martes, 31 de diciembre de 2019

Alice Cooper-Billion Dollar Babies (1973)

Alice Cooper es uno de los mayores talentos del hard rock y el glam rock, uno de los artistas más fundamentales en la evolución de diferentes géneros que supo combinar sabiamente con una personalidad poderosa y hechizante.
"Billion Dollar Babies" es sin duda alguna su disco más exitoso y al mismo tiempo el de mayor calidad.
Es una sabia mezcla de lo contenido anteriormente en sus álbumes  "Love It To Death" (1971) o "School's Out" (1972).
Un trabajo muy homogéneo, fluido y con un sonido pulido y brillante para una serie de canciones llenas de energía, sentimiento y creatividad.
"No More Mr Nice Guy" fue el exitoso sencillo de este álbum, pero no quitó mérito al resto de las canciones, todas ellas con un gran recorrido, como el sórdido "I Love The Dead", el poderoso "Billion Dollar Babies" o el enérgico "Elected", este último, auténtica sátira de la política y como otros grandes temas de Cooper, claro exponente de la influencia de The Who en su música y su vital importancia en el punk rock posterior.
Sin duda un disco de rock imprescindible con una producción exquisita de Bob Ezrin y una calidad musical al alcance de pocos artistas.

jueves, 26 de diciembre de 2019

Aerosmith-Live Bootleg! (1978)

Live Bootleg! es un álbum doble en directo, que recopila grabaciones en vivo de Aerosmith desde 1973 hasta 1978.
El titulo de este doble album fue diseñado así, para darle cierto carácter pirata, sin apenas retoques en el estudio e incluso con errores intencionados en el set list de canciones de la contraportada.
En el momento de la publicación de este álbum, la banda ya estaba establecida comercialmente en Estados Unidos gracias principalmente a obras capitales como "Get Your Wings", "Toys In The Attic" o "Rocks", pero también porque la popularidad de Aerosmith iba en aumento por los problemas internos, principalmente derivados de las drogas, especialmente por sus dos lideres principales; Steven Tyler y Joe Perry.
Aun así, el hard rock de esta mítica banda aquí no sufre para nada, donde sobresalen temas como "Sweet Emotion", "Last Child", "Black In The Saddle", "Mama Kin" o Walk This Way ", sin olvidar el eterno "Dream On", que se combinan con versiones como "Come Together" de los Beatles, "Mother Popcorn" de James Brown o "Train Kept A-Rollin" de los Yardbirds.
"Live Bootleg" es posiblemente la mejor grabación en vivo de Aerosmith, muy por encima del "Classic Live" publicado en la década de los 80 o "A Little South of Sanity" a finales de la década de 1990.

sábado, 14 de diciembre de 2019

Van Halen-Van Halen II (1979)

Apesadumbrados por el éxito de su enorme debut, Van Halen editó su segundo álbum "Van Halen II" en 1979, que, aunque no fue tan exitoso, tiene muchos argumentos para considerarlo un grandisimo trabajo.
Solo por canciones como "Dance The Night Away" o "Outta Love Again", merecen la etiqueta de álbum colosal, pero también en la acústica "Spanish Fly", donde Eddie Van Halen muestra su virtuosismo, y en "Beautiful Girls" en la cual la banda establece enigmáticamente el estilo único de Van Halen.

jueves, 12 de diciembre de 2019

Ambrosia-Somewhere I've Never Traveled (1976)

Este grupo norteamericano ha pasado a la historia del rock como una de las bandas que han combinado la perfección instrumental con excelentes conjunciones vocales, a la par que eran grandes autores y talentosos músicos, quienes consiguieron colocar algunos de sus discos en los primeros lugares de las listas de éxitos.
Formada en Los Ángeles a principios de los 70, tardarían bastante en fichar por unas discografica, aunque se ganaron una gran reputación entre el público de Los Ángeles gracias a su estilo con cierto aire progresista.
En esos primeros tiempos, la banda era fan de bandas como la británica King Crimson, pero también de bandas vocales como CSNY y estaban empeñados en fusionar todas sus influencias musicales para crear su propio repertorio.
Ya en su primer disco "Ambrosia" (1975), los catapultaría a la fama por el éxito de los singles "Nice, Nice, Very Nice" y "Holdin´On the Yesterday".
Su enorme calidad instrumental y vocal llamaría la atención de Alan Parsons, quien  les produjo su segundo disco "Somewhere I've Never Traveled", que definitivamente los catapultó al estrellato con este soberbio trabajo.
En este disco la banda decide incrementar su apuesta por un sonido aún más complejo y pretencioso, para ello y como recomendación de Alan Parsons contratan a Andrew Powell, quien estaría a cargo de los arreglos orquestales, propuesta de la que se puede escuchar desde la inicial y pomposa "And" o el lujoso "Somewhere I've Never Traveled" hasta la impresionante "Cowboy Song", pasando por "Dense With Me George" una especie de homenaje a Chopin, o la antológica "We Need You Too", que componen un álbum antológico del más alto nivel.

lunes, 18 de noviembre de 2019

The Spencer David Group-The Best Of Spencer David group Featuring Stevie Winwood (1967)

Fundada en 1963, no sería hasta mediados de la década cuando The Spencer Davis Group, saltaran a la palestra con varios hits importantes dentro del beat británico.
Formados por Spencer Davis, Steve Winwood, Pete York y Muff Winwood, sus comienzos fueron dentro de los circuitos del jazz británico de Londres.
En 1965 después de fichar para el sello Fontana graban su primer album Their First en donde su estilo varía hacia sonidos mas pop con fuertes influencias R&B y de donde salen algunos de los hits mas importantes de la banda como Keep on Running que los coloca en el primer puesto de las listas británicas.
A partir de aquí una serie de singles siguen una suerte parecida; Somebody Help me, Gimme Some Lovin´o I´m a Man, lo que les garantiza enormes ventas, mientras su primer album les concede una gran prestigio entre los críticos especializados y el mundo del pop británico.
Pero la suerte les durara bien poco, en 1967 Steve Winwood, les abandona para formar Traffic, el resto de componentes hacen lo mismo para seguir diferentes proyectos y solo Spencer Davis sigue al frente de una banda que ya no volvería a recalar las mieles del éxito, pese a publicar una serie de buenos discos durante la década de los 70.


domingo, 10 de noviembre de 2019

Andy Summers-The Golden Wire (1989)

Después de la disolución de The Police en 1983, Andy Summers seguiría una fructífera e interesante carrera en solitario, debutando en 1987 con su primer álbum "XYZ".
Poco después de este primer trabajo, el guitarrista consiguió un contrato con el sello de música new age y fusión "Private Music" con el que publicaría los siguientes cuatro discos.
"The Golden Wire" fue el segundo publicado bajo esta etiqueta (el primero había sido "Mysterious Barricades"), y el tercero cronológicamente de su carrera.
En "The Golden Wire" Andy Summers consigue su mayor creatividad compositiva e instrumental, con un disco cerebral, lento, atmosférico y ambiental, que cuenta con un conjunto de grandes composiciones temperamentales ejecutadas de forma magistral.
Solos sinuosos como los que podemos escuchar en "A Place Of Time" y "Earthly Pleasures", canciones enérgicas "A Thousand Stones", espectrales y misteriosas como en "Imagine You" o exóticas como "Piya Tose" muestran el talento único de uno de los guitarristas más peculiares del pop y rock de las últimas décadas del siglo XX.

lunes, 28 de octubre de 2019

Fish-Field Of Crows (2004)

Octavo trabajo de Fish, en el que por primera vez no utiliza el álbum conceptual, sin embargo las imágenes y referencias a cuervos aparecen en varias ocasiones.
"Field of Crows" parece más una brillante colección de canciones que una obra en su totalidad y donde Fish reafirma su enorme experiencia como poeta y compositor de canciones emotivas.
Sin que sea un disco de rock progresivo habitual, si es cierto que aquí se dan los elementos necesarios para dicho estilo, con arreglos complejos e inteligentes y una producción exquisita.
Fish siempre ha sabido dar a sus obras temas autobiográficos, letras con significados profundos, historias misteriosas y un enorme sentido literario.
Incluso hay momentos para volver atrás y añorar su tiempo como líder de Marillion como lo demuestra el enorme "The Field" o "Lost Plot", canciones íntimas con las hermosas "Scattering Crows", "Shot The Craw" o "Exit Wound" o canciones de rock  como "Innocent Party" o "Old Crow" e incluso ejercicios de rock psicodélico en "Numbers".

martes, 22 de octubre de 2019

Dave Meniketti-On The Blue Side (1999)

Dave Meniketti es un formidable guitarrista que inició su carrera en la banda de hard rock Y&T a mediados de la década de 1970, con la que grabaria una decena de discos, algunos de ellos de notable éxito, culminado con éxitos mundiales como "Don´t Wanna Lose","Mean Streak"o "Summertime Girls", pertenecientes a discos de enorme calidad como "Earthshaker","Black tiger"o "In Rock we Trust", forjando así una extensa y exitosa carrera con esta banda.
En 1999 lanzó su primer álbum en solitario titulado "On the Blue Side", donde demostró su pasión por el blues.
En ese disco hay tres versiones, muy distintas entre sí pero con un denominador común: el blues.
Comenzando con una de las mejores canciones compuestas por James Brown en toda su carrera, "Man's World", seguida del clásico de Mose Allison, "Parchman Farm", y el extenso "paseo de guitarra" de "Loan me a dime" de Boz Scaggs.
En "Man´s World" Meniketti logra no solo superar la versión original, sino también demostrar el talento sobrenatural de este músico con las seis cuerdas.

domingo, 29 de septiembre de 2019

Bonnie Raitt-Nick Of Time (1989)

Bonnie Raitt comenzaría su carrera como cantante y guitarrista de blues rock a principios de los setenta con su álbum debut "Bonnie Raitt", que pasaría desapercibido como también ocurriria con sus trabajos posteriores hasta que en 1977 logró un éxito moderado con su disco "Sweet Forgiveness".
Sin embargo, sus siguientes trabajos siguieron la tendencia de sus primeros álbumes y como consecuencia su contrato con Warner Bros fue rescindido debido a las bajas ventas a principios de los ochenta.
El resto de la década Raitt se dedica a la política, atravesando un período doloroso entregada a las drogas y el alcohol.
Casi a finales de la década recibió una oferta de la Capitol Records y con este sello grabó su décimo disco "Nick of time" (1989), con el que finalmente llegó a las portadas de revistas de música y las listas de éxitos casi 18 años después de su debut.
Un disco Influenciado por el blues tradicional, al que Raitt añade una dosis de country, que combina con su buena voz y su gran habilidad con la guitarra y la guitarra slider, logrando un disco desbordado de folk blues con baladas cálidas y medios tiempos acogedores.
Aunque en realidad, aquí no habia cambiadó nada de lo que había hecho anteriormente, sin embargo la diferencia residia en que los temas eran más rotundos y contundentes.
Un disco monumental que obtendría tres premios Grammy y unos seis millones de copias vendidas.
A partir de aqui, la carrera de Bonnie Raitt emergería de manera definitiva colaborando con los mejores músicos y consiguiendo dos discos de gran impacto como "Luck of The Draw" (1991) o "Longing in Their Hearts" (1994).

jueves, 8 de agosto de 2019

Axel Rudi Pell-The Ballads II (1999)

Axel Rudi Pell siempre ha tenido un lado romántico a pesar de su apariencia dura y su género musical y así lo ha demostrado durante muchos años con sus famosos recopilatorios titulados "The Ballads".
Con más de 30 álbumes publicados entre álbumes oficiales y recopilatorios, Axel Rudi Pell es considerado uno de los grandes héroes de la guitarra neoclásica de la historia, compartiendo el podio con Yngwie Malmsteen, Jason Becker, Marty Friedman, Vinnie Moore o Tony MacAlpine.
Fundador a principios de los ochenta de la banda alemana Steeler con la que publicaría cuatro discos, inició su carrera en solitario publicando su primer disco en 1989 titulado "Wild Obsession".
A partir de aquí, cada cuatro o cinco álbumes, publica un recopilatorio con las baladas contenidas en esos trabajos, así como versiones de clásicos de otras bandas.
Con una técnica envidiable y un talento fuera de lo común con las seis cuerdas, Axel Rudi Pell es un compositor fantástico, dando a sus canciones sentimiento, talento, emoción, romanticismo y un sonido espectacular fruto de sus exquisitas producciones.

miércoles, 10 de julio de 2019

Fleetwood Mac-Fleetwood Mac (1975)

Fleetwood Mac tiene dos épocas bien diferenciadas, una primera donde el blues fue su principal género competitivo y una segunda donde predominaron los sonidos más comerciales enfocados en el rock sofisticado sin dejar de mirar hacia las raíces de la música norteamericana.
"Fleetwood Mac" es el primer álbum de la banda de este segundo  período cronológico, editado en 1975 y con dos nuevos integrantes, por un lado el guitarrista Lindsey Buckingham y por otro la cantante Stevie Nicks.
Con estas nuevas incorporaciones la banda sufriría un cambio sustancial en su estilo musical, abandonando la senda del blues para pasar al terreno del pop-rock con pinceladas folk, estilos que para el resto de integrantes del grupo, el baterista Mick Fleetwood, la teclista Christine McVie y el bajista John McVie eran totalmente desconocidos.
Estos nuevos miembros y el cambio posterior que trajeron consigo, hicieron que el esfuerzo del giro creativo les valiera la pena de manera asombrosa en el plano comercial.
Y aunque en cuanto a ventas lo mejor estaba por llegar, este disco le proporcionó al grupo su primer número uno en Estados Unidos además de altos puestos en Reino Unido.
Tanto Nicks como Buckingham dieron su toque personal a la música de la banda, canciones como "Rhiannon" de Stevie Nicks aportaron una gracia etérea, mientras que el talento de la guitarra de Buckingham creó un sonido más rock en la canción de apertura "Monday Morning" y en la épica "I´m So Afraid".
Todo este conjunto de canciones trajo un equilibrio con mucha habilidad a las habituales canciones de amor de la principal compositora del grupo Christine McVie, y de hecho son las canciones de esta, las que aportan la calidez necesaria al disco como "Warm Ways" o "Over My Head".
Con el paso del tiempo el disco se ha convertido en uno de los más vendidos del grupo, alcanzando cifras millonarias y cinco discos de platino solo en los Estados Unidos.

domingo, 7 de julio de 2019

Andreas Vollenweider-Trilogy (1990)

"Behind The Gardens, Behind The Wall, Under The Tree" fue el disco que haría conocido mundialmente a Andreas Vollenweider, aunque no es su mejor trabajo, fue el comienzo de una brillante carrera y una serie de álbumes que lo han catapultado como uno de los pioneros y máximos representantes de la nueva era.
Sin embargo, habría que aclarar varias cuestiones antes de centrarnos en este músico y es que una de las peculiaridades de la nueva era es que fue (es) un género que se abrió a artistas de diferentes orígenes geográficos.
Esta particularidad difiere notablemente con respecto a otros géneros, que suelen estar vinculados a lugares concretos y desde allí se expandieron al resto del mundo.
En la nueva era podemos encontrar diversidades tan lejanas como músicos electrónicos, artistas de bandas de rock que comenzaron su carrera en solitario, folcloristas de diferentes países, compositores de musicoterapia, músicos de jazz que no hacían jazz, músicos que se agobiaban por no cantar, músicos clásicos que no hacian música clásica entre muchos otros ejemplos.
Todo esto acabó agrupando gaiteros irlandeses, músicos de sitar, guitarristas europeos, cantantes tibetanos, percusionistas latinos o sintetistas japoneses y casi cualquier combinación de instrumentos que exista en un mismo género.
Vollenweider podría clasificarse en la categoría de músico experimental con arpa (instrumento electroacústicamente modificado) donde los sonidos pueden ir desde jazz, pop, música atmosférica, música étnica e incluso música latina con una impresionante fusión de estilos que suenan fantásticamente bien.
De 1981 a 1984 Vollenweider realizó tres álbumes que hoy se consideran obras maestras de la nueva era, "Behind The Gardens, Behind The Wall, Under The Tree", "Caverna Magica" y "White Winds".
En 1990 se publicó el álbum doble "Trilogy", recopilación de estos tres álbumes, más una nueva composición titulada "Pace Verde" y una selección de "Eine Art Suite", el primer álbum de Vollenweider publicado en 1979 que fue publicado inicialmente pero sin embargo posteriormente fue descatalogado.

sábado, 1 de junio de 2019

The Lovin´ Spoonful-Hums Of The Loovin´ Spoonful (1966)

Formada a mediados de la década de 1960 por Zal Yanovsky y John Sebastian, The Lovin 'Spoonful fue una de las bandas de folk rock más exitosas con raíces de blues estadounidense y rivales directos de los Byrds.
En 1966 publicaron su tercer disco y su mejor trabajo "Hums Of The Lovin´Spoonful" en el que contenía excelentes canciones como "Summer In The City", "Rain On The Roof" o "Nashville Cats" que convirtieron este disco en una obra fascinante de estos grandes y atemporales de la música estadounidense, que a menudo se olvidan injustamente cuando quieren recordar a los grandes del rock.

viernes, 24 de mayo de 2019

The Moody Blues-The Other Side Of Life (1986)

A mediados de los ochenta The Moody Blues venían de hacer dos grandes discos como "Long Distance Voyager" (1981) y "The Present" (1983), por lo que cuando lanzaron "The Other Side of Life", habían estado inactivos por casi tres años.
Si ya en los dos álbumes anteriores el teclista Patrick Moraz había tenido una importancia vital en el sonido final de ambos álbumes, en este ya es fundamental su aporte con el uso intensivo de teclados, por contra Ray Thomas y su sonido de flauta pierde gradualmente protagonismo en la parte instrumental y también en las composiciones que aún están en manos del dúo Hayward / Lodge.
Este sería sin duda el último de los grandes discos de The Moody Blues, con un sencillo extraordinario como "Your Wildest Dreams" además de un repertorio que seguían manteniendo como una de las grandes bandas y un altísimo nivel digno de su pasado.
Magníficas canciones como la hermosa "It May Be a Fire", la melódica y espectacular "The Other Side Of Life" o la poderosa "Rock 'n' roll Over You" demostraron que estaban en plena forma haciendo excelente música y manteniendo el nombre de la banda a un nivel muy alto.

martes, 16 de abril de 2019

Blackfoot-Marauder (1981)

Blackfoot fue una de las mejores bandas de rock sureño de las decadas de los 70 y los 80, aunque se diferenciaban de sus coetaneos por practicar lo que ellos mismos llamaban heavy metal sureño.
Compuesto por varios musicos de procedencia de los nativos navajos norteamericanos, grabarían algunas de las obras más memorables del género que tuvieron un gran impacto en América del Norte y en Europa.
En 1981 publicarían su trabajo definitivo que les lleva a participar en Donington en el legendario Monster Of Rock y en el Reading junto a bandas como Iron Maiden o Def Leppard.
"Marauder" era el quinto álbum de la banda, que había comenzado su carrera seis años antes con su álbum debut "No Reservations" (1975).
Sin embargo, sería su tercer álbum "Strikes" el que los catapultaría definitivamente, logrando un disco de platino por sus ventas durante 1979.
"Marauder" es considerado su trabajo de mayor calidad, reuniendo nueve temas todos ellos con gran atractivo como el poderoso "Good Morning", el sureño "Paying´For It", el melódico "Diary Of A Workingman" y "Searchin´" y los potentes temas rock "Rattlesnake Rock´n´Roller" y "Dry County".

sábado, 2 de marzo de 2019

Reo Speedwagon-Hi-Infidelity (1980)

Reo Speedwagon es una de las bandas más importantes del AOR, que supieron proporcionar la conexión de ese estilo con la música norteamericana en álbumes como "You Can Tune A Piano, But You Can't Tuna Fish", lanzado en 1978.
Una banda que marcaría tendencias y que en 1980, con su álbum "Hi-Infidelity" vendería la friolera de casi 10 millones de copias en todo el mundo.
Un disco con un repertorio simplemente perfecto, ejemplo de cómo hacer música con la máxima elegancia, gran gusto y una gran cantidad de emociones intensas y gran belleza.
Con esta obra multiplatino, el grupo había cambiado drásticamente su sonido, sobre todo en lo que respecta a los teclados, que los actualizaban a los tiempos que corrian por entonces, con una producción deslumbrante "Hi-Infidelity" logro una claridad asombrosa con un resultado espectacular, con unos grandes sonidos de las enérgicas guitarras y los efectos de reverberación que les dan una base sonora sobre la que desarrollan sus canciones.
Sin embargo, sobre todo, destaca una de las mejores baladas de la historia; "Keep On Loving You", perfecto ejemplo de lo que se llamaría power-balad, hermosa, intensa y poderosa, además tambien destacaba la hermosa "Take It On The Run", mientras que el resto mantiene una altísimo nivel, con el resultado final de un álbum prodigioso.

lunes, 11 de febrero de 2019

Eric Clapton-Slowhand (1977)

Este es un álbum que todos asocian con una de las canciones más exitosas de Eric Clapton; "Cocaíne", pero que sin embargo contiene muchos más elementos que esa mítica canción.
Una obra que no solo destaca por su guitarra, sino también por sus grandes composiciones.
Es lógico que si lo sea porque "Cocaine" es uno de los temas más emblemáticos del rock y no solo por su música sino también por su temática.
Sin embargo, sería injusto ignorar grandes joyas como la maravillosa "Wonderful Tonight", llena de belleza y dulzura o el poderoso country "Lay Down Sally", ambas canciones compuestas por Clapton.
Este trío de canciones hizo de este álbum un álbum memorable y esencial que trasciende más allá del tiempo.

lunes, 4 de febrero de 2019

The Storm-The Storm (1991)

Uno de los álbumes antológicos por excelencia del género del rock melódico y al mismo tiempo uno de los pocos de una banda que debuta y se convirtió en un hito sin precedentes.
The Storm era una súper banda formada a principios de los noventa por tres componentes de Journey; Gregg Rolie, Ross Valory y Steve Smith, a los que se unieron el ex cantante del grupo 707, Kevin Chalfant y el guitarrista Josh Ramos.
En 1991 lanzaron su primer álbum genéricamente titulado "The Storm" bajo el sello Interscope, un trabajo absolutamente soberbio, logrando con este debut los más altos niveles en las listas de música rock y AOR.
Un álbum lleno de furia, melodías de gran clase y elegancia, que con tan solo dos álbumes (este y el posterior "Eye of the Storm" publicado en 1995) se colocaron a la altura de los más grandes como Survivor, Boston, Foreigner o Journey.
Con un inicial "You Keep me Waiting" donde rezuma elegancia y una melodía irresistible, el espectacular y enérgico "You´re Gonna Miss Me", el soberbio medio tiempo melodico "Call Me", el hit del disco y la maravillosa balada "Show Me The Way", el fantástico "Take Me Away" o el asombroso y perfecto "Can´t Live Without Love", hacen de este disco una obra maestra sin paliativos del rock melódico.

lunes, 28 de enero de 2019

Gary Moore-Still Got The Blues (1991)

Gary Moore debutó profesionalmente a fines de la década de 1960, tocando en bandas como Colosseum II o Skid Row (no confundir con la banda de los años 80).
En Skid Row conocería a Phil Lynott, con quien colaboraría más tarde  con Thin Lizzy y grabaría el album "Black Rose" en 1979. Aunque Gary Moore tiene excelentes trabajos de hard rock que han marcado una época, como su debut "Corridors of Power", o los siguientes "Victims Of The Future", "After The War" o el excelente "Wild Frontier", aquí nos ocuparemos de su etapa bluesera con el magnifico "Still Got The Blues".
Publicado por Virgin Records en 1990, supuso el acercamiento definitivo al amado blues del virtuoso irlandés, que no se iría hasta los últimos días de su vida. "Still Got The Blues" es un disco sostenido por el blues, pero rabiosamente rockero y descarado, alejado de la tristeza y melancolía que se le atribuye al estilo afroamericano de América.  La esencia de este trabajo se basa en cómo Gary Moore es capaz de hacer hablar a su Les Paul en cada uno de los cortes que la componen y cómo rinde homenaje a las grandes bandas y solistas que más le influyeron en su carrera profesional.
La mayoría de temas son versiones de autores reconocidos como AC Williams y su "Oh, Pretty Woman", interpretado por primera vez en 1966, de la mano de Albert King, quien también colabora con las seis cuerdas con Moore en "Still Got The Blues", una canción que respira sensualidad.
Otras  versiones son "Walking By Myself", del bluesman Jimmy Rogers, con la colaboración de Frank Mead a la armónica; "Too Tired", interpretado por Johnny Watson en 1955;  "As the years go", atribuido a Dan Malone; "That Kind Of Woman", del Beatle George Harrison, quien canta y toca la guitarra con Moore; “All Your Love” de Otis Rush y “Stop Messin’ Around ”, grabada por Fleetwood Mac en 1968 y compuesta por Peter Green. Todos ellos interpretados a la perfección por un Moore que desborda talento y feeling a raudales.

jueves, 10 de enero de 2019

Anthony Phillips-The Geese and The Ghost (1977)

Casi siete años después de dejar Genesis, Anthony Phillips lanzó su primer álbum en solitario, “The Geese and The Ghost”, el cual fue muy bien recibido por el público.
Sus ex compañeros de grupo Mike Rutherford y Phil Collins, entre otros músicos de renombre, colaboraron en este álbum.
Una obra dominada por aires medievales e isabelinos, guitarras clásicas, acústicas y eléctricas de 6 y 12 cuerdas, pianos y otros instrumentos de cuerda como el bouzouki.
Piezas instrumentales como la magistral “Henry: Portraits From Tudor Times” con sus seis partes y “The Geese and the ghosts parts 1 y 2”, esta última compuesta a dúo con Rutherford dan una clara esencia y magnitud del potencial de este formidable album de rock sinfónico progresivo.