Marillion-Fugazi (1984)

Segundo álbum de Marillion y el primero en donde ya muestran su propio estilo, alejados de las influencias tan notorias a los primeros Genesis de su debut. Sin embargo y pese a que la banda desarrolla grandes partes instrumentales muy vanguardistas de su propia escuela, no pierden de vista el sonido clásico que estaban presentes anteriormente. Para este nuevo álbum la banda presentaba a un nuevo batería Ian Mosley, quien se acoplaría perfectamente a la cohesión instrumental de sus compañeros.
Por otra parte los textos de Fish son mas dinámicos y su estilo vocal no profundiza en las entonaciones vocales del estilo de Peter Gabriel. La inicial “Assasing” representa de alguna manera la particular visión de Fish sobre la música oriental, un tema edificante y enérgico, con una batería vigorosa, con interludios con el bajo y grandes riffs de guitarra.
La contundente “Punch and Judy”, se torna en uno de los temas mas comerciales a la vez que de gran dureza que la banda haya grabado jamás, repleto de riffs poderosos, fabulosas melodías y un gancho pegadizo que la hace tremendamente irresistible. Quizás sea “Jigsaw” el momento que mas se acerca al estilo de Genesis, un oscuro tema con grandes pasajes y unos solos de guitarra por parte de Rothery sublimes.
La soberbia “Emeral Lies”, con un aire siniestro a la vez que con unas letras poéticas, dan paso a la brillante y melódica “She Chamaleon”, en donde el órgano toma el protagonismo absoluto de la pieza. Para terminar el corte dinámico y progresivo, “Incubus”, que con unas suaves transiciones entre las diferentes melodías dentro del mismo tema, la confieren en un tema soberbio y brillantísimo y una de las favoritas de los fans en los directos del grupo y la mas intima y delicada “Fugazi”, un digno colofón a un extraordinario álbum de neo progresivo, considerado una de las obras cumbres del genero.

Thin Lizzy-Bad Reputation (1977)

Thin Lizzy son considerados hoy en día como una de las mas grandes bandas de hard rock de la historia, pero sin embargo no siempre fue así. Durante gran parte de su carrera, fueron asiduamente infravalorados y vapuleados por la prensa británica en comparación con otras bandas coetáneas.
Liderados por el irlandés Phil Lynott, durante sus primeros años hubieron diferentes cambios de formación, desde la primera que publicaría sus primeras tres obras compuesta por el guitarrista Eric Bell y el batería Brain Downey, junto al mencionado Phil Lynott al bajo y voz, hasta su ultimo álbum publicado en 1983, pasaron ilustres guitarristas como Gary Moore, Scott Gorham, Brian Robertson, Snowy White, John Sykes o el teclista Darren Wharton. “Bad Reputation” fue el octavo trabajo del grupo que venia precedido del meritorio “Johnny The Fox”, un álbum que no obtuvo el mismo reconocimiento que el anterior “Jailbreak”, en parte debido a los experimentos conceptuales. Para este “Bad Reputation”, la banda contaba además de Downey y Lynott con los guitarristas Robertson y Gorham y fue producido por Tony Visconti, quien venia de producir el álbum “Heroes” de David Bowie de aquel mismo año. Este es sin duda el trabajo mas duro y agresivo de Thin Lizzy de toda su carrera, sin embargo toda esa contundencia no esta exenta de las atractivas melodías. como demuestra la emocionante “Soldier Of Fortune”, además de esta icónica canción destacan la hipnótica “Southbound”, la irresistible “Dancing In The Moonlight”,con ese ritmo pop, la cruda “Bad Reputation”, la frenética “Killer Without A Cause”, la medio tiempo “Downtown Sundown”, o la enorme “Opium Trail”, que dan como resultado final un disco tan brillante como indispensable dentro del hard rock.

Hawkwind-Warrior On The Edge Of Time (1975)

Con su quinto álbum, Hawkwind continuaron por su viaje progresivo y lisérgico que ya habían comenzado con el anterior “Hall Of The Mountain Grill”. En este “Warrior On The Edge Of Time”, aglutinan todo lo atractivo que Hawkwind habían hecho hasta ese momento, aquí están presentes, cargados siempre de pura letra poética (exagerada si se me permite), temas repletos de sonidos de flautas, ecos, saxos, guitarras lisérgicas y cortantes, bajos difusos, electrónica diversa con sintetizadores apabullantes y mellotrones por doquier, en un asombroso álbum conceptual basado en historias de magos y guerras espaciales, todo ello inundado de música psicodélica.
Pero además del siempre enrevesado estilo de la banda, estaban sus continuos cambios de formación, y para este no seria diferente con el abandono del teclista Del Dettmar y la incorporación de un segundo batería, Alan Powell, factor que se vería reflejado en los contundentes y variados sonidos de percusión en gran parte de los temas. La inicial y deudora del mejor krautrock “Assault & Battery/ The Golden Void”, nos sumerge en una compleja composición con una tormentosa lluvia de sonidos de mellotrón combinados con un pesado ritmo donde aparecen flautas y órganos y una gran línea de bajo. “The Wizard Blew His Horn”, es básicamente unas palabras de introducción del escritor de ciencia ficción Moorlock bajo un manto de sonidos estridentes y surrealistas y es la antesala de la hipnótica y espacial “Opa-Loka”, a esta le sigue la frenética progresiva “Magnu”, con unos excelentes riffs y grandes percusiones que dan paso a la mas espacial y electrónica “Spiral Galaxy 28948”, para terminar con los cortes mas puramente rock “Dying Seas” y “Kings Of Speed”.
“Warrior On The Edge Of Time” esta considerado una de las mejores aportaciones de Hawkwind a la historia y una pequeña obra maestra del space rock. A partir de aquí y siguiendo la estela de las continuas deserciones, el bajista Lemmy Kilmister abandonaría la banda, (en realidad fue expulsado por contrabando de drogas, y por sus enfrentamientos con el resto de los miembros por diferencias musicales), para algún tiempo mas tarde fundar la icónica formación de heavy metal, Motorhead.

Nazareth-No Mean City (1979)

A mediados de los setenta, Nazareth derivaba su sonido hacia derroteros mas melódicos, lo que les restaría cierta credibilidad entre la comunidad del hard rock y entre sus propios fans, por lo que con “Expect No Mercy” (1977), volvieron a endurecer su sonido con álbum repleto de temas de potente hard rock. Un año después volverían a repetir la formula con “No Mean City”, el décimo trabajo cronológicamente de la banda. Por entonces los escoceses se habían ampliado con la incorporación del guitarrista y ex miembro de The Sensational Alex Harvey Band, Zal Cleminson, dándole con ello una mayor profundidad al estilo inconfundible de Nazareth. Repleto de momentos memorables como la hard rock irresistible “Simple Solution”, que de alguna manera nos recuerda estructuralmente al tema “Free Wheeler” del legendario “Loud ´n´ Proud” de años atrás, mientras la enérgica “Just To Get Into It” y la oscura y pesada “Claim To Fame”, vuelven a dejar ese regusto de la banda por el hard rock contundente y poderoso. Por su parte la rítmica “No Mean City (Parts 1 & 2)”, nos devuelven a los Nazareth mas dinámicos. En el lado opuesto están “May The Sunshine” y “Star”, piezas con acercamientos al folk donde alternan los sonidos acústicos con estribillos pegadizos.
Pese a la buena recepción por parte de sus fans, la banda optaría con el siguiente álbum "Malice In Wonderland" volver a juguetear con los sonidos AOR, combinando el sonido del rock melódico con potentes temas de hard rock y que supuso la aceptación o resignación (según se mire), de algunos sectores de su amplia legión de seguidores.

Toto-Hydra (1979)

Después del enorme pelotazo que supuso el debut de Toto con su álbum homónimo, la banda norteamericana se decantaría por seguir explorando sonidos y no estancarse en el rock melódico orientado a los hits de las radio formulas. Al contrario que ocurriera con su debut, en su segundo larga duración no seria el teclista David Paich quien tomara las riendas de las composiciones de manera unilateral, como había ocurrido en aquel, aquí de los ocho temas que componen el álbum, cuatro de ellos están firmados por el resto de la banda, mientras el propio Paich escribiría las cuatro restantes, y participaría como co-escritor en las otras cuatro.
Debido a las preferencias por parte de David Paich por el rock progresivo, en “Hydra” se observan temas mas complejos y ambiciosos como la inicial y progresiva “Hydra” que concluye en la siguiente “St George and The Dragon”, en una especie de pequeña suite conceptual. Con “99” la banda vuelve en donde mejor saber nadar, el AOR melódico y adictivo, acabando la primera cara con la épica y dinámica “Lorraine”. Para la segunda cara del álbum la banda se reserva los temas mas rock como “All Us Boys”, un híbrido entre el hard rock y el rock melódico, la enorme “Mama”, la potente “White Sister” y la balada “A Secret Love”, que dan por finalizado un lanzamiento que tuvo una menor recepción comercial que su debut, pese a que musicalmente es muy superior. Aún así, “Hydra” alcanzaría altos puestos en las listas con un disco de oro y otro de platino .

Budgie-Squawk (1972)

Ya estaba tardando en hablar de una de las mejores formaciones del hard rock británico como fueron los galeses Budgie, los cuales publicaron una serie de discos casi todos hoy en día considerados obras de culto en la comunidad del proto hard rock y heavy metal germinal.
Fundados casi a finales de los sesenta en Cardiff, su primera formación estaba comprendida por el bajista Burke Shelley, el batería Ray Phillips, y los guitarristas Brian Goddard y Tony Bourge. Ya en 1971 publicaron su primer álbum bajo el sello MCA en donde ya no aparecería Goddard, reafirmando con ello la configuración de potente power trío. En este primer álbum Budgie muestra de manera aun muy temprana su efervescente hard rock con poderosos riffs de guitarras y continuos cambios rítmicos. Un año después y bajo el mismo sello llega “Squawk”, que con una estupenda portada de Roger Dean, es la confirmación definitiva a la progresión y madurez del grupo, con sobresalientes cortes como la progresiva “Young Is A World”, con grandes pasajes de teclados, o las poderosas “Whisky River”, “Hot As A Docker´s Armpit”, “Drugstore Woman” o la pesada “Stranted”, mientras la bucólica “Make Me Happy, pone el acento melódico a este interesante disco de los galeses. Un año después llegaría la obra cumbre de la banda y uno de los mejores discos de la década de los 70, el monumental “Never Turn Your Back On A Friend”.

Bad Company-Bad Company (1974)

No cabe duda de que Bad Company fueron uno de los acontecimientos mas impactantes de la música rock en la década de los setenta. El glorioso pasado de sus cuatro componentes era ya de por si un reto que difícilmente seria irresistible al publico en general. Esta superbanda surgió de las cenizas de los incombustibles Free, en ella estaban el vocalista Paul Rodgers y el batería Simon Kirke, a los que se unieron el ex bajista de King Crimson, Boz Burrell y el ex guitarrista de los Mott The Hopple Mick Ralphs. Esta banda de hard rock era una dura competencia para coetáneas como Humble Pie, Nazareth, Ten Years After, Deep Purple o Led Zeppelin y seria precisamente el sello propiedad de esta ultima, la Swan Song, quienes les contratarían y les publicaron su primer y antológico debut. Grabado durante los meses de finales de 1973 en los Headley Grange en Inglaterra, su recepción seria todo un acontecimiento, logrando un sorprendente numero uno en las listas norteamericanas y un tercer puesto en las británicas, en parte debido al bombazo que supuso el hit “Can´t Get Enough” todo un clásico de la música rock. Sin embargo este álbum no solo vivía de este magnifico y poderoso tema, en el aparecían otras canciones de gran calibre como la soberbia “Rock Steady”, la bluesy “Ready For Love”, la soul rock “Don´t Let Me Down”, la melódica “Bad Company”, la blues “The Way I Choose” o la contundente “Movin´On”. A partir de aquí la carrera del grupo seria meteórica, con cinco álbumes mas que superaron los 11 millones de copias vendidas. Ya entrada la nueva década de los ochenta Paul Rodgers decidiría dar por terminada su aventura con Bad Company para dedicarse a otros proyectos de menor envergadura y el resto seguir con la banda y continuos cambios de formación, derivando su clásico estilo de blues rock, hacia derroteros mas orientados hacia el hard rock melódico, con un éxito moderado, pero lejos de las excelencias de sus primeras obras.

The Moody Blues-Long Distance Voyager (1981)

Durante gran parte de la segunda mitad de los setenta, The Moody Blues apenas tuvieron actividad, mas allá de la publicación del álbum “Octave” en 1978 y algunos trabajos en solitario de varios de sus integrantes. Y es que después de casi quince años de actividad con ocho álbumes publicados y millones de discos vendidos, la banda se había tomado su carrera con parsimonia y tranquilidad. Pero seria justo cuando muchos vaticinaban su desaparición y que ya no volverían a saber de aquella fantástica banda que había asombrado al mundo a finales de los sesenta y principios de los setenta, con obras fundamentales dentro del panorama del rock progresivo, volvieron a verles publicando su noveno álbum titulado “Long Distance Voyager”, un titulo cuanto menos reflexivo y regresando con ello y de manera triunfal al mundo del rock.
Por entonces la banda ya no contaba entre sus filas con el teclista Mick Pinder, que fue sustituido por el ex componente de Yes, Patrick Moraz, el resto lo componían los habituales Justin Hayward a las guitarras y voz, John Lodge, bajo y voz, Ray Thomas, flauta, harmónica y voz y Graeme Edge a la batería. En este nuevo álbum la banda mostraba una gran vitalidad, producto principalmente de la participación de los sintetizadores de Moraz, dotando a la música de un gran sonido vibrante y espectacular, en donde además de los teclados, son las guitarras, las principales protagonistas, todo ello junto a las irresistibles voces de sus tres cantantes principales, Hayward, Lodge y Thomas.
Desde el inicio con las vibrantes “The Voice” y “Gemini Dream”, la banda demuestra que no han perdido el talento para hacer formidables canciones, pese a su casi eterno retiro. Otros temas como las sublimes “Taking Out Of The Turn”, “In My World”, "Nervous" o la épica “22,000 Days”, auparon al álbum hasta las primeras posiciones de las listas norteamericanas, canadienses y británicas, con una ventas que superaron con creces los dos millones de discos a nivel mundial.

Incredible Hog-Volume 1 (1973)

Incredible Hog fueron una efímera banda británica, que solo publicaron un álbum repleto de grandes dosis de blues rock a principios de la década de los setenta. Formado por el guitarrista y cantante Ken Gordon, el bajista Jim Holmes y el batería Tony Awin, ellos lograron publicar un solido disco en donde las influencias bluesy y el hard rock se dan la mano en laboriosos temas como la soberbia “Lame”, mientras la hipnótica “Execution” da un respiro al acelerado ritmo que a continuación suscriben con poderosos temas hard blues como “Tadpole”, “Another Time” o “Warning” , para bajar unos decibelios con las mas pausadas “Walk The Road” y “Theres A Man”. Sin embargo como ya hemos comentado en cientos de ocasiones, esta fue otra banda que pasaría sin pena ni gloria por los anales del rock y que en la actualidad son tan reivindicadas por los fans afanosos de buscar oscuros grupos de poca repercusión mediática pero de enorme calidad.

Jim Capaldi-Let The Thunder Cry (1981)

A estas alturas es difícil encontrar a alguien quien no conozca a Jim Capaldi, el legendario batería de los míticos Traffic, con quien publico obras tan emblemáticas como “Mr Fantasy”, “John Barleycorn Must Die” o “The Low Spark Of High Heeled Boys”, además de colaborar para otros grandes artistas como su ex compañero en los Traffic, Steve Winwood, o grandes como Eric Clapton o George Harrison entre otros.
Su carrera en solitario comenzaría aún estando inmerso en Traffic con el álbum “Oh How We Danced”, en donde mostraba su gran talento como compositor y multiinstrumentista, creando álbumes brillantes con estupendas composiciones que sin definirse por un estilo concreto, siempre fueron bien recibidos por los fans y la critica.
En 1981 llegaría su octavo álbum “Let The Thunder Cry”, en donde Capaldi obtendría la ayuda de sus ex compañeros de Traffic, Steve Winwood y Rebop Kwaku Baah, además de Mel Collins y Andy Newmark, ocupándose Capaldi de las voces, guitarras y la producción.
Un disco que resalta por su exquisita producción y en donde temas como la inicial y poderosa “Let The Thunder Cry” contrastan con las pausadas y brillantes baladas “Child In The Storm”, “Warm”, “Old Photographs” o “Bright Fighter”, mientras su faceta melódica la encontramos en la rítmicas “Favela Music”, “Only Love”, “Dreams Do Come True” o “We Don´t Need”, todos ellos con la arrebatadora voz de Capaldi y unos coros irresistibles, constituyendo con todo ello un trabajo esencial en la música rock.

The Alan Parsons Project-Pyramid (1978)

El tercer álbum de The Alan Parsons Project "Pyramid", es sin duda su obra mas compleja en el plano de producción y arreglos por parte de Alan Parsons. Como ya era habitual en los trabajos de este proyecto, esta tercera entrega también es una obra conceptual, esta vez enfocado en las pirámides de Egipto y toda la magia que rodea esos espectaculares símbolos de la humanidad y sus leyendas.
Para esta tercera entrega Parsons contaría de nuevo con gran parte de su habitual equipo de colaboradores, empezando como no podía ser de otra manera por su mano derecha Eric Woolfson, en la composición, teclados y voces, además de los asiduos Ian Bairnson a las guitarras, David Patton al bajo y voz, Stuart Elliot a la batería, Duncan Mackay a los sintetizadores y los vocalistas John Miles, Colin Blunstone y Lenny Zakatek, entre otros músicos no tan habituales como los cantantes Dean Ford y Jack Harris. Dejando de lado la trama conceptual del álbum, musicalmente Parsons logra aquí un esfuerzo musical cargado de múltiples efectos de sonidos que proporcionan al oyente una fascinación permanente en su escucha, con algunos de los mejores pasajes de la banda en toda su carrera. La instrumental “Voyager” da inicio con un maravilloso tono fascinante y un ritmo palpitante, este tema deriva en la brillante “What Goes Up” cantado por David Patton de manera sublime. “The Eagles Will Rise Again” por su parte es un tema de gran belleza melancólica e irresistible cantada por Colin Blunstone, quien repetiría algún tiempo después en la maravillosa “Old & Wise” del álbum “Eye In The Sky”. La también brillante “One More River”, esta rodeada de abundantes arreglos espectaculares y unas grandes guitarras. La efectiva “Can´t Take It With You” es el colofón final a una primera cara sublime. La segunda cara comienza con la épica instrumental “In The lap Of The Gods”, en donde pese a su pomposidad carece de la fascinación de la primera parte del disco, “Hyper Gamma-Spaces”, el tema mas emblemático del álbum, es un corte de claro acento space rock con una gran variedad de sonidos electrónicos y un ritmo frenético, esta ultima seguía a la intranscendental y hasta cierto punto fuera de lugar “Pyromania”, acabando con las soberbias “In The Lap Of The Gods” y la preciosista y melancólica “Shadow Of The Lonely Man”.
Hoy en día "Pyramid" esta valorado en su justa medida, sin embargo en su momento tanto la critica como los fans, lo consideraron un álbum de menor envergadura comparado con otras obras de mayor impacto como fueron “I Robot” o “The Turn Of A Fiendly Card”, sin dejar de nombrar su obra maestra “Tales of Mystery and Imagination” o el mas comercial y adictivo “Eye In The Sky”,  aunque finalmente este "Pyramid" ha terminado siendo reconocido como uno de los mayores aportes a la discográfica del grupo.

David Bowie-The Man Who Sold The World (1970)

El tercer álbum de David Bowie supuso entre otras cosas el inicio de su singladura glam, aunque en cierta medida también es uno de sus trabajos mas duros, dotando su música con un contundente hard rock, un estilo que por aquellos años era el máximo exponente en el mundo del rock. En este nuevo álbum el duque blanco empezaba a decantarse por los sonidos que en los siguientes años lo encumbrarían para siempre, como pronto se comprobaría con el icónico “Ziggy Stardust”. Para empezar en “The Man Who Sold The World”, ya aparecen varios de los futuros miembros de los Spiders and Mars, por un lado el guitarrista Mick Ronson y por otro el bajista y arreglista además de productor, Tony Visconti, ambos serian piezas fundamentales en este lanzamiento. Publicado por el sello Mercury en los Estados Unidos, fue publicado casi a finales de 1970, mientras el sello RCA lo publicaría en el Reino Unido (y a la postre a nivel mundial), seis meses después en abril de 1971.
Un álbum que se inicia de manera arrolladora con “The Width Of A Circle”, un titánico tema de cerca de nueve minutos de poderoso rock, en donde Ronson da muestras de sus cualidades con las seis cuerdas, en un tono parecido esta la frenética “Black Country Rock”, y la orquestal y melódica “All The Madmen”, por otra parte “Saviour Machine” es una extraña pieza entre lo gótico y lo psicodélico, mientras que “She Shook Me Cold” es la rara excepción, un extraño instrumental caótico que podría pensarse que fue grabado como tema de relleno para cumplimentar el minutaje final del álbum. Las dos ultimas piezas son la hechizadora “The Man Who Sold The World” y la poderosa “The Supermen”.
Este tercer álbum se convirtió en una de las mejores obras de David Bowie y el preludio de sus trabajos de mayor creatividad musical como el mencionado “Ziggy Stardust” o los fantásticos “Aladin Sane”, “Hunky Dory” y “The Rise And Fall Of Zigyy Stardust And The Spiders Of Mars”.

The Eagles-The Long Run (1979)

Pocas bandas pueden presumir de vender 10 millones de copias de un disco y considerarlo un pequeño traspiés o lo que es lo mismo un fracaso. Eso mismo fue lo que ocurrió con “The Long Run”, el sexto álbum de The Eagles, publicado en 1979 y sucesor del monumental “Hotel California”, álbum este que por entonces, justo cuando se publicaba su sucesor, ya llevaba la friolera de cerca de los 7 millones de copias vendidas, con un total de mas de 35 millones de copias a nivel mundial hoy en día. Pero no solo en el plano comercial, este “The Long Run” supuso un paso atrás en la carrera del grupo, sin dejar de ser un gran álbum y en muchas faces del mismo incluso soberbio, perdería parte de las excelencias del “Hotel California” y en cierto modo la frescura y la creatividad del mencionado trabajo.
Un lanzamiento que por otra parte fue duramente maltratado por la critica norteamericana y que lejos de las injustas criticas, es cierto que contiene una serie de temas que son bastante previsibles, mientras otras pudieron perfectamente haber pertenecido a cualquiera de sus grandes obras. Temas del calibre de “Heartache Tonight”, “The Long Run”, “The Sad Cafe” o “I Can´t Tell You Why” son parte de las mejores canciones de The Eagles y que definieron a este álbum de manera brillante al mismo tiempo que injustamente infravalorado por parte de sus fans. El principal hándicap de este trabajo fue sin duda el mayor protagonismo a la hora de experimentar con la electrónica, con un uso mucho mas pronunciado de los teclados, pero aun así la banda sigue mostrando grandes pasajes instrumentales y unas sobresalientes armonías vocales como queda demostrado en “In The City”, mientras su faceta rock la tenemos en la magnifica y oscura  “King Of Hollywwod”, la hipnótica “Those Shoes” o en la cadenciosa “Teenage Jail”.

Burning Candle-Burning Candle (1981)

Interesante banda alemana de claro corte progresivo fundada a mediados de los 70 por Hans Neuber (teclados), Rolf Vitzthum (batería) y Klaus Scmidt (guitarras y bajo). Ellos se convirtieron durante algún tiempo en una de las sensaciones del rock alemán.
Su sonido estaba claramente emparentado por sus coetáneos británicos Emerson, Lake and Palmer, sin duda gracias al teclista Neuber, músico de formación clásica, por lo que también hay muchos elementos del jazz y la música clásica en todo su trabajo. Su único álbum se convirtió en un articulo de colección debido a las pocas copias que se pusieron a la venta y al enorme potencial musical que ellos ofrecían. Publicado en 1981, las composiciones contenidas en este disco datan de mucho años antes, la banda se había separado en 1978 y se volverían a reunir para la grabación de este brillante álbum, en un momento en el que el rock progresivo no estaba en su mejor momento, lo que resulta curioso observar como música compuesta en plena fiebre de la música progresiva fue lanzado justo cuando ese genero había perdido parte de su encanto.
En este destacan temas como "Stranger", una clara muestra de la escuela alemana del prog sinfónico donde aparecen elementos que nos recuerdan a los mencionados ELP, el resto se acercan a sonidos mas emparentados a lo que otras bandas germanas hacían la década anterior como Eloy, Ramses o Novalis. El órgano esta presente en la mayoría de los cortes con movimientos que se asemejan a Keith Emerson como queda demostrado en la soberbia "Eternal Faith". En "The Appearance Of The Ghosts" demuestran su poderoso rock sinfónico con vibrantes guitarras y sintetizadores con continuos cambios rítmicos, para acabar con la acústica " Mosella" un claro guiño al "Mood for a Day" de Yes y con la epopeya progresiva "Expedition To The Sun" una clara muestra de la fusión de todos los estilos y géneros influenciados.
Burning Candle es otro de esos ejemplos de que por alguna extraña razón no tuvieron la suerte de cruzar las fronteras y llegar al poderoso e influyente mercado británico y tener el merecido éxito que le correspondía en su momento a este magnifico y olvidado grupo.

Genesis-A Trick Of The Tail (1976)

"A Trick Of The Tail” supuso la primera prueba de fuego de Genesis tras la marcha de Peter Gabriel, y no solo resulto un paso adelante en la carrera del grupo, si no también su álbum mas exitoso hasta ese momento. Y es que lejos de los rumores de la separación de la banda después de la marcha de su carismático vocalista, la banda optaría por no reclutar a uno nuevo que se ajustara a sus necesidades, sino que fuera Phil Collins, hasta ese momento el baterista del grupo, quien tomara ese rol aprovechando las dotes de buen cantante que ya había mostrado anteriormente en temas como “More Fool Me” o “ For Absent Friends” de los álbumes “Selling England By The Pound” y “Nursery Cryme”. Además Collins podía ejercer de frontman en directo de manera ideal, debido a su experiencia como actor teatral que había ejercido algunos años antes de dedicarse al mundo de la música. Sin embargo también habría que matizar que de alguna manera, el abandono de Peter Gabriel supondría una especie de alivio para el resto de la banda, debido a las ya deterioradas relaciones personales que el cantante tenia con sus compañeros. “A Trick Of The Tail” fue grabado durante los últimos meses de 1975 en los estudios Trident de Londres y el resultado final fue un magnifico álbum de rock progresivo muy influenciado por los sonidos del folk británico, manteniendo intactas sus habilidades como banda de altísimo nivel. Phil Collins demostraría que no solo podía suplir a Gabriel, sino también que podía asumir el rol de líder aunque aún de manera muy sutil.
También en el plano compositivo la banda sale reforzada con un mayor protagonismo de todos sus integrantes y una mayor relevancia instrumental de cada uno de ellos, empezando por los teclados de Tony Banks y la guitarra de Steve Hackett.
Musicalmente el álbum en si es una pequeña obra maestra, que sin compararlos con sus obras anteriores, muestra a un grupo que mantiene una calidad altísima, tanto instrumentalmente como a la hora de componer nuevo material, todo ello queda demostrada en la inicial y majestuosa “Dance on a Volcano”, un soberbio tema que deja claro las intenciones del grupo queriendo decir con ello que no estaban acabados. El resto es una amalgama colección de sobresalientes piezas como la encantadora balada “Entrangled”, la rock “Squonk”, la intimista “Mad Man Moon”, la teatral y dinámica “Robbery, Assault and Battery”, o la emotiva “Ripples”, para terminar con la refinada y comercial “ A Trick Of the Tail” y la progresiva “Los Endos”.
Contra todo pronostico, (principalmente desde el punto de vista de los mas puristas y ortodoxos ), este álbum alcanzaría grandes elogios por parte de la prensa especializada y una enorme recepción comercial por parte del publico, logrando varios discos de oro a ambos lados del Atlántico.

Universe-Universe (1971)

La historia de esta banda es bastante intrigante, relegados a un segundo plano en su país natal Inglaterra, se dedicaron a dar conciertos por el norte de Europa y durante una gira por Noruega coincidieron con un extraño personaje que se ofreció a grabarles un disco en su estudio casero el cual fue publicado en un limitadísima edición de unos pocos cientos de copias, hoy en día muy cotizado para los avispados coleccionistas de vinilos y de la música blues y rock.
Originarios de Cardiff, esta banda se había formado a finales de 1968 como una formación de blues llamada Spoonful. Varios años después cambian su nombre por el definitivo de Universe y seria en 1971, cuando estando de gira por Noruega grabaron y lanzaron su único álbum titulado homónimamente.
Universe estaba formado por el guitarrista, vocalista y harmónica Steve Finn, el guitarrista Mike Lloyd, el bajista John Healan, el baterista Rob Reynolds y el organista Mike Blanche.
Ellos practicaban un heavy rock progresivo como bien lo demuestran en su único trabajo, donde sobresalen la blues psicodélica "Twilight Winter", la heavy blues "Universe", la blues progresiva "Spanish Feeling", con ese regusto andaluz que aporta la interacción de la guitarra española y el ritmo criollo o la blues cadenciosa "The Annexe".
Ya de vuelta en el Reino Unido y con el álbum bajo los brazos, giraron con bandas punteras como Fleetwood Mac, Rory Gallagher, Jethro Tull, Yes o Black Sabbath entre otras muchas mas.
La edición original de este disco se convirtió en uno de los álbumes de blues progresivo mas extraños de la historia, para empezar por la limitada tirada y en segundo lugar por el extraño sello que fue publicado (Experience Records), de cual nunca se supo nada mas, de hecho solo edito y publico este, además de que apenas ofrecía información alguna sobre los músicos y otros datos de interés en su escueta y minimalista portada. Posteriormente ya en 1972 esta banda se disolvería definitivamente sin dejar rastro de la suerte posterior de todos sus integrantes.

Nutz-Hard Nutz (1977)

Fundados en 1970, Nutz fueron una banda de hard rock que tuvieron sus momentos de gloria cuando fueron elegidos para telonear algunos conciertos de UFO, Black Sabbath y Budgie a mediados de los 70 y una memorable actuación en el Reading de 1976.
Originarios de Liverpool, esta banda fue creada por el guitarrista Mick Davenport que junto al batería Jon Maylett y al bajista Keith Mulholand se fomentaron una amplia legión de seguidores actuando de manera fija en el mítico Cavern Club. Casi al mismo tiempo y gracias a un anuncio de televisión localizaron al cantante Dave Lloyd quien a partir de este momento se convierte en el vocalista principal. Durante un tiempo la banda establecería su residencia en el propio Cavern Club, grabando durante el día y actuando por las noches. Gracias a sus actuaciones son requeridos por la A&M Records con quienes publican su primer álbum que no obtiene la expectativas depositadas en ellos. Su siguiente álbum “Nuz Too” publicado en 1975, obtiene mejores resultados gracias en parte a una mejor producción y a los extraordinarios temas “Changes Coming” y “The Love That You Lost”, esta ultima con la colaboración del ex miembro de Free, John “Rabbit”. A Partir de aquí la banda se embarca en una larga gira por los Estados Unidos a pesar de que ninguno de sus dos álbumes habían sido publicados en el mercado norteamericano.
De vuelta a Inglaterra son los elegidos para telonear a Black Sabbath en su tour británico apoyando al álbum “Technical Ecstasy”, esta gira les beneficia para ser incluidos en el Festival Reading de ese mismo año. Para entonces la banda se había ampliado con el teclista Kenny Newton, con quien graban su tercer álbum y a la postre su mejor obra, “Hard Nutz”. Este tercer lanzamiento presentaba a una banda mucho mas madura, con unas composiciones que rebozan de gran calidad y al mismo tiempo de potente hard rock. Además de los poderosos riffs de guitarra, unas voces adictivas y la contundente sección rítmica, son los teclados los que dan una cohesión irresistible a un álbum memorable. Temas frenéticos como “Seeing Is Believing” y “Wallbanger” contrastan con los hard rock melódicos “Down On My Kness”, “Beast Of The Field”, “Loser” y “I Know The Feeling”, mientras en “From Here To Anywhere” la banda se acerca a sonidos mas complejos y progresivos. Una posterior gira con Budgie, la grabación del tema “Bootliggers” para la legendaria recopilación de la NWOBHM “Metal For Muthas” y la publicación de varios álbumes en vivo, fueron las ultimas aportaciones discográficas de esta magnifica y olvidada banda británica.

Jethro Tull-Stand Up (1969)

“This Was” había supuesto un gran éxito para Jethro Tull y era evidente que la carrera del grupo empezaba con buen pie tanto en el plano comercial como en las criticas favorables vertidas con ese debut. Sin embargo para su segundo álbum publicado casi un año después, “Stand Up”, la banda sufriría su primera baja, el guitarrista Mick Abrahams, uno de sus líderes, abandonaba por sus continuas discrepancias con el otro líder de la banda, Ian Anderson. Así pues, con el abandono de Abrahams, Anderson se consolidaba absolutamente con la tutela del grupo, con ello el multifacético flautista y cantante del grupo, tenia la total libertad para cantar, componer y incluso co-producir el nuevo álbum. Para la sustitución de Abrahams, se recurriría a Martin Barre, un joven guitarrista que procedía de una banda londinense de blues rock llamada Gethsemane, además de la colaboración del arreglista y posteriormente miembro oficial de la banda, David Palmer.
Para este nuevo trabajo Anderson conduce su música hacia nuevos horizontes, como el folk y la música clásica sin olvidarse de las raíces de blues y jazz de su primer álbum. La contribución de Martin Barre también es primordial en el cambio estilístico, otorgándole el toque rock a los estilos que Anderson imprime en este nuevo lanzamiento. “Stand Up” comienza dejando la impronta de su anterior obra, con el blues rock “A New Day Yesterday”, el folk viene de la mano de “Jeffrey Goes To Leicester”, mientras en el plano mas bucólico y acústico están presentes en “Look Into The Sun” y “We Used To Know”, (este tema por cierto con ciertas similitudes al famoso “Hotel California” de The Eagles de siete años después...), por otra parte son “Bouree”, “Back To The Family” y la rock blues “For A Thousand Mothers”, los cortes mas potentes del álbum, dejando a “Nothing Is Easy” como la pieza mas compleja y progresiva.
“Stand Up” se convertiría en uno de los grandes álbumes de Jethro Tull, obviamente por debajo de sus grandes obras, teniendo en cuenta de que aún Ian Anderson estaba empezando a consolidar un estilo que con los años seria único e inconfundible.

Clear Blue Sky-Clear Blue Sky (1970)

Clear Blue Sky eran un power trío británico de corto recorrido que publicaron un solo álbum en los setenta, pero que sin embargo fueron durante algún tiempo la sensación en el circuito  del blues rock británico. Formado por el guitarrista John Sims, el batería Ken White y el bajista Mark Shealther, tuvieron su primer gran éxito en un concurso de talentos celebrado en Londres. A partir de aquí, telonearon a artistas de gran renombre como el irlandés Rory Gallagher o los británicos Free. Sus excelentes cualidades instrumentales no pasaron inadvertidas para la bajista Ashley Kozak, por aquel entonces, además de su faceta como instrumentista, también ejercía como manager de diferentes artistas para el sello NEMS, propiedad de Brian Epstein. Finalmente ella conseguiría ficharlos para el sello Vertigo y les financia su álbum debut y homónimo que fue publicado en 1970. Bajo la producción del por entonces experimentado Patrick Campbell-Lyons y con una portada de un desconocido Roger Dean, la banda mostraba un interesante estilo de hard rock psicodélico con pasajes muy elaborados en donde la guitarra toma siempre el protagonismo con sus incendiarios riffs.
Un álbum que comienza de manera arrolladora con la saturada “Journey To The Inside” que dividida en varias partes es el tema mas extenso del disco con continuos cambios de ritmo, para seguir con cortes como la psicodélica "You Mystify” o las mas melódicas y relajadas “Tool Of My Trade” y “My Heaven”, para terminar con la hard rock “Birdcatcher”. Sin embargo pese a la gran calidad de la banda y de este enorme debut, las escasas ventas y el poco interés de publico en general hizo desistir a estos tres jóvenes músicos a seguir adelante, disolviéndose poco tiempo después. Muchos años mas tarde, en la década de los noventa volverían a publicar nuevo material en una serie de discos que no tuvieron repercusión mediática.

Chicago-V (1972)

En 1972 Chicago llevaba tres dobles álbumes publicados y un cuádruple directo, todos ellos números unos en las listas norteamericanas y todo esto en apenas tres años desde la fundación de la banda en 1969.
Para su cuarto álbum decidieron abandonar el formato de doble LP y centrarse en uno sencillo, además de ello, optaron por acortar los largos temas de improvisación y las largas suites, por unos temas mas cortos, siempre dentro del estilo inconfundible de jazz y rock tan característico de Chicago.
También aquí Robert Lamm tomo mucho mas protagonismo a la hora de componer, suyas son ocho de los diez temas del álbum, mientras Terry Kath y James Pankow se reparten las dos restantes. Otro de los cambios significativos es que ya aquí aparecen temas orientados hacia los sonidos mas comerciales que en los años sucesivos serian su seña de identidad, con un estilo enfocado hacia el soft rock como “Dialoque (Part.I)”, mientras el tema compuesto por Pankow “Now That You´ve Gone” sigue una la línea continuista a los anteriores trabajos del grupo. En esa misma onda de jazz rock se encuentran “A Hit By Varése”, “Saturday In The Park” o “State Of The Union”. Por otro lado las aterciopeladas “All Is Well” y “Goodbye” muestran la faceta melódica del grupo. “Alma Mater”, la única composición de Terry Kath, es un gran ejercicio de gospel con los sonidos de los metales contundentes tan habituales en sus primeros álbumes.
Con este cuarto lanzamiento Chicago volvieron a situarse en el numero uno de las listas del Billboard con varios discos de platino por sus enormes ventas.

Boston-Corporate America (2002)

Tuvieron que pasar ocho largos años para que Tom Scholz volviera a reflotar a los míticos Boston con un nuevo album, después de su anterior "Walk On". Atrás quedaban sus espectaculares cuatro primeros trabajos, dos de ellos, “Boston” (1976) y “Don´t Look Back” (1978), considerados dos de las obras cumbres del rock melódico. Para este quinto álbum regresaba el vocalista original Brad Delp, luego de su ausencia en el anterior “Walk On”, también aquí participara el vocalista del mencionado álbum, Fran Cosmo que seguía como miembro oficial de la banda, contribuyendo en los coros y como voz principal en algunos de los temas. Además Scholz había incorporado a la guitarrista Kimberly Dahme y al también guitarra Anthony Cosmo, mientras Gary Phil (guitarra y teclados), David Sikes (bajo) y Curly Smith (batería), cerraban la formación principal de Boston. Este nuevo trabajo titulado “Corporate America”, se muestra en gran parte del mismo el inconfundible estilo clásico de Boston, pero con un sonido orientado hacia el hard rock comercial, en donde las melódicas guitarras y las adictivas e irresistibles voces, son el denominador común del repertorio.  
Un disco que comienza con “I Had A Good Time”, la canción que sin duda más suena al Boston clásico, tiene un estilo similar al tema “I Think I Like It” del “Third Stage”, con un trabajo de las guitarras asombroso y que se convirtió en uno de los temas mas interpretados en vivo a partir de aquí. Con el siguiente tema, “Stare Out Your Window”, la banda baja una marcha, con ese estilo acústico entre el country rock y los sonidos sureños. Mientras “Corporate America” es el tema mas oscuro y siniestro del con unas excelentes armonías de guitarra que nos recuerdan al magnifico tema “Higher Power” de años atrás.
“With You” por su parte es el contrapunto a este ultimo tema, una aterciopelada balada en donde Kimberly muestra sus dotes como buena cantante de country-rock, el resto sigue una línea parecida a los primeros temas del álbum, empezando por la añeja “Someone”, un claro guiño al pasado, o la espectacular “Turn It Off”, para acabar con los medios tiempos “Cryin”, “Didn´t Mean To Fall In Love” y “Livin´For You”, temas que aunque mantienen un nivel muy aceptable, le restan cierta cohesión final a un disco que pese a ello mantiene muy vivo el sentimiento Boston, muchos años después de su enorme y antológico debut.

Barclay James Harvest-Live (1974)

En 1974 se publicaba el primer y tal vez el mejor disco en directo de la Barclay James Harvest, “Live”, grabado durante la gira promocional del  álbum "Everyone Is Everybody Else”, en el Theatre Royal de Londres durante los días 29 y 30 de junio. Para entonces el grupo británico ya había publicado cinco magníficos trabajos, por lo que el repertorio aquí comprende parte de todas sus obras publicadas hasta entonces. Grabado en la época mas progresiva y sinfónica de la banda, aquí muestran una total conjunción con una impecable instrumentación por parte de John Lees (guitarra y voz), Les Holroyd (bajo, voz y guitarra rítmica), Mel Pritchard (batería) y Stuart “Wolly” Wolstenholme (teclados), mostrando todos ellos un alto grado de virtuosismo, demostrando con ello el por que en aquella época eran consideradas una de las grandes bandas del rock progresivo mundial. Un repertorio cargado de sublimes temas como la exquisita “Galadriel”, la magna “Mockinbird”, la rock “Crazy City”, la majestuosa “Summer Soldier” o la impresionante “Medicine Man”. El resto de temas son fielmente interpretadas como sus versiones en estudio lo que no le resta ni un ápice a este soberbio doble en directo de una banda infravalorada en Gran Bretaña, pero de enorme éxito mediático en el resto de Europa.  En los siguientes años volvieron a repetir los lanzamientos en directo, como el también doble en directo “Live Tapes” (1977), el cual contiene un repertorio basado en la época 1974-1977, años mas tarde se publicaría el directo “A Concert For The People (Berlin” (1982), uno de sus álbumes mas exitosos comercialmente, y ya casi a finales de la década de los ochenta aparecería otro directo “Glasnost”, con el cual cerraban la mejor época de esta formidable banda británica.

Morningstar-Morningstar (1978)

Morningstar fueron una efímera banda norteamericana que con sus dos únicos álbumes lograron el status de banda de culto en Estados Unidos a finales de los 70. Surgidos en Kansas, durante algunos años lograron una considerable legión de seguidores, hecho este que no pasaría inadvertido para el sello CBS, los cuales aprovechando la fama del grupo, les ofrece un contrato para grabar varios álbumes. Morningstar estaba compuesto por el batería Greg Harris, el bajista Greg Lech, y los guitarristas Jerry Chambers, Michael Edmunds y Rick Bacus, este ultimo también se encargaba de los teclados y prácticamente todos ellos eran vocalistas.
En 1978 publicaron su álbum debut titulado homónimamente, en donde muestran un estilo emparentado con las bandas de pomp rock de la época como Styx, Angel o Shooting Star, pero con un enfoque mucho mas rock, con un gran predominio de las guitarras, grandes voces melódicas y teclados pomposos. Temas como las AOR “Premeditated Rendezvous” o “Too Much To Lose” contrastan con las mas complejas “Through The Night” o “Sady Lady”, mientras en el lado mas hard rock aparecen en “Turn Out  All The Lights” o “Sweet Georgia Peach”. Un año después aparecería “Venus” un álbum en donde mostraban un sonido mucho mas sofisticado y pulido, y una mejor producción, sin embargo y aún así la música grabada en este segundo lanzamiento no esta exenta de comercialidad como lo demuestran las sobresalientes “Angel”, “Never Meant To Be”, “Rosie” o “Let Me Dream”. Sin embargo pese a que ambos álbumes tuvieron una buena acogida comercial, con unas ventas bastantes aceptables, la CBS mas enfocada en otras bandas de su discográfica mas exitosas como Journey o Reo Speedwagon entre otras, dejaría de prestarles su apoyo, provocando esto ultimo que se disolvieran a principios de los 80, dejando tras de si dos grandes ejemplos del mejor pomp rock americano de los 70.

Paul Rodgers-The Royal Sessions (2014)

En el año 2014 Paul Rodgers regresaba con un disco de versiones después de sus álbumes tributos del blues con los tremendos “Muddy Water Blues” y “The Hendrix Set” ambos publicados en 1993. Sin embargo esta vez además de algunos temas de blues también hay versiones de clásicos del soul, todos ellos elegidos personalmente por el propio Rodgers. Para esta grabación, el ex vocalista de Free, Bad Company o The Firm, se rodeo de una legión de músicos que en su momento grabaron las versiones originales que aquí aparecen, como el bajista Leroy Hodges, el teclista Charles Hodges o el batería Steve Potts entre otros muchos. Grabado en directo en el estudio de Royal Studios en Memphis, Rodgers consigue con ello un sonido potente y ardoroso, lo cual engrandece este fenomenal álbum de versiones. Temas como “Born Under A Bad Sign” de Booker T. Jones, “Down Don´t Bother Me” de Albert King”, “I Can´t Stand The Rain” de Ann Pebbles o “I´Ve Bee Loving You Too Long” de Otis Redding son interpretados por la voz excelente de un Paul Rodgers en pleno estado de gracia, demostrando con ello que los años no han logrado pasar factura a uno de los grandes mitos de la música rock.

Chris Youlden-Citychild (1974)

Chris Youlden fue mas conocido por su faceta como vocalista de la mejor época de la banda de blues rock Savoy Brown, que por su propia carrera en solitario. Este cantante se caracterizo por tener una estupenda voz y un consumado compositor, como quedo demostrado en sus años con la mencionada banda británica. Con ellos facturo álbumes de gran calibre como “Getting To The Point” (1968), “Blue Matter” (1969), “A Step Further” (1969) y “Raw Sienna” (1970), sin duda las mejores obras de Savoy Brown.
Sin embargo después de este ultimo disco y debido a su descontento con la orientación musical que la banda estaba tomando y las continuas y agotadoras giras, decide abandonar el mundo de la música durante varios años. En 1973 reaparecería inesperadamente debutando con su primer álbum en solitario, “Nowhere Road” publicado por la London Records (curiosamente el mismo sello que su ex banda), en donde lo mas llamativo era su total alejamiento de los sonidos de blues rock de su banda madre, enfocando las composiciones hacia un estilo mas funk con base de blues como “Chink Of Sanity” y “Mama Don´t Talk So Loud”, la  destacada “One October Day” o la resplandeciente “Cryin´In The Road”. Sin embargo este enorme álbum no obtuvo la respuesta deseada por parte del publico, por lo que pasa totalmente desapercibido. Un año después regresaría con “Citychild”, un álbum autoproducido, el cual obtiene una recepción parecida a su primer disco, y que posee un repertorio mucho mas ecléctico con temas de claro acento de blues rock muy cercanos al estilo de Savoy Brown como “Little Cog In A Big Wheel”, “Love And Pain” y “It Ain´t For Real” o cercanos al funk blues como las sorprendentes “Born and Raised In The City” o “Keep Yoy Lamp It”, mientras la inquietante “Spare Change” pone la nota rockera a este gran disco.

Krokus-Headhunter (1983)

Tuvieron que pasar ocho años y innumerables cambios de formación para que la banda suiza Krokus tuviera el reconocimiento y el éxito masivo dentro del panorama del heavy metal y el hard rock mundial. Si en sus primeros discos la banda se movía por terrenos pantanosos que navegaban entre el rock con influencias progresivas y el hard rock, seria a partir de 1980 con los álbumes “Metal Rendez-Vous”, “Hardware” (1981) y sobre todo “One Vice At A Time” de varios años después, cuando lograrían su gloria y su época de mayor creatividad. Para entonces la banda tenia un nuevo vocalista, Marc Storace, quien fue un pilar fundamental en el cambio de estilo de la banda. En 1983 llegaba “Headhunter”, el séptimo trabajo de los suizos, en donde además de Storace se encontraban los guitarristas Fernando Von Arb y Mark Kohler, el bajista Chris Von Rohr y el baterista Steve Pace, una formación casi totalmente diferente a la que grabaría su debut “Krokus” en 1976, con la salvedad de Von Rohr, el único miembro fundador que aún permanecía en la banda.
En “Headhunter”, Krokus mostraba un estilo heredero del mejor heavy metal de los 80, con un sonido que los emparentaba con bandas como Judas Priest como queda demostrado en la inicial y acelerada “Headhunter” o en la rítmica “Ready To Burn”, mientras el hard rock al mas puro estilo de la banda australiana AC/DC, estaban presentes en “Stayed And All Night” y “Stand and Be Counted”, por otro lado “Screaming In The Night” es el momento cumbre con una soberbia composición entre la power ballad y el hard rock con tintes épicos y progresivos. Este álbum junto con los mencionados “Metal Rendez-Vous”, “Hardware” y “One Vice At Time”, los colocaron en la cúspide del heavy metal mundial, con un gran impacto mediático en Europa y los Estados Unidos durante mediados la primera mitad de la década de los ochenta.

Blind Faith-Blind Faith (1969)

En el verano de 1969 aún coleaba la sorprendente noticia de la disolución de una de las mas formidables bandas de todos los tiempos como fueron Cream, justo por aquel entonces el mundo vio nacer otra de las mas impresionantes formaciones que existieron; Blind Faith, o lo que es los mismo una reunión de cuatro súper estrellas que provenían de tres bandas legendarias como eran los propios Cream, Traffic y Family. Ellos eran Eric Clapton, Steve Winwood, Ric Grech y Ginger Baker. Para la presentación de esta nueva banda, debutaron en un concierto gratuito en el Hyde Park de Londres el 7 de Junio de 1969, ante mas de cien mil jóvenes ansiosos de admirar semejante plantel de rutilantes estrellas juntas, en lo que con el tiempo se convirtió en uno de los conciertos mas memorables de la historia.
Sin embargo esta constelación de grandes músicos con sus respectivos egos no podía durar mucho juntos, como así sucedió, pese a publicar un álbum prodigioso y ofrecer unos conciertos delirantes, también pronto mostró el carácter incompatible de estas cuatro leyendas, todas ellas líderes absolutos de sus respectiva ex bandas.
Y aunque fue demasiado sorprendente para los ojos y los oídos de miles de fans, lo cierto es que durante el tiempo que esta super banda estuvo activa, fueron la sensación mundial manteniéndolos en lo mas alto con unos asombrosos conciertos por media Europa y los Estados Unidos. Era mas que evidente pese a todo que nunca hubo ninguna adaptación ni fusión estilística, ya que cada músico trato de imponer sus ideas al resto en el único testimonio grabado que dejaron, en donde tres de los temas están firmados por Winwood, mientras Clapton y Baker se quedan en dos, para finalizar completándolo con una versión del tema de Buddy Holly “Well All Right”. De los seis temas que componen su único legado son las composiciones de Winwood las mas destacadas, empezando por el blues rock “Had To Cry Today”, un claro ejemplo de las excelencias de las individualidades de cada miembro del grupo, mientras “Can´t Find My Way Home”, mostraba el enorme talento de Clapton con la guitarra acústica en uno de los momentos mas ricos del álbum. La rock “Presence of Lord” la única composición de Clapton, pone la nota psicodélica, y por su parte Baker firma “Do What You Like”, una excelsa y larga jam para la improvisación y el talento de los cuatro componentes con sus respectivos instrumentos. Pero esta considerable fusión de estilos, sin una cohesión musical clara y concisa, fue junto a la personalidad de los cuatro músicos, la efímera duración de la carrera de Blind Faith, que sin embargo se ganaría un lugar privilegiado en la historia del rock por méritos propios, por un lado por su excelente repertorio, por las estrellas que lo componían y también y todo hay que decirlo, por su tremenda y polémica portada que daría mucho que hablar en aquella época.

Van Morrison-Too Long In Exile (1993)

Durante cinco décadas Van Morrison se ha distinguido por una respetable carrera repleta de trabajos admirables, que lo han convertido en uno de los iconos de la música popular. Sus brillantes excursiones por los sonidos del folk, el rock, el rhythm and blues y el jazz le han caracterizado por lograr un estilo inconfundible y único.
Ya desde sus inicios al frente de los míticos Them, Van Morrison mostraría su faceta de compositor y excepcional cantante, sin embargo al mismo tiempo se fue labrando una reputación de personaje distante y enigmático.
Desde su primer álbum en solitario “Blowin´Your Mind!” de 1967, Morrison dejo claro su estilo inconstante y variopinto, desde sus incursiones al folk mas intrínseco hasta esa amalgama de estilos gospel, blues y soul que lo encumbraron con obras maestras como el soberbio “Astral Weeks”, de un año mas tarde. En 1993 Van Morrison publicaba su vigésimo segundo álbum “Too Long In Exile”, un exquisito repaso a casi todos los estilos que durante años fueron la banda sonora de su vida, pero en donde los sonidos del jazz y el blues son los que predominan en los surcos de este trabajo. El irresistible rhythm and blues “Blues Lonely Avenue” es el comienzo perfecto para un disco que se convertiría en uno de sus mayores logros a nivel comercial y compositivo. El resto es un viaje extraordinario por sonidos sublimes como el blues “Big Time Operators”, la jazzistica “Close Enough for Jazz”, la admirable “I´ll Take Care Of You” o su revisión del clásico de los Them “Gloria”, esta vez con la ayuda inconmensurable de un rejuvenecido John Lee Hooker a la guitarra.

Men At Work-Business As Usual (1981)

A principio de la década de los ochenta y en plena explosión punk y de la música new wave, una banda llamada Men At Work lograría ser el contrapunto perfecto con su original estilo en donde mezclaban el pop rock poco pretencioso con sonidos caribeños como el reggae y aderezado con unas letras humorísticas. “Business As Usual” fue el álbum debut de esta banda australiana en donde mostraban su faceta comercial con un estilo heredero de los británicos The Police, pero con un acento mucho mas comercial y el cual se convirtió en una de las grandes sensaciones de aquel año gracias en parte al tema “Who Can It Be Now”, radiado por las emisoras de medio mundo casi hasta la saciedad. Sin embargo en este primer álbum no solo destacaba la mencionada canción, además se encontraban una colección de temas adictivos e irresistibles como la humorística “Down Under”, la pausada “People Just Love To Play”, la acelerada “Helpless Automaton” o la pop rock “Touching The Untochables”. El resultado comercial de este álbum fue un rotundo éxito a nivel mundial, llegando a cotas realmente asombrosas con unas ventas que superaron los quince millones de copias vendidas y numerosos números uno en mas de una docena de países.

Jeff Beck-With The Jan Hammer Group Live (1977)

En su tercera incursión en el terreno del jazz rock, Jeff Beck lograría su mejor obra, mejorando al complejo y técnico “Wired” y al jazz fusión “Blow By Blow”, sin que ello  suponga menospreciar estos dos magníficos trabajos del guitarrista británico.
Grabado en vivo, en este álbum Jeff Beck logra recrear un jazz rock mas convencional en una onda entre Weather Report y Return To Forever, pero con bastante mas accesibilidad y alejados de los clichés predeterminados sobre el genero.
Grabado durante el tour posterior al álbum “Wired”, en esta ocasión Jeff Beck prescindió de sus colaboradores Max Middleton y Narada Michael Walden y reclutaría a otro de los grandes del jazz rock de la época como Jan Hammer, el cual había participado en las sesiones de grabación del mencionado “Wired”. Esta banda compuesta por el batería Tony Smith, el bajista Fernando Saunders y el violinista Steve Kindler, junto a Beck (guitarra) y Hammer (teclados y sintetizadores), se embarcaron en un tour mundial con mas de cien conciertos durante gran parte de 1976 y 1977, y esta grabación es un fiel reflejo de lo que hacían en esa gira. Desde la inicial y apoteósica “Freeway Jam”, pasando por las funky jazz “Earth (Still Our Only Home)”, “She´s Woman” y “Full Moon Boogie”, hasta la jazz progresiva “Darkness / Earth In Search Of A sun” o la jazz rock “Scatterbrain”.

Mike Oldfield-The Songs of Distant Earth (1994)

Tras dos discos que fueron vapuleados por la prensa y por sus fans, “Heaven's Open” y "Tubular Bells II ”, en 1994 Mike Oldfield acepta la propuesta del director de la Warner Robert Dickins para componer un álbum basado en la ciencia ficción y en este caso en particular, tomar como base la novela del escritor Arthur C.Clarke “Las canciones de la Tierra distante”. Ya antes Mike Oldfield había introducido en el anterior y mencionado “Tubular Bells II”, un pequeño fragmento de una novela de Clarke llamada “Sentinel”, mas tarde incluso esta se utilizaría como base a Stanley Kubrick para su obra “2001 Una Odisea en el Espacio”. Sin embargo la música contenida en este álbum combina algunos pasajes del libro con otros que no pertenecen a dicha obra, y aunque logra una cierta homogeneidad musical en el resultado final, con un trabajo en muchas partes realmente soberbio, también es cierto que fue criticado por algunos sectores por su abundante exceso de la electrónica. Y es que para ello Oldfield apostaría por sonidos construidos a base de teclados, samplers pregrabados y computadoras, los cuales tiene gran parte del predominio en la música aquí grabada, pero sin dejar de lado sus habituales sonidos de guitarras y ese toque tan sutil con su estilo inconfundible.
El álbum al completo esta estructurado a modo de inmensa suite con cascadas de teclados etéreos y melodías atractivas, todo ello espolvoreado con unas guitarras transparentes interpretadas de manera sobresaliente. Finalmente aunque la recepción inicial del fue algo fría por parte de los fans, con el tiempo se convertiría en una de las obras mas importantes del músico británico, al mismo tiempo que uno de sus álbumes mas exitosos comercialmente.