The Traveling Wilburys-Traveling Wilburys Vol.1 (1988)

Una rocambolesca sucesión de hechos casuales llevaría a que cinco de los mas grandes artistas del rock mundial coincidieran y unieran sus fuerzas para fundar la banda The Traveling Wilburys y lanzar varios álbumes entre finales de los 80 y principios de los 90.
Todo empezaría en cuando George Harrison (The Beatles) y Jeff Lynne (Electric Light Orchestra), finalizaban de componer y producir una canción para el decimoprimer álbum del ex Beatle “Cloud Nine”.
Lynne casualmente también trabajaba en los mismos estudios de grabación situados en Malibú en California, propiedad de Bob Dylan, produciendo el álbum “Mystery Girl” de Roy Orbison, por lo que ambos terminarían involucrándose en la composición de Harrison.
Poco después aparecerían en escena Tom Petty y Bob Dylan quienes igualmente colaboran en dicha grabación.
Esta asombrosa reunión de “amigos”, terminaría componiendo material para completar un álbum independiente que terminaría titulado “Vol 1” y firmado bajo el nombre de The Traveling Wilburys.
Publicado en octubre de 1988, este primer álbum, que estuvo compuesto por diez cortes de enorme calidad, era una fusión de los estilos de sus integrantes como el country, el folk o el rock entre los que destacaban las adictivas “Handle With Care”, “Dirty World”, “Tweeter And The Monkey Man” o “End Of The Line”.
Su recepción posterior fue tremendamente exitosa con mas de dos millones de copias vendidas en los primeros meses después de publicarse.
Sin embargo la carrera de The Traveling Wilburys fue breve. Dos meses después del lanzamiento de este primer disco, en diciembre de 1988, Roy Orbison fallecería de un ataque al corazón a sus 52 años.
Dos años más tarde, los cuatro restantes músicos publicaron un nuevo y a la postre su último trabajo, “Traveling Wilburys Vol. 3”, el cual se lo dedicaron a Roy Orbison. Finalmente, tras años de especulaciones sobre una nueva reunión, The Traveling Wilburys terminarían desapareciendo en el 2001, con el fallecimiento de George Harrison víctima de un cáncer de pulmón.

The Nitty Gritty Dirt Band-The Rest Of The Dream (1990)

The Nitty Gritty Dirt Band son una de las legendarias bandas del folk y el country rock norteamericano, que tienen tras de si una treintena de álbumes en estudio, algunos de ellos galardonados con los premios Grammy, además de haber sido elegidos la mejor banda de country durante años o haber sido inducidos al salón de la Fama de la música country.
Nacidos en la costa Oeste norteamericana a finales de los 60 por Jeff Hanna (guitarra y voz) y Jimmie Fadden (batería), durante mas de 50 años de carrera artística han sufrido innumerables cambios de formación.
Con un estilo que encuadraba los sonidos tradicionales americanos como el folk, el bluegrass, el country, el blues o el cajun, fusionados con el rock, cosecharon sus mayores éxitos en la década de los 70 y 80 con canciones como "Mr Bojangles", "House at Pooh Corner", "I Saw the Light", "Dance Little Jean", "Long Hard Road (The Sharecropper´s Dream", "Modern Day Romance" o "Fishin´in the Dark", entre otras muchas mas.
Así mismo algunos de sus álbumes son considerados obras maestras del country y el folk como "Uncle Charlie & His Dog Teddy" (1970), "Will The Circle Be Unbroken" (1972), "An American Dream" (1979), "Plain Dirt Fashion" (1984), "Will The Circle Be Unbroken: Volumen Two" (1989) o "The Rest of The Dream" (1990).
Centrándonos en este ultimo, "The Rest of The Dream", que venia precedido del antológico "Will The Circle Be Unbroken Vol.2", se convirtió todo un desafío al intentar conseguir una obra que tuviera tanta notoriedad como aquella.
El resultado fue un solido regreso al genuino country rock dejando aparcado las raíces con canciones clásicas de country, folk y bluegrass.
Aquí mostraron su lado mas amable, accesible y comercial con una serie de canciones agradables y pegadizas como "From Small Things (Big Things One Day Come)", "Just Enough Ashland City", "Waiting On A Dark Eyed Girl" o "Blow Out The Stars, Turn Off The Moon", demostrando con todas ellas, que además del profundo estilo de raíces, también podían hacer fácilmente canciones para las radios FM que emitían los nuevos sonidos de country-pop tan de moda a finales de los ochenta y principios de los noventa.

The Bellamy Brothers-Let Your Love Flow (1976)

The Bellamy Brothers son uno de los dúos mas longevos, aclamados y exitosos del country norteamericano, los cuales alcanzaron numerosos éxitos a nivel mundial en las décadas de los 70 y 80 con hits como "Let Your Love Flow" o "If I Said You Have A Beautiful Body Would You Hold it Against Me".
Formado por los hermanos David Milton y Homer Howard Bellamy, sus comienzos se remontan a finales de los 60 en su Florida natal donde participan en diferentes conciertos en la Universidad de dicha ciudad.
Durante algunos años se mueven entre Atlanta y Los Ángeles, donde son contratados por el sello Curb Records con quienes graban varios singles y su primer álbum, el cual contenía el hit "Let Your love Flow" (1976), que lograría encaramarse hasta el numero uno indiscutible de las listas norteamericanas del pop y el country, además de conseguir un notable éxito en una docena de países alrededor del mundo.
A partir de aquí la carrera del dúo se dispara meteóricamente logrando 10 hits en lo mas alto de las listas de éxitos y medio centenar mas en el top 100 del Billboard country y pop.
Entre ellas destacan "Bird Dog" (1978), "You Ain´t Just Whistlin´Dixie" (1979), "Sugar Daddy" (1980), "Dancing Cowboys" (1980), "Do You Love as Good as You Look" (1981), "For all the Wrong Reasons” (1982), “Redneck Girl” (1982), “When I'm Away from You” (1983), “I Need More of You”, “Hold Hippie”(1985), “Too Much Is Not Enough” (1986), “Kids of the Baby Boom”, “Crazy from the Heart” (1987) o “Big Love” (1989).
Durante todos esos años sus giras alrededor del mundo incluyeron Europa, Oriente Medio, Asia, Oceanía y África, además de todos los Estados Unidos y Canadá.
Hasta el año 2019 habían publicado mas de 50 álbumes, logrando multitud de galardones entre los que destacan las nominaciones a los premios Grammy, nominados el mejor dúo del country por el Billboard, o el ser incluidos en los salones de la fama de la música country de Florida y de la Asociación de la música Country de los Estados Unidos.

Ry Cooder-Paris,Texas-Original Motion Picture Soundtrack (1985)

Ry Cooder nunca será famoso por el computo habitual de los millones de discos vendidos, pero sin embargo lo es por haber sido uno de los grandes artesanos de la música rock, profundizando en los sonidos mestizos y de exploración y sus raíces mas profundas de la música americana.
Su discográfica es extensa y rica, desde sus múltiples composiciones para bandas sonoras, hasta sus proyectos en solitario, pasando por sus trabajos para otros artistas.
Ganador de seis Grammy, además de otros galardones importantes como el doctorado honorario en las Universidades de Queen en Canadá o el de las Artes de California, Cooder ha dejado para la posteridad obras de gran envergadura, consideradas como fundamentales en el devenir de la música contemporánea.
Una de ellas es la banda sonora de la película de Win Wenders, “Paris Texas”, un memorable recorrido por los paisajes tejanos en donde imprime a su guitarra esos sonidos áridos y polvorientos típicos del sur de los Estados Unidos, en un álbum tan emocionante como brillante y con el cual su popularidad se dispararía aún mas, demostrando su enorme talento y su genialidad.

Levon Helm-Dirt Farmer (2007)

Después de superar un cáncer de garganta y una intensa radioterapia; Levon Helm a sus 67 años volvió a publicar un nuevo álbum, casi 25 después de su ultimo trabajo en solitario.
“Dirt Farmer” es uno de esos soberbios y palpitantes discos que demuestra la sangre que lleva dentro este legendario músico impregnada de blues, gospel, folk, country y rock and roll y que interpreta de manera natural y asombrosa.
Compuesto por temas tradicionales que van desde canciones rurales hasta bluegrass, pasando los senderos del folk o versiones de artistas del calibre de Steve Earle, Budy Miller, The Carter Family o Stanley Brothers, Helm nos deja otro álbum que lleva camino de convertirse en un clásico atemporal.
Acompañado de su hija Amy Helm, cuenta con la valiosísima colaboración entre otros de Larry Campbell, un músico curtido en mil batallas que formo parte de la banda de Bob Dylan durante años.
El desparpajo y la combinación de estilos demuestran que aun Helm conserva aquí su innegable capacidad para poner en asombro a cualquiera con su voz rasposa y esta vez debido al cáncer, desgastada y en cierto modo cansada.
El rock esta presente en cortes como “False Hearted Lover Blues”, mientras el viejo cajun aparece en “Poor Old Dirt Farmer”, dos temas en donde además demuestra su talento con la batería.
El resto esta relleno de sentimientos como queda demostrado en los cortes “The Mountain”, “Single Girl, Married Girl” o “Wide River To Cross”.
“Dirt Farmer” obtuvo su merecido reconocimiento logrando el premio Grammy al mejor álbum de folk tradicional en el 2008, haciendo así justicia a la innegable labor de uno de los patriarcas de la música de raíces norteamericana.

Little Feat-Little Feat (1971)

Little Feat fueron una de las bandas icónicas del rock norteamericano, que guiados sabiamente por su líder Lowell George, supieron hacerse un hueco entre las mejores bandas estadounidenses de la historia, gracias a su atrayente combinación de blues, jazz, country y rock.
Formada a finales de los 60 en los Ángeles, su primera formación estaba compuesta por el mencionado Lowell George (guitarra, voz y harmónica), Bill Payne (teclados y voces), Roy Estrada (bajo y voces) y Richie Hayward (batería y voces).
Todos ellos eran músicos contrastados que habían pertenecido a bandas como los Mothers of Invention de Frank Zappa o afamados instrumentistas de sesión para otros artistas. 
Gracias al productor Russ Titelman, en 1970 lograron un contrato con el sello Warner, y un año después vería la luz el primer álbum titulado homónimamente y compuesto por un total de once temas, la mayoría escritas por Payne y George, el cual sentaría las bases de lo que la banda haría en los años sucesivos.
Pese a no tener un estilo aún muy definido, “Little Feat”, es uno de los debuts mas interesantes del rock norteamericano de principios de los 70, con una gran variedad de estilos e influencias.
Temas puramente rock como “Snakes On Everything”, “Hamburger Midnight" o “Strawberry Flats”, contrastan con las country rock “Truck Stop Girl” o “I´Ve Been The One”, las brillantes “Brides Of Jesus” y “Willin´”, este ultimo uno de los temas estandarte de Little Feat o temas blues como la versión del mítico Howlin´Wolf, “Forty-Four Blues/How Many More Years”, en donde sobresale la inconfundible voz de George y la slide guitar de Ry Cooder.


 

Manassas-Manassas (1972)

Una vez había acabado la multitudinaria, (al mismo tiempo que conflictiva entre sus integrantes), gira posterior al álbum “Deja Vu” de Crosby, Stills, Nash and Young, cada uno de sus miembros decidió seguir sus propios caminos, dejando atrás y de manera momentánea una de las mayores súper bandas jamás creadas.
Y seria Stephen Stills quien primero moviera ficha creando una nueva banda llamada Manassas, para lo cual llamaría al ex Byrds y ex Flying Burrito Brothers, Chris Hillman, al también ex Flying Burrito Brothers, Al Perkins y algunos de los músicos que habían participado en las grabaciónes de “Deja Vu”, como el batería Dallas Taylor y el bajista Fuzzy Samuels.
Con la incorporación de varios integrantes mas, entre los que estaban Paul Harris, quien por entonces pertenecía a la banda de B.B.King como organista y al percusionista ex Pacific Gas and Electric, Joe Lala, además de las colaboraciones especiales de varios músicos invitados como el bajista de los Rolling Stones, Bill Wyman, el líder de Grateful Dead, Jerry Garcia a la pedal steel guitar y Malcolm Cecil en los teclados, entran en los estudios Criteria de Miami y graban el doble álbum “Manassas”, el primer trabajo de esta súper banda de country y rock.
Dividido en cuatro caras con diferentes subtítulos, este primer álbum titulado homónimamente fue uno de los grandes lanzamientos de la década y aún hoy en día sigue considerado un lanzamiento extraordinario.
En la cara A del primer disco, titulado “The Raven”, podemos disfrutar de una mezcla de rock con fusiones latinas y entre las que destacan “Song Of Love”, con el sonido inmenso de las guitarras de Stills y Perkins, la fascinante “Rock & Roll Crazies / Cuban Bluegrass”, la jam rock “Both of Us” o la meritoria “Anyway”. Los sonidos campestres y rurales aparecen en el segundo disco “The Wilderness”, en ella aparecen cortes que se mueven entre los sonidos del country y el bluegrass como “So Begins the Task”, “Fallen Eagle, “Colorado” o “Don´t Look at My Shadow”.
Para el tercer disco titulado “Consider” los sonidos son orientados al folk rock con destacados temas como “Johnny´s Garden”, “It´s Doesn´t Matter” o "The Love Gangster”.
Cerrando este doble álbum con el cuarto disco subtitulado “Rock & Roll Is Here”, que como su titulo deja entrever es un homenaje a los sonidos blues y rock que comienza con las deudoras a los sonidos de los mejores CSNY, “Waht to Do” y “Right Now”, la epopeya jam “The Treasure” y la blues acústica “Blue Man”, esta ultima dedicada a tres de los grandes rockeros que habían fallecido en los anteriores dos años, el guitarrista Jimi Hendrix, el cantante Al Wilson de los Canned Heat y el guitarrista de los Allman Brothers, Duane Allman, todo un soberbio colofón a un álbum tan grande y apoteósico como la carrera de todos los legendarios músicos que intervinieron en su elaboración.

J.J. Cale-Troubadour (1976)

Este fue el álbum que influiría de manera decisiva en Mark Knopfler y sus Dire Straits (al menos en sus dos primeros álbumes), pero también el que contiene una de las canciones míticas de J.J.Cale, “Cocaine”, que posteriormente Eric Clapton  popularizara a nivel mundial.

Al mismo tiempo este trabajo es el que consolidaría el estilo “Tulsa Sound”, un subgénero basado en el folk, el blues, el country, el jazz y el rockabilly y que convirtió a J.J.Cale en una de las leyendas de la música norteamericana del siglo 20.
Pero hasta llegar aquí J.J.Cale ya llevaba tras de si mas de una década de carrera musical, la cual había empezado a principios de los sesenta junto al ilustre Leon Russell.
En 1965 una canción suya “After Midnight”, se convierte en un pequeño éxito y al año siguiente llegaría su primera publicación con el grupo The Leathercoated, que sin embargo no obtiene el éxito deseado.
Esta decepción le lleva a mudarse a Tulsa en Oklahoma, en donde después de firmar con el sello local Shelter grabaría su primera obra en solitario “Naturally” aparecido en 1971.
En este primer álbum J.J.Cale mostraba su enorme sensibilidad con un trabajo repleto de aires blues, jazz, folk y country, con una serie de canciones intensas y contenidas, y que contiene dos de sus clásicos “Call Me The Breeze” y la mencionada “After Midnight”.
En los siguientes años Cale publicaría el mas dinámico “Really” (1972), y mas tarde “Okie” (1974), en donde de manera progresiva incluye otros géneros musicales como el gospel pero sin perder un ápice su personalidad, continuando con sus exploraciones en las raíces de la música norteamericana.
Dos años después con “Troubadour”, culmina su madurez compositiva mostrando su álbum mas versátil y al mismo tiempo mas consolidado en su propuesta musical.
Repleto de canciones inspiradas y brillantes como la mencionada “Cocaine”, la juguetona “I´m A Gypsy Man”, la rítmica "Let Me Do It To You”, la planeadora “Hey Baby”, la atmosférica bluesy “Super Blue” o la ágil “Ride Me High”.

The Band-The Last Waltz (1978)

A mediados de los setenta y tras dieciséis años de carrera, The Band decidieron acabar su fabulosa aventura, la cual los llevaría a dejar en la memoria de millones de fans y en los anales de la música rock, una historia tan apasionante como antológica.
A lo largo de todo ese tiempo fueron durante sus primeros años la banda de acompañamiento de Bob Dylan en su gira mundial de mediados de los sesenta, cuando aún se denominaban The Hawks, además de colaborar en la grabación del famoso “Blonde on Blonde”. Posteriormente y ya como The Band publicaron algunos de los mas grandes álbumes de la historia de la música norteamericana como son “Music From Big Pink” (1968), “The Band” (1969), “Stage Fright” (1970), “Before The Flood” (1974) o "The Basement Tapes" (1975), estos dos últimos junto al propio Bob Dylan.
Como colofón a su despedida, la banda junto al promotor Bill Graham, organizaron un concierto en el legendario Winterland de San Francisco, el día de Acción de Gracias de 1976. Ese día tan señalado para los norteamericanos, el mítico lugar estaba rebosante de publico, ansioso y consciente por ver algo memorable e histórico. Para la ocasión las cámaras del director Martin Scorcerse lo filmarían todo para una película posterior.
Esa noche además de la formación de The Band, compuesta por Rick Danko, bajo violín y voz, Garth Hudson, órgano, piano, sintetizadores y saxofón, Richard Manuel, piano, órgano, batería y voz, Robbie Robertson, guitarra piano y voces y Levon Helm, batería, mandolina y voz, participa una sección de vientos y otros músicos de apoyo entre los que destacan Allen Toussaint, Tom Malone, James Gordon o John Simon. También esa noche intervienen una serie de súper estrellas invitadas, entre los que se encuentran Ronnie Hawkins, Neil Young, Van Morrison, Muddy Waters, Paul Butterfield, Eric Clapton, Neil Diamond, Bob Dylan o Joni Mitchell.
El resultado final fue un triple álbum, además de la mencionada película, que fue publicado dos años mas tarde y que recoge fielmente una noche memorable con casi tres horas de duración y que aglutina un repertorio sublime con la interpretación de los clásicos de la banda como “The Night They Drove Old Dixie Down”, “The Weight”, “Up On Cripple Creek”, “Stage Fright” o “This Wheel´s On Fire” que se alternaron con canciones de los artistas invitados como “Helpless” de Neil Young, “Caravan” de Van Morrison, “Dry  Your Eyes” de Neil Diamond, “Mystery Train” de Paul Butterfield o “Further On Up The Road” de Eric Clapton. Para el final se reservaron el clásico “I Shall Be Released” y varias jams interpretados por todos los que intervinieron en el concierto, incluidos el guitarrista de los Rolling Stones, Ronnie Wood y el ex Beatle, Ringo Starr.
Este triple álbum junto a la película se convirtió en una obra de culto para los norteamericanos y considerada una de las obras maestras de la música norteamericana de todos los tiempos.

J.J.Cale-5 (1979)

En la historia de la música popular han habido grandes álbumes que por diferentes circunstancias pasaron desapercibidos y fueron infravalorados por el gran publico y la critica especializada y que en muchos casos ha sido ese juez supremo que es el tiempo, el que los ha colocado en el lugar que le corresponden.
Uno de esos álbumes es “5” de J.J. Cale, publicado en una época en donde Mark Knopfler, uno de sus alumnos mas aventajados, triunfaban mundialmente con su banda Dire Straits, con un sonido que era calcado al estilo elegante y puro de country, blues, rock and roll y rhythm and blues del músico originario de Oklahoma.
Desde su álbum debut aparecido en 1972, hasta este “5”, su quinto trabajo como indica su nombre, apenas aparecía en las crónicas musicales, a ello también contribuía su hermetismo personal y su alejamiento de las grandes masas y de la popularidad.
A finales de los setenta lograría un nuevo contrato discográfico con la MCA y lo estrenaría con este nuevo álbum, que fue grabado en Nashville rodeado de afamados músicos de la escena country y blues de la capital de Tennessee, y en el cual J.J.Cale seguía mostrando un estilo reposado de los sonidos americanos, con pocos arreglos y florituras, un tono relajado y su voz hipnótica.
Un álbum que sin mostrar nada nuevo en comparación a sus anteriores obras, contiene una insuperable colección de temas mágicos de gran pureza creativa e instrumental.
Desde la inicial “Thirteen Days” hasta la ultima del disco “Mona”, se van sucediendo temas de gran exquisitez como”I´ll Make Love To You Anytime”, “Don´t Cry Sister”, “Sensitive Kind”, “Friday”, “Lou-Easy-Ann” o “Fate Of A Fool”, convirtiendo a este trabajo en otra de sus sobresalientes obras, que como todas las anteriores, solo estaban a la altura de la genialidad de un musico como J.J. Cale.

John Denver-An Evening With John Denver (1975)

En 1975 John Denver se encontraba en uno de los mejores momentos de su carrera.

Ya desde su tercer álbum “Poems, Prayers & Primises” (1971), este mítico cantante era un habitual de las listas del folk y el country y todos sus lanzamientos habían obtenido discos de oro o platino por sus ventas. Con los exitosos álbumes como precedente ("Rocky Mountain High” y “Farewell Andromeda”), Denver había llegado a tener la confianza de creer en sus propias composiciones, grandes canciones acústicas, las cuales eran fruto de sus días de soledad en los espacios abiertos de las montañas del Colorado donde residía habitualmente.
En “Back Home Again” (1974), John Denver ofrecía una serie de canciones muy inspiradas, alegres y líricamente muy ingeniosas, con unos arreglos que fueron instrumentalmente muy bien ejecutadas por su banda, combinando sabiamente el folk con acercamientos al country. Su banda de apoyo en aquel momento estaba formada por excelentes músicos como el batería Jim Gordon, el harmonicista Hal Blaine, el pianista Glenn Hardin o el bajita David Jackson, entre otros. Entre las 12 canciones que componen este álbum destacan la humorística “Grandman´s Feather Bed”, la conmovedora “Matthew”, y la alegre “Thank God i´m a Country Boy”. Sin embargo seria la canción dedicada a su esposa Annie el gran éxito de este disco “Annie Song´s”, una lacrimosa balada que se convertiría en una de sus mejores composiciones. Para la segunda cara del álbum Denver nos dejaba otra serie grandes temas como la melódica “Cool an´Green An´Shady”, la amable “Sweet Surrender” y la melancólica “This Old Guitar”.   
Ese mismo año de 1975 llegaría el doble directo “An Evening With John Denver”, grabado en vivo en el California Universal Amphitheatre, la noche del 26 de agosto de 1974, con un acompañamiento orquestal completo, y un John Denver en un gran estado de gracia, combinando a la perfección el pop ligero con el folk y sutiles sonidos country.
Este se convertiría en su mayor éxito comercial y también en una de sus obras cumbres, un doble álbum que cuenta con un excelente repaso a lo mejor de su carrera hasta aquel momento, “Farewell Andromeda (Welcome to My Morning”, “Rocky Mountain Suite”, “Take Me Home” o “Take Me Home, Country Roads”.

The Highwaymen-Highwayman 2 (1990)

A mediados de la década de los ochenta, cuatro de los mas grandes músicos del country y el rock´n´roll norteamericano como son Johnny Cash, Waylon Jennings, Willie Nelson y Kris Kristofferson se unieron y formaron el supergrupo The Highwaymen.
Formado inicialmente como un proyecto de un solo disco, este supergrupo se convirtió en una de las principales bandas country del cambio de siglo.
Estas cuatro leyendas tienen tras de si unas carreras tan largas como grandes son sus contribuciones a la música norteamericana.
Willie Nelson, Waylon Jennings, Johnny Cash y Kris Kristofferson son leyendas individuales en los Estados Unidos, entre todos ellos reconocidos activistas o impulsores de innumerables reindivicaciones, actores en películas o como importantes personajes en la vida civil norteamericana. Enumerar sus carreras discográficas y sus logros serian llenar cientos y cientos de paginas.
En 1985 lanzaron un álbum asombroso pero al mismo tiempo clásico, canciones míticas como "The last cowboy song", una canción del viejo oeste de Ed Bruce, "Deportee" de Woody Guthrie, "Jim, I Wear Tie today" de Eddy Arnold, "Big River" de Johnny Cash o "Against the wind" de Bob Seger, sin mencionar el tema "Highwayman" de Jimmy Webb, los cuales forman parte de esta joya del country, folk y rock´n´roll.
Cinco años después volverían a repetir la formula de versiones con el álbum “Highwayman 2”, aunque en esta ocasión se alternaban con temas compuestos por todos los miembros del grupo, otro soberbio disco en donde la melódica y fantástica “Silver Stallion” de Lee Clayton da comienzo a otro recital inigualable de temas míticos y composiciones antológicas “Born and Raised in Black and White”, “American Ramains” , “Living Legend” o “Texas”. Pasarían otros cinco años para que volvieran a reunirse y grabar el álbum “The Road Goes On Forever”, a la postre el ultimo de esta extraordinaria reunión de talentos debido a que Waylon Jennings, fallecería en el 2002 y un año después Johnny Cash.
Curiosamente un año después de su primera reunión, participaron los cuatro músicos en la misma película “Stagecoach”, un remake de la mítica película de John Ford.

Little Feat-Sailin´ Shoes (1972)

Originarios de Burbank en California, Little Feat ha sido una de las más grandes bandas de rock norteamericanas de los setenta por su técnica, inventiva, vitalidad, inspiración y sonoridad. Su secreto residía en el surrealismo bizarro, a veces desgarrado de sus letras irónicas y con gusto por el sinsentido, y en su sonido, una síntesis particular.
Liderado por Lowell George, un personaje de gran carisma que comenzó su carrera en Los Ángeles tocando para varios grupos, entre ellos Standells y Factory, para posteriormente pasar a formar parte de Mothers of Invention de Frank Zappa.
Tras dejar la banda de Frank Zappa y junto al bajista de la misma banda, Roy Estrada fundaría Little Feat, además del baterista Richard Hayward y el pianista Bill Payne.
El grupo actuaría durante algún tiempo en Los Ángeles y en Houston, atrayendo rápidamente la atención del público, en parte gracias a la gran reputación de Lowell George.
La música de Little Feat es densa y cuidada, una síntesis original de blues, boogie, country, gospel, rhythm and blues de Nueva Orleans y Memphis y ecos del rock californiano.
Su consagración definitiva vendría con su segundo disco "Sailin´Shoes", un magnífico disco que contiene el angustiado "Trouble", el boogie-country "Tripe Face Boogie", el country blues "A Apocalitical Blues" y "Willin´", una de las clásicas folk del grupo. Este álbum elogiado con entusiasmo por la prensa especializada y especialmente por la revista Rolling Stone, cuenta con la colaboración del estudio gráfico Neon Park, que ilustraría todas sus portadas con una extravagante imaginación popular.

Johnny Cash-At Folsom Prison (1968)

Johnny Cash es toda una leyenda para los norteamericanos, el fue uno de los máximos exponentes del country y toda una institución dentro de la música rock del siglo 20. Genial compositor, con su profunda y sosegada voz, su rebelde personalidad, además de sus indumentarias de color negro, (lo que le valdría el apodo de "The Man in Black"), le mantuvieron en lo mas alto durante mas de cincuenta años, en los cuales llego a vender cerca de los cien millones de discos. A mediados de 1968 Cash grabaría uno de sus álbumes mas famosos, "At Folsom Prision", grabado en la prisión estatal de Folsom en California. Varios años antes había grabado una canción titulada "Folsom Prision Blues" y durante algún tiempo rondaría por su cabeza grabar un álbum en dicho lugar, algo que en un principio no fue del agrado de su propia compañía discográfica Columbia Records. Luego de tensas disputas, finalmente el 13 de enero de 1968, Johhny Cash fue autorizado a celebrar un concierto en dichas instalaciones penitenciarias, para lo cual estuvo acompañado por una banda compuesta por June Carter (voz), Carl Perkins y Luther Perkins (guitarras eléctricas), Ws Holland (batería), Marshall Grant (bajo), y el grupo de acompañamiento vocal The Statler Brothers. En este mítico registro, todo un documento histórico, Johnny Cash va desgranando una serie de piezas que versan sobre las prisiones, delitos, cárceles o los interminables viajes sin rumbo a ninguna parte. Legendarias canciones como la propia "Folsom Prison Blues" o "Green, Green Grass of Home", "Dirty Old Egg-Suckin´Dog", "Cocaine Blues", "Orange Blossom Special" o "25 Minutes to Go", conforman un repertorio extraordinario y único en la música popular. A pesar del desinterés promocional por parte de la Columbia, el álbum se colocaría en el numero uno absoluto de las listas de country y un top ten en el Billboard, logrando vender mas de tres millones de copias y obteniendo un triple disco de platino.

Dillard & Clark-The Fantastic Expedition of Dillard & Clark (1969)

Cerca de finales de los sesenta el auge del folk y el country rock norteamericano estaba en su máximo apogeo, bandas y artistas como The Byrds, The Band o Bob Dylan habían contribuido a gran parte de ello, dejando para la posteridad momentos de gran esplendor. En ese contexto surgirían las figuras de Gene Clark, (ex Byrds), y Doug Dillard, un afamado intérprete de bluesgrass y unas de las leyendas del banjo, y el cual es uno de los iconos de los sonidos mas ancestrales de la Norteamérica mas profunda. Ambos músicos unirían sus fuerzas y ambos realizaron uno de los álbumes que redefinirían el country rock moderno, sentando los pilares para todos los siguientes movimientos y sub estilos que bebían del country y del folk americano. "The Fantastic Expedition of Dillard & Clark",  no solo es un viaje a lo mas profundo de la América rural, también es la voz que reivindicaba un estilo y una forma de vida tradicional, que aun hoy en día perdura y que seguirá haciéndolo mucho mas allá del fin de todas nuestras vidas. Un disco que de manera reflexiva muestra una serie de icónicas canciones del country como "Out on The Side", del bluesgrass "She Darkness The Sun" o lamentos y vivencias campestrales como "Train Laves Here This Morning", "The Radio Son" o "With Care From Someone". Estamos sin duda alguna, ante una de las obras más innovadoras, fundamentales y esenciales de la música de raíces norteamericana y toda una obra maestra del genero.

Levon Helm-Electric Dirt (2009)

Levon Helm no necesita ninguna presentación, baterista y cantante de la legendaria The Band en los años sesenta y setenta, fue uno de los grandes defensores de la música de raíces estadounidense.
"Electric Dirt" fue su noveno álbum, en una carrera en solitario que había comenzado en 1977, poco después de la disolución de su banda madre. En este nuevo lanzamiento, Helm logra superar el éxito de su antecesor el fantástico "Dirt Farmer" con el que había logrado como este, el premio Grammy al mejor disco de música americana.
Sin embargo aquí, que tenía por entonces setenta años, amplía los horizontes musicales para ir un poco más allá, introduciendo elementos más eléctricos para continuar con sus influencias gospel, blues y el jazz de Nueva Orleans, todo aderezado con su habitual estilo de folk y country.
Con su voz ya deteriorada (en ese momento sufría de cáncer de garganta), Helm va pasando de tema en tema con gran sinceridad y de manera auténtica con versiones de canciones de The Band, Randy Newman, Staples Singers o Muddy Waters además de algunas composiciones propias.

Kenny Rogers-The Gambler (1978)

Para cuando Kenny Rogers publico el disco "The Gambler" en 1978, su quinto disco cronológicamente hasta esa fecha, ya era un experimentado músico country con varios éxitos a sus espaldas, sus obras "Kenny Rogers" (77), "Daytime Friends" (77 ) y "Love or Something Like it" (78) habían alcanzado la cima de las listas, obteniendo varios discos de platino por sus ventas.
Kenneth Ray "Kenny" Rogers nació en Texas en 1938, su infancia transcurrió en uno de los sectores más pobres de la ciudad de Houston, y comenzó su carrera a los 20 años, interpretando canciones de otros cantantes de la época.
En 1966 formó parte de un grupo folk llamado The New Christy Minstrels. Además de Kenny, los aún desconocidos Gene Clark y Kim Carnes estaban activos en el grupo. Al año siguiente, Rogers y algunos miembros dejaron la banda para formar The First Edition, que luego adoptaría el nombre de Kenny Rogers & the First Edition.
Con esta banda tuvo algunos éxitos que funcionaron bien en las listas de éxitos del pop y del country como 'Ruby, don't take your love to town', 'Reuben James' o 'Something's burning'.
En 1975 Kenny Rogers disolvió el grupo y comenzó una carrera en solitario, logrando en 1977 el éxito que lo catapultó a la fama internacional con 'Lucille'. El tema fue el número uno en muchos países vendiendo más de cinco millones de copias.
Otro de sus grandes éxitos country fue la canción "Coward of the County". En 1979, su balada romántica "She Believes in Me", lo consagra no solo como cantante de country, sino también como un sólido intérprete romántico en las listas de éxitos de todo el mundo. En 1980 con "Lady" obtuvo fama mundial y la confirmación de ser una gran estrella de la música, también ganó un premio Grammy.
Con este nuevo álbum Rogers inaugura su propio estilo característico, también se inició como actor en películas y series de televisión.
A partir de 1978, su carrera alcanzó niveles muy altos de popularidad en todo el mundo con 'The Gambler' (1978), 'Coward and the County' (1979), 'Lady', su primer número 1 en las listas de éxitos (1980), 'We 've tonoght' (1982) y junto a Sheena Easton, el álbum 'Crazy' (1985).
En 1980 protagonizó una serie de televisión y varias secuelas basadas en dos de sus canciones: 'The Gambler' y 'Coward of the County', que mantuvieron su popularidad en la década de 1990 a pesar de que sus grabaciones ya no tenían el mismo impacto en las listas de ventas. Continuó cosechando el número 1 en las listas de éxitos del Estados Unidos con canciones como 'Morning desire' (1985), 'Tomb of the unknown love' (1986), 'Make No Mistake, She´s mine' (1987, con Ronnie Milsap y nuevamente en el 2000 con 'Buy me a Rose' con Alison Krauss y Billy Dean.
Hoy en día Kenny Rogers es considerado una leyenda en Norteamérica y se refleja en múltiples premios que ha ido cosechando durante cuatro décadas.

Isle of Wight Festival (1969-1970)

Los dos festivales celebrados en la isla de Wight a finales de los sesenta y principios de los setenta, tuvieron un doble valor: el primero de ellos, porque contó con Bob Dylan, cuyo solo nombre sirvió ya para mitificar el acontecimiento; el segundo, porque en su gigantismo labró la tumba de los grandes festivales, al menos bajo las premisas y con los conceptos desarrollados en los últimos años 60. La referencia a Dylan basta para escribir a grandes rasgos el primero, celebrado los días 29, 30 y 31 de agosto de 1969. Sus datos y cifras, permiten entender el festival de la isla de Wight en sí mismo por su importancia y su significado.
Wight es una isla de unos 40 km de longitud por unos 23 de anchura, situada en la costa sur de Inglaterra; tenia en aquella época un censo de 94.000 habitantes, que hasta el verano de 1969, vivían en una perfecta paz idílica. Ambos festivales se desarrollaron en los terrenos de East Afton Farm, de 4 millones y medio de metros cuadrados, cerca del pequeño pueblo de Freshwater. La organización del festival corrió a cargo de los hermanos Foulk y Ricky Farr, que actuaron bajo la denominación de Fiery Creations. Después de 1970 pasaron a la historia como los promotores del más importante evento británico.
El primer festival de Wight duró tres días: contó con un concierto libre el día 29, con la participación de los Who, Moody Blues, Fat Mattres, Joe Cocker, Family, The Bonzo Dog Band, Pretty Things, Blodwyn Pig, Edgar Boughton Band, King Crimson, Free, Marsha Hunt and White Trash, Blonde on Blonde y Aynsley Dumbar entre otros, el día 30 con Bob Dylan and The Band, Richie Havens, Tom Paxton, Pentangle, Julie Felix, Gary Farr, etc.
Bob Dylan, que llegó en helicóptero y se fue diciendo que había ido a cantar y nada más, sin otros comentarios, no dejó muy convencidos a los miles de espectadores, entre ellos varios miembros de los Beatles y de los Rolling Stones. Farr y los hermanos Foulk le pagaron 75.000 dólares, la cifra mas alta del festival. Cantó 17 canciones en un par de horas y se fue. Pero para los doscientos mil espectadores, Wight era ya un hito. Dylan había cantado esporádicamente desde su accidente en 1966, y no iba a reaparecer en gira hasta 1974. Así que Wight fue su gran efemérides en los 8 años que mediaron entre 1966 y 1974.
Al año siguiente, sin Dylan, el festival quiso convertirse en la más gigantesca epopeya de la historia del rock, superando a Woodstock y superándose a sí mismo. La Fiery Creations se gastó en pagar a los artistas unas 250.000 libras (cerca de 300.000 dólares), de las cuales cada una de las figuras percibía 15.000. La organización fue modélica hasta el inicio del festival; sin embargo, se vio desbordada por las causas extra-musicales que lo torpedearon en su espíritu, ya que musicalmente fue todo un éxito.
Para llegar a Wight se dispusieron servicios de trenes especiales desde las principales ciudades inglesas, completados con ferrys desde los puertos cercanos a la isla, Portsmouth y Southampton. En Wight se concentraron 5.000 policías para cuidar el orden público y otros cientos vestidos de paisano para vigilar el eterno gran peligro de todos los festivales: las drogas y cualquier asunto turbio que pusieran en peligro a los asistentes. Sólo para esto, a Wight incluso se desplazó un laboratorio completo de drogas, un tribunal y un hospital especializado, con 80 camas para auxilios inmediatos. Trescientos acres de tierra fueron destinados a «ciudad», para que no sucediera lo de Woodstock y para que quienes lo desearon pudiesen instalar su tienda de campaña y dormir en las pocas horas que el festival lo permitía. La prensa de todo el mundo disponía de emisoras de radio, salas de prensa, 2.500 servicios repartidos por el recinto vallado (con doble valla de seguridad). En la parte alimentaria, Wight tiene una valoración, en cifras, espectacular. El total de comida y bebida almacenada el primer día era de 1.368.800 litros de agua, 113.650 litros de leche e igual cantidad de cerveza, 24 toneladas de bebidas calientes, 8 millones de vasos de papel y 100 toneladas de patatas. Grandes tiendas, restaurantes y un sinfín de puestos de hot–dogs, fish and chips y curry houses, sirvieron comida a lo largo de los cinco días del festival, el más largo jamás planificado. A pesar del número de tiendas, las colas fueron otra constante para conseguir beber, comer o hacer una necesidad.
Los problemas que Wight trajo consigo podrían resumirse en unas líneas: daños a la propiedad privada en cuanto a los habitantes de la isla, para lo cual las compañías de seguros establecieron un seguro especial durante los días del festival; la creación de una legislación que regulase las grandes concentraciones de público; y, finalmente, los propios acontecimientos internos del festival, originados por los Hell Angels y los White Panthers.
La aparición de los Panteras Blancas fue originada por las vallas del festival y por algo que podríamos denominar «política de Wight». Durante algo más de medio año, la organización pregonó que el segundo festival de Wight sería un modelo y algo más que un fenómeno pop.
Wight era la reencarnación del paraíso. En cierto modo, la organización fue víctima de su propio sueño. El público, llegado de todo el mundo, se encontró con una extensión de terreno yermo, con entradas de 10 libras para los VIPs que quisieran estar cerca del escenario y pudieran pagar, y de algo más de una libra para el resto. Los Panteras se autodefinieron como defensores de la masa e iniciaron una lucha para lograr un festival gratuito, sin VIPs. El resultado fue el derribo de las vallas, una pequeña claudicación por parte de los organizadores, ante el riesgo del descalabro, y 70.000 libras perdidas en las primeras horas al tener que dejar entrar gratis a los rebeldes. El Wight-70 comenzó con la sonrisa de Ricky Farr, presentando, vestido de negro, el magno acontecimiento, y terminó con él mismo gritando desde el escenario: «Para la buena gente... ¡adiós! Para los demás... ¡iros al infierno!», unos minutos después de que el vicario de Monteston fuese abucheado al tratar de dirigir unas palabras a un agotado público tras cinco días alucinantes.
Pero a pesar de todo... Wight no fue, ni mucho menos un festival violento, pese a los Panteras y a los Ángeles del Infierno. La frase all right («todo está bien») fue una consigna de las cinco jornadas para los 300.000 espectadores que se reunieron en los momentos clave. El último día, tras la actuación de Joan Baez, cuando se produjo la gran vuelta a casa, todavía la Fiery Creations ayudó a los miles de jóvenes sin dinero, proporcionándoles ayuda para llegar a sus puntos de destino.
El primer día del festival, el 26 de agosto, actuaron grupos desconocidos por aquel entonces, como Judas Jump, Kathy Smith, Rosalle Sorrels, Kris Tossoson y Redbone. El día 27 lo hicieron Supertramp, Groundhogs, Tony Joe White, Cactus, Black Widow, Terry Reid y Andy Roberts and Everyone. El viernes 28 se inauguró oficialmente Wight 70 y comenzaron a desfilar las figuras hasta el domingo 30 de agosto. Las principales fueron Taste, Melanie, Voices of East Halem, Fairfield Parlour, Chicago, Family, Procol Harum, Arrival, Joni Mitchell, Who, Free, Ten Years After, John B. Sebastian, Jimi Hendrix, Leonard Cohen, Joan Baez, Donovan, Jethro Tull, Mungo Jerry, The Doors, Moody Blues, Sly and The Family Stone, David Bromberg, Kris Kristofferson, Miles Davis, Pentangle, Richie Havens, Emerson, Lake and Palmer, Cat Mother, Everly Brothers, Tiny Tim, Good News, Ralph McTell y otros más. No había un Dylan, pero el reparto fue tan impresionante como el de Woodstock y pronto pasaría a los anales de la historia del rock como uno de los acontecimientos mas fantásticos e impactantes jamas realizados.

The Byrds

The Byrds fueron sin duda la banda más influyente e innovadora de folk rock de todas las surgidos en la década de los sesenta.
Ellos fueron capaces de detener la invasión británica que supuso la llegada de The Beatles, The Kinks o The Rolling Stones, que inundaron con sus canciones y sus álbumes las listas de éxitos norteamericanas.
The Byrds cultivaron una de las fuentes de riqueza de la música americana como es el folk y la ampliaron hasta los horizontes del rock con una creatividad genial y una especial debilidad al estilo de los Fab-Four.
Todo comenzó cuando tres jóvenes músicos provenientes de otras tantas bandas se unieron a principios de los sesenta para fundar un grupo al cual llamaron Jet Set, estos músicos eran Roger McGuinn, Gene Clark y David Crosby.
En 1964 el grupo empieza a ensayar y componer, además de actuar con bastante frecuencia en locales y pubs de la zona de Los Ángeles.
A finales del mismo año el productor Jim Dickson se encarga de las sesiones de ensayo del grupo y les presenta a Chris Hillman, un experimentado músico de folk & bluegrass que ya había publicado un álbum con una banda llamada Hillmen.
El encuentro termina con inclusión del propio Hillman en la banda y además también consigue que el batería Michael Clarke pase a formar parte de la misma, y así les produce su trabajo “Preflyte”, que nunca fue publicado hasta 1969.
Casi a final de año cambian de nombre y pasan a llamarse Beefeaters y el propio Dickinson les consigue un contrato con el sello Elektra la cual les publica el single “Please let me love you”, que pasa totalmente desapercibido, pero es justo un poco después y durante una actuación, cuando un directivo de la CBS queda impresionado por la calidad del grupo y les ofrece un contrato indefinido, pero para evitar problemas con la Elektra, les sugiere que cambien de nombre, para comenzar como una nueva banda y así terminan denominándose The Byrds.
La aportación de esta banda en el futuro seria fundamental en el devenir de la música rock, tal y como la conocemos hoy en día, nada extraño si observamos el talento de sus cuatro principales miembros, Roger McGuinn un excelente guitarrista, principalmente de la guitarra de doce cuerdas y un espléndido compositor, igualmente eran los guitarristas David Crosby y Gene Clark, Chris Hillman por su parte tenia un talento innato para la música y era igualmente un sobresaliente guitarrista y posteriormente con el bajo.
En junio de 1965 se publica el primer álbum de la banda “Mr.Tambourine Man” que había sucedido a varios singles como el que daba titulo al disco y “All I Really Want to do”, ambos temas, versiones de Bob Dylan, y que consiguieron un éxito sin precedentes en la historia del rock hasta esos momentos.
Ambas canciones se catalogan en el nacimiento del folk-rock y se colocaron en lo más alto de las listas norteamericanas y británicas.
El álbum mostraba algunas piezas ya compuestas en la época de Jet Set, más nuevo material y también dejaba de lado la faceta del folk como canción protesta para pasar a un estilo más reposado y bucólico, además del sentido de la armonía vocal heredada de The Beatles.
Además de los citados temas de Bob Dylan, también habían otras excelentes versiones como “The Bells of the Rhymney” de Peter Seeger o “Spanish Harlem Incident” del propio Dylan.
En el segundo álbum “Turn! Turn! Turn!” (1966), el grupo siguió exprimiendo el éxito con canciones de Bob Dylan como “The Times they are a Changin´” o composiciones propias como “Set you free this Time”.
Después de este disco, Gene Clark abandona la banda debido a problemas internos con sus compañeros y justo poco después se publica el single “Eight Miles High”, otro de los himnos de la banda y que fue uno de los últimos compuestos por el propio Clark.
Este mismo año se publica el tercer álbum de la banda “Fifth Dimension”, que contenía las memorables “Mr.Spaceman” o la propia que daba titulo al disco.
En este ultimo trabajo el grupo se alejaba un tanto del folk-rock de Gene Clark para adentrase en terrenos mas electrónicos y experimentales con claros acercamientos a la psicodelia producto de las ideas de McGuinn.
“Younger Than Yesterday” (1967), es la lógica continuación del álbum anterior, aquí las experimentaciones iniciadas en “Fifth Dimension” son llevadas a su máxima expresión con grandes temas como la enésima versión de Dylan “My Back Pages” o “Goin´Back”.
Pero a principios de 1968 Gene Clark sustituye a David Crosby, justo para la grabación del nuevo álbum “The Notorius Byrd Brothers”, un trabajo pionero en las sesiones de grabación al utilizarse en ello una alta tecnología electrónica.
En este ultimo trabajo el grupo se inclinaba por sonidos mas country sin dejar de lado el folk-rock, pero perdiendo la originalidad y frescura de los trabajos anteriores.
Después del álbum el grupo es reformado literalmente, Kevin Nelley sustituye a Clarke en la batería, además entran el guitarrista Gram Parsons, Sneaky Pete a la steel guitar y Doug Dillard al banjo.
Con esta nueva formación se publica “Sweetheart of the Rodeo” (1968), que resulto ser un buen álbum de country rock pero que fue recibido con una fría acogida por los fans.
A partir de aquí el grupo que tuvo distintas formaciones siguió publicando álbumes como el confuso country-rock de “Dr.Byrds and Mr.Hyde” (1969), el mediocre “The Ballad of Easy Rider” (1970), el doble álbum mitad en directo, mitad en estudio “Untitled”, que resulto ser un esperanzador regreso a los orígenes (1970), y los flojos y previsibles “Byrdmaniax” (1971 y “Farther Along” (1972).
En 1973 se reúne el grupo original y graban “The Byrds” que resulta ser un tanto individualista y melancólico.
Un año después se da por disuelta la banda definitivamente, cerrando uno de los capítulos mas inolvidables de la historia del rock.
Posteriormente se han publicado numerosos recopilatorios de la banda, de los que destacan “The Original Singles 1966-67” (1980), la box set de 4 cd´s “The Byrds” (1990) o “The Byrds Collection” (1986).
Por otra parte la carrera individual de los miembros originales ha sido muy extensa, David Crosby formaría parte del súper grupo Crosby, Stills, Nash & Young, y una carrera en solitario bastante fructífera, Gene Clark fundo el legendario grupo Dillard & Clark, e igualmente discos en solitario, Hillman se unió a McGuinn y Clark publicando varios álbumes bastantes meritorios, complementada con una discreta carrera solista y Roger McGuinn dejo constancia de su talento en buenos trabajos como su primer álbum titulado homónimamente “Roger McGuinn” (1973) o “Back from Rio” (1991).

Little Feat

Little Feat fueron una de las mas grandes bandas americanas de todos los tiempos que con un estilo innovador de gran vitalidad e inspiración sonora surrealista y con unos textos en sus canciones que rebozaban de ironismo y un sinsentido fuera de lo común y una particular visión del blues, el rock y el funk, esta considerada una de las mas famosas formaciones de culto hoy en día. Su fundador y líder era Lowell George quien había pertenecido a los Mothers of Invention de Frank Zappa y que había compuesto algunas canciones famosas para grupos y artistas de gran renombre como Linda Ronstadt, The Byrds, Comander Cody o Gene Parsons, además de haber colaborado con Frank Sinatra en diferentes grabaciones.
El resto de la banda la conformaban el también ex Mothers of Invention Roy Estrada, Richard Hayward ex Factory y Bill Payne.
Por sugerencia de Carl Black, batería de Frank Zappa, denominan a la nueva banda Little Feat. Gracias a la reputación de George actúan durante meses en los circuitos de rock y blues de los Ángeles o Houston y pronto llaman la atención del publico y la critica de manera unánime.
A principios de 1970 consiguen un contrato con Warner quien les produce su primer álbum “Little Feat”, un trabajo robusto de blues-rock con algunas versiones como “Forty tour blues” de Howlin´Wolf o baladas mágicas como “How many more years”.
La curiosa mezcla de elementos sonoros del grupo, nos lleva a una densa síntesis de blues, country, boggie, funk e incluso gospel, pero siempre bajo el punto de vista del sofisticado rock californiano, no exento de grandes dosis de humor, heredadas indiscutiblemente de Frank Zappa.
“Sailin´Shoes”, editado en mayo de 1972 consagra al grupo definitivamente, la sabia mezcla de estilos se ve reforzada en este nuevo álbum con una imaginería pop sin precedentes.
La prensa y el público alaban el álbum y se muestran entusiasmados con el grupo.
“Dixie Chicken” (1973), el siguiente trabajo, ya advierte nuevos sonidos mas adentrados en el blues profundo, este fue también considerado un soberbio álbum, además la banda ya no contaba con Roy Estrada quien fue sustituido por Sam Clayton, también el bajista Kenny Gradney entro a formar parte de la misma.
En este mismo periodo aparecieron dos bootlegs autorizados por el grupo aunque no oficiales, por un lado “Electric Lycanthrope” y por otro “Aurora Backseat”.
Mientras tanto George y el resto del grupo también colaboran en calidad de músicos de estudio o invitados en numerosos discos de otros artistas como Robert Palmer, Jackson Browne, Carly Simon o Bonnie Raitt.
A finales de 1974 se edita “Feats don´t fail me now” y un año después “The Last Record Album”, ambos de discreto éxito en las listas pero de buena aceptación por la critica y publico en general.
El abuso del alcohol y las drogas por parte de George merma su capacidad creativa y su salud física por lo que el grupo se resiente y durante un año prácticamente se quedan en stand-by.
En 1978 después de superar una hepatitis, George vuelve y editan el álbum “Time loves a hero”, que no obtiene ni el éxito deseado ni es bien acogido por la critica, pese a todo el grupo sigue manteniendo una cotización alta gracias a sus constantes giras y sus espectaculares conciertos.
Quizás la orientación hacia un sonido de jazz-rock inclina la balanza hacia un público menos amplio y más conservador.
El doble álbum en directo “Waiting for Columbus”, es toda una manifestación de la calidad de los directos del grupo y con el paso del tiempo se ha convertido en su mejor escaparate siendo hoy un fabuloso testimonio de su legado.
Por aquella poca George se mostraba mas prolífico que nunca produciendo el álbum de los Grateful Dead, “Shakedown Street” (1978) o editando en solitario “Thanks I´ll eat it Here” que apareció en 1979.
En este álbum George mostraba la diversificación de su talento con influencias que iban desde el blues de Nueva Orleáns o composiciones realmente brillantes y muy logradas.
Poco después anuncia la separación definitiva de Little Feat, seguramente por que preveía una carrera en solitario lejos de las ataduras del grupo.
Pero el 29 de junio de 1979 fallece repentinamente fulminado por un ataque al corazón.
Justo antes los restantes miembros del grupo habían finalizado la grabación de lo que seria la melancólica despedida “Down on the Farm” (1979).
Posteriormente se editarían varios álbumes, por un lado el semi-directo “Hoy! Hoy!” ( 1981) y por otro el recopilatorio “As Time Goes By” (1986).
En 1988 el grupo se reúne y graba el excelente “Let it Roll”, la baja de George es cubierta por Craig Fuller ex miembro de Pure Prairie, un estupendo guitarrista que aunque no cubre la ausencia compositiva ni vocal del malogrado George, es igualmente valido.
A partir de aquí el grupo ha seguido grabando discos con cierta asiduidad, poco a poco se fueron sucediendo los álbumes “Representing the Mambo” (1990), “Shake me Up” (1991), “Ain´t Had Enough Fun” (1995), “Under the Radar” (1996), “Chinese Work Song” (2000), “Kickin´it at the Barn” (2003) y “Join the Band” (2008).
El cantante de la escudería Motown, Shaun Murphy reemplazo a Craig Fuller en 1993, dotando desde entonces al grupo de un sonido mas soul y rhthym & blues como contrapunto al southern rock y country de Fuller
Finalmente la Warner edito en el 2006 un box set titulado “Barnstormin Live Vol One and Two”, que complementaba otro editado unos años antes “Hotcakes & Outtakes 30 Years of Little Feat”, además de otros recopilatorios y directos de la banda.