Decca Records, que pese a no estar encuadrados dentro de los sonidos puramente progresivos, si es cierto que tenían ciertas similitudes con las bandas coetáneas del sonido Canterbury.
Su formación original estaba comprendida por el vocalista Peter Filleul, quien además se encargaba de los teclados y las guitarras acústicas, el batería Jerry Robins, el bajista y voces Mark Ashley, el guitarrista Craig Anders y el cantante y segundo guitarrista Pix.
Su estilo estaba impregnado de coloridos arreglos y una gran variedad de sonidos, todo ello envuelto en un pop-rock suave y melódico, con unas destacadas voces armónicas.
Su único álbum titulado "Is A Friend?" comenzaba con la enérgica "Forgotten Dreams" en donde destacan un tintineante órgano hammond y los poderosos riffs de guitarras, la siguiente "Pretty Haired Girl, es una memorable y brillante pieza pop, mientras la somnolienta bluesy "Springs Sweet Comfort" muestra el lado psicodélico de The Parlour Band. En el resto del álbum destacan la alegre "Follow Me", la celestial y bucólica "Evening", la folk pop "Don´t Be Sad" y la mini suite con tonos progresivos "Home", con la cual dan por finalizado un magnifico y olvidado trabajo de una banda que después de este lanzamiento cambiarían su nombre por The O Band, con un estilo mas enfocado hacia los sonidos del rock melódico, publicando una serie de interesante discos hasta que en 1977 se disolvieron definitivamente.

jueves, 15 de diciembre de 2022

Jean-Michel Jarre-Oxygene 7-13 (1997)

En el mundo de la música rock, las segundas partes de un álbum exitoso no siempre fueron una continuación que tuviera primero una gran acogida y segundo, el prestigio de su predecesor.
Ejemplos hay muchos, desde los que fueron exitosos como el “Out Of Hell II” de Meat Loaf, o el “Tubular Bells II” de Mike Oldfield o hasta los rotundos fracasos o que fueron duramente criticados como “The Final Cut” de Pink Floyd, una clara secuela de The Wall, entre otras muchas.
En 1997 después de 20 años y siete álbumes de estudios, Jean Michel Jarre decidió continuar su antológico debut “Oxigene” de 1976, con una secuela a la que titulo “Oxigene 7-13”, en referencia a los naturales movimientos cronológicos que siguen al álbum original, el cual consta de seis piezas.
En esta continuación, Jarre muestra muchas similitudes entre ambos álbumes, con una producción dominada por los patrones melódicos habituales en el músico francés, sin que por ello suenen los típicos clichés, ni intente repetir los mismos esquemas sonoros, dándole un enfoque mas moderno debido a los sonidos tecnológicamente mas avanzados. Sin embargo Jarre renuncia en gran parte del elemento pasional original, sustituyéndolo por una considerable emotividad y un mayor dinamismo, logrando un álbum refinado y muy atractivo, aunque sin lograr superar su asombroso debut.

lunes, 12 de diciembre de 2022

Grand Funk-Survival (1971)

Con su cuarto álbum titulado “Survival”, Grand Funk lograrían su cenit popular y comercial con un trabajo mas refinado y técnico que sus intensas y poderosas obras anteriores, debido fundamentalmente a su exquisita y elaborada producción.
Tras tres discos legendarios como son su debut “On Time” de 1968 y los posteriores “Grand Funk” (1969) y “Closer To Home” (1970), la banda de Michigan se encontraba en su máximo apogeo con esa combinación de blues, psicodelia, boogie rock y hard rock primitivo con acercamientos al funk y al soul mas visceral, enalteciéndolos con todo ello a la cúspide de la música rock de principios de los 70.
En esta cuarta entrega la banda formada por Mark Farmer, Mel Schacher y Don Brewer, tuvo al habitual Terry Knight en las labores de producción y fue grabado durante el mes de marzo de 1971 y publicado un mes mas tarde por la Capitol Records. En el la banda muestra un elaborado y pulido sonido que si bien les resta la vigorosidad y la furia que habían mostrado hasta esos momentos, también es cierto que es mucho mas accesible y comercial.
La refinada “Country Road”, abre este álbum mostrando todo lo anteriormente dicho, mientras la psicodélica “All You´ve Got Is Money”, muestra las virtudes de Mark Farmer con su lisérgica guitarra y su desgarradora voz. En la seductora “Comfort Me”, se observa la multifacética creatividad del grupo con una sus mejores composiciones. Cerrando la primera cara, esta el tema de Traffic “Feelin´Alright”, aquí versionado de manera brillante con ese toque hipnótico y adictivo.
Ya en la parte final se encuentran la soul rock “I Want Freedom” y la atractiva medio tiempo “I Can Feel Him In The Morning”, que son la antesala de la demoledora versión del tema de The Rolling Stones “Gimme Shelter”, concluyendo un álbum que fue pasto de las criticas por su alejamiento de la visceral propuesta original de sus primeras obras, pero con una gran acogida por parte de sus fans y del publico en general, logrando con ello un extraordinario sexto puesto en las listas del Billboard norteamericano.

viernes, 9 de diciembre de 2022

Mad Dog-Down Of The Seventh Sun (1969)

En 1969 y en medio del efervescente movimiento psicodélico de California, surgirían Mad Dog, una banda que ese mismo año lanzarían uno de los álbumes mas interesantes de aquella época titulado "Down Of The Seventh Sun", pero que sin embargo no pasaría de una mera copia promocional para conseguir un buen contrato discográfico, que nunca llegaría a materializarse debido a la desidia de varias discográficas.
No obstante tres de los temas de este álbum serian utilizados posteriormente en una película de serie B norteamericana, titulada "Black Angels", una biografía no oficial de los míticos “Hell Angels”.
La formación de Mad Dog estaba compuesta por el guitarrista y voz, Howard Leese, el bajista Terry Gottlieb, el batería Steve Goldstein, el guitarra rítmico Vincent Murphy y el vocalista Gary Witkosky.
Durante sus primeros años, esta banda fue telonera entre otros de Captain Beefheart and The Magic Bus, y sus actuaciones no pasaron inadvertidas para algunos productores como Toomy Coe, un aventajado alumno de Phil Spector quien les produjo este álbum utilizando una novedosa tecnología llamada “Phasing Sound”, un sistema muy parecido al “Wall Of Sound” que el propio Phil Spector había creado por esa misma época.
Mad Dog estuvieron durante varias semanas en los estudios Mark IV de Los Ángeles y completarían este "Down Of The Seventh Sun", en el cual destaca la intervención del teclista de Ray Charles, Bags Costello, además de las coristas Clyde King, Venetta Field y Maxione Waters. Una vez grabado, los derechos de este álbum fueron comprados por diferentes compañías discográficas, pero por alguna razón, ninguna de ellas se decidió a publicarlo de manera oficial, pese a la calidad del mismo.
Posteriormente y sin un contrato discográfico, la banda desanimada decidió separase definitivamente. "Down Of The Seventh Sun" esta compuesto por una serie de cortes deudores del sonido californiano del acid rock y dejaron su impronta en temas de gran calibre como la sudorosa "Military Disgust", las folk rock "Suite For Two Guitars" y "For Huachuca Blues", la psicodélica "Ala Ala" o las hard rock "Everything´s Alright" o "The Fast Song".
Menospreciado y olvidado en los almacenes de las discográficas, "Dawn Of The Seventh Sun" fue postergado durante décadas hasta que muchos años después el sello RD Records hizo justicia y reedito este interesante álbum perdido en diferentes formatos como el CD y el vinilo.
Algunos años después Howard Leese seria uno de los fundadores de la mítica banda norteamericana Heart, con quienes publicaría algunos de los mejores discos del hard rock melódico de las décadas de los setenta y ochenta.

martes, 6 de diciembre de 2022

Pulsar-Halloween (1977)

Pulsar fueron una banda francesa de rock progresivo que fue fundada en 1971 en la ciudad de Lyon, justo en una época en donde el efervescente movimiento francés de prog rock estaba en su máximo apogeo.
Su formación estaba compuesta por el teclista Jacques Roman, el batería Victor Bosch, el bajista Philippe Roman, el guitarrista Gibert Gandil y el flautista y instrumentos de cuerda Rooland Richard.
Su debut discográfico llegaría en 1974 con el álbum “Polen”, el cual obtuvo unas favorables criticas pero al mismo tiempo sería un fracaso comercial. Dos años después regresaron con un segundo álbum “The Strands Of The Future”, uno de los hitos de la música progresiva gala en los años 70, el cual enriqueció el genero vanguardista en el mercado francés y europeo.
Influenciados claramente por el sonido de Pink Floyd, Pulsar rebosan de una personalidad propia y única, con esas obvias reminiscencias hacia la banda británica con su sonido atmosférico, etéreo y espacial.
En este segundo lanzamiento los movimientos de flauta tiene un uso mas marcado, que junto a los arreglos acústicos, las capas de sintetizadores y los mellotrones, dan un sonido ensoñador en donde se mezclan sonidos especiales, melodías psicodélicas y ambientes melancólicos.
Con la llegada de un nuevo bajista, la banda publica su tercer álbum “Halloween” tres años mas tarde, el cual esta considerado su mejor obra. “Halloween” consta de dos suites de múltiples movimientos, en las que la fascinación por los sonidos sinfónicos seguía creciendo, pero con el añadido de unos tonos mas densos y lúgubres.
Si con "The Strands Of The Future” el grupo lograba su madurez en busca de un estilo y un sonido propio, con “Halloween” fueron mucho mas allá, evolucionado hasta llegar a la conclusión de que esta es una de las joyas indiscutibles del progresivo francés, cuya especial belleza e inquietud es asombrosamente perfecta.

sábado, 3 de diciembre de 2022

Herbie Hancock-Crossings (1972)

"Crossings" fue el décimo álbum de Herbie Hancock y el segundo en su periodo "Mwandishi", su época en donde experimentaría con la electrónica y el funk. También fue el primero en donde el músico originario de Chicago contaba con un nuevo miembro en su banda, como era el teclista Patrick Gleeson, un experimentado músico con los sintetizadores, los mini moogs y la electrónica mas vanguardista.
Considerado uno de los mejores álbumes del jazz fusión abstracto, con sonidos electrónicos, poli ritmos africanos y una soberbia producción psicodélica, que presta mucha atención a cada detalle, para crear un estilo de jazz futurista. Un álbum que después de cuatro décadas sigue sonando increíblemente adelantado a su tiempo.
Compuesto por solo tres cortes, la primera cara esta enfocada en la extensa "Sleeping Giant", una enorme suite africana futurista que alterna intensas improvisaciones de avant-funk con partes mas oscuras. La interpretación de Herbie Hancock durante las improvisaciones abstractas son increíblemente intensas y muestra cómo es el maestro en la construcción de unos sonidos unidos y originales, demostrando que también es un genio de la composición y las orquestaciones modernas, utilizando su sección de trompetas y la electrónica para construir texturas mini-orquestales que recuerdan a clásicos como Stravinsky y Ravel. La capacidad de componer a un nivel tan sofisticado, es una de las cosas que hace que Hancock y los miembros de su banda “The Sextant”, estén a un nivel por encima de otros conjuntos psicodélicos de su época.
La segunda cara esta exclusivamente dedicada al virtuoso de los instrumentos de viento Bennie Maupin, quien también demuestra que sabe escribir y orquestar, al convertir dos increíbles y soberbias piezas en unas deliciosas melodías para los oídos.
La que primero aparece es la tensa y misteriosa "Quasar", la cual presenta una melodía de soprano futurista que es similar a la melodía clásica de Star Trek. Gran parte de la interpretación de esta canción es abstracta e improvisada, pero los músicos se mantienen tranquilos y concentrados y evitan los clichés indulgentes de improvisación. La música resultante es delicada y sensible, muy lejos del cliché del avant-jazz 'freak out', con unas melodías que a menudo nos recuerdan a Moussourgsky, Stravinsky y otros tantos del sonido de la música de cámara rusa o francesa de principios del siglo XX.
La segunda cara se cierra con "Water Torture", en la que una línea de bajo profunda y lenta doblada en el clarinete bajo suena como un cruce entre un ritmo funk lento y una composición rusa oscura, destacando la electrónica del Mellotron a cargo de Hancock y una sección de trompetas cuidadosamente orquestada logrando con ello un sonido orquestal futurista.
Sin embargo y a pesar de las soberbias interpretaciones instrumentales y la enorme composición, es el productor David Rubinson, el verdadero protagonista de este álbum, uno de los mas meticulosamente producidos con todas y en cada una de las notas, las reverberaciones, los ecos, el volumen…un trabajo titánico de minuciosidad al milímetro, consiguiendo con todo ello una obra maestra sonora absoluta

miércoles, 30 de noviembre de 2022

Fresh Blueberry Pancake-Heavy (1970)

Fresh Blueberry Pancake fueron un poderoso power trío originario de la ciudad de Pittsburgh, en Pensilvania. Fundado a finales de 1968, estaba compuesto por el bajista y cantante Tony Impavido, el guitarrista John Behrens y el baterista Geoff Rydell.
Este banda estarían fogueándose durante varios años en multitud de conciertos por el estado de Pensilvania, consiguiendo con ello, una amplia legión de seguidores, además de la suficiente cantidad de material original para grabar una maqueta de demostración.
En 1970 y con una edición limitada de medio centenar de copias, lanzaron el disco "Heavy", para su uso promocional y que fue auto producido por la propia banda. En este único álbum, este enérgico power trio, navega entre diferentes estilos que van desde el rock acido pesado; "Clown On A Rose" o "Hassles", hasta el blues rock psicodélico "Being In Town" o "Where´s The Sun", pasando por acercamientos al folk rock como queda demostrado en "Bad Boy Turns Good". Después del lanzamiento de esta demo, la banda acortaría su nombre a Pancake, y algún tiempo mas tarde terminarían disolviéndose definitivamente.
Este es otro de los discos muy codiciados por los coleccionistas, llegándose a pagar en diferentes subastas, sumas desorbitadas por una de las copias originales. S
in embargo muchos años después, mas concretamente en el 2003, el sello alemán Shadock Music, recuperaría las maquetas originales y los reeditaron en formato CD, con un nuevo diseño de portada a todo color, en detrimento de la austera y minimalista carpeta original.

domingo, 27 de noviembre de 2022

Neu!-Neu! ´75 (1975)

Neu ! es una de las bandas fundamentales de la escena del krautrock alemán, percusor entre otras cosas del famoso sonido “motorik”, y que en apenas tres años de carrera se convirtieron en leyenda en su país natal y en gran parte de la Europa continental. Formada a partir de la deserción de dos miembros originales de los también germanos Kraftwerk, el guitarrista Michel Rother y el percusionista Klaus Dinger, este dúo consiguió crear un estilo único en donde los paisajes evocadores son mas estimulantes que tranquilizantes, con unas melodías hipnóticas, siendo fuente de inspiración para muchos artistas de los años posteriores como por ejemplo Brian Eno.
En su breve existencia Neu! publicaron tres álbumes, desde su fascinante debut, una de las obras cumbres del rock experimental “Neu!” (1972), hasta “Neu! 75” (1975), considerado su trabajo mas accesible y el mas hábil musicalmente hablando, además de lograr su producción mas exitosa.
Su primer álbum contiene una de las composiciones emblemáticas de la historia de la música rock como es el enorme tema “Hallogallo”.
Después del extraño y experimental “Neu! 2”, publicado en 1973, el dúo terminaría por disolverse debido a sus continuas diferencias musicales y los continuos problemas financieros, dedicándose cada uno de sus miembros a proyectos por separado, por un lado Dinger fundaría la banda La Düsseldorf y por otro Rother haría lo mismo con Harmonía junto a Dieter Moebius y Hans-Joachim Roedelius.
Ya en 1975 Dinger y Rother liman asperezas y se unen para la publicación de su tercer larga duración “Neu 75”, en donde continuaban con esa senda iniciada en su primer álbum con esos sonidos esquizofrénicos y originales, un trabajo repleto de pasajes suaves y dulces que son el contrapunto a unos climax mas enérgicos y agresivos muy cercanos a proto-punk.
Dividido en dos partes bien diferenciadas, la primera cara del Lp contiene los sonidos agradables y atmosféricos, apuntando directamente a la belleza primitiva de los primeros álbumes en solitario de Rother.
Las tres primeras piezas están confeccionadas a modo de una mini suite de cerca de los 20 minutos, comenzando con el sonido contagioso motorik de “Isi”, que continua con la evocadora “See Land”  y termina con la hipnótica y sonámbula “Leb´Wohl”. La segunda cara es totalmente opuesta con unas guitarras corrosivas y  amplificadas, una fuerte percusión y unas voces caóticas. Sin embargo en todas ellas el ritmo motorik esta siempre presente como queda demostrado en las frenéticas “Hero” y “After Eight” o en la mecánica “E-Musik”.
Esta fue la ultima de las tres grabaciones clásicas de estos legendarios músicos, hasta que una década después volverían a reflotar el proyecto Neu! publicando el previsible y falto de emoción “Neu! 4”, un trabajo mediocre que ni de lejos se acercaba a la enorme creatividad y originalidad de sus tres primeras y emblemáticas obras.

jueves, 24 de noviembre de 2022

Gary Wright-The Dream Weaver (1975)

En 1970 el teclista Gary Wright abandonaba los Spooky Tooth, una de las mejores bandas británicas de finales de los 60 y principios de los 70. Sin embargo esta banda siempre fue perseguida por la mala suerte a la hora de conseguir un éxito masivo, pese a su enorme calidad, entre otros motivos por sus constantes cambios de formación, hecho este que les restaría consistencia y equilibrio a su estilo de hard y blues rock.
Una vez fuera de los mencionados Spooky Tooth, Wright comenzaría una carrera en solitario para lo cual se afincaría en los Estados Unidos, mas concretamente en la soleada costa californiana.
Tal vez influenciado por los sonidos suaves y melódicos de la costa oeste, Wright cambio el blues y el rock de su banda madre por un estilo mas ecléctico y melódico, donde tienen cabida sonidos funky, soul y jazz, impregnados con el pop rock californiano.
Aún así sus primeras obras pasan totalmente desapercibidas y ante tal fracaso Wright se aleja de sus propias grabaciones para centrarse en las colaboraciones de otros artistas como George Harrison, B.B.King o Ringo Starr.
Ya en 1975 Gary Wright lanzaría su tercer álbum “The Dream Weaver”, donde consigue aunar su gran talento como compositor con la de su enorme destreza con los teclados, facturando un disco memorable de rock melódico.
Para este tercer lanzamiento, Wright se rodeo de algunos músicos norteamericanos de renombre como el guitarrista Ronnie Montrose, el teclista David Foster y el batería Andy Newmark, entre otros conocidos artistas de la escena californiana.
“The Dream Weaver” esta confeccionado por una colección de grandes temas de escucha agradable sin demasiadas pretensiones, que sin embargo resultan adictivas y de gran clase instrumental, en donde los omnipresentes teclados de órganos Hammond, Fender Rhodes y los sintetizadores Moogs, son los protagonistas del álbum con atractivos pasajes instrumentales junto a la voz melodiosa de Wright.
Temas pegadizos e irresistibles como “Love Is Alive”, “Let Out”, “Made to Love You”, “Power Of Love”, “Dream Weaver” o “Blind Feeling”, certifican un sobresaliente Lp de rock melódico muy cercano a los sonidos AOR que llegarían algunos años mas tarde y que se convertiría en uno de los estilos predominantes en la década de los ochenta,
"The Dream Weaver” terminaría conquistando el mercado norteamericano con un sorprendente top ten en el Billboard y varios discos de platino por sus enormes ventas.

lunes, 21 de noviembre de 2022

Steve Vai-Passion And Warfare (1990)

Considerado uno de los grandes guitarristas del siglo 20, Steve Vai siempre se ha caracterizado a lo largo de su carrera por su estilo complejo, extravagante y en cierta medida experimental, lo que le ha valido ser venerado por millones de adictos a la guitarra, pero al mismo tiempo ser repudiado por los mas ortodoxos seguidores de la guitarra eléctrica.
Sus comienzos junto a Frank Zappa le ayudaron a labrarse una gran reputación, colaborando con el genial músico de Baltimore en muchas grabaciones entre las que destacan los soberbios “Shut Up ´n Play Yer Guitar” (1981), “You Are What You Is” (1981) o “Guitar” (1988). Pero aquí no se quedan sus interminables colaboraciones, Vai ha actuado como músico invitado o como miembro de pleno derecho en bandas y artistas como Whitesnake, Alcatrazz, David Lee Roth, Alice Cooper, Ozzy Osbourne, Meat Loaf o Al Di Meola, entre casi un medio centenar de grabaciones a lo largo de sus mas de 40 años de carrera artística.
Ya en 1984 publicaría su primer álbum titulado “Flex-Able”, en donde como no podía ser de otra manera mostraba sus claras influencias del maestro Zappa, con una serie de composiciones basadas en sonidos experimentales e intrincados.
Después de este debut se embarcaría en diferentes proyectos que lo tendrían ocupado hasta finales de la década, entre otros muchos, los álbumes “Disturbing The Peace” de Alcatrazz, “Eat ´Em and Smile” y “Skyscraper” de David Lee Roth o “Slip Of The Tongue” de Whitesnake”. Ya en 1990 y liberado de sus múltiples compromisos, publicaría su segundo álbum y a la postre su mejor obra, “Passion And Warfare”. En esta nueva entrega y a diferencia de su álbum debut, Vai muestra una faceta mucho mas ecléctica y unas composiciones mas maduras, todas ellas de una gran complejidad y no exentas de cierta excentricidad, que sin embargo no le resta un ápice a la accesibilidad, convirtiéndose en uno de los álbumes instrumentales de guitarra mas exitosos y que marcaría un hito sin precedentes.
Un álbum que cuenta con una serie de temas tan diferentes entre si como la delicada y con mil detalles sonoros “Ballerina”, la heavy rock “The Animal”, la compleja “Erotic Nightmares”, la melódica y adictiva “Liberty”, la extravagante “Love Secrets” o la monumental “For The Love Of God”.

viernes, 18 de noviembre de 2022

Anderson Bruford Wakeman Howe-Anderson Bruford Wakeman Howe (1989)

A finales de los 80 el grupo británico Yes estaba sumido en una especie de caos estructural y es que mientras algunos miembros originales como Chris Squire, Alan White y Tony Kaye trabajaban en Nueva York en un nuevo álbum bajo el nombre oficial de Yes, junto a otros ex integrantes como Billy Sherwood, los miembros restantes hacían lo mismo en Londres, ellos eran Jon Anderson, Bill Bruford, Rick Wakeman y Steve Howe.
Sin embargo ambas formaciones no estaban por la labor de unir sus fuerzas y de hecho, fue esta segunda quien lanzara con las iniciales de sus apellidos y de forma unilateral, el álbum homónimo “ABWH”. Aunque la historia de este álbum fue concebida inicialmente como un trabajo en solitario de Jon Anderson quien les pediría a los mencionados ex compañeros su colaboración en la grabación del mismo, y que terminaría siendo firmado por los cuatro componentes como el proyecto ABWH. Por aquellos años la expectación fue enorme por ver como sonarían estos “Yes” camuflados sin Chris Squire, que además contaría con la producción y el diseño de la portada de los habituales en los anteriores álbumes de Yes, Eddie Offord y Roger Dean respectivamente.
Un disco que a priori se intuía convertirse en uno de sus trabajos mas memorables y que sin embargo pese a sonar en ciertos momentos a los Yes mas clásicos adolecería de la creatividad, el equilibrio necesario y cierta inconsistencia en el resultado final.
Dicho resultado final es una especie de sonidos híbridos entre los Yes originales, el grupo Asia, elementos de la world music y acercamientos a los sonidos new age. Parte de ello es causado por los novedosos sonidos en los teclados de Rick Wakeman, la extraña batería electrónica de Bill Bruford, las orquestaciones del teclista invitado Matt Clifford y los exóticos toques de guitarra de Steve Howe y Milton McDonald, otro de los músicos colaboradores en el álbum. Mención aparte es la participación de Tony Levin al bajo, el cual es sin duda uno de los mas destacados instrumentistas en este disco, influyendo notoriamente con su peculiar estilo, en los mencionados sonidos new age y world music.
Aún así hay momentos destacables como la sinfónica “Fist Of fire”, la atmosférica “Brother Of Mine”, la ambiental “Birthright”, la espacial “The Meeting” o la progresiva “Order Of The Universe”, tema este con un sonido cercano al de los Yes de su mejor época. Poco después del lanzamiento del álbum, las dos fracciones  llegarían a un acuerdo y todos juntos y de manera extravagante, grabarían el inferior “Union”, el cual contaría con un proceso de grabación tan surrealista como poco menos que absurda, con dos grupos de trabajo por separado (en realidad fueron tres), mientras por un lado estaban ABWH, por el otro se encontraban Chris Squire y sus colaboradores y por ultimo también aparecía Trevor Rabin con diferentes músicos en un disparatado y caótico trabajo en seis estudios de grabaciones diferentes, repartidos entre Nueva York, Los Ángeles y Paris.

martes, 15 de noviembre de 2022

Phil Collins-Face Value (1981)

A finales de los setenta, Genesis se habían reducido a trío, con una formación compuesta por Phil Collins, Tony Banks y Mike Rutherford, ellos habían facturado el meritorio y barroco “...And Then There We Three...”, con el cual alcanzaron puestos altos en las listas de éxitos a ambos lados del Atlántico y varios años después incluso superarían esos registros con el siguiente “Duke”, un álbum que se alejaba sutilmente de los sonidos progresivos de los años 70, y contenía un sonido mas comercial que seria la antesala del camino que la banda tomaría en el resto de la década de los ochenta.
Por aquellos años los tres miembros también tuvieron tiempo para publicar sus respectivos álbumes en solitario, y así tanto Tony Banks con el ambiental y progresivo “A Curious Feeling”, como Mike Rutherford con el pop progresivo “Smallcreep´s Day” (1980), quisieron plasmar sus propias ideas musicales que en parte no se alejaban demasiado del espíritu genesiano de los 70. Mientras que Phil Collins espero hasta después de la gira mundial del mencionado “Duke”, para lanzar su debut en solitario “Face Value”, que a diferencia de sus compañeros, optaría por un estilo mas comercial, pero de gran clase y sofisticación.
Para la grabación del álbum, Collins se rodearía de un plantel impresionante de músicos y artistas, empezando por los guitarristas Eric Clapton, Daryl Stuermer y Joe Partridge, los bajistas Alphonso Johnson y John Giblin, además del violinista L. Shankar o el cantante Stephen Bishop entre otros muchos mas.
En “Face Value”, Phil Collins muestra un sonido potente y contundente en muchos momentos del álbum, y una buena muestra de ello es la inicial y todo un clásico del pop rock “In The Air Tonight”, alternado con pasajes mas calmados como la delicada balada pop “This Must Be Love”, o la enérgica instrumental “Hand In Hand”, la adaptación pop del tema progresivo “Behind The Lines” o la versión experimental y progresiva de la canción de The Beatles “Tomorrow Never Knows”. El recibimiento posterior fue un éxito arrollador en medio mundo, con numerosos números uno y unas ventas que superaron con creces los 12 millones de copias.


sábado, 12 de noviembre de 2022

Gryphon-Red Queen To Gryphon Three (1974)

Gryphon son otra de esas grandes bandas desconocidas para el gran publico, su estilo fusionaba diferentes géneros como el folk, la música barroca y renacentista, elementos de vanguardia y medievales y el rock progresivo. Su carrera se forjaría a lo largo de gran parte de la década de los setenta con cinco interesantes álbumes, siendo “Red Queen To Gryphon Three” su obra mas celebre.
Formados en Londres a principios de los setenta por Richard Harvey (teclados y flauta) y Brian Gulland (fagot), ambos estudiantes en la Royal Academy of Music, compartían la misma afición por los sonidos barrocos, el folk tradicional ingles y una visión moderna de la música renacentista. Ya en 1973 se unieron a la banda el guitarrista Graeme Taylor y el cantante y batería David Oberle, con los cuales se grabaría el acústico primer álbum titulado homónimamente como la banda.
Un año después se incorporaría el bajista Philip Nestor, participando en la grabación de “Midnight Mushrumps”, un álbum que contaba con un mayor numero de composiciones originales y una clara inclinación a los sonidos mas puramente rock. 1974 seria el año del lanzamiento del álbum que nos ocupa “Red Queen To Gryphon Three”, un disco conceptual sobre el juego del ajedrez, inspirado en la típicas suites de la música clásica. Un trabajo muy complejo, con un gran nivel en su estructura de canción, con constantes cambios de ritmo y que consta de cuatro extensas piezas interpretadas de manera impecable. Aires medievales, folclóricos y renacentistas, todo ello interpretado por flautas, fagot, piano, órgano, sintetizadores, guitarras eléctricas y acústicas y diferentes percusiones.
Este es definitivamente un clásico álbum de rock progresivo, en donde todo el contenido es soberbio de principio a fin, sin que ninguna de las composiciones sobresalga por encima del resto.

miércoles, 9 de noviembre de 2022

King Crimson-Red (1974)

Hacia muchísimo tiempo que no aparecía por este blog los inconmensurables King Crimson, una de las mas fascinantes bandas de todos los tiempos y una de las cinco mas grandes de la historia del rock progresivo. Esta vez nos centraremos en el ultimo trabajo que la banda liderada por el genial Robert Fripp hicieran en la década de los 70 y que llevo por titulo “Red”. Este álbum supuso el abandono de la indulgencia de los anteriores discos, al mismo tiempo es la obra mas cruda y poderosa de KC, en el escuchamos ecos de “Larks Tongues In Aspic” y “Starless And Bible Black”, pero en un tono mas avanzado, con una identidad musical mucho mas oscura, moviendo los hilos entre las distorsiones y los compases hipnóticos. Aquí aparece una de las mejores y mas impresionantes composiciones de la historia de la música popular como es la antológica “Starless”, que se inicia con unas bellas capas de mellotrones acompañada por una guitarra melancólica e hipnótica, que culmina en un final épico de manera brillante y apoteósico.
Pero volvamos al principio y hagamos un poco de historia, estamos en 1974, Robert Fripp seguía manteniendo la base principal de la banda de los dos álbumes anteriores a excepción del violinista y teclista David Cross, que sin embargo participa aquí como músico invitado, por lo tanto el grupo estaba formado por John Wetton al bajo y voz y Bill Bruford a la batería y percusiones, mientras el propio Fripp se encargaba de la guitarra y el mellotrón. Además en las grabaciones del álbum aparecen Ian McDonald al saxo, Robin Miller (oboe), Marc Charig (trompeta) y Mel Collins (saxo). Musicalmente “Red” esta construido con intensas capas distorsionadas en donde el bajo de Wetton suena junto a la guitarra de Fripp de manera amenazante y cruda, la música esta tensamente concebida con una sincronización potente pero con su propia textura musical. Casi todos los temas están rodeados de melancolía y oscuridad, con sutiles toques de instrumentos de viento que impulsan esa sensación amenazante, pero que al mismo tiempo están muy elaboradas y son muy complejas .
Un álbum que comienza con la contundente canción del mismo titulo del disco, mientras “Fallen Angel”, se inicia con una delicada introducción acústica para terminar en una exuberante distorsión progresiva con una melódica voz y un saxo antológico, la mas accesible pero de cierta complejidad “One More Red Nightmare”, da paso a la progresiva y experimental “Providence”, para llegar a la mencionada anteriormente “Starless”, la pieza mas oscura y e inmensa del álbum y al mismo tiempo, la pieza mas cautivadora de KC.
“Red” es sin duda una obra que tiene detrás de si un elaboradísimo trabajo musical, tanto en las partes vocales, como en sus oscuras letras, en su intrincada producción y en los sublimes arreglos instrumentales, un álbum que suena tan apoteósico como su enorme debut, pero con mas profundidad y una esencia mas siniestra.

domingo, 6 de noviembre de 2022

Kravetz-Kravetz (1972)

Paradojas del destino convirtieron al francés Jean-Jacques Kravetz en uno de los pioneros del rock alemán o como comúnmente se denomina, "krautrock". Afincado en Hamburgo desde finales de los sesenta con apenas 20 años, este multiinstrumentista parisino se labraría una gran reputación en el circuito musical del incipiente movimiento psicodélico de la época, convirtiéndose en uno de sus grandes impulsores. Algunos años mas tarde publicaría de manera moderada y sin prácticamente promoción, su único álbum en solitario junto al mítico batería Udo Linderberg, y a los músicos Thomas Kretzschmer como guitarra, el bajista Carl Stepehan y la cantante Inga Rumpf. En este único álbum, Kravetz combina magistralmente los pesados y difusos sonidos de órgano y los sintetizadores con unas puntuales y afiladas guitarras eléctricas. Esto dicho queda demostrado en la primera pieza “I?d Like To Be A Child Again” o en la espacial “Ann Toomuch”, mientras la experimental “Routes” pone la nota psicodélica y oscura de esta obra, que desemboca en la jazz progresiva “Master Of Time”, que ponen el punto y final a un disco que marcaría uno de los sonidos tempranos del krautrock
En los siguientes años Kravetz pasaría a engrosar como miembro por pleno derecho de tres de las mas grandes bandas del rock alemán como fueron Frumpy, Kin Ping Meh y Atlantis, facturando con todos ellos excelentes álbumes, entre los que se encuentran algunos de los clásicos del rock alemán y el prog rock.

jueves, 3 de noviembre de 2022

Ambrosia-Road Island (1982)

Ambrosia son una de las bandas mas exquisitas del panorama de la música rock, sus irresistibles voces y sus pegadizas melodías le otorgaron durante una década el estar entre las mejores formaciones norteamericanas.
Formado a principios de los setenta en California, esta banda nacería en la mejor era del rock progresivo y obtuvieron una grandísima legión de seguidores gracias a su creatividad y sus fantásticos arreglos. Ya con su primer álbum “Ambrosia”, saltarían a la fama con un trabajo que fue producido por nada mas y nada menos que Alan Parsons y que contaba con éxitos del calibre de “Holdin´On The Yesterday” y “Nice Nice, Very Nice” ambos unos clásicos de las emisoras FM norteamericanas. Los siguientes movimientos de la banda también obtuvieron notables éxitos como “Somewhere I´ve Never Traveled”, el cual fue incluso nominado al Grammy o el hit “Life Beyond L.A.” todo un numero uno en las listas de Billboard.
Después de tantos éxitos, en 1982 Ambrosia publicaba su quinto y a la postre ultimo trabajo titulado “Road Island”, en donde vuelven a mostrar algunos elementos progresivos al mismo tiempo que comerciales, todo ello fusionado con unas melodías memorables y unas irresistibles voces.
Los sonidos AOR están presentes en las adictivas “Still Not Satisfed” y “How Can You Love Me”, los potentes temas rock también tienen cabida en “For Openers-Welcome Home” y “Kid No More”, mientras mantienen intacta la vena melódica con hermosas composiciones como “Feelin´Alive Again”, “Fool Like Me” y “Endings”, para acabar con la mas progresiva y compleja “Ice Age”. En el año 2000 y celebrando los 30 años desde su fundación, volverían a reunirse para realizar una extensa gira por todos los Estados Unidos con un gran éxito de taquillas, demostrando con ello la enorme popularidad de esta magnifica banda californiana.

martes, 1 de noviembre de 2022

Citizen Cain-Somewhere But Yesterday (1994)

Esta banda británica de rock progresivo fue fundada en 1982, pero no seria hasta diez años después cuando vieron publicado su primer álbum. Formados en torno al bajista y vocalista George Scott y al multiintrumentista Gordon Feenie, estuvieron durante largos años actuando junto al guitarrista Tim Taylor e incluso llegaron a grabar algún material que fue publicado en un álbum recopilatorio titulado “Fire In Harmony”. Sus actuaciones en el mítico Marquee de Londres les labraron una gran reputación y el sello EMI se intereso por ellos, pero cuando todo iba a formalizarse un accidente deja incapacitado de un brazo a Scott, por lo que la banda desaparece en el año 1988. Varios años después el propio Scott recluta al guitarrista Frank Kennedy, al cantante Stewart Bell, al bajista Dave Elam y al batería Chris Colin y reflotan a Citizen Cain. Ya en 1991 una maqueta del grupo recibe unas excelentes criticas y grandes elogios, lo que les ayuda a que el subsello discográfico Cyclops les financie su primer álbum “Serpents In Camouflage”. Si bien en un primer momento no obtiene el resultado apetecido, gracias a uno de los promotores del sello A&R les consigue que abran los conciertos de bandas como Pendragon, The Enid o Final Conflict. Sin embargo pronto comienzan las desavenencias entre los miembros del grupo que termina por el abandono de algunos de ellos, que son reemplazados por el batería Nick Arkless, el bajista Andy Gilmour y el guitarra Alistar MacGregor. Con esta nueva formación publican el soberbio “Somewhere But Yesterday” en el año 1994. Para este segundo trabajo la banda muestra un estilo mucho mas complejo y su mejor obra, con unas influencias mas que notorias a los primeros Genesis de “Nursery Crime” o “Foxtrot”, pero con un estilo propio y personal. La elaborada y épica “Junk and Donuts”, la asombrosa suite progresiva “Somewhere But Yesterday”, la dinámica “Jonny Had Another Face/ Parallel Lines” y la oscura “To Dance The Enamel-Faced Queen” rememorarían la esencia de la mejor época de los Genesis de la era Gabriel, pero sin cometer el error de ser unos meros imitadores y una burda banda clon.

sábado, 29 de octubre de 2022

Steamhammer-Mountains (1970)

Steamhammer fueron una importante banda británica de finales de los sesenta que publicaron cuatro espectaculares discos enfocados en el blues rock progresivo británico.
Formados en 1968 por el guitarra Martin Quittenton, el vocalista, guitarra y harmónica Kieran White, el también guitarrista Martin Pugh y un sección rítmica compuesta por el bajista Steve Davy y el batería Michael Rushton.
En 1969 publicaron su álbum debut que estaba claramente arraigado en la segunda ola del British Blues, compitiendo en primera fila con las coetáneas Savoy Brown, Ten Years After y Fleetwood Mac. Sin embargo este primer lanzamiento tenia los suficientes matices progresivos para ser del agrado de los prog heads de la época.
Ese mismo año llegaría "MK II" el segundo trabajo en donde la propuesta de blues rock se amplia con elementos progresivos, con una serie de temas que tenían la fuerza y garra del poderoso hard rock y unos arreglos muy pulidos y vanguardistas. En este segundo álbum Steamhammer había sufrido varios cambios de integrantes, entrando el batería Mick Bradley y el saxofonista y vientos Steve Joliffe, quienes reemplazaron a Rushton y Quittenton.
En "MKII" destaca poderosamente la epopeya de casi veinte minutos "Another Travelling Tune", con una gran interacción de riffs pesados, un ritmo blues y un complejo desarrollo instrumental.
"Mountains" publicado en 1970, fue el tercer lanzamiento y su trabajo mas completo, en donde seguían con su propuesta inicial de blues rock, aderezados con pinceladas psicodélicas y elementos progresivos.
Aquí aparecen soberbias piezas como la jam blues "Riding On The L&N", la funk psicodélica "I Wouldn´t Have Tonight", la delicada "Levinia", la oscura "Mountains" o la boogie rock "Hold That Train".
"Speech" el cuarto y ultimo trabajo de Steamhammer llegaría un año después, y cuenta con las colaboraciones del ex The Yardbirds y Renaissance Keith Ralf y su hermana la cantante y también miembro de Renaissance, Jane Relf.
En "Speech" la banda toma un rumbo definitivamente mas progresivo introduciendo elementos del jazz rock pero con su esencia blues original. La siniestra y aterradora "Penumbra" con sus 23 minutos da comienzo a este cuarto trabajo, con una intro fascinante y en donde se dan cabida desde pasajes frenéticos hasta momentos mas pausados en un desarrollo totalmente progresivo, ya en la segunda cara del LP aparece la hard rock blues "Telegram", diez minutos de sonidos lisérgicos y progresivos con unas afiladas guitarras y un ritmo enloquecedor, terminando con "For Against", una tema vanguardista y extravagante de riffs de guitarras y solos de batería.
Poco después de la publicación de este cuarto álbum, Mick Bradley fallece a causa de una leucemia no detectada, este funesto hecho precipita la disolución de Steamhammer de manera definitiva.
En apenas cuatro años Steamhammer fueron una de las mas interesantes bandas del circuito del blues progresivo británico, pero que debido a ese trágico acontecimiento, sus constantes cambios de formación y a una competencia brutal con otras bandas coetáneas de mayor peso especifico, les relegaron al status de grupo de culto.

miércoles, 26 de octubre de 2022

Eyes Of Blue-Crossroads Of Time (1969)

“Crossroads of Time” fue el álbum debut de Eyes Of Blue, una oscura banda británica de rock psicodélico y progresivo. Esta legendaria banda galesa estaba formada por el guitarrista y voz Gary Pickford-Hopkins, el baterista John Weathers, el cantante Wyndham Reese, el teclista Phil Ryan, el guitarrista Ray Williams y el bajista Ritchie Francis.
En sus comienzos esta banda practicaba un estilo basado en el soul y la psicodelia para que gradualmente se fueran orientando hacia los sonidos de la costa oeste estadounidense.
Con la colaboración con Quincy Jones, contribuyeron a la banda sonora de la película 'Toy Grabbers' y luego aparecieron en la película 'Connecting Rooms'. En 1966 ganaron el famoso premio 'Beat Contest', organizado por la revista musical británica Melody Maker. Eso les llevó a firmar un contrato con el sub-sello progresivo Deram de la discográfica Decca. Después de varios sencillos de escaso impacto comercial, obtuvieron la colaboración del productor Lou Reizner, con el cual grabaron su álbum debut, “Crossroads Of Time” en 1968 en Londres y lanzado a principios de 1969 por el sello Mercury Records.
Este primer álbum es una colección de canciones impregnadas de psicodélica y sonidos típicos de los 60 con un buen órgano y elementos del rock progresivo temprano, rhythm & blues, pop, elementos jazzisticos, y influencias orientales, destacando las bluesy “Croosroads Of Time” y "Love is the Law", (ambas escritas por Graham Bond), las psicodélicas “Inspiration For A New Day” y “Prodigal Son”, o las brillantes "I Wonder Why" y "World of Emotion", además de varias versiones muy bien logradas como “7+7 Is” del grupo Love, y la emblemática “Yesterday” de The Beatles, todas ellas impregnadas con el característico sonido beat de los sesenta.
Posteriormente la banda publicaría su segundo álbum titulado “In Fields Of Ardath”, lanzado en la primavera de 1969 en el cual ya no aparecía Wyndham Reese, y que estaba mas orientado a los sonidos progresivos, pero sin dejar su amplia variedad de influencias del rock psicodélico, el blues, el jazz, sonidos exóticos y la música clásica.
Posteriormente Gary Pickford-Hopkins se convertiría en uno de los dos cantantes principales de la banda de acompañamiento de Rick Wakeman en sus álbumes “Journey To The Center Of The Earth” (1974) y “The Myths And Legends Of King Arthur And The Knights Of The Round Table” (1975). Además haber pertenecido durante algún tiempo a la banda de hard blues rock Wild Turkey, mientras John Weathers pasaría a engrosar durante muchos años el puesto de batería principal de los míticos Gentle Giant y posteriormente de la banda psicodélica y progresiva Man.

domingo, 23 de octubre de 2022

David Bowie-Aladdin Sane (1973)

En 1973 David Bowie publicaba su sexto álbum, “Aladdin Sane”, la ultima obra puramente rock y uno de sus mejores trabajos en el plano creativo. Grabado en una etapa en donde su arrolladora personalidad jugaba con la ambigüedad, su esencia rockera sigue permaneciendo aquí, conservando la brillantez de los predecesores “The Man Who Sold The World” y “The Rise And Fall Of Ziggy Stardust”.
Manteniendo el núcleo principal de la banda que grabaría sus últimos trabajos, en donde destacan el guitarrista Mick Ronson, la sección rítmica compuesta por Trevor Bolder y Mick Woodmansey y la exquisita producción de Ken Scott, Bowie vuelve a encargarse de los sintetizadores, el mellotron, el saxo, las guitarras rítmicas y las voces que son secundadas por las vocalistas Linda Lewis y G.A. MacCormack.
Pese a perder un ápice de fuerza en favor de la melodía, “Aladdin Sane” sigue conservando grandes destellos como lo demuestran la poderosa “Watch That Man”, la compacta “The Jean Genie”, la enérgica “Aladdin Sane”, la melódica “Drive-In Saturday”, la contundente “Cracked Actor”, la épica “Time” o la espesa “Panic In Detroit”, para acabar como colofón con la hermosa "Lady Grinning Soul", que hacen de este álbum otra de las obras maestras del camaleónico Duque Blanco. Mientras en el plano comercial “Aladdin Sane” conseguiría un numero uno en la listas británicas y lograría acceder entre los veinte primeros del Billboard estadounidense, obteniendo con ello, un disco de platino y varios discos de oro por sus ventas.

jueves, 20 de octubre de 2022

George Harrison-All Things Must Pass (1970)

“All Things Must Pass” es el primer álbum de George Harrison tras dejar a The Beatles y al mismo tiempo su obra cumbre y una de las obras maestras de la música rock.
Este faraónico triple álbum, fue el tercer trabajo del ex Beatle, después de sus experimentales “Wonderwall Music” y “Electronic Sound”, ambos lanzados cuando aún pertenecía al grupo de Liverpool.
Compuesto por algunos temas suyos que fueron desechados en su época Beatle, el resto son nuevas composiciones que ocupan los dos primeros discos mas un tercero compuesto por temas improvisados durante las sesiones de grabación tituladas “Apple Jam” y fue producido por Phil Spector durante gran parte del año 1970 entre los estudios propiedad de The Beatles, Apple Studios, los Trident Studios y en los Abbey Road de la Emi en Londres. Para la grabación de este mastodóntico álbum, George Harrison contó con la colaboración de una amplísima legión de reputados músicos como Alan White (Yes), Jim Gordon (Traffic), Gary Wright (Spooky Tooth), Pete Ham (Badfinger), Peter Frampton (Humble Pie), Ginger Baker (Cream), Eric Clapton (Cream), Gary Brooker (Procol Harum), Bobby Keys (The Rolling Stones),  además de Ray Cooper, Billy Preston o sus ex compañeros de The Beatles, John Lennon y Ringo Starr, entre otros muchos mas.
Este triple álbum sorprendió a gran parte del publico y los críticos debido en gran medida por su modesto rol relegado a eterno segundón (en este caso el tercero), a la hora de componer canciones para los Fab Four. La cantidad de temas de gran calidad que en el atesora es asombroso, destacando el particular “Wall Of Sound” característico de Phil Spector, incluyen la adictiva “My Sweet Lord”, las resplandecientes “Wah Wah” y “What Is Life”, la agresiva “Let It Down”, la enorme “All Things Must Pass”, la acústica “If Not For You” o las maravillosas “Ballad Of Sir Frankie Crisp (Let It Roll)”, “Run Of The Mill” o “Isn´t It A Pity”
“All Things Must Pass” fue numero uno en numerosos países alrededor del mundo, alcanzando unas ventas superiores a los siete millones de copias y varias nominaciones a los premios Grammy.

lunes, 17 de octubre de 2022

Automatic Fine-A.F.T. (1976)

Automatic Fine fue un proyecto de un único lanzamiento absolutamente brillante, un álbum en su mayoría instrumental lanzado por Charisma en 1976, en el cual este cuarteto formado por las líneas duales de los guitarristas Paul A. MacDonnell y Robert Cross, secundado por una poderosa sección rítmica compuesta por el bajista Trevor Darks y el batería Dave Ball, entrelazaron un sonido de metales neoclásicos de manera que nadie aún lo habían intentado en aquella época, mucho antes que llegaran las influencias clásicas de las fugas de Bach de Michael Schenker, las de Paganini de Uli Roth o los armónicos comprimidos de Yngwie Malmsteen en la siguiente década de los ochenta.
A.F.T. es un álbum que sin llegar al heavy rock pleno ni estar encuadrado totalmente en el jazz rock es una brillantísima demostración de como la técnica y la disciplina clásica pueden utilizarse en una banda de rock.
El álbum esta esta compuesto mayormente por la suite “The Great Panjandrum Wheel” la cual abarca casi media hora y constituye la mayor parte del álbum, una composición enormemente ambiciosa para un cuarteto de sólidos instrumentistas repleto de armonías complejas y un potente ritmo.
Las bravuconearías de los solos y arpegios de guitarra y los compases embriagadores de todo el disco son constantes mostrando un hard rock barroco con acercamientos al prog y unas dificultosas estructuras jazzisticas.

viernes, 14 de octubre de 2022

Isaac Hayes-Shaft (1971)

Como compositor, productor, arreglista, cantante y teclista, Isaac Hayes fue el arquitecto primordial del sonido característico del sello ubicado en Memphis, Stax Records.
Sin embargo pocos previeron su ascenso y su estrellato mundial que comenzaría en 1969 con su álbum “Hot Buttered Soul”, un trabajo en donde Hayes combinaba los entornos del jazz con sonidos hipnóticos y los largos desarrollos, con fusiones de funk, soul y psicodelia, todo ello bajo unas guitarras fuzz y oscuras y su voz profunda y cortante.
Después de este álbum llegaron dos trabajos en una línea continuista con extensos temas, arreglos meticulosos y una gran complejidad orquestada.
En 1971 Isaac Hayes lanzaría dos álbumes dobles, por un lado la banda sonora de la película “Shaft” y por otro “Black Moses”.
Con el primero, Isaac Hayes conseguiría su álbum mas exitoso, obteniendo un Oscar a la mejor banda sonora y un premio Grammy, y con ello catapultaría al artista al estrellato mundial, gracias en parte a la canción principal del disco.
En “Shaft”, Hayes combino sabiamente el funk exuberante y contundente con temas instrumentales suaves y delicados, todo ello bañado en lacónicos y sutiles sabores de jazz.
Ese infalible sentido melódico de Hayes brillaría en temas evocadores y atmosféricos como “Bympy´s Lament”, la suave y repleta de vibraciones “Elliés Love Theme”, la alegre “Cafe Regios”, con la cual evocaba ese sonido heredero de West Montgomery, la atrevida y contundente “No Namen Bar” o la deudora del compositor Burt Bacharach “Early Sunday Morning”, todas ellas con unos sofisticados arreglos de cuerda y vientos que se complementaban con los contornos melódicos de Hayes y el estilo requerido por Hollywood.
Meses mas tarde Hayes llegaría a su pico creativo, lanzando otra obra descomunal, “Black Moses”, en donde basaría su sonido en el estilo de “Hot Buttered Soul”, pero agregando fusiones mas eclécticas y expandiendo así su enorme lienzo musical.

martes, 11 de octubre de 2022

Fairport Convention-Unhalfbricking (1969)

Si en una entrada anterior hablábamos de una de las grandes bandas del folk y jazz blues del Reino Unido, como fueron The Pentangle, los también británicos Fairport Convention nunca le fueron a la zaga. Fundados prácticamente en la misma época, ellos combinaron el folk y el rock con la música clásica, estableciendo un estilo original de folk rock.
Formados en Londres en el año 1967 por el guitarrista Richard Thompson, su primera alineación la completaban el vocalista Ian Matthews, el bajista Ashley Hutchings, la vocalista Judy Dyble, el batería Martin Lamble y el vocalista y guitarra Simon Nicol, todos ellos con una notable formación académica, algo que se vería reflejado en la exquisita y variada técnica instrumental y en la composición de sus canciones.
Su propuesta inicial abarcaba diferentes estilos que iban desde el tradicional folk británico, hasta elementos del folk y el country norteamericano deudor de artistas como Bob Dylan o Tim Buckely, con ramalazos de música cajun.
Esta amalgama de estilos se vio refrendado en el primer álbum el cual contenía diferentes versiones como “Jack O´Diamonds” de Bob Dylan o “I Don´t Know Where I Stand” de Joni Mitchell, además de un claro sabor al folk americano.
Después de unas decepcionantes ventas, la banda cambia de sello por su descontento con la promoción de este primer lanzamiento por parte del sello Polydor y firman con la británica Islands Records. Además la vocalista Judy Dyble es sustituida por la cantante Sandy Denny, una experimentada cantante de folk que ya había tenido cierto éxito con su carrera en solitario, o colaborando con el grupo británico de folk progresivo Strawbs.
Este cambio seria fundamental para el devenir de Fairport Convention, la voz distintiva de Denny fue una de las características de los posteriores álbumes de la banda.
“What We Did On Our Holidays“ su siguiente larga duración, seguía por la senda folk del anterior pero con unas melodías vocales mas ricas gracias a las voces de Denny y Mathews y un estilo mas ecléctico.
Casi a finales de ese mismo año llegaba la tercera entrega “Unhalfbricking”, una clara muestra del sutil desvío de Fairport Convention hacia los terrenos del folk progresivo gracias a los brillantes pasajes de los sonidos rock de la guitarra eléctrica de Richard Thompson y unas estructuras mas vanguardistas.
Sin embargo durante las sesiones de grabación de este álbum Ian Matthews abandonaría debido a sus discrepancias musicales con el líder Richard Thompson, producto de esa orientación hacia terrenos mas experimentales, alejado del folk tradicional.
Un trabajo que contiene brillantes composiciones como la progresiva “A Sailor´s Life”, las dramáticas “Who Knows Where The Time Goes”, “Autopsy” y “Genesis Hall” o alegres melodías folk como las versiones de los temas de Bob Dylan “Million Dollar Bash” y “Percy´s Song”.
En los sucesivos años Fairport Convention seguirán facturando exquisitos discos como “Liege & Lief”,(1969) “Full House” (1970) “Angel Delight” (1971), "Babbacombe´Lee” (1971), o “Rising For The Moon” (1975), pero los continuos cambios de formación les restarían la cohesión y la creatividad musical de sus sublimes primeras obras.

domingo, 9 de octubre de 2022

Jean-Luc Ponty-Mystical Adventures (1982)

Jean Luc Ponty ha sido uno de los músicos mas innovadores del jazz rock, su versatilidad e inagotable creatividad le llevaron a formar parte de legendarias bandas como la Mahavishnu Orchestra o a la banda de Frank Zappa, entre otras muchas colaboraciones con artistas del jazz y el rock.
“Mystical Adventures” fue su octavo álbum en solitario, publicado en un momento en el que el auge de los sonidos progresivos, entre ellos el jazz rock, no se encontraban en su mejor momento.
Igualmente “Mystical Adventures” significaría el epilogo de su mejor etapa con una serie de trabajos de gran jazz rock versátil, con influencias progresivas como son “Upon The Wings Of Music” (1975), “Aurora” (1976), “Imaginary Voyage (1976), Enigmatic Ocean (1977), “Cosmic Messenger” (1978) o “A Taste For Passion” (1979).
"Mystical Adventures” es igualmente uno de sus álbumes más accesibles para el gran público, otorgando mas protagonismo a su banda y sus desarrollos instrumentales, pasando a un segundo plano su liderazgo instrumental, aunque sin embargo siguen apareciendo sus solos de violín tan característicos
Para esta grabación Ponty contaría con un plantel donde aparecían el percusionista Paulinho Da Costa, el guitarra Jamie Glaser, el bajista Randy Jackson, el teclista Chris Rhyne y el batería Ray Griffin.
Un álbum que tiene a los sintetizadores, el piano eléctrico, el vocoder de Rhyne y las percusiones de Paulinho Da Costa lo mas novedoso de su sonido.
La primera cara esta enfocada a la suite del mismo titulo del álbum, que dividida en cinco partes es un perfecto ejercicio de jazz progresivo muy en la onda de los trabajos de la Mahavishnu Orchestra. Un extenso tema en donde todos y cada uno de los músicos tiene un gran protagonismo, desde el órgano de Rhyne, hasta la poderosa guitarra de Glaser, pasando por una sección rítmica eficiente y el violín de Ponty que de manera intermitente deja claro su impronta con su enorme talento
La segunda cara comienza con la progresiva “Rhythms Of Hope”, mientras la extraña e inusitada “As” da paso a “Final Truth”, dividida en dos partes, con una primera con el estilo clásico de Ponty y una segunda mucho mas atmosférica y oscura, para cerrar con la jazz sinfónica “Jig”, la cual culmina este trabajo considerado uno de los mejores discos del jazz rock de los ochenta.

viernes, 7 de octubre de 2022

Vangelis-Direct (1988)

A finales de los ochenta, el legendario teclista y compositor griego Vangelis, decide dejar atrás su lugar de residencia en Londres y se ubica en su Grecia natal en donde crea un nuevo estudio y da vida a su decimoquinto álbum “Direct”, donde en un alarde de genialidad se desvía hacia sonidos mas convencionales y accesibles con un resultado tan sorprendente como asombroso.
Abandonando sus grandes desarrollos divididos en múltiples movimientos de sus obras anteriores, aquí el músico griego se enfoca en sonidos electrónicos mas terrenales y contemporáneos, que de alguna manera se adapta a los tiempos modernos con una obra mas atractiva para el gran publico.
Un álbum que contiene joyas como la animosa “The Motion Star”, en donde Vangelis deja su impronta y que nos recuerdan obras tan emblemáticas como su clásico “Spiral” de los setenta, o esa maravillosa composición llamada “Will Of The Wind” con esos sonidos de elocuentes sintetizadores, luego aparece otra monumental composición “Metallic Rain” la cual demuestra el gran talento del músico griego al combinar las poderosas percusiones con un clímax sonoro cercano al rock emulando los sonidos de guitarras distorsionadas.
La espacial “Elsewhere” es un remanso de paz entre tanto frenesí sónico, la cual da entrada a otro memorable tema como es la rítmica y enorme “Dial Out” con una desarrollo in crescendo que termina de manera apoteósica. Llegados a este punto aparece la operística “Glorianna (Hymn a la Femme), un tema que será antesala del sonido de algunos de sus álbumes posteriores, o la comercial “Rotations Logic" con esos aires orientales y una batería sincopada.
En la recta final aparecen la melancólica y encantadora “The Oracle Of Apollo” con esta característica composición de arpa de Vangelis, y la épica siniestra “Message”, uno de los momentos mas conmovedores. Mientras “Ave” es otro tema rítmico con que se nos antoja sin ser una mala composición, lo mas flojo del trabajo, para terminar con dos de las mejores piezas de este “Direct”, por un lado la sensible y delicada “First Approach” y por otro, la apoteósica “Intergalatic Radio Station”, que como su nombre deja entrever es un tema cósmico y épico, con el cual da por finalizada un LP admirable que se suma a las incontables obras extraordinarias del mítico músico griego.

miércoles, 5 de octubre de 2022

Bob Dylan-Highway 61 Revisited (1965)

Los primeros años de Bob Dylan fueron su época mas reivindicativa con sus letras y su estilo de folk acústico, plasmando de manera genial la pasión y la filosofía de un estilo que siempre estuvo muy comprometido con las protestas y el sentimiento social.
Sin embargo a Bob Dylan le empezaría a quedar pequeño ese genero y decidió ampliar horizontes, por lo que se dispuso a electrificar su sonido, empezando así una nueva aventura musical, convirtiéndose en una de las máximas influencias de gran parte de la música posterior.
“Highway 61 Revisited” seria el punto de partida de ese nuevo sonido de Bob Dylan, para lo cual el musico de Minnesota forma una poderosa banda compuesta por Mike Bloomfield, Harvey Brooks, Al Kooper, Charlie McCoy, Paul Griffin, Bobby Gregg o Sam Lay. Con este plantel de lujo Bob Dylan realiza un álbum tan memorable como histórico, el cual  sentaría cátedra en el mundo del rock.
Compuesto por una retahíla de canciones celebres como la inmortal “Like A Rolling Stone”, todo un clásico de la música rock con esa solida base rítmica y una concluyente y memorable melodía. Por su parte “Tombstone Blues” muestra genialmente ese blues típico del guitarrista Mike Bloomfield aderezado con un ritmo country. Mientras la espectacular folk rock “Desolation Row” o la sabor a blues “From a Buick 6” dan paso a la cadenciosa y sentimental “Ballad Of a Thin Man” con un Al Kooper extraordinario a los teclados o la atractiva folk blues “Just Like Tom Thumb´s Blues”, conformando entre todas ellas una de las obras maestras de la música rock y uno de los álbumes imprescindibles del siglo 20.

lunes, 3 de octubre de 2022

Led Zeppelin-The Song Remains The Same (1976)

“The Song Remains The Same” fue durante muchos años la única grabación oficial en directo de Led Zeppelin, hasta la publicación muchos años después del directo “BBC Sessions” (1997) y los posteriores “How The West Was Won” (2003) y “Celebration Day” (2012).
Pero haciendo un poco de historia nos situamos en el verano de 1975, justo cuando Led Zeppelin se disponen a iniciar su tour mundial promocionando su doble álbum “Physical Graffiti”, ocurre el infortunio, su cantante Robert Plant sufrió junto a su mujer un grave accidente automovilístico ocurrido en la isla griega de Rodas, en donde pasaban unos días de vacaciones y el cual esta a punto de costarles la vida.
Ese accidente y la posterior recuperación, supondría la cancelación de dicha gira y un largo retardo que duraría casi un año, hasta que incluso con un Plant aún convaleciente empezaron las sesiones de grabación del siguiente álbum “Presence”, que seria publicado a mediados de 1976.
Aprovechando esta interrupción, la Atlantic Records decidió publicar “The Songs Remains The Same”, un directo y una película grabada tres años atrás, durante los días del 27 al 29 de julio de 1973 en el Madison Square Garden de Nueva York, unos shows pertenecientes a la gira posterior al álbum “Houses Of The Holy”. Sin embargo, el laborioso proceso de mezclas y grabación en los estudios atrasaría la salida de este, hasta justo unos meses después de la publicación del mencionado “Presence”. Otra de las razones de ese retraso, fue la inconformidad del Jimmy Page sobre la calidad de las cintas grabadas esa noche, las cuales consideraba que no eran las mas idóneas para su publicación.
Dejando a un lado la película, la cual es básicamente imágenes del concierto mas una introducción de sus cuatro componentes en diferentes situaciones de su vida privada y cotidiana, el disco contiene momentos memorables como son los 27 minutos de “Dazed and Confused”, que por otro lado dada su larguísima duración se vuelve por momentos bastante tediosos, o las atronadoras “Rock and Roll” y “Whole Lotta Love”, igualmente destaca la clásica “No Quarter”, el blues “Since I´ve Been Loving You” o la extensa “The Rain Song” sin dejar de mencionar los casi diez minutos del solo de batería de John Bonham en “Moby Dick”.
Pero es sin duda una versión extendida de “Stairway To Heaven”, el momento cumbre de este álbum, en donde todos los miembros de la banda muestran una ejecución sobresaliente e impecable.
La recepción posterior por parte del publico, fue un numero uno en las listas británicas y un segundo lugar en las listas del Billboard, además de numerosos discos de platino por sus ventas a nivel mundial.