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Nacido a mediados de la década de los 40, sus inicios artísticos fueron bastantes dubitativos practicando un estilo de blues que no tenia demasiado relación con el estilo habitual, impregnado de sonidos gospel, jazz, swamp o zydeco, siendo por lo tanto los mas puristas los primeros en minimizar su estilo al comienzo de su carrera.
Sin embargo todas esas opiniones quedaron desfasadas cuando los propios The Rolling Stones le invitaron a participar en su show “Rolling Stones Rock and Roll Circus” en 1968. Este transcendental hecho fue el principio de la reconsideración de su particular estilo, lo que contribuiría a la difusión masiva de su obra y el reconocimiento de los primeros discos de Taj Mahal de finales de los 60.
Ya con su segundo álbum “The Natch´t Blues”, adquirió la suficiente fama para arriesgarse a lanzar un doble disco que acabaría encumbrando definitivamente su carrera entre los grandes bluesman de la época.
Titulado genéricamente “Giant Step/De Ole Folks at Home” (1969), este doble álbum contaba con dos discos bien diferenciados, en el primero “The Gian Step”, Taj Mahal (voz, armónica, banjo y steel-guitar), acompañado del potente trío compuesto por Jesse Ed Davis a la guitarra eléctrica y acústica y el órgano, Gary Gilmore al bajo y Chuck Blackwell a la batería, muestra su ecléctica esencia blues en cortes como la rock and roll “Keep Your Hands Off Her”, los clásicos blues “Give Your Woman What She Want”, “Good Morning Little Schoolgirl” o “Bacon Fat”, la sureña “Six Days On The Road” o la fronteriza “Further On Down The Road”.
Mientras el segundo disco es un tour de forcé de Taj Mahal en solitario con su guitarra, su armónica y su voz, reviviendo el primitivo blues de principios de siglo con varias influencias como el gospel o diferentes sonidos tribales.
Con este doble álbum considerado uno de los mejores de la historia del blues,
Taj Mahal entraría en la leyenda del genero y de paso su carrera se revalorizaría, convirtiéndose en uno de los iconos del genero en las siguientes tres décadas.
En el momento de la publicación de este álbum, para muchos críticos y fans fue bastante discutible, alegando entre otras cuestiones, hasta qué punto este lanzamiento era de interés para el publico en general. En el caso de este álbum, la música está más en segundo plano que en un primero, por razones obvias. Sin embargo, hay algunas notables excepciones, y por lo general son bastante brillantes.
Para otros, este registro es un buen ejemplo de la posible evolución de la banda y su sonido, si hubieran logrado seguir en activo algunos años mas, ya que la música se distancia de la psicodelia de la costa oeste de finales de los sesenta y se mueve hacia un sonido más moderno, mezclando el rock con los sutiles sonidos latinos, ("Black Polished Chrome/Latino Chrome"), el funk (“Newborn Awakening”), el jazz (“Curses, Invocations”), el blues (“Stoned Immaculate”), los sonidos vanguardistas (“An American Prayer” o “Hour For Magic”), la música clásica (“A Feast of Friends”), e incluso rastros de los sonidos de la imperante música disco de finales de la década de los 70, (“The Ghost Song”). El sonido y la producción son realmente exquisitos, especialmente considerando el hecho de que la banda estaba usando cintas grabadas con la voz de Jim Morrison de 1970.
Además de todo ello Ray Manzarek reemplazó su órgano Vox por un órgano Hammond y los sintetizadores modernos también están muy presentes, además ya no hay un piano bajo Fender, (hay un bajo real tocado por varios músicos de sesión; Jerry Scheff y Bob Glaub), y la guitarra de Krieger ya no es tan psicodélica y difusa como antaño, sonando en todo momento mas jazzistica y melódica.
El énfasis principal del álbum es la poesía de Jim Morrison, y eso es realmente, de lo que se trata este álbum. Sin entrar en los detalles sobre los textos poéticos, lo cierto es que encajan muy bien con la música (en realidad, mejor seria decir a la viceversa), creando atmósferas diferentes y efectivas a lo largo de todo el álbum. Ciertamente, esta es una obra de arte sin paliativos.
Ninguna de las pistas aquí está cantada a diferencia de la música habitual de The Doors, excepto una curiosa versión en vivo de “Roadhouse Blues”, en donde Morrison canta improvisando con alusiones poéticas ya que se había olvidado de la letra debido a su estado de embriaguez durante ese concierto.
Uno de los puntos principales de este álbum, es subrayar y resaltar algunas de las poesías más llamativas de Morrison, y se usaron algunos de sus pasajes más impactantes, principalmente cuando expresaba su odio por el puesto de almirante de la marina norteamericana de su padre. Otros pasajes contienen algunos pensamientos inquietantes sobre la muerte y su vínculo con el sexo, mientras que una larga búsqueda del alma parece ser el hilo conductor del álbum.
Pese a lo inusual de este álbum, “American Prayer” lograría alcanzar un disco de oro, una nominación a los premios Grammy y años después obtendría un disco de platino por sus millonarias ventas en el mercado norteamericano.
Además ya aquí aparecía la formación mas clásica de RTF, comandada por el mencionado Chick Corea y secundada por el batería Lenny White, el bajista Stanley Clarke y el guitarrista Al Di Meola, este ultimo sustituyendo a Bill Connors, que abandonaría la nave justo al inicio de la grabación del álbum que aquí nos ocupa.
“Where Have I Known You Before” es un trabajo que ofrece un jazz rock de primer nivel, en donde los cuatro músicos aportan su propia singularidad en términos de estilo y sonido.
Cortes como la dinámica “Vulcan Words” ya demuestra la perfecta sincronización entre todos los integrantes del grupo, mientras “Shadow Of Lo” es la contrapartida a la anterior, con grandes texturas de teclados atmosféricos y un ritmo pausado que a medida que pasan los minutos cobra una gran intensidad.
La entusiasta “Beyond The Seventh Galaxy” vuelve a contrastar con la melodía de “Earth Juice”, mostrando la accesibilidad de la música del grupo, mientras que la excelsa “Song to the Pharoah Kings”, es el momento mas elaborado del álbum, con grandes secuencias de sintetizadores, sonidos exóticos inclinados a los sonidos latinos y en donde sobresale la enérgica guitarra de Di Meola.
Con “Where Have I Known You Before”, Return To Forever iniciaría su antológica trilogía de imprescindible discos del jazz rock, junto al deslumbrante “No Mystery” (1975) y al apoteósico “Romantic Warrior” (1976).
Formados en la pequeña ciudad del sur de Alemania, Baden-Württemberg, a finales de los sesenta, su primera y mas longeva formación estaba comprendida por el batería Jan Fride, el bajista Hellmut Hattler, el saxofonista Johannes Papper y el guitarrista y voz Peter Wolbrandt.
En 1970 logran firmar con la subsidiaria alemana de EMI Electrola, con quienes lanzaron su primer álbum “Kraan” en 1972.
Después de tres álbumes mas publicados, “Wintrup” (1972), “Andy Nogger” (1974) y “Let It Out” (1975), el grupo lanzaría el directo “Live´75”, en donde mostraban su ecléctico enfoque de la música progresiva, que difería bastante a lo habitual en el genero.
Su estilo basado en las jam sessions, muestra ese sonido psicodélico impregnado de funk, fusión y rock progresivo, con interacciones entre todos sus componentes, con una total desenvoltura instrumental muy cercana al free jazz.
Grabado íntegramente en Berlín en el año 1974, este directo muestra el excelente trabajo instrumental de la banda con una gran base rítmica que son el sostén perfecto para las melodías de guitarra y saxo.
El álbum presenta algunas versiones ampliadas y extendidas de sus tres primeros trabajos de estudio publicados hasta ese año de 1974.
Rebosante de memorables momentos, todo el repertorio es muy destacable, empezando por la improvisada “Holiday Am Maryerhorn”, en donde Wolbrant se supera a si mismo con la guitarra.
La faceta jazz rock esta presente en las funk “Jerk Of Life” y en la agresiva "Sarah's Ritt durch den Schwarzwald", mientras la tour de force “Nam Nam” pone la nota culminante de este directo.
Aquí aparecen también dos temas nunca antes publicados "Hallo Ja Ja, I Don't Know" y "Lonesome Liftboy", ambas piezas melódicas de extraordinaria belleza.
Acabando con la extensa “Kraan Arabia”, en donde muestran su sello exótico y oriental, en otra pieza en donde hay bastante improvisación con solos de saxo y guitarras, secundada por una sección rítmica demoledora.
Sus orígenes estaban en una banda de finales de los cincuenta llamada Paramounts liderada por el organista Gary Brooker, quien junto al letrista Keith Reid y al extraordinario guitarrista Robin Trower, serian el núcleo principal de la banda, secundados por el bajista David Knights, el batería Barrie James Wilson y el teclista Matthew Fisher.
Junto a The Nice y The Moody Blues, Procol Harum fueron de las primeras bandas en fusionar la música clásica con el rock, además de crear algunas de las canciones mas emblemáticas de la historia de la música pop como la inolvidable y extraordinaria “A Whiter Shade Of Pale”.
Ellos fueron la primera banda en construir una suite de varios movimientos a principios de 1968 con su segundo álbum “Shine On Brightly”, el cual se convertiría en una fundamental influencia para todos los grupos progresivos que vendrían en los años sucesivos.
Para muchos críticos y estudiosos, la suite “In Held Twas In I”, es la primera gran epopeya progresiva de la historia, 17 minutos de música esplendorosa y vibrante que inspiraría años mas tarde a Genesis con su enorme suite “Supper´s Ready”.
El resto del álbum sin llegar a la brillantez de tan tamaña obra maestra, sigue estando a gran altura como la blues “Wish Me Well” o la épica “Skip Softly”, mientras en “Rambling On” y “Quite Rightly So”, intentar emular sin el mismo éxito sus apoteósicos hits anteriores “A Whiter Shade Of Pale” y "Homburg” de 1967.
Alexis Korner es uno de los músicos que mas han influido en las generaciones de los bluesman ingleses de la primera mitad de la década de los sesenta. Su obra por desgracia no ha sido difundida tan ampliamente fuera del Reino Unido y Norteamérica, todo lo contrario que ha ocurrido con toda la serie de músicos que estuvieron bajo su influencia directa como Jack Bruce y Ginger Baker (Cream), Charlie Watts (Rolling Stones), Long John Baldry, un cantante de un talento impresionante, Dick Heckstall-Smith (Colosseum) o el mencionado Graham Bond, o repercutir indirectamente en músicos como John Mayall o Al Kooper, entre otros muchos mas.
Sin embargo la carrera de Korner había empezado una década antes cuando junto a Cyril Davies formaría un dúo de blues y jazz, comenzando actuar con mucha frecuencia en el circuito de clubs de Londres.
Posteriormente ambos músicos abrirían su propio club, el “London Blues and Barrelhousem”, en donde solían invitar a tocar a jóvenes músicos británicos y norteamericanos de jazz y blues.
Fue entonces cuando conocerían a Jack Bruce, Charlie Watts y Long John Bladry, lo que les animaría a fundar su propia banda llamada Blues Incorporated (1961), la cual se convirtió en la primera banda banda amplificada de blues de Inglaterra.
Con la incorporación del saxofonista Dick Heckstall-Smith, la banda se labraría una gran reputación en toda Inglaterra gracias a sus famosos conciertos y era frecuente ver entre su publico a prometedores músicos como Mick Jagger, Brian Jones y Keith Richards (Rolling Stones), Jimmy Page y Paul Jones (Led Zeppelin), Rod Stewart, Eric Clapton o John Mayall, entre otros muchos mas.
Blues Incorporated se concentró principalmente en actuar en vivo en lugar de grabar discos y el grupo solo lanzó dos sencillos en Parlophone, "I Need Your Loving" (1964) y "Little Baby" (1965).
Ese mismo año Graham Bond decide abandonar y fundar su propia banda para lo cual recluta a todos sus compañeros de la Blues Incorporated.
En 1964, Alexis Korner con una nueva versión de sus Blues Incorporated, publicaría los álbumes “At The Cavern” y “Red Hot From Alex”, con el estadounidense Herbie Goins como cantante principal y Danny Thompson, más tarde miembro del grupo de folk Pentangle al bajo. Después del tercer y ultimo trabajo para el grupo, “Sky High” lanzado en 1965, con un nuevo cantante, Duffy Power, Alexis Korner disolvería definitivamente el grupo un año mas tarde en 1966.
En 1967 Korner fundaría la banda de corto recorrido Free At Last junto al ex batería de los Bluesbreakers, Hughie Flint y el bajista Binky McKenzie, sin apenas repercusión mediática.
No seria hasta 1971 cuando Alexis Korner volviera a estar de actualidad al pasar a engrosar la numerosa banda de jazz, rock y blues, C.C.S, formada a semejanza de las bandas de jazz rock norteamericanas, Chicago Transit Authority y Blood Sweat and Tears.
Con esta banda Korner lograría algunos éxitos notables en las listas británicas basados principalmente en versiones en clave de jazz rock, como “Whole Lotta Love” de Led Zeppelin o “Walking” de Donovan.
En 1973 una vez disuelta C.C.S., Korner fundaría otra superbanda junto a Mel Collins, Boz Burrell y Ian Wallace, todos ellos ex King Crimson, con la cual lanzaría dos álbumes, además de comenzar su propia carrera en solitario y dedicarse a la radio fusión en la BBC, dirigiendo programas de blues, soul y jazz con una gran aceptación de audiencia.
En 1978 se celebraría un multitudinario concierto para festejar su 50 aniversario con un plantel de grandes estrellas como Eric Clapton, Chris Farlowe, Zoot Money o Paul Jones entre otros.
En 1981 Korner se uniría al grupo liderado por Ian Stewart, Rocket 88, en donde se encontraría con viejos compañeros como Jack Bruce o Colin Hodgkinson. Tres años mas tarde Korner fallecería a la edad de 55 años en Londres, dejando tras de si una de las mas intensas e influyentes carreras dentro de la historia de la música rock.
De esta manera en 1963 nacía la Graham Bond Organisation, un año en el que se registro la mayor demanda del rhythm and blues de la historia, y al mismo tiempo seria el arranque de los Bluesbrakers de John Mayall y los inicios de The Rolling Stones entre otros muchos mas.
The Graham Bond Org comenzaría actuando en los mas prestigiosos clubs de Londres y pronto alcanzaron el reconocimiento del publico y la critica de la época.
Sin embargo el éxito masivo les llegaría un poco mas tarde al girar por toda Inglaterra junto a Chuck Berry.
La historia de esta fundamental banda podríamos resumirla en tres discos correspondientes a tres años decisivos de su carrera, empezando por “The Sound of´65”, el cual contenía el hit “Long Tall Shorty” en 1964, en plena fiebre del beat, “There´s a Bond Between Us” y su hit “Tammy” al año siguiente y su mayor éxito en las listas, “You´ve Gotta Have Love Babe” en 1967, el gran año de The Beatles y el año en el que la banda se disolvería definitivamente tras una corta pero intensa carrera.
Tras la separación Graham Bond se retirara durante algún tiempo de la música en activo y se mudaría a vivir a los Estados Unidos, creando su propio sello discográfico, Pulsar Records.
Mientras tanto Jack Bruce y Ginger Baker se unirían a los Bluesbreakers y Dick Heckstall-Smith acabaría fundando la banda de jazz rock progresivo Colosseum.
En 1969 Bond regresaría lanzando el álbum “Love Is The Law”, (bajo el sobrenombre de Grahame Bond), un exquisito trabajo de funk jazz rock y rhythm and blues en donde volvía a revivir su sonido de antaño.
En este nuevo álbum, Bond contaría con la ayuda de los percusionistas Hal Blaine y Dave Sheehan y la vocalista Diane Stewart, mientras Bond se encargaría del resto de instrumentos y las voces.
Sus retorcidas letras sobre el amor libre, el terror y el ocultismo, es junto al sonido de blues, jazz y rock que Bond obtiene con el órgano y el mellotrón, lo que hacen que el álbum logre el reconocimiento merecido.
Brillantes cortes como “Love Is The Law”, “The World Will Soon Be Free” o “Our Love Will Come Shining Through”, están entre lo mejor de toda su carrera.
Después de varios álbumes mas; “Mighty Graheme Bond” (1969), “Solid Bond” (1970), “Holy Magick” (1970) o “We Put Our Magick On You” (1971), y como consecuencia de sus problemas financieros y sus continuas depresiones nerviosas, se suicidaría bajo las ruedas de un tren en la estación Finsbury Park en Londres el 8 de mayo de 1974, acabando así con la vida de uno de los mas grandes músicos del blues británico y uno de los que mas han influido en las generaciones posteriores de los bluesmans ingleses.
Estos músicos eran el guitarrista Mike Bloomfield, el batería Carmine Appice, el bajista Ric Grech, el teclista Barry Goldberg y el vocalista Ray Kennedy.
La carrera de estos cinco músicos estuvo marcada por las míticas bandas Electric Prunes, Blind Faith, Family o Vanilla Fudge.
Este legendario proyecto apenas publicaron dos álbumes, el primero de ellos lanzado bajo el sello MCA y titulado homónimamente como la banda.
En este primer álbum los cinco músicos nos dejaron un trabajo con una gran variedad de sonidos, demostrando con ello la versatilidad de todos sus integrantes.
Temas como la funk “It´s Gonna Be A Hard Night” contrastan con exótica “Workin´For The Children” con esos aires reggae, mientras la vena melancólica están presentes en “Midnight Traveler” y “Baby Should I Stay Or Go”.
La vena bluesy la encontramos en la inicial “Let Me love You” en donde Bloomfield demuestra su virtuosismo con las seis cuerdas o en la soul “I´ve Got a Feeling”, sin olvidarnos de cortes brillantes como la pausada “High Roller” o la rhythm and blues “Sail On Sailor”.
Posteriormente ya sin Mike Blommfield ni Ric Grech, sustituidos por el guitarrista Ben Schultz y el bajista Gregg Sutton, publicaron el mediocre “Motion” (1976), con el cual dieron por acabada la efímera carrera de esta formidable reunión de talentos.
Fundada en 1968 por Hillman y Parsons quienes junto al bajista Chris Ethridge, el guitarrista Pete Kleinow y el batería Eddie Hoh, completarían la primera formación de la banda.
Con ellos la banda publicaría su antológico primer álbum “The Gilded Palace of Sin”, toda una obra maestra del country rock y uno de los mejores debuts de la historia de la música rock.
Aquí aparecen joyas como la gospel “Sin City”, la melancólica “Hot Burrito#1”, la psicodélica “Christine´s Tune”, la fronteriza “Do Right Woman”, la folk “My Uncle” o la irresistible “Wheels”, esta ultima un claro adelanto a lo que algún tiempo después harían bandas como The Eagles o Poco, con unas melodías vocales excelentes.
Un año después publicarían el brillante “Burrito deluxe”, en donde aparece Bernie Leadon, futuro miembro fundador de The Eagles, y en el cual ya se intuye el alejamiento de Parsons, desinteresado casi totalmente en la banda, (una acción que ya había realizado con The Byrds), a la que abandonaría después de la publicación del disco.
En los sucesivos años, The Flying Burrito Brothers seguirá publicando una serie de grandes trabajos, muy considerados en el ámbito del country rock como “The Flying Burrito Bros” (1971), “Flying Again” (1975) o “Airborne” (1976).
Sin embargo durante las dos siguientes décadas y debido al continuo trasiego de componentes siguen publicando trabajos, que pese a la incuestionable calidad, pasan desapercibidos para el gran publico, con álbumes mas previsibles de country pop, con menos impacto comercial y mediático.
En ese álbum las guitarras suenan mas poderosas y agresivas y las líneas de teclados cobran mucho mas protagonismo en muchos momentos del álbum.
Ese endurecimiento se vería aún mas reflejado en el siguiente “Photo-Finish” de varios años después, en el cual Rory vuelve al formato de power trío junto al bajista Gerry McAvoy y al batería Ted McKenna.
En esta nueva entrega Rory Gallagher muestra un repertorio de temas de enérgico y rudo hard blues rock que pasaron a ser muy habituales en sus conciertos como “Brute Force & Ignorance”, “Shadow Play”, “The Last Of Independents” y “Shin Kicker”, o otras igualmente fulgurantes como la frenética “Cruise On Out”, la blues “Cloak & Dagger”, la folky rock “Overnight Bag” o la cadenciosa hard blues rock “The Mississippi Sheiks”, sin olvidarnos de la soberbia blues “Fuel To The Fire”.
En este nuevo trabajo, tanto Paul Carrack como Paul Young tomarían más protagonismo a la hora de componer dentro del grupo, dando así la imagen de una auténtica banda y no la de un proyecto en solitario de Mike Rutherford, como había sucedido en los anteriores álbumes.
Además Mike Rutherford volvía contar con el batería original Peter Van Hooke y con el teclista Adrian Lee, completando el set de grabación otros músicos invitados como el ex guitarrista de Humble Pie y Colosseum, Clem Clempson, el teclista Paul Wickens, o los experimentados percusionistas de sesión Gary Willis y Andy Newmark.
Concebido en base al materialismo que caracterizó los años noventa, el disco fue publicado en 1995 bajo el sello Atlantic Records y fue producido por el propio Mike Rutherford junto a Christopher Neil, obteniendo un notable éxito y reafirmando el status de banda de primer nivel con un sofisticado e irresistible pop rock.
Además de las brillantes versiones de Smokey Robinson "You´ve Really Got a Hold on Me" y la de Stevie Wonder "I Believe (When I Fall In Love it Will Be Forever)", destacan el hit "Over My Shoulder", la hipnótica y hechizante "Mea Culpa", o la tremendamente adictiva y pegadiza "Another Cup Of Coffee".
Sus primeros álbumes la llevaron a ser considerada la “Bob Dylan femenina”, además de obtener un éxito rotundo en las listas norteamericanas.
Álbumes como “Clouds” (1969), “Ladies of the Canyon” (1970), “Blue” (1971), “For The Roses” (1972) o “Court and Sparks” (1974), la auparon hasta conseguir el prestigio y la fama mundial.
Aunque realmente conseguiría pasar a los anales de la música rock cuando compuso el tema “Woodstock”, con motivo del mítico festival y que en voces de Crosby, Stills, Nash and Young, cobraría una dimensión apoteósica y épica.
Casi a mitad de los setenta, Joni Mitchell, hasta entonces vinculada al folk rock, la canción de autor y el country, comienza a realizar sus primeras incursiones en el mundo del jazz. En 1979 decide grabar un álbum con el contrabajista Charles Mingus, el cual no llegaría a verlo terminado al fallecer durante el proceso de grabación. Mitchell lo concluye sola y lo publicaría con el titulo de “Mingus” (1979), y poco después saldría de gira para la presentación del álbum.
Durante dicha gira se realizara una película promocional llamada “Shadows and Light” y uno de los conciertos fue publicado como álbum doble que lleva el mismo titulo y seria lanzado comercialmente un año después.
Mitchell para esa gira contaría con un plantel de músicos del mas alto nivel, empezando por el guitarrista Pat Metheny, el bajista Jaco Pastorius, el teclista Lyle Mays, el batería Don Alias y el saxofonista Michael Brecker.
El repertorio del álbum consiste en canciones extraídas de sus últimos trabajos, además de algún clásico o el himno generacional “Woodstock”, tocado en clave jazz. El folk-jazz eléctrico y de sonido austero se ve reflejado en todo el directo como en las melodías cromáticas de “The Dirty Cleaner from Des Moines”, o en la arreglada “Furry Sings the Blues”, mientras la áspera “Black Crow”, la melódica “Amelia” con un Pat Metheny deslumbrante, o las brillantísimas “Edith and the Kingpin” y “Shadows and Light”, conforman un extraordinario documento digno de los mejores álbumes de rock en vivo. “Shadows and Light” es una obra maestra translucida del jazz y el folk, que encarna tanto la libertad personal de la cantante como la majestuosidad instrumental de toda una banda descomunal.
Sam Cooke fue una figura primordial en el establecimiento del soul como música popular, su carrera repleta de canciones y álbumes básicos del genero, demostraron el enorme talento de este cantante mítico e inolvidable.
Cooke manejaba como nadie el soul, el rhythm and blues, el gospel y el rock and roll y junto a Otis Redding y James Brown, están considerados los reyes absolutos del soul, logrando la friolera de medio centenar de hits en apenas ocho años (1957-1965).
Su muerte en extrañas circunstancias acontecido el 11 de diciembre de 1964, es una de las fechas fatídicas en la historia de la música popular.
Un año antes Sam Cooke había actuado en un show en el mítico Club de Harlem Square en Miami, un 12 de junio, el cual fue grabado íntegramente y que seria publicado muchos años después de su muerte.
Esa noche Cooke estaba rodeado de su habitual banda compuesta por los guitarristas Clifton White y Cornell Dupree, el bajista Jimmy Lewis, el batería Albert Gardner, el pianista George Stubbs y la sección de vientos formada por King Curtis y Tate Houston.
En este directo Cooke deja atrás su elegante compostura para convertirse por una noche en un sudoroso “soul man”, cantando y bailando con pasión rítmica y salvaje y con una audiencia entregada al cien por cien.
Desde la inicial “Intro (Don´t Fight it) Feel It”, hasta el cierre del disco, “Having a Party”, Cooke demuestra su increíble intensidad sobre el escenario, totalmente enérgico, potente y desbocado, haciendo un repaso a algunos de sus mayores éxitos como “Cupid”, “Chaing Gang”, "Somebody Have Marcy”, “Bring It On Home to Me" o “Twistin´The Night Away”.
“Live at the Harlem Square Club, 1963”, esta considerado uno de los mejores 500 álbumes de la historia y todo un documento fabuloso del mejor soul que se haya escuchado jamás.
Tras este ultimo trabajo obtienen su primer traspiés con el álbum “Stampede”(1975), en el que la banda deriva su country y folk rock con elementos de rhythm blues hacia derroteros mas soul.
Después de este ultimo, entra a formar parte de la banda el ex Steely Dan, Michael McDonald, que junto a los guitarristas Tom Johnstone, Patrick Simmons y Jeff “Skunk” Baxter, el bajista Tiran Porter y los baterías Keith Knudsen y John Hartman, graban el sexto álbum titulado “Takin´It to the Streets”, el cual los devuelve por la senda del éxito.
En esta nueva entrega la banda sigue evolucionando hacia los derroteros soul, funk y jazz, pero manteniendo sutilmente ese rock inundado de country y blues de sus primeras obras, con un estilo que los emparentaba con los Steely Dan.
Temas como la irresistible “It Keeps You Runnin´”, las funk “Wheels of Fortune” y “8th Avenue Shuffle”, la soul “Takin´It To The Streets”, la jazzistica “For Someone Special” o “Turn It Loose”, esta ultima con ese sonido tan característico del rock americano de sus álbumes anteriores, conforman un disco que seria el punto de partida al sonido que los terminaría engrandeciendo aún mas en los años sucesivos.
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