Ambrosia son sin duda una de las bandas mas exquisitas y refinadas que hayan existido jamás, sus fabulosas armonías vocales, sus melodías pegadizas, a la vez que complejas y arregladas y sus composiciones impactantes los colocaron en la cúspide de los sonidos del pop sinfónico de los setenta.
Ya en un anterior post se relata una pequeña biografía de esta sobria y exquisita banda, por lo que aquí solo vamos a centrarnos en su primer y antológico álbum debut.
Publicado en 1975 bajo el sello Warner Bros. y bajo la supervisión en las labores de producción de Alan Parsons, en esta primera entrega Ambrosía muestra un híbrido entre las complejidades instrumentales de bandas como Yes y las armonías vocales y melódicas de The Eagles.
Con un soberbio trabajo de guitarras y teclados, Ambrosia muestra en este debut una gran creatividad que navega entre el sincronismo mas arraigado y el pop mas adictivo.
La psicodélica y a la postre su tema mas emblemático "Nice, Nice, Very Nice", es la que inicia este álbum de manera extraordinaria, mientras la melódica "Time Waits For No One", pone el color folk con esos sonidos de las balalaikas y el sabor inconfundible de la década de los sesenta, la funk pop "Holdin´On To Yesterday" y la country acid rock "World Leave Me Alone", son el contrapunto a la bucólica "Make Us All Aware". De entre el resto de cortes destacan, la mas cercana a los sonidos blues "Mama Frog", con un ritmo bluesy y funk sobre unas estructuras jazzisticas y la deudora de los sonidos sureños "Drink Of Water", un himno pacifista y que se convierte en el mejor epilogo para cerrar este álbum.
Este seria el lanzamiento de Ambrosia mas creativo y progresivo, que poco a poco se iría derivando hacia sonidos mas comerciales e intensos pero de innegable calidad hasta 1982, año en el que lanzaron el quinto y ultimo álbum.
Y seria Stephen Stills quien primero moviera ficha creando una nueva banda llamada Manassas, para lo cual llamaría al ex Byrds y ex Flying Burrito Brothers, Chris Hillman, al también ex Flying Burrito Brothers, Al Perkins y algunos de los músicos que habían participado en las grabaciónes de “Deja Vu”, como el batería Dallas Taylor y el bajista Fuzzy Samuels.
Con la incorporación de varios integrantes mas, entre los que estaban Paul Harris, quien por entonces pertenecía a la banda de B.B.King como organista y al percusionista ex Pacific Gas and Electric, Joe Lala, además de las colaboraciones especiales de varios músicos invitados como el bajista de los Rolling Stones, Bill Wyman, el líder de Grateful Dead, Jerry Garcia a la pedal steel guitar y Malcolm Cecil en los teclados, entran en los estudios Criteria de Miami y graban el doble álbum “Manassas”, el primer trabajo de esta súper banda de country y rock.
Dividido en cuatro caras con diferentes subtítulos, este primer álbum titulado homónimamente fue uno de los grandes lanzamientos de la década y aún hoy en día sigue considerado un lanzamiento extraordinario.
En la cara A del primer disco, titulado “The Raven”, podemos disfrutar de una mezcla de rock con fusiones latinas y entre las que destacan “Song Of Love”, con el sonido inmenso de las guitarras de Stills y Perkins, la fascinante “Rock & Roll Crazies / Cuban Bluegrass”, la jam rock “Both of Us” o la meritoria “Anyway”. Los sonidos campestres y rurales aparecen en el segundo disco “The Wilderness”, en ella aparecen cortes que se mueven entre los sonidos del country y el bluegrass como “So Begins the Task”, “Fallen Eagle, “Colorado” o “Don´t Look at My Shadow”.
Para el tercer disco titulado “Consider” los sonidos son orientados al folk rock con destacados temas como “Johnny´s Garden”, “It´s Doesn´t Matter” o "The Love Gangster”.
Cerrando este doble álbum con el cuarto disco subtitulado “Rock & Roll Is Here”, que como su titulo deja entrever es un homenaje a los sonidos blues y rock que comienza con las deudoras a los sonidos de los mejores CSNY, “Waht to Do” y “Right Now”, la epopeya jam “The Treasure” y la blues acústica “Blue Man”, esta ultima dedicada a tres de los grandes rockeros que habían fallecido en los anteriores dos años, el guitarrista Jimi Hendrix, el cantante Al Wilson de los Canned Heat y el guitarrista de los Allman Brothers, Duane Allman, todo un soberbio colofón a un álbum tan grande y apoteósico como la carrera de todos los legendarios músicos que intervinieron en su elaboración.
Originarios de Columbus en Ohio, su orígenes se remontan a mediados de 1969 cuando el guitarrista Craig Fuller, el bajista Jim Lanham y el batería Tom McGrail fundan una banda a la cual denominan Pure Prairie League.
Después de conseguir un contrato con el sello RCA, reclutan al guitarrista John David Call y graban su álbum debut que fue lanzado a principios de 1972.
Ya en este primer lanzamiento aparece en la portada el icónico “Luke”, un personaje ficticio, obra del famoso ilustrador Norman Rockwell, el cual se convierte en el distintivo del grupo.
Pese al buen repertorio de country rock de este primer álbum, este pasa totalmente desapercibido, lo que anima a la banda a componer y grabar un segundo álbum “Bustin´Out”, que saldría publicado a finales del mismo año 1972.
Sin embargo para este segundo disco la banda había sufrido algunos cambios, quedando solo Fuller como miembro fundador, conformado el resto por el baterista William Frank Hinds y el guitarrista George Ed Powell, además de las colaboraciones del guitarrista de la banda de David Bowie, Mick Ronson, el teclista Michael Connor o el bajista James Rolleston entre otros músicos.
Este vez lograrían mejores resultados gracias a su single “Amie” que alcanzaría entrar en las listas y a un repertorio de grandes canciones.
En los sucesivos años la banda mantendría una privilegiada posición en el mundo del country rock norteamericano publicando una serie de álbumes interesantes como “Two Lane Highway” (1975), “If The Shoes Fits” (1976), “Just Fly” (1978) o “Firin ´Up” (1981), en este ultimo suavizaban su propuesta con un country rock mas comercial logrando su mejor posición en las listas de éxitos.
Un año después llegaría su ultimo trabajo “Something In The Night”, con el cual la banda se disolvería hasta el año 2005, cuando volverían a reunirse para publicar “All In Good Time...”, la ultima obra de esta banda norteamericana.
Durante todos estos años Pure Prairie League han dejado tras de si una serie de álbumes y canciones que son parte de la historia del country rock como “Amie”, “Two Lane Highway”, “That´ll Be Tha Day”, “I Can´t Stop The Feelin” o “Let Me Love You Tonight”, convirtiéndola en una de las indiscutibles bandas de culto norteamericanas.
Hasta la llegada de este disco, nadie había sonado como Led Zeppelin lo logran aquí, basado en unos simples riffs de guitarras, solos imborrables, unas voces frenéticas y gritonas y un ritmo de batería y bajo enérgico y explosivo.
Sin embargo, también levantaría cierta polémica al usar Jimmy Page, algunas partes de varias composiciones ajenas para armar pasajes de temas como el concepto básico utilizado en ”Danzed and Confused”, que tomaría prestado de Jake Holmes.
Las raíces blues son el denominador común de prácticamente todo el álbum, como la bluesy psicodélica “Danzed and Confused”, además de “You Shook Me” y “I Can´t Quit You Baby”, la folky blues “Babe i´m Gonna Leave You”, o las blues rock “How Many More Times” y “Good Times Bad Times”, mientras la cara poderosa de la banda esta presente en la hard rock “Communication Breakdown”, al mismo tiempo aparecen momentos mas idílicos como la reposada e hipnótica “Your Time Is Gonna Come”, o la folk instrumental “Black Mountain Side”. Considerado uno de los mejores 50 álbumes de la música rock, entre otras cuestiones por introducir nuevos conceptos, es al mismo tiempo uno de los discos mas vendidos de la historia, con unas ventas que superan con creces los 20 millones de copias a nivel mundial.
En esta nueva entrega la banda presentaba varias novedades con respeto a su anterior formación, para empezar su bajista fundador Glenn Cornick había sido sustituido por Jeffrey Hammond-Hammond, además se había ampliado con el teclista John Evan y por otro lado el arreglista David Palmer pasaba a pertenecer por derecho propio como miembro oficial de Jethro Tull después de varios trabajos como músico colaborador.
Estructurado a modo conceptual, “Aqualung" se divide en dos partes bien diferenciadas, una primera que trata la decadencia de la moralidad y el empobrecimiento de una parte de la población y una segunda en donde la religión y la hipocresía de la iglesia son dianas en el punto de mira de las sarcásticas letras de Ian Anderson.
Grabado en los reformados estudios de la Island en Londres, los cuales se habían dotado de la mas alta tecnología punta de la época, fue producido por el propio Ian Anderson junto a Terry Ellis.
Musicalmente se alternan los temas eléctricos con los acústicos, con un acercamiento en las primeras hacia los temas duros del hard rock progresivo como “Hymn 43”, “Cross-Eyed Mary”, “Locomotive Breath”, “My God”, “Wind Up” y el homónimo “Aqualung”, mientras la faceta folk esta presente en los cortes “Mother Goose”, “Cheap Day Return”, “Wond´ring Aloud” y “Slipstream”.
Con varios discos de platino por sus enormes ventas, alcanzando los primeros puestos en las listas a ambos lados del Atlántico, “Aqualung” se convirtió en su álbum mas aclamado para los fans del progresivo y recibiría las alabanzas de la critica musical de la época.
Por entones la banda liderada por el bajista y cantante Phil Lynott contaba en sus filas con el batería Brian Downey y los guitarristas Robbie Robertson y Scott Gorham, es decir la misma que había entrado en los estudios para los dos anteriores discos.
El repertorio de este doble fue extraído de diferentes conciertos ofrecidos durante finales de 1976 y los meses finales de 1977 durante las giras británicas y en Canadá y fue producido, no sin cierta polémica, (fue acusado de estar demasiado retocado en los estudios), por el productor Tony Visconti.
El repertorio que completa este doble Lp esta repleto de clásicos del grupo cargados de enérgico y explosivo hard rock, en donde las guitarras al unísono de Roberston y Gorham suenan poderosas y afiladas, mientras la sección rítmica contundente y precisa de Lynott y Downey, muestran el por que esta banda fue una de las mas grandes del genero. Cortes como “Emerald”, “Cowboy”, “Jailbreak”, “The Boys Are Back in Town”, “Dancing in the Moonlight” o “Still in Love With You”, conforman un directo espectacular y repleto de feeling, vigorosidad y poderío a raudales.
“Live And Dangerous” lograría colarse hasta la segunda posición en las listas británicas, consiguiendo varios discos de platino y unas ventas a nivel mundial que superaron el millón de copias, obteniendo con ello la obra mas exitosa de toda la carrera de Thin Lizzy y de paso convertirse en uno de los directos mas aclamados de la historia del hard rock.
Esta banda con una formación de tres guitarristas fueron una de las primeras que se movieron en el hard rock psicodélico con unas fuertes raíces en el R&B y en las sustancias como el LSD.
Parte de su formación venia precedida de otra banda bostoniana llamada The Barbarians, y estaba compuesta por el enérgico y visceral cantante B.B. Fieldings, el batería Oak O´Connor, los guitarristas Tom Mulcahy, Jeff Mackay y Bruce Benson y el bajista Geoffrey Morris.
Una vez instalados en San Francisco lograron grabar un álbum bajo el sello Atlantic que lograría colarse entre los 100 primeros en el Billboard, para posteriormente grabar su epitafio "Black Pearl Live", con el cual daban por finalizado su periplo musical regresando a Boston y desapareciendo en la inmensidad del tiempo.
Este primer álbum contenía nueve pistas entre las que destacaban las lisérgicas rock "Crazy Chicken" y "Thinkin´Bout The Good Times", la R&B "White Devil”, la psicodélica "Mr Soul Satisfaction" o la rítmica "Climbing Up The Walls", todas ellas con un claro denominador común; la interacción de los tres guitarristas con enérgicos y pesados riffs y solos de guitarras y la poderosa voz de Fieldings.
Posteriormente la revista Rolling Stone History of Rock and Roll, los catalogaría como una de las primeras bandas del temprano hard rock lisérgico norteamericano.
Este tercera dinastía estaba mas enfocada a los sonidos jazzisticos y progresivos, la cual solo lanzaron dos álbumes, este “Manfred Mann Chapter Three” (1969) y el siguiente “Volumen Two” (1970).
Fundada en 1969, su formación además del núcleo principal y líderes de la banda eran Manfred Mann y Mike Hugg (ambos teclados, voces y arreglos de cuerda), y el resto estaba compuesto por el baterista Craig Collinge, el bajista y arpa eléctrica Steve York y el saxo y flauta Bernie Living.
Igualmente en sus dos álbumes participarían diferentes músicos colaboradores como el guitarrista Brian Hugg, o una amplia sección de vientos.
Esta segunda encarnación es un claro ejemplo de como la banda fue progresando estilísticamente de los sonidos pop de principios de los 60 con éxitos como “Do Wah Diddy” o “Sha La la”, hacia un estilo progresivo y espacial con la versión posterior y definitiva denominada Manfred Mann´s Earth Band.
Por lo tanto podríamos definir estos dos álbumes como transitorios, pero con un fascinante sonido de jazz rock progresivo, con grandes metales y órganos fuzz distorsionados, que le otorgan una gran profundidad musical.
El estilo de su primer álbum esta basado fundamentalmente en temas de formato verso y coro antes de explotar en excursiones instrumentales, lo que las hace mas inteligentes que llamativas.
El tono blues de la inicial “Travelling Lady”, ya nos deja de entrada entrever el sendero por el cual discurrirá el resto del álbum, en donde sobresalen la psicodélica “You´re A Better Man Than I”, la instrumental jazzistica y progresiva “Konekuff”, la siniestra free jazz “Devil Woman”, o la blues jazz “Time”, con esos segmentos vocales y una instrumentación de vientos y metales magníficos. El resto mantiene el tono psicodélico, aunque con menos complejidad instrumental, como “One Way Glass” o “Ain´t It Sad”, que le otorgan bastante variedad y equilibrio.
Un año después saldría el segundo y ultimo álbum, en donde seguían en una línea musical continuista, antes de reconvertirse en los mencionados Manfred Mann´s Earth Band.
Esa formación estaba compuesta por el guitarrista y cantante Norman Barrett, el teclista J.D. Hughes, el batería Barry Davenport y el bajista Lester Williams.
Publicado bajo el sello progresivo Vertigo y grabado en los famosos Olympic Sound Studios de Londres, fue producido por Jonathan Peel.
En este segundo álbum, Gravy Train lograría completar uno de los grandes trabajos del rock progresivo de principios de la década, que pese a la inicial y alejada de su proposición sinfónica como es la comercial “Alone In Gerogia”, pronto la banda se reactiva y lo constatan con la siguiente y homónima pieza, con unas sobresalientes melodías bajo la voz inconmensurable de Norman Barrett, con sonidos de flautas, mucho dinamismo entre momentos pausados y otros mas acelerados y unas grandes orquestaciones.
La acústica “Jules Delight”, muestra su faceta folk, mientras “Messenger” electrifican ese folk en una de los momentos cumbres del disco con una instrumentación sublime de flautas, mellotrones, guitarras y unas preciosas melodías vocales.
En la parte final del álbum aparecen las rock “Anybody Hear Me” y “Won´t Talk About It” que se convierten en los momentos mas enérgicos, acabando con la jazz rock “Old Tin Box” y la suave y exótica “Home Again”, con la cual perfeccionan un magnifico disco del genero progresivo de principios de los 70.
Sin embargo el estilo del grupo cada vez se va derivando hacia los sonidos mas pegadizos y comerciales, sin dejar de lado la complejidad característica de los temas que Paul Katner solía imprimir al estilo de Starship. Aún así, aquí encontramos piezas muy destacadas como la psicodélica “Cruisin´”, la oscura con aires gospel “Hot Water” con la voz sensible de Grace Slick, la compleja “St. Charles”, la progresiva “Song To The Sun / Ozymandies / Don´t Let It Rain”, o las melódicas “With Your Love” y “Switchblade”.
Para acabar con la country rock “Big City” y la vigorosa “Love Lovely Love”, consiguiendo con todas ellas un álbum ecléctico pero al mismo tiempo homogéneo y muy cohesionado.
“Spitfire” no lograría las ventas ni el mismo éxito que el anterior “Red Octopus”, pero si alcanzaría un disco de platino y un tercer puesto en las listas del Billboard norteamericano.
