Moon Martin-The Very Best of Moon Martin (1999)

John David Martín (mas conocido como Moon Martin ) es uno de los artistas mas curiosos de la new wave, comenzó tocando en varias bandas locales de Oklahoma a finales de los 60 para posteriormente trasladarse a los Ángeles y formar una banda llamada Southwind con los que publicaría tres albumes de escasa repercusión.
Sin embargo su faceta de compositor y músico de sesión para artistas como Linda Ronstadt o Gram Parsons entre otros, le abrió el camino para proyectar su carrera en solitario.
Ya en 1978 publicaba su primer album Shots from cold nightmare, trabajo en el cual destacaban varias canciones como "Nights thoughts", "Victims of romance", "Cadillac walk" (que se hiciera famosa al ser grabada posteriormente por Willie DeVille), y sobre todo "Bad case of loving you" (publicada por Robert Palmer un año después, y que le supuso gran éxito comercial).
A partir de aquí algunas de sus canciones fueron incluidas en los trabajos de diversos artistas y Moon Martín se consolidó como solista. El nuevo álbum Escape from domination (79) y los singles Rolene y No chance son sus piezas claves, entrando en los 80 con el LP Street fever, que le otorgó el ser uno de los mejores artistas para la nueva década. En 1979 Moon formó su propio grupo, The Ravens, con Jude Cole (guitarra), Dennis Croy (bajo) y Rick Croy. En 1982 publicó su cuarto álbum para Capitol Mystery Ticket, al que siguió en 1984 Mixed emotions, a partir de aquí Martín se desvincula en su carrera en solitario y se dedica a la composición para otros músicos, aunque con algun que otro disco publicado en las décadas siguientes sin apenas repercusión comercial
Temas como "Bad case of loving you" justifica de sobra el por qué este hombre paso a la historia del rock. Tiene todos los ingredientes de las grandes canciones, calor, ritmo, desespero, estribillo pegadizo y unos toques guitarreros inolvidables.

Detective-Detective (1977)

A mediados de la década de 1970, Led Zeppelin creó su propio sello discográfico llamado Swang Song, con el que la banda pretendía tener un control casi total de todo su material para ser publicado y alejarse de las presiones de la discogrfica Atlantic.
Pero además del trabajo de Led Zeppelin también comenzaron a publicar álbumes de otros artistas relacionados con la banda como Bad Company o Detective.
Detective fue una banda que se formó en 1975 en Los Ángeles, y entre sus componentes se destacaban el ex guitarrista de Yes Tony Kaye y el teclista de Steppenwolf Michael MonarchI,  y pronto son patrocinados por Jimmy Page y en 1977 publican su primer disco, titulado hononimamente "Detective".
Este primer disco de Detective está cargado de buen hard rock con influencias de Led Zeppelin, cuatro de sus temas son producidos por el mismo Page bajo el seudónimo de Jimmy Robinson.
Con un repertorio en donde habia grandes momentos como hard rock con toques de funk "Recognition", "Got Enough Love" con un toque enorme de Bad Company, las zeppelianas "Grim Reaper", o "One More Heartache" y el progresivo "Ain't None Of Your Business", donde Kaye hizo claros guiños a su antigua banda.

Movimientos Historicos: Introducción de la electrónica en el mundo del Rock

El principal evento que revolucionaría la música rock hasta sus fibras más profundas de su naturaleza era la llegada de los instrumentos electrónicos. En 1966 el inventor estadounidense Robert Moog empezó a vender su "sintetizador", una nueva clase de instrumento, el primero que tocaría más que una "voz" y aún imitaría las voces a todos los otros instrumentos. La vanguardia estaba lista para apropiarse de la idea. Morton Subotnick, por ejemplo, publicó una improvisación libre en un sintetizador, Silver Apples of the Moon (1967), que era simplemente el equivalente en la música clásica del acid-rock.

Hasta entonces, la música electrónica había sido un lujo que muy pocos músicos populares podrían acceder. La mayoría de los sintetizadores eran propiedad de centros de música clásica o de grandes estudios de grabación.

A pesar de las dificultades prácticas, unos cuantos compositores visionarios introdujeron arreglos electrónicos en la música popular, siguiendo el éxito de Good Vibrations de los Beach Boys (1966). Jean Jacques Perrey y Gershon Kingsley virtualmente inventaron el pop electrónico con la ingenua "sonosíntesis electrónica " de The In Sound From Way Out (1966).

El compositor canadiense Mort Garson grabó Zodiac Cosmic Sounds (1967), una suite acompañado por Paul Beaver en los teclados electrónicos, The Wozard of Iz (1969), una parodia electrónica del clasico infantil (con Bernie Krause en los "sonidos ambientales"), Lucifer (United Artists, 1971), una exotérica ópera & misa con sus observaciones de mezcolanza de sonidos electrónicos, y Music for Sensuous Lovers (1971), en la cual sobresale el sintetizador Moog y gemidos humanos.

Ron Geesin, un británico investigador de sonidos ecléctico quien había experimentado con el collage en A Raise Of Eyebrows (1967), mezcló la psicodelia y el dadaísmo en The Body (1970) y particularmente en Electrosound (1972), el cual expandió la música cósmica y precedió a la música industrial.

El hombre que tiene el crédito de haber convertido "música electrónica" en música comercial es Walter Carlos, de quien su Switched On Bach (1968) fue el primer álbum electrónico en alcanzar las listas de éxitos, aunque el mejor fue Sonic Seasonings (1972), que precedió a la música ambiental por unos cunatos años antes.

En 1968 muchas bandas de rock también experimentaron con el nuevo medio para realzar su caos creativo, con ejemplos muy notables como las bandas psicodélicas United States Of America en New York y Fifty Foot Hose en San Francisco.

Sin embargo Lothar & The Hand People  fueron quizás la primer banda de rock en usar instrumentos electrónicos para más que simple relleno de fondo en sus álbumes Presenting (1968) y Space Hymn (1969).

La banda legendaria de culto Silver Apples fueron un dúo experimental de teclados y vocales electrónicos que precedieron al la new wave y al synth-pop por casi una década. La música en Silver Apples (1968) y Contact (1969) mezclaba psicodelia y el rock'n'roll mientras empacaban la neurosis urbana y la angustia existencial.

En Boston, el integrante de Beacon Street Union, Peter Ivers, aplicó "modulaciones" electrónicas a los arreglos ya de por sí salvajemente excéntricos de su album concepto-religioso Knight Of The Blue Communion  (1969), un desfile surrealista de números de jazz, psicodelia, pop, música clásica y vodevil con una cantante de ópera por delante.

El primer músico en improvisar en vivo con un sintetizador fue probablemente Annette Peacock, ejecutando con el grupo de jazz de Paul Bley.

Dos veteranos de los instrumentos electrónicos formaron otro dúo influyente, simplemente llamado Beaver & Krause (3), cuyo Ragnarok Electronic Funk (1969) fue otro punto importante para la adopción de los instrumentos electrónicos. En In A Wild Sanctuary (1970) ellos intentaron una fusión de raga, música clásica, folk y psicodelia, y en Gandharva (1971), grabado en la catedral de San Francisco con la ayuda de Gerry Mulligan y Bud Schank,  se expandieron todavía más hacia el jazz.

En 1970 Robert Moog lanzó el Minimoog, el primer sintetizador portátil. Ese evento hizo la música electrónica disponible a un grupo más amplio de músicos. Aunque era todavía caro, este juguete podría moverse de un escenario a otro, y por lo tanto integrarse en el ensamble del rock, de los primeros en ultilizarlos estaban la ya grandes bandas de rock progresivo Yes, Emerson, Lake and Palmer, Genesis...etc.

David Borden formó en 1969 un trío electrónico que grabaría Mother Mallard's Portable Masterpiece Company (1973), armado con el sintetizador mini-Moog e inspirado por el minimalismo de Terry Riley y la improvisación del jazz.

En Suecia, Bo Hansson lanzó Sagan Om Ringen (1970), una colección de doce viñetas impresionistas que mezclaban el folk, música clásica, jazz y pop y que precedería al synth-pop y a la música new-age.

En Gran Bretaña, los pioneros de la música electrónica White Noise, el proyecto original del estadounidense David Vorhaus, preparó las canciones de cuna y etéreas y espaciales de An Electric Storm (1969).

Tambien en 1969 aparece una banda llamada Rare Bird, que graban un album especialmente curioso y fundamental en la historia del rock progresivo con tintes electrónicos y psicodélicos, ya que en ella no aparece guitarrista alguno, su musica se apoya en los sonidos del organo, piano electrico, bajo y bateria, y de esa manera en este su primer album Rare Bird (1969), llaman mucho la atención de los aficionados y critica del momento, su mezcla de rock epico y atmosférico muy influenciados sin duda por el rock progresivo sera la antesala de los que luego grupos como Camel o mas particularmente Emerson, Lake and Palmer llevaran a la cúspide, posteriormente el grupo redefinio su sonido a estilos mas diversos, As Your Mind Flies By (1970) donde incluyeron muchos mas amplios sonidos electrónicos de teclados adicionales a los ya conocidos de organo y piano electrico, aunque el resultado tambien les salio sensacional.

Finalmente, los Tonto's Expanding Head Band grabaron Zero Time (1971), la primera colección de melodías pop originales enteramente tocadas en sintetizadores.

Por aquel tiempo, las bandas alemanas habían comenzado a cambiar el centro de gravedad hacia los teclados electrónicos y pronto procederían a reinventar la música rock.

Movimientos Historicos: El Sonido Canterbury

La escuela británica de rock progresivo de Canterbury  fue uno de los movimientos más significativos en la historia de la música rock el cual nació a principios de los 60 cuando Hugh Hopper, Robert Wyatt, Kevin Ayers, Richard Sinclair y otros musicos formaron los Wilde Flowers. Wyatt, Ayers, Hopper y sus nuevos amigos Daevid Allen y Mike Ratledge formaron posteriormente Soft Machine, mientras que Sinclair y los demas formarian Caravan. 
Soft Machine, se convertiria en una de las bandas más grandes de rock de todos los tiempos, empezó con álbumes tales como Volume Two (1969) que estaban inspirados por el rock psicodélico con un toque de estética dadaísta (es decir sinsentido); pero, después de haber perdido a Allen y a Ayers, se reinventaron hacia una interpretación particular del jazz-rock de Miles Davis en Three (1970), su obra maestra y uno de los álbumes esenciales del jazz, rock y clásica de los 70. Teclados minimalistas a lo Terry Riley y metales de jazz realzan tres de las cuatro sesiones (particularmente, Facelift de Hopper). La restante, The Moon In June, es el primer logro monumental de Wyatt, mezclando una melodía delicada, una atmósfera melancólica y una profunda humanidad. The Moon In June permanecerá en el canon esencial de la música mucho después de que la música rock haya desaparecido. Una alineación vastamente revisada, altamente influenciada por los ensambles de jazz de Ian Carr y Keith Tippett, que en octubre de 1969 agregó una sección de metales de cuatro piezas con un notable trabajo de Elton Dean, continuaron el experimento en un tono frío, cerebral, austero, por ejemplo con la suite de cuatro movimientos Virtually del album Fourth (1971), o con el futurista album Six (1972). 
Los otros cofundadores de la escuela de Canterbury, fueron Caravan, que practicaban una clase de jazz-rock más simple, ligera, melosa y pegajosa que la de Soft Machine. Su especialidad eran las fantasías melódicas que básicamente mejoraban las canciones de cuna tipo folk con ritmos de jazz y contrapuntos instrumentales intrincados: con ejemplos como Can't Be Long Now, del album If I Could Do It All Over Again (1969), o Nine Feet Underground (su obra maestra), que abarca medio album de In The Land Of Grey And Pink (1971), e incluso con temas como Nothing At All e The Love In Your Eye, del Waterloo Lily (1972). 
Nucleus de Ian Carr, fueron uno de los grupos más hábiles en la epoca y protagonistas de la escena británica de jazz-rock por muchos años. La soñadora y romántica Song For The Bearded Lady, del album  We'll Talk About It Later (1970), es una buena muestra de ello, el sonido "orquestal" y electrónico de Torso, que abarca la mitad de Solar Plexus (1971), la síntesis elegante, barroca de su álbum más impecable, Belladonna (1972), que se basaba en arreglos de metales y teclados, así como en ritmos que eran resbalosos y sólidos a la vez. 
Keith Tippett, quien había ensamblado un formidable grupo de talentos, entregó trabajos tales como Dedicated To You But You Weren't Listening (1971) y el colosal Septober Energy (1971), ejecutado por la orquesta de 50 miembros Centipede, que era más apropiadamente jazz. 
Dave Stewart y Steve Hillage empezaron otra dinastía dentro de la escuela de Canterbury cuando ellos formaron Egg, otra banda sobre expuesta que tocaba música sinsentido, temas como La Symphony No.2, del album Egg (1970), la fantasmagórica clásica-jazz-rock Long Piece No.3 de su The Polite Force (1971), y las últimas sesiones en The Civil Surface (1974), tales como Germ Patrol y Enneagram, empacaban suficientes ideas para que dos generaciones de músicos exploraran otros campos aun desconocidos.
Como hemos visto muchas de las obras maestras de Canterbury fueron grabadas a principios de los 70 por miembros originales de Soft Machine. Daevid Allen era uno de ellos y estaba solo vagamente relacionado a las principales direcciones estilísticas de la escuela: Allen era, antes que nada, un hippie/raro que mezclaba la estética paradójica de Frank Zappa y la cultura comunal de San Francisco. Fundo la banda Gong, con el guitarrista Steve Hillage, el saxofonista Didier Malherbe y el teclista Tim Blake, y preparó una versión "cósmica" del acid-rock. Sus obras maestras, las cuales incluyen por lo menos Camembert Electrique (1971), la grandiosa Flying Teapot (1973) y Angel's Egg (1973), son collages demenciales de melodías infantiles, trompetas de circo, ritmos de jazz, teclados galácticos, lamentos sensuales/celestiales, mantras sardónicos, electrónica burlona e himnos de caricatura. Todo el conjunto exuda una sensación de cacofonía estática. Esta es una psicodelia que alucina pero no está cataléptica. Flying Teapot (1973), en particular, permanece como uno de los vuelos más salvajes de la imaginación de la música rock. 
Kevin Ayers se convirtió en un cantautor lunático proyectando la persona de un dandi exótico y decadente. Joy Of A Toy (1969), una colección de tonadillas encantadoras, definió su mezcla indiferente de música de salón, canciones de cuna folklóricas, world-music y también música infantil. La melancolía existencial que de por sí poseia le llevo a su trabajo álbum más excéntrico, Shooting At The Moon (1970), con el compositor y teclista de vanguardia David Bedford, el joven guitarrista adolescente Mike Oldfield y el saxofonista de jazz Lol Coxhill. Aquí Ayers encontró un equilibrio poco probable de sinsentido armónico y estribillos pegajosos, mientras que empapaba sus cuentos de hadas de surrealismo y expresionismo. La suite de 18 minutos en cuatro partes The Confessions of Doctor Dream (1974) fue su trabajo más ambicioso y de completa pesadilla. 
Robert Wyatt  expandió en las intuiciones de su The Moon In June en su primer álbum como solista, The End Of An Ear (1970). El inventó un nuevo tipo de lenguaje, con inclinación tanto a la tradición (pop, soul, folk, jazz) como a la vanguardia (minimalismo, electrónica), tanto personal como público. La misma sesión de temas privados y públicos, pero con un énfasis en su persona pública (y comunista), caracteriza los dos álbumes de Matching Mole, Matching Mole (1972) y Little Red Record (1972), los cuales son claros ejemplos de música cerebral, de protesta que es de hecho conmovedora, además de establecerse entre las más intensas grabaciones de cualquier cuarteto de jazz-rock. Su vida privada hizo erupción en Rock Bottom (1974), una de las obras maestras supremas de la música rock, una auténtica transfiguración de tanto el rock como el jazz. Sus piezas abarcan la frontera imposible entre un himno religioso y las canciones de cuna infantiles. A lo largo de esa línea imaginaria, Wyatt esculpió una zanja profunda de torrente emocional, donde la felicidad, la tristeza, la fe y la resignación encontraron una unidad metafísica. La sorprendente originalidad de esa obra maestra, y su bien elaborado flujo de conciencia, nunca fueron alcanzados por lanzamientos posteriores de Wyatt. El último trabajo significante de su carrera fue Animals Film (1982). Wyatt preparó una de las músicas más conmovedoras de todos los tiempos y por lo menos una de las obras maestras del siglo. El fue bendecido por ser tanto un bateria dotado, heredero de las tradiciones del rock progresivo y del jazz-rock, y un vocalista innovador único, con su llanto falsete, vagamente derivado de la forma de cantar sin palabras del jazz, mezclaba el soul, budismo y psicodelia. 
1984 (1973) por Hugh Hopper y Elton Dean de Elton Dean (1971) también figuraron entre los trabajos más originales y eruditos del rock progresivo de la Gran Bretaña. Sobre todo, los alumnos de Soft Machine constituían un buen trozo del canon del rock progresivo en la Gran Bretaña. 
La escuela de Canterbury continuaron produciendo bandas, talentos y obras maestras a través de mediados de los 70. Richard Sinclair y Dave Stewart unieron fuerzas y formaron Hatfield & The North, cuyo primer álbum, Hatfield And The North (1974), fue un apéndice competente a Caravan. Entonces Dave Stewart y Alan Gowen formaron una banda más orientadas a los teclados, los National Health, que no tuvieron reparos en jugar con las disonancias, electrónica y el jazz-rock orquestal de Frank Zappa en los cuatro largos temas que componian su album National Health (1978) y en su obra maestra Of Queues And Cures (1978). 
Cuando el niño prodigio Mike Oldfield grabó Tubular Bells (1973), una suite de larga duración en un álbum de música instrumental, toda tocada por sí mismo y pegando las partes de docenas de instrumentos, redefinió lo que el rock progresivo era. De hecho, "rock progresivo" se convirtió en un término obsoleto para referirse a una música que cruzaba todas las fronteras estilísticas. Las aventuras subsecuentes de Oldfield en la suite, comenzando por Hergest Ridge (1974), nunca repitieron el milagro de su primer trabajo, a pesar del hecho de que Ommadawn (1975) e Incantations (1978) estaban construidas en cimientos más y más ambiciosos aparte de que Oldfield eventualmente le restaría valor al formato en favor de la canción soft-rock & pop, particularmente con Moonlight Shadow  en 1982. 
Sin embargo, la segunda generación de Canterbury estaba mejor representada por Henry Cow, fundadores del movimiento político y musical "Rock In Opposition". Con virtuosos tales como el guitarrista Fred Frith, el bajista John Greaves, el percusionista Chris Cutler, el teclista Tim Hodgkinson, y, más adelante, el tocador de oboe Lindsay Cooper, aumentaron el cociente de la inteligencia del rock progresivo. Leg End (1973), inspirado por el jazz-rock de Soft Machine y las suites orquestales de Frank Zappa pero también por el free-jazz y por la vanguardia disonante (Nine Funerals Of The Citizen King), fue simplemente el aperitivo para Unrest (1974) para sus sesiones/suites cerebrales, enrolladas, arduas pero también extravagantes, maravillosas y surrealistas. Los Henry Cow habían fundado un equilibrio mágico entre la composición y la improvisación. En su siguiente paso dieron buena muestra de ello con Desperate Straights (1974), el primer fruto de la fusión con el grupo multinacional Slapp Happy, con el teclista británico Anthony Moore, el vocalista alemán Dagmar Krause y el guitarrista estadounidense Peter Blegvad, del cual Acnalbasac Noom (1973) había sido un experimento intrigante de cabaret expresionista y música rock. Su segundo, y mejor, álbum en conjunto, In Praise Of Learning (1975), fue su testamento artístico: la rústica fusión de los primeros años había mutado en una forma de arte austera y erudita. Ese día fue explorada más adelante por Frith, Cutler y Krause como los Art Bears en sus cantos abstractos de Hopes And Fears (1978) y Winter Songs (1979). 
Otros trabajos notables por músicos del sonido Canterbury incluyen al album L (1976) de Steve Hillage, quien tendería un puente entre la cultura hippy y la cultura rave en System 7 (1991), y New Jerusalem de Tim Blake (1978) de Piero Scaruffi

Años 60: Spooky Tooth

Los orígenes de esta importante banda británica de blues rock con tintes progresivos se remontan finales de 1964 cuando una banda llamada The V.I.P.´s publicarían varios singles de escaso éxito y que derivarían en la antesala de los Spooky Tooth como fueron Art, grupo el cual incluso publicaría el álbum Supernatural Fairy Tales (1967)

Justo un año después el cantante Mike Harrison, el teclista y vocalista Gary Wright, el guitarra Luther Grosvenor, el bajista Greg Ridley y el batería Mike Kellie, forman oficialmente Spooky Tooth publicando el primer álbum titulado It´s all about a Roundabout (1968) que es comercializado por el sello Island. 

Este primer álbum las influencias sicodélicas del anterior grupo Art son bastantes evidentes, pero asomando tímidamente ese blues rock que mas tarde seria el signo de identidad del grupo, alternando versiones como temas propios, pero que pasaría con mas pena que gloria.

No ocurriría lo mismo con el segundo álbum el magnífico Spooky Two (1969), que logró hacerse un hueco en listas inglesas y americanas, gracias en parte a temas como  "Evil Woman" o "Waitin’ For The Wind". Tras el álbum Greg Ridley abandonó el grupo para pasar a formar parte de Humble Pie.

Con un nuevo bajista Andy Leigh, publican Ceremony (1970) el cual y debido al cambio hacia terrenos más electrónicos sufre un descalabro monumental y precipita la desbandada general de casi todos los miembros del grupo. 

A partir de aquí Luther Grosvenor se une a los Stealers Wheel y Gary Wright funda Wonderwheel. 

A mediados de ese mismo año el grupo se reforma con la incorporación de algunos integrantes de la Grease Band de Joe Cocker, como eran Chris Stantion, Henry McCulloch y Alan Spenner, pero que no supieron remontar la carrera del grupo con la grabación del álbum "The Last Puff (1970).

Este nuevo fracaso termina por la desaparición del grupo a finales de 1970.

Pero tres años después resurge Spooky Tooth con un sonido mas hard rock, la vuelta del teclista Gary Wright, de Mike Harrison y las incorporaciones de nuevos miembros como el cantante Mike Patto  el guitarrista Mick Jones, el batería Bryson Graham o el bajista Ian Herbert parecen darle nuevos bríos al grupo.

Con esta formación se publica los álbumes  You Broke My Heart So I Busted Your Jaw (1973) y Witness (1973) con los cuales obtienen unas mediocres ventas y mejores criticas deparando quizás la mejor época del grupo.

En The Mirror (1974) el grupo vuelve a reclutar a nuevo integrantes como el ex bajista de Van Der Graaf Generator Keith Ellis, pero con unos resultados bastantes pobres. En 1974 la banda se separó definitivamente aunque ello no haya evitado posteriormente las ya consabidas y puntuales reunificaciones con algunos de los miembros originales del grupo.

Un año después la Island publicaría el recopilatorio The Best of (1976)

Posteriormente algunos de los integrantes pasarían a formar parte de bandas como Foriegner (Mick Jones) o The Alvin Lee Band (Bryson Graham).

Años 70: Ginger Baker´s Air Force

Una vez acabada la aventura de Blind Faith, a finales de 1969,  Ginger Baker quiso reunir una nueva banda a la que llamo Air Force, o lo que es lo mismo, lo que intento crear era una escuela de rock.
Todo surgiría tras un concierto en el que se reunieron algunos de los mas renombrados músicos de la época, como Steve Winwood, Denny Laine, Graham Bond, Chris Wood, Ric Grech o Harold McNair, además del propio Baker.
De esta simple reunión ocasional surgiría algo mas que esa colaboración en vivo, ya que todos ellos saldrían encantados con la experiencia vivida, gracias a la gran sonoridad y al feeling que conseguirán aquel día.
Fue entonces cuando Ginger Baker pensó en dar forma a una especia de escuela del rock y mantuvo las riendas esa fenomenal alineación, cuyo único patrón era que en ella podría a entrar a formar parte quien quisiera sin compromiso alguno.
Estaba claro que lo que en un principio quería idear Baker era a semejanza de lo que hasta ese momento ya llevaba en practica John Mayall, con la diferencia de que el propio Baker jamás podría ejercer el liderazgo que aquel mantenía en sus constantes proyectos, debido en parte al poco carisma que poseía y a su carácter agrio.
Poco después la banda realiza dos memorables conciertos, en el Town Hall de Birmingham y en el Royal Albert Hall de Londres, ambos a finales de 1969. 
Los resultados de ambos conciertos se derivan en unas excelentes críticas, las cuales precipitan que se publique en álbum. el show realizado en Londres. 
Este álbum en vivo titulado “Ginger Baker’s Air Force” fue publicado finalmente el 30 de marzo de 1970 para el mercado europeo y norteamericano. Debido a su duración fue confeccionado como un disco doble, el cual contenía ocho temas la mayoría de ellos de una duración que sobrepasaban los diez minutos
Este primer álbum supondría un trabajo extraordinario en donde las fusiones del jazz, el rhythm and blues, el folk, y los sonidos étnicos eran muy elocuentes.
El álbum pronto escalaría las posiciones en los charts británicos y norteamericanos y es que para una banda la cual solo había ofrecido dos actuaciones en vivo, colocar con su primer álbum los puestos 33 y 37 respectivamente era algo sin precedentes hasta esos momentos. 
Incluso la critica especializada, muy enemiga de las reuniones de los súper grupos, vieron con buenos ojos este insólito proyecto.
La impresionante formación de este primer álbum comprendía a Ginger Baker a la batería y percusiones, Denny Laine guitarrista y vocales, Ric Grech al bajo y violines, Steve Winwood al órgano, bajo y vocales, Graham Bond al órgano hammond y vientos,  Chris Wood a la flauta y vientos, Harold McNair a los vientos, Remi Kabaka y Phil Seamen a la percusiones, Bud Beadle vientos y a la vocalista Jeannette Jacobs.
Esta increíble formación lograba crear un clímax indescriptible debido en gran parte a la aportación de varias baterías y percusiones las cuales llegaban a transmitir un dialogo de enorme tensión y poderío.
Pero como era previsible y debido al ego y sobre todo al talento de sus integrantes, pronto empiezan a haber deserciones, por un lado el genio Steve Winwood abandona para reunificar a los míticos Traffic y con el se va Wood y Grech, por su parte Denny Laine es llamado por Paul McCartney para pasar a formar parte de su nueva banda Wings y más tarde y poco a poco seguirán el mismo camino el resto de la banda a excepción de  Bond y Beadle que continuaron junto a Baker.
Con nuevos refuerzos como el saxofonista Steve Gregory, el bajista Colin Gibson, el percusionista Neemoi Acquaye y las coristas Catherine James, Aliki Ashman y Diane Stewart el grupo parecía que empezaba una nueva etapa realizando una larguísima gira por los Estados Unidos, en un intento de emular las sensaciones de unos nuevos Blind Faith. 
Pero la enorme complejidad musical y el poco apoyo publicitario hicieron de ese tour un fracaso absoluto, con unas ventas de localidades muy escasas, precipitando que el proyecto colapsara justo en el momento en que el grupo ultimaba la grabación del segundo álbum,  Ginger Baker´s Air Force 2 (1970).
Esto aceleraría la total desaparición del grupo a finales de ese mismo año, no sin antes haber dejado impreso su pase por la faz musical mundial con pruebas magistrales de la calidad que atesoraba el grupo mientras duro.
Varios años después Baker formaría el grupo Baker Gurvitz Army, grabando tres meritorios álbumes mas enfocados hacia los terrenos del hard rock, por su parte el otro único superviviente original y gran protagonista de la banda Graham Bond en medio de una gran crisis financiera, sentimental y con las secuelas de su recuperación a la adicción a las drogas terminaría bajo las ruedas de un tren en la estación Finsbury Park de Londres el ocho de mayo de 1974

This is rock nº 94 (Abril 2012)

Ya esta a la venta el nuevo numero de la revista This is Rock, en la edicion de mes de abril podemos encontrar los siguientes articulos y entrevistas:
A punto de sacar su décimo quinto álbum al mercado Barricada nos ofrecen un sonido sorprendente, unas canciones frescas, y un ambiente de Barricada de la vieja escuela adaptado a los tiempos que corren.
El 19 de Marzo de 1982 una avioneta acabó con la vida del un joven increíble y brillante guitarrista Randy Rhoads. This Is Rock quiere rendir un sincero y merecido tributo a su figura acercándonos de la mano de Mick Wall a todos aquellos que lo conocieron.
Muchas palabras vienen a la cabeza cuando se intenta describir a Mike Portnoy, incluyendo determinado, motivado y endemoniado trabajador. Ahora se ha unido a dos nuevas bandas: Adrenaline Mob y Flying Colors.
Durante muchos años Nightwish han sido portadores del estandarte del metal sinfónico. Publicaron su primer álbum en 1997 y, desde entonces, han luchado constantemente por sobrepasar las fronteras del género. 
Del cerebro de Tony Banks han salido buena parte de los temas clásicos de Genesis y ha sido el principal responsable de cuidar de su legado, siendo el supervisor de las remezclas en 5.1 del catálogo de la mítica banda. No obstante, la fortuna no le ha sonreído precisamente en su carrera en solitario.
Glenn Hughes acaba de publicar "From Deep Purple To Black Country Communion". En exclusiva traemos este mes el capítulo referido una pieza básica para entender su música: Trapeze.
En 1972, el joven ficticio de ocho años Gerald Bostock fue presentado al mundo, y pronto causó sensación con 'Thick As A Brick'. Cuarenta años más tarde, Ian Anderson nos presenta 'Thick As A Brick 2'.
Tyketto publica 'Dig In Deep'. Su primer álbum de estudio en incluir a los cuatro miembros originales desde su debut con 'Don't Come Easy'. Nos reunimos con Danny y Brooke, para saber qué se pueden esperar los fans del nuevo disco.
No se puede decir que The Band fuese un grupo que arrastrase grandes multitudes, ni siquiera en su época de máximo apogeo. No lo fue en Estados Unidos, mucho menos en Europa, y todavía mucho menos en España. De hecho, para la mayoría de los pocos que los conocían, eran, simplemente, "el grupo que había grabado varios discos con Bob Dylan". 
Dikers han vuelto, con nueva formación, pero con el corazón de siempre palpitando ese rock melódico con bases poderosas y orquestaciones suntuosas.
Ademas en las secciones habituales de la revista:
The Essential Los Hijos de Genesis Remember Los Locos High Tech Dean Markley Backline Metal Fest & Metalcamp, A Liquid Landscape, The Jokers, SunStorm, Savage Messiah, Ian Parry, Hogjaw, Borknagar, Harley-Davidson Rockstore, Guitarrista Leproso, Agenda (Pag. 98). Novedades Iron Maiden, Bruce Springsteen, It Bites, Tyketto, Jack Blades, Axel Rudi Pell... On Stage Mötley Crüe, Alcest, Pain Of Salvation, Dream Theater... 

Van Halen- A different kind of truth

En medio de toda la polémica suscitada en torno a los conflictos entre Sammy Hagar, Michael Anthony y su ex-banda Van Halen, con continuos cruces de declaraciones (algunas de ellas con bastante mala leche) se publica por fin el tan ansiado nuevo álbum de los Van Halen originales con David Lee Roth.
Y claro en con todo este tinglado montado, el álbum casi ha pasado en un primer momento a un segundo plano o por lo menos en una de las noticias mas que llegan del seno de mundo Van Halen, y aunque no es que este sea el canto del cisne del grupo, es cierto que es bastante mas de lo que un servidor esperaba de ellos a estas alturas y más teniendo en cuenta que muchos esperábamos una nueva oportunidad para ver si esta reunión iba ir en serio o iba a ser otro fiasco. De hecho, el que el hijo de Eddie, Wolfgang, se hiciese cargo del bajo en sustitución de Michael Anthony no presagiaba nada bueno en un principio. 
Pero una cosa si teníamos claro todos y es que ya habíamos asumido que aprovecharían material desechado para sus primeros álbumes (por eso también lo de no esperaria demasiados alardes compositivos, ya que al tratarse de descartes, se te queda la mosca detrás de la oreja) pero y e aquí que nos encontramos con un álbum que combina las cualidades de su mejor época con la experiencia que les han dado los 40 años de carretera.
Y es que aquí no nos vamos a encontrar los medio tiempos ni las baladas típicas de la era de Hagar, todo contrario, el enérgico y poderoso rock es el denominador común de todo el disco y en el encontramos desde los clásicos temas al más puro estilo Van Halen de su primer álbum, como She´s The Woman, Bullethead o China Town hasta refrescantes canciones como Me and your blues, Beats workin’o Tattoo.
En cuanto a la banda decir que David Lee Roth  esta en un estado vocal excelente, recordando sus mejores momentos con la chulería y el buen sentido de humor de antaño, Eddie sigue inconmensurable como no podía ser de otra manera, con ese virtuosismo y ese talento que Dios le ha dado para las seis cuerdas, y la sección rítmica funciona a la perfección con un Alex Van Halen pletórico de fuerza y destreza y un Wolfgang Van Halen que ha encajado en el grupo como un guante y su bajo suena como un poderoso complemento a la guitarra de su padre y conformando una base rítmica aplastante y con un sonido espectacular.
En definitiva un gran disco para muchos y un muy buen disco para otros tanto y a buen seguro que nadie quedara desilusionado con este resurgir de una de las más grandes formaciones de la historia del Hard Rock.

This Is Rock nº 93 (Marzo 2012)

Ya esta a la venta en nuevo numero de la prestigiosa revista This is Rock, este mes los contenidos son los siguientes articulos:


Scorpions:  Llegará el día en que no haya más canciones, ni álbumes ni giras, , no más 'Rock You Like a Hurricane' ni 'No One Like You'... Pero de mientras...
Yes: Al hablar de los grandes estilistas del bajo ingleses como Jack Bruce, Paul McCartney o John Entwistle hay que incluir a Chris Squire. 
Bruce Springsteen: Dos historias, dos discos... Charles R. Cross, autor de libros como "Backstreets: Springsteen, The Man And His Music" y fundador de la revista Backstreets se adentra en la génesis de 'Born To Run'. Por su parte Gabriel Abril se sitúa unos años después, cuando el Boss sorprendería a propios y extraños con una controvertida colección de canciones acústicas interpretadas en el salón de su casa y grabadas con un cuatro pistas de cassette. 'Nebraska' sería su primera incursión en el mundo del folk y el country más puro, terrenos que luego transitaría con frecuencia.
Amalgama: La formación liderada por los hermanos Tomás (voz) y Gabriel Marín (batería) nos presenta 'Estigia'. Un álbum que muestra la solidez de esta banda tras quince años de andadura.
Eddie Van Halen: cambió las herramientas, técnicas y tonos que iban a ser los andamiajes sobre los que la guitarra moderna iba a construirse. Consideradas por separado, las piezas que constituían ese sonido fueron considerablemente importantes; grabados, esculpidos en álbum y conciertos, la leyenda está congelada para siempre.
Motley Crue: Mick Mars nos habla sobre los conciertos de Las Vegas, así como algunos de los grandes momentos del pasado de Mötley y cómo él lidió con toda esa locura. También de un posible álbum de blues y de si la película sobre "The Dirt", el libro autobiográfico de la banda, verá la luz algún día.
Humble Pie: El día de año nuevo de 1969, Jerry, de sólo 16 años, es arrancado de una relativa oscuridad para unirse al supergrupo Humble Pie. En este exclusivo extracto de su autobiografía, el batería de Humble Pie, Jerry Shirley, recuerda la grabación del 'Rockin' The Fillmore', codearse con la crema del rock de los 70 y a Héctor, el perro gay...
Silver Bullet Band: Bob Seger es uno de los músicos más queridos de América. Sus canciones han quedado grabadas en la vida de la gente y quedarán en sus corazones para siempre. Seger no lo ha hecho solo, siempre ha estado rodeado de músicos con mucha clase que han entendido su visión musical. Uno de ellos es el saxofonista Alto Reed.
UFO: Verdaderos iconos del heavy rock. Phil Mogg, Andy Parker, Pete Way y Paul Raymond son lo más inglés que se puede tener. Acaban de publicar 'Seven Deadly', y el muy afable y agradable y Mr Raymond fue nuestro interlocutor.
The Doors "Especial L.A. Woman":  Pocas bandas en la historia del rock han estado tan vinculadas a la personalidad y el magnetismo de su líder y cantante como lo estuvieron The Doors. Como la gran estrella que fue, Morrison dejó este mundo con un resplandor fulgurante e intenso. Nos dejó tras haber grabado con su banda uno de los mejores discos de su catálogo: 'L.A. Woman'.
Jeff Scott Soto: es uno de los nombres predilectos dentro del rock melódico. Nuestro protagonista alcanzó la fama con Yngwie Malmsteen y Talisman, entre otras muchas aventuras discográficas, incluyendo una temporada como vocalista en Journey. Con su nuevo trabajo en solitario, 'Damage Control' , promete hacernos entrega de exactamente eso, rock melódico.
Ademas de las secciones habituales de la revista este mes nos trae interesantes contenidos:
True Rock Press Keith Moon The Essential Elton John Remember Marta Mendez High Tech Fender Backline Hellfest, Freedom Hawk, Continuo Renacer, Evergrey, Kotebel, Primal Fear, Rockstore, Guitarrista Leproso, Agenda (Pag. 98). Novedades Pink Floyd, Crippled Black Phoenix, RAM, Van Halen, Soft Machine, Blessed By A Broken Heart ... On Stage Machine Head 


www.thisisrock.net

Steve Hogarth & Richard Barbieri-Not the Weapon but the Hand (2012)

“Not the Weapon but the Hand” sera el nombre del primer álbum del proyecto formado por el vocalista de Marillion, Steve Hogarth y el teclista de Porcupine Tree, Richard Barbieri. El álbum saldrá oficialmente a la venta el 27 de Febrero bajo la distribución de la discográfica KScope (una de las mas vanguardistas a la hora de publicar material del rock progresivo actual). De cualquier manera y a través de la página oficial de Marillion, ya es posible hacer un pre-pedido del álbum desde hace varios días. (Los primeros 1000 seran autografiados)
Barbieri y Hogarth empezarían su relación profesional hace algún tempo cuando coincidieron en algunos conciertos de ambas bandas, por aquella época Hogarth propuso a Barbieri formar parte de su propia banda, Mas tarde seria el propio Barbieri quien propuso iniciar un proyecto al unísono que tardaría algunos años en formalizarse debido a la apretada agenda de ambas bandas. Por fin el año pasado Barbieri mandó unas maquetas a Hogarth, quien le agregó la voz para finalmente ultimar detalles y tener prácticamente conformado este álbum debut, el cual en una primeras escuchas resulta muy interesante.

Def Leppard-Adrenalize (1992)

Cuando Def Leppard publicó "Adrenalize" en 1992, parte de la prensa los acusó de continuistas por considerar que utilizaban fórmulas idénticas al anterior "Hysteria".
Sin embargo, este no era el único hándicap con el que se encontraría la banda, en ese momento el grunge y el rock alternativo arrasaban con los gustos musicales, en detrimento de las bandas que años antes se habían adueñado de las listas y las preferencias del público.
Aún así, "Adrenalize" subiría al número uno tanto en el Reino Unido como en los Estados Unidos, obteniendo 15 discos de platino en ventas globales.
Musicalmente, el álbum ciertamente presenta un sonido muy en la línea del álbum anterior con canciones enérgicas como "Let's Get Rocked", "Make Love Like a Man" o baladas dulces como "Have You Ever Needed Someone So Bad" o "Tonight ", y medios tiempo de mucho impacto como  "Stand Up (Kick Love Into Motion)".

Van Der Graaf Generator

Este mitico grupo británico vivió una breve pero intensa historia que daría lo mejor de sí entre 1969 y 1972, precisamente la mejor época del rock progresivo.
Considerada una de las bandas de este genero más destacadas de la era de los 70 y liderada por el incomparable e intenso compositor, vocalista, pianista y guitarrista, Peter Hammill, la agrupación supo crear un sutil rock sinfónico, en donde son características fundamentales las inflexiones y giros vocales, las letras existencialistas y las complejas composiciones instrumentales. Además, Peter Hammill tiene una brillante carrera como solista, que hasta nuestros días lo mantiene en constante actividad, convirtiéndose en una de las figuras de culto esenciales de la vanguardia de todos los tiempos. 
Todo empezaría a mediados de 1967 en la ciudad de Manchester, cuando Chris Judge-Smith, se uniría a Peter Hammill y al teclista Nick Peame, para formar una banda  la cual bautizaron con el nombre de Van Der Graaf Generator en honor a un físico nuclear norteamericano. De este primer núcleo saldría la primera formación oficial del grupo que además de los mencionados comprendían también a Hugh Banton al órgano, Guy Randolph Evans a la batería y Keith Ian Ellis al bajo.
En 1968 publican su primer elepé, The Aerosol Grey Machine (1969), un excéntrico trabajo que en un principio  fue concebido como álbum solista de Peter Hammill, y que pasa totalmente desapercibido por la critica y él publico en general.
Seria justo después de este álbum cuando Tony Stratton Smith, un afamado periodista musical que acababa de crear el sello Charisma, se interesa por el grupo y les contrata y así al año siguiente, con el reemplazo de Ellis por Nic Potter y la incorporación del saxofonista David Jackson, editan su segundo álbum, The Least We Can Do Is Wave To Each Other,  (1969) un trabajo sobrecogedor y sorprendente, aquí el grupo ya muestra una faceta barroca con unos textos excelentes de Hammill que hablan desde lo místico hasta lo cotidiano, pasando por la religión, la astrología...etc.
El grupo mostraba tambien aquí su lado gótico y atmosférico, en el que recreaban su propia versión del Apocalípsis con referencias cruzadas al ocultismo y a la ciencia atómica nuclear, aparte de incluir el gran tema ‘Refugees’. 
La música en si era intensa y furiosa por momentos, en donde dan cabida al jazz, a la psicodelia y al rhythm blues, el órgano electrónico de Benton, el sonido punzante del saxo de Jackson, el frenético ritmo de Evans y la inigualable voz de Hammill crean un impacto sonoro impresionante y arrollador.
Temas como la opresiva Darkness, la melódica Refugees o la sutil Out fo my book conforman un álbum que quedara como una obra maestra del rock progresivo.
El álbum consigue una grandes criticas tanto de publico como de la prensa especializada y logra entrar él los charts británicos alcanzando muy buenas ventas. 
Un año después aparece otro de sus grandes discos,H To He Who Am The Only One, (1970), en donde continúan por la senda del anterior y donde confirman su sonido característico, en donde sobresale el sonido envolvente del órgano Hammond que involucra a la música en un estado mucho mas sepulcral y violenta, y en medio del tinglado electrónico aparece la guitarra de Robert Fripp, invitado de lujo en este álbum.
La siniestra Killer, la complejísima The Emperor in His War-Room o la melódica House with no Door, vuelven a poner al grupo entre la vanguardia del rock sinfonico de esa época.
Después de este ultimo álbum el bajista Nic Potter abandona el grupo y lejos de ser remplazado por un nuevo músico, el cometido de su instrumento fue sustituido por los pedales del órgano de Banton
Con la partida de Potter, la banda publica en 1971 un sofisticado álbum titulado Pawn Hearts, quizás la obra más ambiciosa del grupo, en la cual también contarían con la colaboración de Robert Fripp a las guitarras.
El grupo experimentaría aquí el modelo de Foxtrot de Genesis con una larguísima suite de 22 minutos titulada A Plague of lighthouse keepers, secundada por las baladas Lemmings y Man erg, dos ejercicios deslumbrantes de art-rock
Pero a partir de aquí la banda empieza a encontrar una serie de dificultades, entre ellas las del propio Hammill que desea un mayor protagonismo en solitario. 
Tanto es así que Hammill disuelve la agrupación y comienza su carrera como solista, editando una serie de reconocidos trabajos como Fool’s Mate,1971,  (nuevamente con la participación de Robert Fripp), Chameleon In The Shadow Of The Night (1973) y The Silent Corner And The Empty Stage, (1974) este ultimo junto a Randy California, entre otros. 
Pero mientras Hammill explotaba su imaginación lírica en sus trabajos en solitario el resto del grupo no se esta quieto y forman una banda a la que denominan Long Hello y con la cual publicarían un disco homónimo en 1974 bajo el sello Charisma sin ninguna repercusión comercial.
Un año después Hammill reforma la banda con la misma formación (Banton, Evans, Jackson), volviendo con el excelente disco Godbluff (1975). Un trabajo más terrenal, lejos de las grandilocuencias suites de antaño y las sepulcrales atmosferas del inicio.
Este nuevo trabajo seria un notable regreso, Hammill más en el frente que nunca, el saxo y el órgano tomando un rol protagónico e incluso en pequeños detalles como el de la recreación del potente riff de ‘Killer’ en el tema ‘Arrow’. 
Aun así el propio Hammill no renuncia a la idea de seguir una carrera en paralelo y publica los álbumes In Camera (1974) y Nadir´s big Chance (1975), un pletórico ejercicio sonoro electrónico en donde se inventa el personaje de Rikki Nadir, un personaje clave a la inspiración del movimiento punk que llegaría mas tarde.
Un año después llegarían los álbumes de Van Der Graaf; Still Life, con una temática muy similar al anterior y World Record en el cual Peter Hammill expande sus horizontes instrumentales dando más espacio a su guitarra eléctrica (A la que dedica una pieza completa llamada “Meurglys III”) y por vez primera a los sintetizadores. La experimentación resulta exitosa y permite al grupo no repetirse emulando los dos anteriores trabajos Godbluff y Still Life. Esto le da una personalidad propia a World Record. Además, este sería el último disco en el que participaría el saxofonista David Jacksony el organista Hugh Banton, por lo que el grupo acortaría su nombre simplmente a “Van Der Graaf” y cambiaría nuevamente de formato. 
En cualquier caso son trabajos en los que exhibían un sonido más apretado y poderoso, y poco después se integra el violinista Graham Smith. Con el sonido de los vientos reemplazado por el violín y sólo bajo el nombre de Van Der Graaf, editan el disco The Quiet Zone/The Pleasure Dome en 1977 y al año siguiente el trabajo doble en directo, Vital, que fue su despedida, no precisamente notable por su calidad de grabación para lo que Van Der Graaf había hecho en años anteriores. 
Ya empezada la nueva decada de los ochenta llegarian varios álbumes mas Rock Heavies (1980) y Now & Then aparecido en 1986.
La carrera de Peter Hammill en cambio seguía sin ningún problema publicando interesantes trabajos y convirtiéndose de paso en una figura de culto para los seguidores del rock progresivo.
Trabajos como Over (1977), The Future Now (1978), PH7 (1979), o Black Box (1980) eran caldo de cultivo para sus experimentaciones mas variadas, desde el rock convencional hasta casi un estilo minimalista, publicando en adelante numerosos trabajos todos ellos muy apreciados.
Volviendo al grupo, ya en los ‘90 se reuniron para algunas grabaciones en vivo, además de editarse variadas recopilaciones, entre las que destaca Maida Vale de 1994, un recopilatorio  de sus registros para la BBC entre el ‘71 y el ’76, donde todavía asombra la capacidad de la banda para tocar complejas piezas como ‘Darkness’ y ‘Man-Erg’. En 1993 aparece “I Prophesy Disaster”, otra compilación que incluía el bonus tracks de un impresionante tema llamado ‘W’, claro ejemplo de una época intensamente bizarra.
Ya en el año 2005 el grupo vuelve a reunir la formación original para publicar el álbum Present, y después de este el grupo ya conformado como trío, sin Jackson han publicado los trabajos Trisector (2008) y A Grounding in Numbers (2011)
En definitiva Van Der Graaf Generator fue una de las pocas puntas de lanza del art rock británico en alcanzar reconocimiento, más que status de culto, en Estados Unidos. La banda esculpió sólidos cimientos de un sonido gótico gracias al sonido, del organo Hammond, de iglesia que desprendía el teclado de Hugh Banton, una vibra virtuosa en la compleja batería de Guy Evans y la lírica flagelante e intensamente existencialista de Peter Hammil. De hecho las oscuras y quejumbrosas visiones de este último fueron reconocidas por un personaje del punk rock de fines de los ‘70, el mismísimo Johnny Rotten de los Sex Pistols. 

David Lanz & Paul Speer-Natural States (1985)

David Lanz y Paul Speer publicaron en 1985 uno de los mejores trabajos del género "new age", considerado un clásico de este estilo, y  que se convirtió en uno de los mayores éxitos del sello Narada.
Anteriormente, David Lanz había logrado un gran éxito con "Cristofori´s Dream" y con sus álbumes "Heartsounds" y "Nightfalls".
Este virtuoso pianista se uniría al guitarrista y productor Paul Speer a mediados de los ochenta y juntos empezaron a explorar otros sonidos más electrónicos.
Así nació "Natural States" que gracias a una fantástica base melódica de teclados electrónicos y piano junto a los hipnóticos sonidos de las guitarras eléctricas conforman un disco inolvidable.
Momentos como el delicioso "Behind the Waterfall", una melodía que se ha emitido miles de veces y que ha sido la melodía de programas de televisión, el enérgico "Miranova", el melancólico "Faces of the Forest", el atmosférico "Allegro 985" o el etéreo "First Light", culminan una de las obras maestras del género y uno de los mejores discos del siglo XX.