lunes, 10 de septiembre de 2012

Moon Martin-The Very Best of Moon Martin (1999)

John David Martín (mas conocido como Moon Martin), es uno de los artistas mas curiosos de la new wave, comenzó tocando en varias bandas locales de Oklahoma a finales de los 60 para posteriormente trasladarse a los Ángeles y formar una banda llamada Southwind con los que publicaría tres álbumes de escasa repercusión.
Sin embargo su faceta de compositor y músico de sesión para artistas como Linda Ronstadt o Gram Parsons entre otros, le abrió el camino para proyectar su carrera en solitario.
Ya en 1978 publicaba su primer álbum "Shots from cold nightmare", trabajo en el cual destacaban varias canciones como "Nights thoughts", "Victims of romance", "Cadillac walk", (que se hiciera famosa al ser grabada posteriormente por Willie DeVille), y sobre todo "Bad case of loving you", (publicada por Robert Palmer un año después, y que supuso gran éxito comercial).
A partir de aquí algunas de sus canciones fueron incluidas en los trabajos de diversos artistas y Moon Martín se consolidó como solista. El nuevo álbum "Escape from domination" (79) y los singles "Rolene" y "No chance" son sus piezas claves, entrando en los 80 con el LP "Street Fever", que le otorgó el ser uno de los mejores artistas en la siguiente década. En 1979 Moon formó su propio grupo, The Ravens, con Jude Cole (guitarra), Dennis Croy (bajo) y Rick Croy. En 1982 publicó su cuarto álbum para Capitol Records, "Mystery Ticket", al que le siguió en 1984 "Mixed emotions", para a partir de aquí Martín desvincularse de su carrera en solitario y dedicarse a la composición para otros músicos, aunque con algún que otro disco publicado en las décadas siguientes sin apenas repercusión comercial
Temas como "Bad case of loving you" justifica de sobra el por qué este hombre paso a la historia del pop-rock. Tiene todos los ingredientes de las grandes canciones, calor, ritmo, desespero, estribillo pegadizo y unos riff de guitarra inolvidables.

miércoles, 8 de agosto de 2012

Detective-Detective (1977)

A mediados de la década de 1970, Led Zeppelin creó su propio sello discográfico llamado Swang Song, con el que la banda pretendía tener un control casi total de todo su material para ser publicado y alejarse de las presiones de la discográfica Atlantic.
Pero además del trabajo de Led Zeppelin también comenzaron a publicar álbumes de otros artistas relacionados con la banda como Bad Company o Detective.
Detective fue una banda que se formó en 1975 en Los Ángeles, y entre sus componentes se destacaban el ex guitarrista de Yes Tony Kaye y el teclista de Steppenwolf Michael MonarchI, y pronto son patrocinados por Jimmy Page y en 1977 publican su primer disco, titulado homónimamente "Detective".
Este primer disco está cargado de buen hard rock con influencias de Led Zeppelin, cuatro de sus temas son producidos por el mismo Page bajo el seudónimo de Jimmy Robinson.
Con un repertorio en donde hay grandes momentos de hard rock con toques de funk "Recognition" o "Got Enough Love" esta ultima con un toque enorme de Bad Company, las zeppelianas "Grim Reaper", y "One More Heartache" y el progresivo "Ain't None Of Your Business", donde Kaye hizo claros guiños a su antigua banda.

martes, 31 de julio de 2012

Electronic Rock

El principal evento que revolucionaría la música rock hasta sus fibras más profundas de su naturaleza fue la llegada de los instrumentos electrónicos. En 1966 el inventor estadounidense Robert Moog, empezó a comercializar su sintetizador, una nueva clase de instrumento, el primero que tocaría más que una "voz" y aún imitaría las sonidos de todos los otros instrumentos. La vanguardia estaba lista para apropiarse de la idea. Morton Subotnick, por ejemplo, publicó una improvisación libre en un sintetizador, “Silver Apples of the Moon” (1967), que era simplemente el equivalente en la música clásica del acid-rock.
Hasta entonces, la música electrónica había sido un lujo que muy pocos músicos populares podrían acceder. La mayoría de los sintetizadores eran propiedad de centros de música clásica o de grandes estudios de grabación.
A pesar de las dificultades prácticas, unos cuantos compositores visionarios introdujeron arreglos electrónicos en la música popular, siguiendo el éxito de “Good Vibrations” de los Beach Boys (1966). Jean Jacques Perrey y Gershon Kingsley virtualmente inventaron el pop electrónico con la ingenua "sonosíntesis electrónica" de “The In Sound From Way Out” (1966).
El compositor canadiense Mort Garson grabó “Zodiac Cosmic Sounds” (1967), una suite acompañado por Paul Beaver en los teclados electrónicos, “The Wozard of Iz” (1969), una parodia electrónica del clásico infantil (con Bernie Krause en los "sonidos ambientales"), “Lucifer” (United Artists, 1971), una exotérica ópera & misa con sus observaciones de mezcolanza de sonidos electrónicos, y “Music for Sensuous Lovers” (1971), en la cual sobresale el sintetizador Moog y algunos gemidos humanos.
Ron Geesin, un británico investigador de sonidos eclécticos quien había experimentado con el collage en “A Raise Of Eyebrows” (1967), mezcló la psicodélia y el dadaísmo en “The Body” (1970) y particularmente en “Electrosound” (1972), el cual expandió la música cósmica y precedió a la música industrial.
El hombre que tiene el crédito de haber convertido "música electrónica" en música comercial es Walter Carlos, su “Switched On Bach” (1968) fue el primer álbum electrónico en alcanzar las listas de éxitos, aunque el mejor fue “Sonic Seasonings” (1972), que precedió a la música ambiental unos cuantos años antes.
En 1968 muchas bandas de rock también experimentaron con el nuevo medio para realzar su caos creativo, con ejemplos muy notables como las bandas psicodélicas United States Of America en New York y Fifty Foot Hose en San Francisco.
Sin embargo Lothar & The Hand People fueron quizás la primer banda de rock en usar instrumentos electrónicos para más que simple relleno de fondo en sus álbumes “Presenting” (1968) y “Space Hymn” (1969).
La banda legendaria de culto Silver Apples fueron un dúo experimental de teclados y vocales electrónicos que precedieron a la new wave y al synth-pop en casi una década. La música en “Silver Apples” (1968) y “Contact” (1969) mezclaba psicodélia y el rock'n'roll mientras empacaban la neurosis urbana y la angustia existencial.
En Boston, el integrante de Beacon Street Union, Peter Ivers, aplicó "modulaciones" electrónicas a los arreglos ya de por sí salvajemente excéntricos de su album concepto-religioso “Knight Of The Blue Communion” (1969), un desfile surrealista de números de jazz, psicodélia, pop, música clásica y vodevil con una cantante de ópera por delante.
El primer músico en improvisar en vivo con un sintetizador fue probablemente Annette Peacock, ejecutando con el grupo de jazz de Paul Bley.
Dos veteranos de los instrumentos electrónicos formaron otro dúo influyente, simplemente llamado Beaver & Krause (3), cuyo “Ragnarok Electronic Funk” (1969) fue otro punto importante para la adopción de los instrumentos electrónicos. En “In A Wild Sanctuary” (1970) ellos intentaron una fusión de raga, música clásica, folk y psicodélia, y en “Gandharva” (1971), grabado en la catedral de San Francisco con la ayuda de Gerry Mulligan y Bud Schank, se expandieron todavía más hacia el jazz.
En 1970 Robert Moog lanzó el Minimoog, el primer sintetizador portátil. Ese evento hizo la música electrónica disponible a un grupo más amplio de músicos. Aunque era todavía muy caro, este juguete podría moverse de un escenario a otro, y por lo tanto integrarse en el ensamble del rock, de los primeros en ultilizarlos estaban la ya grandes bandas de rock progresivo como Yes, Emerson, Lake and Palmer, Genesis...etc.
David Borden formó en 1969 un trío electrónico que grabaría “Mother Mallard's Portable Masterpiece Company” (1973), armado con el sintetizador mini-Moog e inspirado por el minimalismo de Terry Riley y la improvisación del jazz.
En Suecia, Bo Hansson lanzó “Sagan Om Ringen” (1970), una colección de doce viñetas impresionistas que mezclaban el folk, música clásica, jazz y pop y que precedería al synth-pop y a la música new-age.
En Gran Bretaña, los pioneros de la música electrónica White Noise, el proyecto original del estadounidense David Vorhaus, preparó las canciones de cuna y etéreas y espaciales de “An Electric Storm” (1969).
También en 1969 aparece una banda llamada Rare Bird, que graban un album especialmente curioso y fundamental en la historia del rock progresivo con tintes electrónicos y psicodélicos, ya que en ella no aparece guitarrista alguno, su música se apoya en los sonidos del órgano, piano eléctrico, bajo y bateria, y de esa manera en este su primer album “Rare Bird” (1969), llaman mucho la atención de los aficionados y critica del momento, su mezcla de rock épico y atmosférico muy influenciados sin duda por el rock progresivo será la antesala de los que luego grupos como Camel o mas particularmente Emerson, Lake and Palmer llevaran a la cúspide, posteriormente el grupo redefinio su sonido a estilos mas diversos, “As Your Mind Flies By” (1970) donde incluyeron muchos mas amplios sonidos electrónicos de teclados adicionales a los ya conocidos de órgano y piano eléctrico, aunque el resultado también les salió de manera antológica.
Finalmente, los Tonto's Expanding Head Band grabaron “Zero Time” (1971), la primera colección de melodías pop originales enteramente tocadas en sintetizadores.
Por aquel tiempo, las bandas alemanas habían comenzado a cambiar el centro de gravedad hacia los teclados electrónicos y pronto procederían a reinventar la música rock.

jueves, 12 de julio de 2012

Jane

Jane es junto a otras bandas germanas como Guru Guru, Amon Duul II o Grobschnitt, que aún hoy en día siguen manteniendo vivo el genero krautrock de principio de los setenta, conservando aquel espíritu que revolucionaria la música vanguardista de la música rock.
Fundada en 1970 en la ciudad de Hannover, durante toda su carrera Jane ha tenido innumerables cambios de formación, hasta el punto que a mediados de los noventa se formaron tres bandas paralelas con diferentes miembros originales.
Jane practicaban un estilo que mantenía la síntesis del hard rock progresivo con pinceladas psicodélicas y espaciales muy cercanas a los primeros Pink Floyd. Sus orígenes están en la banda psicodélica Justice Of Peace, los cuales publicaron un sencillo de escaso éxito y en donde contaban con los futuros miembros de Jane, Peter Panka (voz), Klaus Hees (bajo) y Werner Nadolny (saxo).
Ya como Jane, la banda se reestructurarían, formando Panka a la batería y voz, Hess a la guitarra, Charly Maucher al bajo, Berndt Pulst a la voz y Nadolny a los teclados.
Esta primera formación lanzaría el primer álbum “Together” (1972), un disco cargado de un pesado sonido de blues rock con toneladas de órgano Hammond y unos ritmos hipnóticos que fue recibido calurosamente por la prensa germana y obtuvo una buena acogida por parte de los fans al rock progresivo.
Pero a partir de aquí empieza el continuo cambio de integrantes, algo que por otra parte nunca mermaría la calidad del grupo.
Después de varias nuevas incorporaciones se publica “Here We Are” (1973), en donde continuaban con la misma formula musical que el anterior, pero aplicando mas armonía y la introducción de diferentes elementos como los sintetizadores, como queda demostrado en el tema espacial y sombrío “Out In The Radio”. En “Jane III” (1974), la banda deriva su estilo hacia sonidos mas abrasadores de guitarra hard rock, una propuesta que seguía presente en el cuarto álbum “Lady”, en donde los sonidos mas duros se veían reflejados gracias a las incorporaciones de músicos como el guitarrista Matthias Jobs, quien algún tiempo mas tarde pasaría a engrosar la banda de heavy metal Scorpions.
En 1976 llegaría una de las obras cumbres de Jane con el álbum “Fire, Water, Earth & Air”, en donde aparecían las enormes suites progresivas “Air (Let The Sunshine In) + The End” y la que daba titulo álbum.
El enorme doble en directo “Live At Home”, publicado un año después, no hizo mas que confirmar el auge creativo de Jane, logrando abrirse camino en los mercados internacionales como Estados Unidos, Gran Bretaña o Japón con un tremendo éxito de ventas.
Con unas atmósferas conceptuales mas oscuras, llegaría el séptimo album “Between Heaven and Hell” (1977), que siguiendo los paradigmas del rock progresivo, volvía a triunfar dentro y fuera de las fronteras alemanas.
Llegados a este punto, Jane se habían convertido, pese a sus innumerables cambios de integrantes, (siempre alrededor de su fundador Peter Panka), en una de las bandas favoritas de los alemanas, suizos o austriacos, ganando también muchos adeptos en Inglaterra y otros países.
En una onda similar, en 1978 llegaría “Age Of Madness”, con el cual se embarcaron en una exitosa gira por toda Europa. Sin embargo los signos del agotamiento creativo llegarían en el siguiente “Sign No. 9”, el cual adolecía de los ambientes espaciosos creados por los teclados en favor de un dominio mas predominante y convencional de las guitarras, por lo cual fue menospreciado por los fans mas puristas y perdió el interés del publico en general.
Ya en la década de los 80 la banda afrontaba una nueva etapa mas enfocada hacia los sonidos cercanos a la new wave, el jazz, las experimentaciones tecnológicas y el rock mas previsible con los álbumes “Jane” (1980), “Germania” (1982), “Beautiful Lady” (1986) o “Genuine” (2002), este ultimo un intento fallido de recobrar los sonidos de antaño.
A partir de la década de los noventa la banda se divide en diferentes ramificaciones como Lady Jane con Peter Panka como líder, Mother Jane con Hess como hilo conductor o Pater Panka´s Jane, los cuales han seguido publicando discos y actuando regularmente por Europa con cierto éxito conservando el gran legado que el rock alemán dejaría para la historia de la música.

domingo, 20 de mayo de 2012

Canterbury Sound

La escuela británica del rock progresivo de Canterbury fue uno de los movimientos más significativos en la historia de la música rock, la cual nació a principios de los 60 cuando Hugh Hopper, Robert Wyatt, Kevin Ayers, Richard Sinclair y otros músicos formaron los Wilde Flowers. Wyatt, Ayers, Hopper y sus nuevos amigos Daevid Allen y Mike Ratledge formaron posteriormente Soft Machine, mientras que Sinclair y los demás formarían Caravan.
Soft Machine, se convertiría en una de las bandas más grandes de rock de todos los tiempos, empezó con álbumes tales como “Volume Two” (1969), que estaba inspirado por el rock psicodélico con un toque de estética dadaísta (es decir sinsentido), pero después de haber perdido a Allen y a Ayers, se reinventaron hacia una interpretación particular del jazz-rock de Miles Davis en “Three” (1970), su obra maestra y uno de los álbumes esenciales del jazz rock de los 70. Teclados minimalistas a lo Terry Riley y metales de jazz realzan tres de las cuatro sesiones (particularmente, “Facelift” de Hopper). La restante, “The Moon In June”, es el primer logro monumental de Wyatt, mezclando una melodía delicada, una atmósfera melancólica y una profunda humanidad. “The Moon In June”, permanecerá en el canon esencial de la música mucho después de que la música rock haya desaparecido. Una alineación vastamente revisada, altamente influenciada por los ensambles de jazz de Ian Carr y Keith Tippett, que en octubre de 1969 agregó una sección de metales de cuatro piezas con un notable trabajo de Elton Dean, continuaron el experimento en un tono frío, cerebral, austero, por ejemplo con la suite de cuatro movimientos “Virtually” del álbum “Fourth” (1971), o con el futurista disco “Six” (1972).
Los otros co-fundadores de la escuela de Canterbury, fueron Caravan, que practicaban una clase de jazz-rock más simple, ligera, melosa y pegajosa que la de Soft Machine. Su especialidad eran las fantasías melódicas que básicamente mejoraban las canciones de cuna tipo folk con ritmos de jazz y contrapuntos instrumentales intrincados: con ejemplos como “Can't Be Long Now”, del álbum “If I Could Do It All Over Again” (1969), o “Nine Feet Underground” (su obra maestra), que abarca medio álbum de “In The Land Of Grey And Pink” (1971), e incluso con temas como “Nothing At All” y “The Love In Your Eye”, del “Waterloo Lily” (1972).
Nucleus de Ian Carr, fueron uno de los grupos más hábiles en la época y protagonistas de la escena británica de jazz-rock por muchos años. La soñadora y romántica “Song For The Bearded Lady”, del álbum “We'll Talk About It Later” (1970), es una buena muestra de ello, el sonido "orquestal" y electrónico de “Torso”, que abarca la mitad de “Solar Plexus” (1971), la síntesis elegante, barroca de su álbum más impecable, “Belladonna” (1972), que se basaba en arreglos de metales y teclados, así como en ritmos que eran resbalosos y sólidos a la vez.
Keith Tippett, quien había ensamblado un formidable grupo de talentos, entregó trabajos tales como “Dedicated To You But You Weren't Listening” (1971) y el colosal “Septober Energy” (1971), ejecutado por la orquesta de 50 miembros, o “Centipede”, que era más apropiadamente jazz.
Dave Stewart y Steve Hillage empezaron otra dinastía dentro de la escuela de Canterbury cuando ellos formaron Egg, otra banda sobre expuesta que tocaba música sinsentido, temas como “La Symphony No.2”, del álbum “Egg” (1970), la fantasmagórica clásica-jazz-rock “Long Piece No.3” de su “The Polite Force” (1971), y las últimas sesiones en “The Civil Surface” (1974), tales como “Germ Patrol” y “Enneagram”, empacaban suficientes ideas para que dos generaciones de músicos exploraran otros campos aún desconocidos.
Como hemos visto muchas de las obras maestras de Canterbury fueron grabadas a principios de los 70 por miembros originales de Soft Machine. Daevid Allen era uno de ellos y estaba solo vagamente relacionado a las principales direcciones estilísticas de la escuela: Allen era, antes que nada, un hippie/raro que mezclaba la estética paradójica de Frank Zappa y la cultura comunal de San Francisco. Fundo la banda Gong, con el guitarrista Steve Hillage, el saxofonista Didier Malherbe y el teclista Tim Blake, y preparó una versión "cósmica" del acid-rock. Sus obras maestras, las cuales incluyen por lo menos “Camembert Electrique” (1971), el grandioso “Flying Teapot” (1973) y “Angel's Egg” (1973), son collages demenciales de melodías infantiles, trompetas de circo, ritmos de jazz, teclados galácticos, lamentos sensuales/celestiales, mantras sardónicos, electrónica burlona e himnos de caricatura. Todo el conjunto exuda una sensación de cacofonía estática. Esta es una psicodelia que alucina pero no está cataléptica. “Flying Teapot” (1973), en particular, permanece como uno de los vuelos más salvajes de la imaginación de la música rock.
Kevin Ayers se convirtió en un cantautor lunático proyectando la persona de un dandi exótico y decadente. “Joy Of A Toy” (1969), es una colección de tonadillas encantadoras, definió su mezcla indiferente de música de salón, canciones de cuna folklóricas, world-music y también música infantil. La melancolía existencial que de por sí poseía, le llevo a su trabajo álbum más excéntrico, “Shooting At The Moon” (1970), con el compositor y teclista de vanguardia David Bedford, el joven guitarrista adolescente Mike Oldfield y el saxofonista de jazz Lol Coxhill. Aquí Ayers encontró un equilibrio poco probable de sinsentido armónico y estribillos pegajosos, mientras que empapaba sus cuentos de hadas de surrealismo y expresionismo. La suite de 18 minutos dividida en cuatro partes “The Confessions of Doctor Dream” (1974) fue su trabajo más ambicioso y una completa pesadilla.

Robert Wyatt  expandió en las intuiciones de su “The Moon In June”, en su primer álbum como solista, “The End Of An Ear” (1970). El inventó un nuevo tipo de lenguaje, con inclinación tanto a la tradición (pop, soul, folk, jazz) como a la vanguardia (minimalismo, electrónica), tanto personal como público. La misma sesión de temas privados y públicos, pero con un énfasis en su persona pública (y comunista), caracteriza los dos álbumes de Matching Mole, “Matching Mole” (1972) y “Little Red Record” (1972), los cuales son claros ejemplos de música cerebral, de protesta que es de hecho conmovedora, además de establecerse entre las más intensas grabaciones de cualquier cuarteto de jazz-rock. Su vida privada hizo erupción en “Rock Bottom” (1974), una de las obras maestras supremas de la música rock, una auténtica transfiguración de tanto el rock como el jazz. Sus piezas abarcan la frontera imposible entre un himno religioso y las canciones de cuna infantiles. A lo largo de esa línea imaginaria, Wyatt esculpió una zanja profunda de torrente emocional, donde la felicidad, la tristeza, la fe y la resignación encontraron una unidad metafísica. La sorprendente originalidad de esa obra maestra, y su bien elaborado flujo de conciencia, nunca fueron alcanzados por lanzamientos posteriores de Wyatt. El último trabajo significante de su carrera fue “Animals Film” (1982). Wyatt preparó una de las músicas más conmovedoras de todos los tiempos y por lo menos una de las obras maestras del siglo. El fue bendecido por ser tanto un batería dotado, heredero de las tradiciones del rock progresivo y del jazz-rock, y un vocalista innovador único, con su llanto falsete, vagamente derivado de la forma de cantar sin palabras del jazz, mezclaba el soul, budismo y psicodelia.
“1984” (1973) por Hugh Hopper y Elton Dean de “Elton Dean” (1971) también figuraron entre los trabajos más originales y eruditos del rock progresivo de la Gran Bretaña. Sobre todo, los alumnos de Soft Machine constituían un buen trozo del canon del rock progresivo en la Gran Bretaña.
La escuela de Canterbury continuaron produciendo bandas, talentos y obras maestras a través de mediados de los 70. Richard Sinclair y Dave Stewart unieron fuerzas y formaron Hatfield & The North, cuyo primer álbum, “Hatfield And The North” (1974), fue un apéndice competente a Caravan. Entonces Dave Stewart y Alan Gowen formaron una banda más orientadas a los teclados, los National Health, que no tuvieron reparos en jugar con las disonancias, electrónica y el jazz-rock orquestal de Frank Zappa en los cuatro largos temas que componían su album “National Health” (1978) y en su obra maestra “Of Queues And Cures” (1978).
Cuando el niño prodigio Mike Oldfield grabó “Tubular Bells” (1973), una suite de larga duración en un álbum de música instrumental, toda tocada por sí mismo y pegando las partes de docenas de instrumentos, redefinió lo que el rock progresivo era. De hecho, "rock progresivo" se convirtió en un término obsoleto para referirse a una música que cruzaba todas las fronteras estilísticas. Las aventuras subsecuentes de Oldfield en la suite, comenzando por “Hergest Ridge” (1974), nunca repitieron el milagro de su primer trabajo, a pesar del hecho de que “Ommadawn” (1975) e “Incantations” (1978) estaban construidas en cimientos más y más ambiciosos aparte de que Oldfield eventualmente le restaría valor al formato en favor de la canción soft-rock & pop, particularmente con “Moonlight Shadow” en 1982.

Sin embargo, la segunda generación de Canterbury estaba mejor representada por Henry Cow, fundadores del movimiento político y musical "Rock In Opposition". Con virtuosos tales como el guitarrista Fred Frith, el bajista John Greaves, el percusionista Chris Cutler, el teclista Tim Hodgkinson, y, más adelante, el tocador de oboe Lindsay Cooper, aumentaron el cociente de la inteligencia del rock progresivo. “Leg End” (1973), inspirado por el jazz-rock de Soft Machine y las suites orquestales de Frank Zappa pero también por el free-jazz y por la vanguardia disonante (“Nine Funerals Of The Citizen King”), fue simplemente el aperitivo para “Unrest” (1974) para sus sesiones/suites cerebrales, enrolladas, arduas pero también extravagantes, maravillosas y surrealistas. Los Henry Cow habían fundado un equilibrio mágico entre la composición y la improvisación. En su siguiente paso dieron buena muestra de ello con “Desperate Straights” (1974), el primer fruto de la fusión con el grupo multinacional Slapp Happy, con el teclista británico Anthony Moore, el vocalista alemán Dagmar Krause y el guitarrista estadounidense Peter Blegvad, del cual “Acnalbasac Noom” (1973) había sido un experimento intrigante de cabaret expresionista y música rock. Su segundo, y mejor, álbum en conjunto, “In Praise Of Learning” (1975), fue su testamento artístico: la rústica fusión de los primeros años había mutado en una forma de arte austera y erudita. Ese día fue explorada más adelante por Frith, Cutler y Krause como los Art Bears en sus cantos abstractos de “Hopes And Fears” (1978) y “Winter Songs” (1979).
Otros trabajos notables por músicos del sonido Canterbury incluyen al álbum “L” (1976) de Steve Hillage, quien tendería un puente entre la cultura hippy y la cultura rave en “System 7” (1991), y “New Jerusalem” de Tim Blake (1978).

domingo, 29 de abril de 2012

Spooky Tooth-The Mirror (1974)

Los orígenes de esta importante banda británica de blues rock con tintes progresivos se remontan finales de 1964, cuando una banda llamada The V.I.P.´s publicarían varios singles de escaso éxito y que derivarían en la antesala de los Spooky Tooth como fueron Art, grupo el cual publicaría el álbum “Supernatural Fairy Tales” (1967) 
Justo un año después el cantante Mike Harrison, el teclista y vocalista Gary Wright, el guitarra Luther Grosvenor, el bajista Greg Ridley y el batería Mike Kellie, forman oficialmente Spooky Tooth publicando el primer álbum titulado “It´s all about a Roundabout” (1968) que es comercializado por el sello Island. Este primer álbum las influencias psicodélicas del anterior grupo Art son bastantes evidentes, pero asomando tímidamente ese blues rock que mas tarde seria el signo de identidad del grupo, alternando versiones como temas propios, pero que pasaría con mas pena que gloria.
No ocurriría lo mismo con el segundo álbum, el magnífico “Spooky Two” (1969), que logró hacerse un hueco en listas inglesas y americanas, gracias en parte a temas como  "Evil Woman" o "Waitin’ For The Wind". Tras el álbum Greg Ridley abandonó el grupo para pasar a formar parte de Humble Pie. Con un nuevo bajista Andy Leigh, publican “Ceremony” (1970), el cual y debido al cambio hacia terrenos más electrónicos sufre un descalabro monumental y precipita la desbandada general de casi todos los miembros del grupo. A partir de aquí Luther Grosvenor se une a los Stealers Wheels y Gary Wright funda Wonderwheel. A mediados de ese mismo año el grupo se reforma con la incorporación de algunos integrantes de la Grease Band de Joe Cocker, como Chris Stantion, Henry McCulloch y Alan Spenner, pero que no supieron remontar la carrera del grupo con la grabación del álbum "The Last Puff” (1970). Este nuevo fracaso termina por la desaparición del grupo a finales de 1970. Pero tres años después resurge Spooky Tooth con un sonido mas hard rock, la vuelta del teclista Gary Wright y de Mike Harrison, junto a las incorporaciones de nuevos miembros como el cantante Mike Patto, el guitarrista Mick Jones, el batería Bryson Graham o el bajista Ian Herbert, parecen darle nuevos bríos al grupo.
Con esta formación se publica los álbumes  “You Broke My Heart So I Busted Your Jaw” (1973) y “Witness” (1973) con los cuales obtienen unas aceptables ventas y unas mejores criticas, deparando la mejor época del grupo. En “The Mirror” (1974) el grupo vuelve a reclutar a nuevo integrantes como el ex bajista de Van Der Graaf Generator, Keith Ellis, sin embargo pese a contener grandes momentos como "Kyle", "Fantasy Satisfier", "The Mirror" o "The Hoofer", no logran el éxito deseado. En 1974 la banda se separó definitivamente aunque ello no haya evitado las ya consabidas y puntuales reunificaciones con algunos de los miembros originales del grupo. Un año después la Island publicaría el recopilatorio “The Best of” (1976). Posteriormente algunos de los integrantes pasarían a formar parte de bandas como Foriegner (Mick Jones) o The Alvin Lee Band (Bryson Graham).

miércoles, 18 de abril de 2012

Ginger Baker´s Air Force


Una vez acabada la aventura de Blind Faith, a finales de 1969, Ginger Baker quiso reunir una nueva banda a la que llamo Air Force, en un intento de crear una escuela de rock.
Todo surgiría tras un concierto en el que se reunieron algunos de los mas renombrados músicos de la época, como Steve Winwood, Denny Laine, Graham Bond, Chris Wood, Ric Grech o Harold McNair, además del propio Baker.
De esta simple reunión ocasional surgiría algo mas que esa colaboración en vivo, ya que todos ellos saldrían encantados con la experiencia vivida, gracias a la gran sonoridad y al feeling que conseguirán aquel día.
Fue entonces cuando Ginger Baker pensó en dar forma a una especie de escuela del rock y mantuvo las riendas esa fenomenal alineación, cuyo único patrón era que en ella podría a entrar a formar parte quien quisiera sin compromiso alguno.
Estaba claro que lo que en un principio quería idear Baker era a semejanza de lo que hasta ese momento ya llevaba en practica John Mayall, con la diferencia de que el propio Baker jamás podría ejercer el liderazgo que aquel mantenía en sus constantes proyectos, debido en parte al poco carisma que poseía y a su agrio carácter.


Poco después la banda realiza dos memorables conciertos en el Town Hall de Birmingham y en el Royal Albert Hall de Londres, ambos a finales de 1969.
Los resultados de ambos conciertos se derivan en unas excelentes críticas, las cuales precipitan que se publique en álbum el show realizado en Londres.
Este álbum en vivo titulado “Ginger Baker’s Air Force” fue publicado finalmente el 30 de marzo de 1970 para el mercado europeo y norteamericano. Debido a su duración fue confeccionado como un disco doble, el cual contenía ocho temas, la mayoría de ellos de una duración que sobrepasaban los diez minutos
Este primer álbum supondría un trabajo extraordinario en donde las fusiones del jazz, el rhythm and blues, el folk, y los sonidos étnicos eran muy elocuentes.
El álbum pronto escalaría las posiciones en los charts británicos y norteamericanos y es que para una banda la cual solo había ofrecido dos actuaciones en vivo, colocar con su primer álbum los puestos 33 y 37 respectivamente era algo sin precedentes hasta esos momentos.
Incluso la critica especializada, muy enemiga de las reuniones de los súper grupos, vieron con buenos ojos este insólito proyecto.
La impresionante formación de este primer álbum comprendía a Ginger Baker a la batería y percusiones, Denny Laine guitarra y vocales, Ric Grech al bajo y violines, Steve Winwood al órgano, bajo y vocales, Graham Bond al órgano hammond y vientos, Chris Wood a la flauta y vientos, Harold McNair a los vientos, Remi Kabaka y Phil Seamen a la percusiones, Bud Beadle, vientos y la vocalista Jeannette Jacobs.
Esta increíble formación lograba crear un clímax indescriptible debido en gran parte a la aportación de varias baterías y percusiones las cuales llegaban a transmitir un dialogo de enorme tensión y poderío.
Pero como era previsible y debido al ego y sobre todo al talento de sus integrantes, pronto empiezan a haber deserciones, por un lado el genio Steve Winwood abandona para reunificar a los míticos Traffic y con el se va Wood y Grech, por su parte Denny Laine es llamado por Paul McCartney para pasar a formar parte de su nueva banda Wings y más tarde y poco a poco seguirán el mismo camino el resto de la banda a excepción de Bond y Beadle que continuaron junto a Baker.
Con nuevos refuerzos como el saxofonista Steve Gregory, el bajista Colin Gibson, el percusionista Neemoi Acquaye y las coristas Catherine James, Aliki Ashman y Diane Stewart el grupo parecía que empezaba una nueva etapa realizando una larguísima gira por los Estados Unidos, en un intento de emular las sensaciones de unos nuevos Blind Faith.
Pero la enorme complejidad musical y el poco apoyo publicitario, hicieron de ese tour un fracaso absoluto, con unas ventas de localidades muy escasas, precipitando que el proyecto colapsara justo en el momento en que el grupo ultimaba la grabación del segundo álbum, “Ginger Baker´s Air Force 2” (1970).
Esto aceleraría la total desaparición del grupo a finales de ese mismo año, no sin antes haber dejado impreso su pase por la faz musical mundial con pruebas magistrales de la calidad que atesoraba el grupo mientras duro.
Varios años después Baker formaría el grupo Baker Gurvitz Army, grabando tres meritorios álbumes mas, aunque estos enfocados hacia los terrenos del hard rock, por su parte el otro único superviviente original y gran protagonista de la banda, Graham Bond y en medio de una gran crisis financiera, sentimental y con las secuelas de su recuperación a la adicción a las drogas, terminaría bajo las ruedas de un tren en la estación Finsbury Park de Londres el ocho de mayo de 1974



viernes, 23 de marzo de 2012

This is rock

Ya esta a la venta el nuevo numero de la revista This is Rock, en la edicion de mes de abril podemos encontrar los siguientes articulos y entrevistas:
A punto de sacar su décimo quinto álbum al mercado Barricada nos ofrecen un sonido sorprendente, unas canciones frescas, y un ambiente de Barricada de la vieja escuela adaptado a los tiempos que corren.
El 19 de Marzo de 1982 un accidente de avioneta acabó con la vida del joven brillante guitarrista Randy Rhoads, This Is Rock quiere rendir un sincero y merecido tributo a su figura acercándonos de la mano de Mick Wall a todos aquellos que lo conocieron.
Muchas palabras vienen a la cabeza cuando se intenta describir a Mike Portnoy, incluyendo su determinados, motivados y endemoniados trabajos. Ahora se ha unido a dos nuevas bandas al unísono: Adrenaline Mob y Flying Colors.
Durante muchos años Nightwish han sido portadores del estandarte del metal sinfónico. Publicaron su primer álbum en 1997 y, desde entonces han luchado constantemente por sobrepasar las fronteras del género. 
Del cerebro de Tony Banks han salido buena parte de los temas clásicos de Genesis y ha sido el principal responsable de cuidar de su legado, siendo el supervisor de las remezclas en 5.1 del catálogo de la mítica banda. No obstante, la fortuna no le ha sonreído precisamente en su carrera en solitario.
Glenn Hughes acaba de publicar "From Deep Purple To Black Country Communion". En exclusiva traemos este mes el capítulo referido una pieza básica para entender su música: Trapeze.
En 1972, el joven ficticio de ocho años Gerald Bostock fue presentado al mundo, y pronto causó sensación con 'Thick As A Brick'. Cuarenta años más tarde, Ian Anderson nos presenta 'Thick As A Brick 2'.
Tyketto publica 'Dig In Deep'. Su primer álbum de estudio en incluir a los cuatro miembros originales desde su debut con 'Don't Come Easy'. Nos reunimos con Danny y Brooke, para saber qué se pueden esperar los fans del nuevo disco.
No se puede decir que The Band fuese un grupo que arrastrase grandes multitudes, ni siquiera en su época de máximo apogeo. No lo fue en Estados Unidos hasta pasado unos años cuando se convirtieron en una leyenda, pero mucho menos son conocidos en Europa, y todavía mucho menos en España. De hecho, para la mayoría de los pocos que los conocían, eran, simplemente, "el grupo que había grabado varios discos con Bob Dylan". 
Dikers han vuelto, con nueva formación, pero con el corazón de siempre palpitando ese rock melódico con bases poderosas y orquestaciones suntuosas.
Ademas en las secciones habituales de la revista:
The Essential; Los Hijos de Genesis, Remember Los Locos, High Tech Dean Markley Backline Metal Fest & Metalcamp, A Liquid Landscape, The Jokers, SunStorm, Savage Messiah, Ian Parry, Hogjaw, Borknagar, Harley-Davidson Rockstore, Guitarrista Leproso, Agenda (Pag. 98). Novedades Iron Maiden, Bruce Springsteen, It Bites, Tyketto, Jack Blades, Axel Rudi Pell... On Stage Mötley Crüe, Alcest, Pain Of Salvation, Dream Theater... 

martes, 6 de marzo de 2012

Van Halen- A Different Kind Of Truth (2012)


En medio de toda la polémica suscitada en torno a los conflictos entre Sammy Hagar, Michael Anthony y su ex-banda Van Halen, con continuos cruces de declaraciones, se publico el tan ansiado nuevo álbum de los Van Halen originales con David Lee Roth.
De hecho, el que el hijo de Eddie, Wolfgang, se hiciese cargo del bajo en sustitución de Michael Anthony no presagiaba nada bueno en un principio. 
Pero una cosa si teníamos claro y es que ya muchos fans asumían que aprovecharían material desechado de sus primeros álbumes, para confeccionar este nuevo trabajo.
Sin embargo aquí que nos encontramos con un álbum que combina las cualidades de su mejor época, con la experiencia adquirida tras 40 años de carretera.
Y es que aquí no nos vamos a encontrar los medios tiempos ni las baladas típicas de la era de Hagar, todo contrario, el enérgico y poderoso rock es el denominador común de todo el disco y en el encontramos desde los clásicos temas al más puro estilo Van Halen de su primer álbum, como "She´s The Woman", "Bullethead" o "China Town", hasta refrescantes canciones como "Me and your blues", "Beats workin’" o "Tattoo".

jueves, 1 de marzo de 2012

This Is Rock

Ya esta a la venta en nuevo numero de la prestigiosa revista This is Rock, este mes los contenidos son los siguientes articulos:
Scorpions:  Llegará el día en que no haya más canciones, ni álbumes ni giras, , no más 'Rock You Like a Hurricane' ni 'No One Like You'... Pero de mientras...
Yes: Al hablar de los grandes estilistas del bajo ingleses como Jack Bruce, Paul McCartney o John Entwistle hay que incluir a Chris Squire
Bruce Springsteen: Dos historias, dos discos... Charles R. Cross, autor de libros como "Backstreets: Springsteen, The Man And His Music" y fundador de la revista Backstreets se adentra en la génesis de 'Born To Run'. Por su parte Gabriel Abril se sitúa unos años después, cuando el Boss sorprendería a propios y extraños con una controvertida colección de canciones acústicas interpretadas en el salón de su casa y grabadas con un cuatro pistas de cassette. 'Nebraska' sería su primera incursión en el mundo del folk y el country más puro, terrenos que luego transitaría con frecuencia.
Amalgama: La formación liderada por los hermanos Tomás (voz) y Gabriel Marín (batería) nos presenta 'Estigia'. Un álbum que muestra la solidez de esta banda tras quince años de andadura.
Eddie Van Halen: cambió las herramientas, técnicas y tonos que iban a ser los andamiajes sobre los que la guitarra moderna iba a construirse. Consideradas por separado, las piezas que constituían ese sonido fueron considerablemente importantes; grabados, esculpidos en álbum y conciertos, la leyenda está congelada para siempre.
Motley Crue: Mick Mars nos habla sobre los conciertos de Las Vegas, así como algunos de los grandes momentos del pasado de Mötley y cómo él lidió con toda esa locura. También de un posible álbum de blues y de si la película sobre "The Dirt", el libro autobiográfico de la banda, verá la luz algún día.
Humble Pie: El día de año nuevo de 1969, Jerry, de sólo 16 años, es arrancado de una relativa oscuridad para unirse al supergrupo Humble Pie. En este exclusivo extracto de su autobiografía, el batería de Humble Pie, Jerry Shirley, recuerda la grabación del 'Rockin' The Fillmore', codearse con la crema del rock de los 70 y a Héctor, el perro gay...
Silver Bullet Band: Bob Seger es uno de los músicos más queridos de América. Sus canciones han quedado grabadas en la vida de la gente y quedarán en sus corazones para siempre. Seger no lo ha hecho solo, siempre ha estado rodeado de músicos con mucha clase que han entendido su visión musical. Uno de ellos es el saxofonista Alto Reed.
UFO: Verdaderos iconos del heavy rock. Phil Mogg, Andy Parker, Pete Way y Paul Raymond son lo más inglés que se puede tener. Acaban de publicar 'Seven Deadly', y el muy afable y agradable y Mr Raymond fue nuestro interlocutor.
The Doors "Especial L.A. Woman":  Pocas bandas en la historia del rock han estado tan vinculadas a la personalidad y el magnetismo de su líder y cantante como lo estuvieron The Doors. Como la gran estrella que fue, Morrison dejó este mundo con un resplandor fulgurante e intenso. Nos dejó tras haber grabado con su banda uno de los mejores discos de su catálogo: 'L.A. Woman'.
Jeff Scott Soto: es uno de los nombres predilectos dentro del rock melódico. Nuestro protagonista alcanzó la fama con Yngwie Malmsteen y Talisman, entre otras muchas aventuras discográficas, incluyendo una temporada como vocalista en Journey. Con su nuevo trabajo en solitario, 'Damage Control' , promete hacernos entrega de exactamente eso, rock melódico.
Ademas de las secciones habituales de la revista este mes nos trae interesantes contenidos:
True Rock Press Keith Moon The Essential Elton John Remember Marta Mendez High Tech Fender Backline Hellfest, Freedom Hawk, Continuo Renacer, Evergrey, Kotebel, Primal Fear, Rockstore, Guitarrista Leproso, Agenda (Pag. 98). Novedades Pink Floyd, Crippled Black Phoenix, RAM, Van Halen, Soft Machine, Blessed By A Broken Heart ... On Stage Machine Head 









sábado, 18 de febrero de 2012

Steve Hogarth & Richard Barbieri-Not the Weapon but the Hand (2012)

“Not The Weapon But The Hand" es el nombre del primer álbum del proyecto formado por el vocalista de Marillion, Steve Hogarth y el teclista de Porcupine Tree, Richard Barbieri. 
Barbieri y Hogarth empezarían su relación profesional a mediados del 2008, cuando coincidieron en algunos conciertos de ambas bandas. Por aquella época Hogarth propuso a Barbieri formar parte de su propia banda. Mas tarde seria el propio Barbieri quien le propuso iniciar un proyecto al unísono que tardaría algunos años en formalizarse debido a la apretada agenda de ambos músicos. Por fin el año 2011 Barbieri mandó unas maquetas a Hogarth, quien le agregó la voz para finalmente ultimar detalles y tener prácticamente conformado este álbum debut, el cual en una primeras escuchas resulta muy interesante.

lunes, 6 de febrero de 2012

Def Leppard-Adrenalize (1992)

Cuando Def Leppard lanzo "Adrenalize" en 1992, parte de la prensa los acusó de continuistas por considerar que utilizaban fórmulas idénticas al anterior "Hysteria".
Sin embargo, este no era el único hándicap con el que se encontraría la banda, en ese momento el grunge y el rock alternativo arrasaban con los gustos musicales, en detrimento de las bandas que años antes se habían adueñado de las listas y las preferencias del gran público.
Aún así, "Adrenalize" subiría al número uno tanto en el Reino Unido como en los Estados Unidos, obteniendo 15 discos de platino en ventas globales.
Musicalmente, el álbum ciertamente presenta un sonido muy en la línea del álbum anterior, con canciones enérgicas como "Let's Get Rocked", "Make Love Like a Man", baladas lacrimógenas como "Have You Ever Needed Someone So Bad" o "Tonight ", y medios tiempo de impacto como  "Stand Up (Kick Love Into Motion)".

viernes, 27 de enero de 2012

Van Der Graaf Generator


Este mitico grupo británico ha vivido una larga e intensa historia que daría lo mejor de sí entre 1969 y 1972, precisamente la mejor época del rock progresivo, pero que en los sucesivos 40 años ha seguido manteniendose como una de las mas longevas de la historia.
Considerada una de las bandas de este genero más destacadas de la era de los 70 y liderada por el incomparable e intenso compositor, vocalista, pianista y guitarrista, Peter Hammill, la agrupación supo crear un sutil rock sinfónico, en donde son características fundamentales las inflexiones y giros vocales, las letras existencialistas y las complejas composiciones instrumentales. Además, Peter Hammill tiene una brillante carrera como solista, que hasta nuestros días lo mantiene en constante actividad, convirtiéndose en una de las figuras de culto mas esenciales de la vanguardia de todos los tiempos.
Todo empezaría a mediados de 1967 en la ciudad de Manchester, cuando Chris Judge-Smith, se uniría a Peter Hammill y al teclista Nick Peame, para formar una banda  la cual bautizaron con el nombre de Van Der Graaf Generator, en honor a un físico nuclear norteamericano. De este primer núcleo saldría la primera formación oficial del grupo que además de los mencionados comprendían también a Hugh Banton al órgano, Guy Randolph Evans a la batería y Keith Ian Ellis al bajo.
En 1968 publican su primer elepé, “The Aerosol Grey Machine” (1969), un excéntrico trabajo que en un principio fue concebido como álbum solista de Peter Hammill, y que pasa totalmente desapercibido por la critica y él publico en general.
Seria justo después de este álbum cuando Tony Stratton Smith, un afamado periodista musical que acababa de crear el sello Charisma, se interesa por el grupo y les contrata y así al año siguiente, con el reemplazo de Ellis por Nic Potter y la incorporación del saxofonista David Jackson, editan su segundo álbum, “The Least We Can Do Is Wave To Each Other” (1969), un trabajo sobrecogedor y sorprendente, aquí el grupo ya muestra una faceta barroca con unos textos excelentes de Hammill, que hablan desde lo místico hasta lo cotidiano, pasando por la religión, la astrología...etc.
El grupo mostraba también aquí su lado gótico y atmosférico, en el que recreaban su propia versión del Apocalipsis, con referencias cruzadas al ocultismo y a la ciencia atómica nuclear, aparte de incluir el gran tema “Refugees”.
La música en si era intensa y furiosa por momentos, en donde dan cabida desde el jazz, hasta la psicodelia y al rhythm blues, el órgano electrónico de Benton, el sonido punzante del saxo de Jackson, el frenético ritmo de Evans y la inigualable voz de Hammill, crean un impacto sonoro impresionante y arrollador.
Temas como la opresiva “Darkness”, la melódica “Refugees” o la sutil “Out fo my book”, conforman un álbum que quedara como una obra maestra del rock progresivo.
Este lanzamiento consigue unas grandes criticas tanto de publico como de la prensa especializada y logra entrar én los charts británicos alcanzando muy buenas ventas.
Un año después aparece otro de sus grandes discos “H To He Who Am The Only One”, (1970), en donde continúan por la senda del anterior y confirman su sonido característico, sobresaliendo el sonido envolvente del órgano Hammond que involucra a la música en un estado mucho mas sepulcral y violenta, y en medio del tinglado electrónico aparece la guitarra de Robert Fripp, invitado de lujo en este álbum.
La siniestra “Killer”, la complejísima “The Emperor in His War-Room” o la melódica “House with no Door”, vuelven a poner al grupo entre la vanguardia del rock sinfónico de esa época.
Después de este ultimo álbum el bajista Nic Potter abandona el grupo y lejos de ser remplazado por un nuevo músico, el cometido de su instrumento fue sustituido por los pedales del órgano de Banton
Con la partida de Potter, la banda publica en 1971 un sofisticado álbum titulado “Pawn Hearts”, quizás la obra más ambiciosa del grupo, en la cual también contarían con la colaboración de Robert Fripp a las guitarras.
El grupo experimentaría aquí el modelo de “Foxtrot” de Genesis, con una larguísima suite de 22 minutos titulada “A Plague of lighthouse keepers”, secundada por las baladas “Lemmings” y “Man erg”, dos ejercicios deslumbrantes de art-rock
Pero a partir de aquí la banda empieza a encontrar una serie de dificultades, entre ellas las del propio Hammill, que desea un mayor protagonismo en solitario.
Tanto es así que Hammill disuelve la agrupación y comienza su carrera como solista, editando una serie de reconocidos trabajos como “Fool’s Mate” 1971, (nuevamente con la participación de Robert Fripp), “Chameleon In The Shadow Of The Night” (1973) y “The Silent Corner And The Empty Stage” (1974) este ultimo junto a Randy California, entre otros.
Pero mientras Hammill explotaba su imaginación lírica en sus trabajos en solitario el resto del grupo no se esta quieto y forman una banda a la que denominan Long Hello y con la cual publicarían un disco homónimo en 1974 bajo el sello Charisma sin ninguna repercusión comercial.
Un año después Hammill reforma la banda con la misma formación (Banton, Evans y Jackson), volviendo con el excelente disco “Godbluff” (1975). Un trabajo más terrenal, lejos de las grandilocuencias suites de antaño y las sepulcrales atmósferas del inicio.
Este nuevo album seria un notable regreso, con un Hammill más en el frente que nunca, el saxo y el órgano tomando un rol protagónico e incluso en pequeños detalles como el de la recreación del potente riff de “Killer” en el tema “Arrow”.
Aún así el propio Hammill no renuncia a la idea de seguir una carrera en paralelo y publica los álbumes “In Camera” (1974) y “Nadir´s big Chance” (1975), un pletórico ejercicio sonoro electrónico en donde se inventa el personaje de Rikki Nadir, un personaje clave a la inspiración del movimiento punk que llegaría mas tarde.
Un año después llegarían los álbumes de Van Der Graaf; “Still Life”, con una temática muy similar al anterior y “World Record”, en el cual Peter Hammill expande sus horizontes instrumentales dando más espacio a su guitarra eléctrica (a la que dedica una pieza completa llamada “Meurglys III”) y por vez primera a los sintetizadores. La experimentación resulta exitosa y permite al grupo no repetirse emulando los dos anteriores trabajos “Godbluff” y “Still Life”. Esto le da una personalidad propia a “World Record”. Además, este sería el último disco en el que participaría el saxofonista David Jackson y el organista Hugh Banton, por lo que el grupo acortaría su nombre simplemente a “Van Der Graaf” y cambiaría nuevamente de formato.
En cualquier caso son trabajos en los que exhibían un sonido más apretado y poderoso, y poco después se integra el violinista Graham Smith. Con el sonido de los vientos reemplazado por el violín y sólo bajo el nombre de Van Der Graaf, editan el disco “The Quiet Zone/The Pleasure Dome” en 1977 y al año siguiente el trabajo doble en directo, “Vital”, que fue su despedida, no precisamente notable por su calidad de grabación para lo que Van Der Graaf había hecho en años anteriores.
Ya empezada la nueva década de los ochenta llegarían varios álbumes mas; “Rock Heavies” (1980) y “Now & Then”, aparecido en 1986.
La carrera de Peter Hammill en cambio seguía sin ningún problema publicando interesantes trabajos y convirtiéndose de paso en una figura de culto para los seguidores del rock progresivo.
Trabajos como “Over” (1977), “The Future Now” (1978), “PH7” (1979), o “Black Box” (1980), eran caldo de cultivo para sus experimentaciones mas variadas, desde el rock convencional hasta casi un estilo minimalista, publicando en adelante numerosos trabajos todos ellos muy apreciados por los fans de alrededor del mundo.
Volviendo al grupo, ya en los ‘90 se reunieron para algunas grabaciones en vivo, además de editarse variadas recopilaciones, entre las que destaca “Maida Vale” de 1994, un recopilatorio de sus registros para la BBC entre el ‘71 y el ’76, donde todavía asombra la capacidad de la banda para tocar complejas piezas como “Darkness” y “Man-Erg”. En 1993 aparece “I Prophesy Disaster”, otra compilación que incluía el bonus tracks de un impresionante tema llamado ‘W’, claro ejemplo de una época intensamente bizarra.
Ya en el año 2005 el grupo vuelve a reunir la formación original para publicar el álbum “Present”, y después de este el grupo ya conformado como trío, sin Jackson han publicado los trabajos “Trisector” (2008) y “A Grounding in Numbers” (2011)
En definitiva Van Der Graaf Generator fue una de las pocas puntas de lanza del art rock británico en alcanzar reconocimiento, más que un status de culto, en Estados Unidos. La banda esculpió sólidos cimientos de un estilo gótico gracias al sonido del órgano Hammond de iglesia que desprendía el teclado de Hugh Banton, una vibra virtuosa en la compleja batería de Guy Evans y la lírica flagelante e intensamente existencialista de Peter Hammil. De hecho las oscuras y quejumbrosas visiones de este último fueron reconocidas por un personaje del punk rock de fines de los ‘70, como fue el mismísimo Johnny Rotten de los Sex Pistols.

viernes, 6 de enero de 2012

America

Consideradas una de las máximas expresiones de folk rok melódico y comercial, America fueron una banda digna sucesora de los míticos Crosby, Stills, Nash and Young, con sabias composiciones de corte acústico-eléctrico junto a un sobresaliente trabajo con sus irresistibles melodías vocales
Formados a finales de los 60 en el Reino Unido cuando dos estudiantes hijos de militares norteamericanos destinados en una de sus bases en Inglaterra, Dan Peek y Gerry Beckley, se unen al británico Denny Bunnell y forman un trío acústico de folk, bajo el nombre de America.
Ya a comienzos de la década de los 70 cosecharon mucha popularidad en Inglaterra y telonearon para artistas como Elton John entre otros igualmente importantes en la escena de la música rock de la época.
En 1972 y gracias a su representante Jeff Dexter consiguieron firmar con la Warner Bros y publican su primer álbum "America" (1972), un trabajo producido por Ian Samwell y el propio Dexter, que contenía los hits "A horse with no name" y "I need you", dos estupendos temas de gran repercusión comercial, en especial "A horse with no name", una canción muy similar al estilo de los mencionados CSNY, que lograría el numero 1 en las listas de éxitos de Estados Unidos y de medio mundo, puesto que también alcanzaría el Lp.
La continuación a su debut sería el excelente "Homecoming" (1973), otro triunfal disco que incluía cortes tan emblemáticos como "Ventura Highway", "Only in your heart" o "Don't cross the river".
"Hat Trick" (1973), su siguiente larga duración, supuso un serio traspiés en la trayectoria de America, ya que no funciono comercialmente ni tenia la creatividad de las anteriores obras. El sencillo "Muskrat Love", tampoco obtuvo las ventas de los singles predecesores. El grupo necesitaba un estimulo y ese se produjo con la llegada de George Martin, el ex productor de los Beatles, que comenzó su colaboración con el grupo con la publicación del siguiente álbum "Holiday" (1974), un Lp que los devolvió a los primeros puestos de las listas con grandes canciones como "Lonely people" o "Tin man".  
En el siguiente "Hearts" (1975), otro disco producido por Martin, incluían el sencillo "Sister golden Hair", una canción que los llevo de nuevo al numero uno en singles. Los trabajos en álbumes eran algo inferiores a sus dos primeros Lps, pero sin embargo, en sus singles como en el citado "Sister golden hair", continuaban manteniendo a America entre los grupos de mayor éxito en el soft-rock. En el disco también incluían los temas "Daisy Jane" o "Woman tonight", dos canciones que se incluirían en “History" (1975), un recopilatorio que recogía sus mejores composiciones y que lograría un gran éxito comercial.
George Martin como productor y Geoff Emerick como ingeniero también ayudaron a America en "Hideaway" (1976), un irregular disco que contenía temas como "Today's the day", "Lovelight Night" o "Amber Cascades" y el meritorio "Harbor" (1977), un trabajo que sería el preludio de la marcha de Peek, quien abandono a sus dos compañeros para dedicarse a interpretar canciones de corte espiritual.
Beckley y Bunnell continuarían grabando con el nombre de America publicando los álbumes "Silent Letter" (1979), un buen trabajo que no recuperaba el fervor comercial de sus tiempos pasados.
Llegados a este punto George Martin puso punto y final a su colaboración con el dúo. Su siguiente trabajo fue el intrascendente "Alibi" (1982), continuado por "View from the ground" (1983), un Lp producido por el famoso ex componente de Argent, Russ Ballard, que contenía el single "You can do magic", un tema escrito por el propio Ballard que los coloco entre los puestos mas vendidos de las listas americanas.  
En "Your move" (1983) y "Perspective" (1984), intentaron enfatizar sus acercamientos a los sintetizadores de la época, pero los resultados no fueron satisfactorios y supuso la ruptura de la pareja, que diez años después volverían a grabar un nuevo disco titulado "Hourglass" (1994), en el que recuperaban su ultimo gran éxito, "You can do Magic". Su ultimo Lp en estudio sería "Human Nature" (1998), un trabajo publicado junto a varios discos en directo que recogían diferentes actuaciones en vivo, en donde rememoraban los grandes temas de su mejor periodo creativo y comercial.