Barry White-Can´t Get Enough (1974)

Barry White fue un genio indiscutible del soul romántico. Su voz cavernosa y profunda, sus arreglos orquestales repletos de funk, soul y rhythm and blues, son un referente y su música sigue siendo atemporal y admirada aún hoy en día por millones de personas alrededor del mundo. Este cantante, compositor y arreglista, supo desarrollar una música que estaba adornada de lujosas armonías instrumentales y unas sensuales y irresistibles melodías. Nacido en 1944, creció en uno de los barrios mas desfavorecidos de Los Ángeles, y de joven se vio envuelto en serios problemas con la ley. Con el paso del tiempo, Barry White se dedicaría a aprender a tocar el piano de manera autodidacta, escuchando música clásica y practicando muchas horas al día. Algunos años mas tarde comenzaría a tocar como músico de sesión en la emergente escena musical de su ciudad. Durante esos años comenzaría a trabajar como compositor y arreglista en varios estudios de grabación, algo que seria vital para su posterior carrera en solitario. En los años 70. White formaría su propia banda llamada Love Unlimited Orchestra, con la que fue lanzando discos que estaban influenciados de música soul y funk con unos refinados arreglos de música clásica. Su debut discográfico llegaría en 1973 con el álbum “I've Got So Much to Give”, en donde aparecía su primer gran éxito “I'm Gonna Love You Just a Little More Baby”. Su profunda voz, junto con sus románticas letras, pronto lo auparon entre los artistas más solicitados en las emisoras de radio de medio mundo. Durante el resto de los años 70, seguirá publicando una docena de álbumes exitosos como "Stone Gon", "Can't Get Enough" o "Just Another Way to Say I Love You", los cuales contenían exitosas canciones como "Just the Way You Are", "It's Ecstasy When You Lay Down Next to Me", "You're the First, the Last, My Everything" o la famosa "Can't Get Enough of Your Love, Babe". Pese que a partir de los años 80 su fama fue decreciendo paulatinamente, siguió manteniendo su enorme popularidad y su gran talento publicando asiduamente álbumes que fueron bien recibidos entre el público, como por ejemplo su álbum lanzado en 1994 "The Icon Is Love", con el que volvió a disfrutar de las mieles del éxito. Durante todos esos años, Barry White obtendría numerosos discos de oro y platino y varios premios Grammy, y actualmente es considerado uno de los mayores influyentes de gran infinidad de artistas actuales del R&B, el soul y el funk. 

Osibisa-Osibisa (1971)

En un post anterior comentamos la biografía de Osibisa por lo que aquí nos vamos a centrar en su álbum debut publicado en 1971. En este primer trabajo la banda afro-británica mostraba una brillante fusión de los sonidos afro pop psicodélicos y el jazz rock, capturados de manera magnífica por un conjunto de grandes instrumentistas y unas composiciones vibrantes y enérgicas. Cortes como la arreglada “The Dawan” o la alegre jazz rock “Music For The Gong Gong” muestran la diversidad sonora del grupo, mientras que la excelsa “Ayiko Bia”, la dinámica “Oranges” o la sublime “Phallus C.” recogen perfectamente el estilo de Osibisa con unas grandes líneas de saxo, órgano y guitarra secundada por una percusión sencillamente magistral. En conclusión, este es sin duda alguna uno de los mejores álbumes de jazz-funk-afro-pop-rock jamás lanzados y que encumbraría a Osibisa pese a que aún en los sucesivos años lanzarán otros trabajos de gran envergadura como “Woyaya” (1972), “Heads” (1973) o el magnífico doble directo "Black Magic Night; Live At The Royal Festival Hall" (1977) .

Rare Earth-One World (1971)

Si con su tercer álbum Rare Earth volvieron a impactar en las listas del Billboard de R&B, logrando un disco de oro y un top ten con el clásico de la Motown “(I Know) I´m Losing You”, con el siguiente “One World”, no le irían a la zaga, de hecho igualarían sus registros e incluso produjeron otro éxito mundial con la canción de cosecha propia “I Just Want to Celebrate”.
Grabado con la misma formación que el anterior “Ecology”, con la excepción del guitarrista Rod Richards, sustituido aquí por el músico de sesión de la factoría Motown Ray Monette, el resto estaba formado por Mark Olson, Ed Guzman, Gil Bridges, John Persh y Pete Rivera, los tres últimos, supervivientes de la formación original que grabaría el apoteósico y monumental “Get Ready”, de varios años antes.
Producido por Tom Baird, muestra el sonido característico de Rare Earth con ese musculoso y vigoroso soul, jazz, blues y rhythm and blues, con notables cortes como la extensa versión de Ray Charles “What I´d Say”, la funk rock con rasgos bluesy “The Seed”, la robusta “Someone Of Love”, la soul rock “Any Man Can Be A Fool”, la country/folk rock “If Die”, la melódica “The Road” o la mencionada funk rock “I Just Want to Celebrate”.

Rare Earth-Ma (1973)

El sexto álbum de Rare Earth llegaba precedido de cuatro excelentes trabajos en estudio y un sensacional doble disco en directo, y se convirtió en otra de sus grandes obras gracias a un serie de canciones repletas de blues rock con reminiscencias de funk y soul.
"Ma" fue producido por uno de los productores de la escudería Motown como fue Norman Whitfield, quien a su vez fue coautor de algunos de los temas de álbum, el cual lo dotaría del sonido característico de las bandas negras del mítico sello de Detroit.
La formación de Rare Earth para este nuevo álbum distaba significativamente con respecto al de sus primeras obras, dicha formación estaba compuesta por Gil Bridges (saxo, flauta y voz), Peter Hoorebelke (batería y voces), Ray Monette (guitarra y voces), Mark Olson (teclados y voces), Pete Rivera (batería y voces) y Mike Urso (bajo y voces).
Los diecisiete minutos del repetitivo riff de guitarra de la psicodélica y excelsa “Ma” es el punto álgido de este álbum, un tema que contrasta con la hard rock zeppeliana “Hum Along and Dance”, el sentimiento soul-funk “Big John is My Name” y con la experimental “Come With Me”.
Pese a que no tuvo la misma repercusión mediática ni comercial que otras obras anteriores, “Ma” fue considerado uno de los discos de culto en el ámbito underground y con el tiempo se convirtió en uno de los álbumes mas populares de Rare Earth.
 

The Doobie Brothers-Takin´It to the Streets (1976)

En 1975, The Doobie Brothers estaban en la cima de la popularidad tras haber facturado algunos de los mejores registros del rock americano, como “Toulouse Street” (1972), “Captain and Me” (1973) o “What Were Once Vices Are Now Habits” (1974), con los cuales habían cosechado cinco discos de platino y varios millones de álbumes vendidos.
Tras este ultimo trabajo obtienen su primer traspiés con el álbum “Stampede”(1975), en el que la banda deriva su country y folk rock con elementos de rhythm blues hacia derroteros mas soul.
Después de este ultimo, entra a formar parte de la banda el ex Steely Dan, Michael McDonald, que junto a los guitarristas Tom Johnstone, Patrick Simmons y Jeff “Skunk” Baxter, el bajista Tiran Porter y los baterías Keith Knudsen y John Hartman, graban el sexto álbum titulado “Takin´It to the Streets”, el cual los devuelve por la senda del éxito.
En esta nueva entrega la banda sigue evolucionando hacia los derroteros soul, funk y jazz, pero manteniendo sutilmente ese rock inundado de country y blues de sus primeras obras, con un estilo que los emparentaba con los Steely Dan.
Temas como la irresistible “It Keeps You Runnin´”, las funk “Wheels of Fortune” y “8th Avenue Shuffle”, la soul “Takin´It To The Streets”, la jazzistica “For Someone Special” o “Turn It Loose”, esta ultima con ese sonido tan característico del rock americano de sus álbumes anteriores, conforman un disco que seria el punto de partida al sonido que los terminaría engrandeciendo aún mas en los años sucesivos.

Curtis Mayfield-Curtis (1970)

Curtis Mayfield es uno de los grandes interpretes del Soul, casi a la misma altura que sus coetáneos Isaac Hayes, Stevie Wonder o Marvin Gaye, por solo nombrar unos pocos artistas de una gran pirámide de músicos imprescindibles del genero negro por excelencia junto al funk, el blues y el jazz.
Su carrera se cimentaría durante la década de los cincuenta y sesenta junto a la banda The Impressions con los cuales obtuvo un gran éxito gracias a los hits "It's All Right", "Keep On Pushing" o "Amen", todos ellos lanzados en la primera parte de la década de los sesenta.
Ya en 1970 Mayfield hastiado del soul pop que practicaba junto a su banda, decide comenzar su propia carrera en solitario, creando su propio sello discográfico Curtom y derivando su estilo hacia derroteros psicodélicos, con un sonido funk y soul que en cierta medida se acercaba a lo que por entonces hacia Isaac Hayes.
"Curtis" lanzado casi a finales de 1970, seria su primera obra en donde ya mostraba ese pudoroso funk impregnado de psicodélica y vanguardismo como queda demostrado en los cortes "Move On Up" o "We People Who Are Darker Than Blue", temas frenéticos en donde las guitarras fuzz, los imponentes arreglos de cuerda y vientos, son secundados por unas poderosas percusiones.  Sin embargo no deja de lado totalmente su lado soul, mostrando esa faceta con temas mas clásicos como "Miss Black America" o "Give It Up".
En el plano lírico Mayfield incluye aquí temáticas sociales y políticas enfocadas en temas como el racismo o la recurrente violencia policial de la época.
"Curtis" esta considerado uno de los mejores álbumes de todos los tiempos en el cual se unen la elegancia, la lírica y la estética musical, de uno de los mejores artistas de raza negra de la historia de la música popular.

Grand Funk-Survival (1971)

Con su cuarto álbum titulado “Survival”, Grand Funk lograrían su cenit popular y comercial con un trabajo mas refinado y técnico que sus intensas y poderosas obras anteriores, debido fundamentalmente a su exquisita y elaborada producción.
Tras tres discos legendarios como son su debut “On Time” de 1968 y los posteriores “Grand Funk” (1969) y “Closer To Home” (1970), la banda de Michigan se encontraba en su máximo apogeo con esa combinación de blues, psicodelia, boogie rock y hard rock primitivo con acercamientos al funk y al soul mas visceral, enalteciéndolos con todo ello a la cúspide de la música rock de principios de los 70.
En esta cuarta entrega la banda formada por Mark Farmer, Mel Schacher y Don Brewer, tuvo al habitual Terry Knight en las labores de producción y fue grabado durante el mes de marzo de 1971 y publicado un mes mas tarde por la Capitol Records. En el la banda muestra un elaborado y pulido sonido que si bien les resta la vigorosidad y la furia que habían mostrado hasta esos momentos, también es cierto que es mucho mas accesible y comercial.
La refinada “Country Road”, abre este álbum mostrando todo lo anteriormente dicho, mientras la psicodélica “All You´ve Got Is Money”, muestra las virtudes de Mark Farmer con su lisérgica guitarra y su desgarradora voz. En la seductora “Comfort Me”, se observa la multifacética creatividad del grupo con una sus mejores composiciones. Cerrando la primera cara, esta el tema de Traffic “Feelin´Alright”, aquí versionado de manera brillante con ese toque hipnótico y adictivo.
Ya en la parte final se encuentran la soul rock “I Want Freedom” y la atractiva medio tiempo “I Can Feel Him In The Morning”, que son la antesala de la demoledora versión del tema de The Rolling Stones “Gimme Shelter”, concluyendo un álbum que fue pasto de las criticas por su alejamiento de la visceral propuesta original de sus primeras obras, pero con una gran acogida por parte de sus fans y del publico en general, logrando con ello un extraordinario sexto puesto en las listas del Billboard norteamericano.

Herbie Hancock-Crossings (1972)

"Crossings" fue el décimo álbum de Herbie Hancock y el segundo en su periodo "Mwandishi", su época en donde experimentaría con la electrónica y el funk. También fue el primero en donde el músico originario de Chicago contaba con un nuevo miembro en su banda, como era el teclista Patrick Gleeson, un experimentado músico con los sintetizadores, los mini moogs y la electrónica mas vanguardista.
Considerado uno de los mejores álbumes del jazz fusión abstracto, con sonidos electrónicos, poli ritmos africanos y una soberbia producción psicodélica, que presta mucha atención a cada detalle, para crear un estilo de jazz futurista. Un álbum que después de cuatro décadas sigue sonando increíblemente adelantado a su tiempo.
Compuesto por solo tres cortes, la primera cara esta enfocada en la extensa "Sleeping Giant", una enorme suite africana futurista que alterna intensas improvisaciones de avant-funk con partes mas oscuras. La interpretación de Herbie Hancock durante las improvisaciones abstractas son increíblemente intensas y muestra cómo es el maestro en la construcción de unos sonidos unidos y originales, demostrando que también es un genio de la composición y las orquestaciones modernas, utilizando su sección de trompetas y la electrónica para construir texturas mini-orquestales que recuerdan a clásicos como Stravinsky y Ravel. La capacidad de componer a un nivel tan sofisticado, es una de las cosas que hace que Hancock y los miembros de su banda “The Sextant”, estén a un nivel por encima de otros conjuntos psicodélicos de su época.
La segunda cara esta exclusivamente dedicada al virtuoso de los instrumentos de viento Bennie Maupin, quien también demuestra que sabe escribir y orquestar, al convertir dos increíbles y soberbias piezas en unas deliciosas melodías para los oídos.
La que primero aparece es la tensa y misteriosa "Quasar", la cual presenta una melodía de soprano futurista que es similar a la melodía clásica de Star Trek. Gran parte de la interpretación de esta canción es abstracta e improvisada, pero los músicos se mantienen tranquilos y concentrados y evitan los clichés indulgentes de improvisación. La música resultante es delicada y sensible, muy lejos del cliché del avant-jazz 'freak out', con unas melodías que a menudo nos recuerdan a Moussourgsky, Stravinsky y otros tantos del sonido de la música de cámara rusa o francesa de principios del siglo XX.
La segunda cara se cierra con "Water Torture", en la que una línea de bajo profunda y lenta doblada en el clarinete bajo suena como un cruce entre un ritmo funk lento y una composición rusa oscura, destacando la electrónica del Mellotron a cargo de Hancock y una sección de trompetas cuidadosamente orquestada logrando con ello un sonido orquestal futurista.
Sin embargo y a pesar de las soberbias interpretaciones instrumentales y la enorme composición, es el productor David Rubinson, el verdadero protagonista de este álbum, uno de los mas meticulosamente producidos con todas y en cada una de las notas, las reverberaciones, los ecos, el volumen…un trabajo titánico de minuciosidad al milímetro, consiguiendo con todo ello una obra maestra sonora absoluta

Isaac Hayes-Shaft (1971)

Como compositor, productor, arreglista, cantante y teclista, Isaac Hayes fue el arquitecto primordial del sonido característico del sello ubicado en Memphis, Stax Records.
Sin embargo pocos previeron su ascenso y su estrellato mundial que comenzaría en 1969 con su álbum “Hot Buttered Soul”, un trabajo en donde Hayes combinaba los entornos del jazz con sonidos hipnóticos y los largos desarrollos, con fusiones de funk, soul y psicodelia, todo ello bajo unas guitarras fuzz y oscuras y su voz profunda y cortante.
Después de este álbum llegaron dos trabajos en una línea continuista con extensos temas, arreglos meticulosos y una gran complejidad orquestada.
En 1971 Isaac Hayes lanzaría dos álbumes dobles, por un lado la banda sonora de la película “Shaft” y por otro “Black Moses”.
Con el primero, Isaac Hayes conseguiría su álbum mas exitoso, obteniendo un Oscar a la mejor banda sonora y un premio Grammy, y con ello catapultaría al artista al estrellato mundial, gracias en parte a la canción principal del disco.
En “Shaft”, Hayes combino sabiamente el funk exuberante y contundente con temas instrumentales suaves y delicados, todo ello bañado en lacónicos y sutiles sabores de jazz.
Ese infalible sentido melódico de Hayes brillaría en temas evocadores y atmosféricos como “Bympy´s Lament”, la suave y repleta de vibraciones “Elliés Love Theme”, la alegre “Cafe Regios”, con la cual evocaba ese sonido heredero de West Montgomery, la atrevida y contundente “No Namen Bar” o la deudora del compositor Burt Bacharach “Early Sunday Morning”, todas ellas con unos sofisticados arreglos de cuerda y vientos que se complementaban con los contornos melódicos de Hayes y el estilo requerido por Hollywood.
Meses mas tarde Hayes llegaría a su pico creativo, lanzando otra obra descomunal, “Black Moses”, en donde basaría su sonido en el estilo de “Hot Buttered Soul”, pero agregando fusiones mas eclécticas y expandiendo así su enorme lienzo musical.

Rare Earth-In Concert (1971)

Otro de esos álbumes en vivo que han pasado a las posteridad fue este “In Concert” de los Rare Earth, aquella banda que pese a estar formada por músicos blancos, pertenecían al sello Motown, famoso por su contratar exclusivamente a artistas de color.
Para cuando apareció este doble directo, Rare Earth ya habían publicado tres álbumes de estudio, entre ellos el monstruoso “Get Ready”, la obra que los encumbraba para siempre con el tema del mismo titulo que ha pasado a la historia como uno de los himnos de la música rock.
Rare Earth baso su explosiva música en el rhythm and blues fusionado con sonidos grooves, funk y soul, en una mezcla tan electrizante como musculosa y vibrante.
Los temas que componen este doble en directo fueron extraídos en diferentes conciertos celebrados durante gran parte del año 1971, en las ciudades de Miami, Jacksonville o New York.
Con la breve apertura de la funk psicodélica “I Just Want To Celebrate” se abre la primera cara de este álbum, para a reglón seguido y durante algunos segundos escuchar al batería Pete Rivera advertir al publico que tengan precaución sobre las posibles descargas eléctricas, debido a que gran parte de la audiencia se habían aglutinado muy cerca de las orillas del Atlántico, en una playa cercana al Florida Miami Stadium. Una vez dicho esa advertencia la banda comienza su rítmica maquinaria sonora interpretando gran parte de sus grandes hits como “Hey, Big Brother”, o “I´m Loosing You”, esta ultima un ejercicio soberbio de riffs funkys con un ritmo poderoso y vibrante con los que conforman la simbiosis perfecta entre la música blues y el soul.
Después de la jam musculosa “Get Ready” con sus casi 25 minutos de música enloquecida, llegan la rítmica “What´d I Say” y la psicodélica y progresiva funk “Thoughts”. Con este directo Rare Earth confirmaron que eran una de las bandas mas icónicas y solicitadas en los Estados Unidos de finales de los sesenta y principios de los setenta, con multitudinarias giras en donde llenaban grandes estadios por las ciudades norteamericanas donde pasaban y también con una gran presencia en las listas de éxitos con millones de discos vendidos.

J.Geils Band-Live Full House (1972)

J.Geils Band fue una extraordinaria banda norteamericana de rock & roll y R&B, que publicaron una serie de grandes discos en la década de los setenta, los cuales permanecen como parte de lo mejor del rock norteamericano. En sus inicios a mediados de los sesenta, esta banda era un trío de blues acústico formado por el cantante y guitarrista Jerome Geils, el bajista Danny Klein y el armonista Richard Salwitz, posteriormente ya casi a finales de la década se les unirían el cantante Peter Wolf y el batería Stephen Bladd. Con esta nueva formación la banda deriva su estilo hacia los derroteros eléctricos del rock, el blues y el soul. Sus primeros cinco álbumes empezando por el debut “The J.Geils Band” (1970) y su continuación “The Morning After” (1971), constituyen dos antológicos trabajos de sonidos potentes de R&B aderezados con un descarnado rock and roll y grandes dosis de soul, en ellos destacan la poderosa “First I Look At The Purse”, la versión de Otis Rush “Homework”, la tremebunda “Hard Drivin´Man” o “Serves You RightTo Suffer”, esta ultima otra versión, esta vez del gran John Lee Hooker.
Sin embargo en donde realmente destacaba esta banda eran en sus explosivos directos, con una fuerza imparable entre la armónica de Magic Dick, la ardiente guitarra de J.Geils y la tremenda voz de Peter Wolf.
Todo ello quedo reflejado en su directo “Full House” publicado en 1972 y grabado en el Cinderella Ballroom de Detroit, el cual se convirtió en el punto culminante de J.Geils Band. Un directo que esta considerado uno de los grandes registros en vivo de los setenta y que contiene un repertorio fulminante e incendiario como las trepidantes “Firts I Look At The Purse” o “Looking For A Love”, la jam “Whammer Jammer”, la R&B “Hard Drivin´Man” o la blues “Server You Right To Surffer”.
Si bien la banda encontraría más tarde un gran éxito en las listas a principios de los 80, el fanfarrón y blues rock de su propuesta inicial los convirtió en uno de los grupos mas solicitados en las giras estadounidense, una época en donde llenaban estadios durante el periodo comprendido entre 1971 y 1974.
Después de este enorme directo llegaría su siguiente álbum de estudio “Bloodshot” (1973), el cual se convirtió en el lanzamiento mas exitoso de la banda hasta esos momentos, alcanzando el décimo puesto en las listas del Billboard, mientras el siguiente “Ladies Invited” (1973), aún conteniendo grandes momentos, fue el principio de su época mas previsible, alejados de su contundente propuesta inicial, pero que sin embargo reforzaría el estatus de la J.Geils Band como una de las mejores bandas del rock americano de principios de la década de los setenta.
Sin embargo el éxito mundial les llegaría por fin en 1981 gracias a su álbum “Freeze Frame”, todo un numero uno en las listas Billboard, el cual contenía las adictivas y comerciales “Centerfold” y “Freeze Frame”, temas con un claro acento pop sin alejarse totalmente de su planteamiento original con acercamientos al funk, convirtiendo este en su trabajo mas ecléctico y experimental.

Stevie Wonder-Songs In The Key Of Life (1976)

La carrera de Stevie Wonder esta avalada por mas de 20 premios Grammy, una cifra con la que muy pocos artistas pueden competir. Descubierto como un niño prodigio, con apenas doce años grabaría su primer álbum, el primero de una serie de discos sujetos a un contrato abusivo que sus padres habían firmado con la Motown. Hasta llegar a la mayoría de edad ya tenia publicado la friolera de quince álbumes, entrando algunos de ellos en las listas de éxitos como ocurriría con el directo “Recorded Live: The Year Olg Genius” en 1963, el cual alcanzaría un rotundo numero uno en el Billboard norteamericano.
Una vez obtuvo la mayoría de edad, Wonder renovaría su contrato con la propia Motown, pero con diferentes acuerdos, entre otros el tener casi un total control sobre las grabaciones de sus posteriores álbumes. Y es que llegados a este punto, las ventas de sus discos habían superado los 30 millones de copias, convirtiendo a la Motown en una de las discográficas mas importantes de los Estados Unidos. A partir de aquí Stevie Wonder se dedico a pasar largas horas en los estudios Electric Lady de Nueva York aprendiendo todo lo que podía hacer con los teclados de ultima generación como los sintetizadores ARP y mini-Moog, con los cuales empezaría a trabajar en sus próximos discos. Una vez se familiarizo con las nuevas tecnologías electrónicas, Wonder se sentó definitivamente a negociar un nuevo contrato en donde exigió la absoluta libertad de decisión sobre las canciones a incluir en sus discos, los singles a publicar, y una serie de condiciones que se alargaban en unas 120 paginas de un contrato larguísimo y metódico.
Así llegarían tremendas obras como “Talking Box” en 1972, un álbum que fue avalado por la posterior gira que hizo junto a The Rolling Stones. En este primer álbum de su nueva etapa, destacaba la guitarra de Jeff Beck, la cual le daba una gran credibilidad en el ámbito del rock y los textos de algunas de las canciones incluidas como la netamente política “Big Brother” una clara alusión al presidente Richard Nixon en plena crisis de la Guerra del Vietnam.
A este le siguieron obras como “Innervisions” (1973) y “Fulfillingness´First Finale”, con los cuales conseguiría los premios Grammy y un primer puesto en las listas de R&B y en el Billboard.
Después de ello Stevie Wonder volvería a negociar otro nuevo contrato con la Motown, esta vez firmaría por siete años, siete álbumes y 37 millones de dólares, uno de los acuerdos mas grandes que se habían hecho hasta la fecha con una estrella del mundo del pop y del rock.
Después de ese ultimo álbum de 1974, Stevie Wonder se tomaría dos años para preparar su siguiente movimiento discográfico “Songs In The Key Of Life”, un doble álbum en donde mostraba su mejor creatividad, mostrando una ecléctica amalgama de estilos que iban desde el funk, el pop, el jazz y sutiles sonidos latinos. Temas que iban desde la rítmica jazz fusión “Contusion” hasta delicados duetos de voz y arpa “If it´s Magic”.
Aunque en los créditos figuran mas de 130 músicos que participaron en las labores de grabación, entre los que se encuentran Harbie Hancock, George Benson, Michael Sembello, Minnie Riperton o Ronnie Foster, el concepto nunca se aparta de la visión singular y ardiente de Stevie Wonder. El pre-estribillo casi furtivo de “Knocks Me Off My Feet”, contrastan con el vertiginoso funk pop de “As”, la funk rítmica “I Wish” o la armónica “Sir Duke”, dedicada a Duke Ellington.
Pero también hay momentos para las reivindicaciones y la protesta social, como queda demostrado en “Village Ghetto Land”, en donde expresa el dolor y la indignidad de la pobreza y la falta de viviendas sociales o en “Black Man”, una clara revisión histórica y literal, en donde da el ejemplo de como todos los colores y culturas han contribuido al progreso global.
“Songs In The Key Of Life”, publicado el año del bicentenario de los Estados Unidos, una época en donde la frustración y la desesperación en torno al gobierno y las instituciones del país eran constantes, fue visto como un correctivo y una contra narrativa a los continuos bombardeos de los dirigentes con historias y actos heroicos alabando la bandera norteamericana y el sueño americano.

Rare Earth-Get Ready (1969)

Rare Earth pasaron a la historia por varios hechos muy significativos, el primero por ser la primera banda de blancos por fichar por un sello enfocado exclusivamente a artistas de color como era la Motown y en segundo lugar por su emblemático tema “Get Ready”, una volcánica y musculosa canción de mas de veinte minutos que los colocaría en la cima de la música rock en 1969.
Formados a principios de los sesenta, no seria hasta finales de esa década cuando conseguirán el reconocimiento mundial, sin embargo durante todos esos años la banda reafirmaría un estilo peculiar en donde las influencias del jazz, el blues, el rock y la música negra les otorgaban un sonido diferente y muy atractivo.
Compuesto por el guitarrista Rod Richards, el batería y vocalista Pete Rivera, el bajista John Persh, el cantante Gil Bridges y el teclista Kenny James. Después de un primer álbum que pasaría bastante desapercibido “Dreams/Answers”, llegaría “Get Ready” un año mas tarde, con el que consiguen encaramarse hasta las primeras posiciones de las listas de medio mundo y un disco de platino por sus ventas.
En este álbum la banda manifestaba sus perfectas dotes instrumentales con un ritmo vivo y sostenido con poderosos temas como la inicial “Magic Key”, la hipnótica “Tobacco Road”, la soul “Feelin´Alright” o la psicodélica “Train To Nowhere”, además de la mencionada “Get Ready”. Para el siguiente álbum la banda se amplia a sexteto con la incorporación del percusionista Eddie Guzmán, cuya inclinación latina dota de una mayor profundidad musical a la rica amalgama de estilos fusionado por Rare Earth.
Los siguientes movimientos discográficos del grupo vuelven a tener un gran éxito y así tanto “Ecology” (1970), en el que destaca el tema clásico negroide “( I Know) I´m Losing You”, el siguiente “One World” (1971) y el directo “In Concert” (1971), les volvieron colocar en la cumbre con su sonoridad poderosa y contundente. A partir de aquí Rare Earth seguirían publicando regularmente álbumes de menos impacto comercial pero de gran calidad como “Ma” (1973), donde destaca la musculosa soul progresiva del mismo titulo, la cual ocupa toda la primera cara de LP o el siguiente “Back To Earth” (1975).

The Doobie Brothers-Minute By Minute (1978)

Durante sus primeros años de carrera, The Doobie Brothers se movieron por diferentes estilos e influencias como el rock, el R&B, el rock sureño, el country y el folk, pero sobre todo con un sonido basado en las poderosas guitarras, las cuales eran el denominador común de su inconfundible estilo, con la dupla Tom Johnston y Patrick Simmons, dos formidables guitarristas que se diferenciaban por su impetuoso estilo, acompañados por una efectiva base rítmica. Durante este primer periodo facturan álbumes exitosos de tremendo rock como "The Captain and Me" (1973) o “Stampede” (1975). después de este ultimo uno de sus máximos baluartes como era Johnson, empieza a perder protagonismo en favor del nuevo cantante Michael McDonald, quien se convierte en parte fundamental del cambio estilístico de la banda hacia derroteros mas comerciales. Ya desde el primer álbum con el nuevo cantante, supone el acercamiento a sonidos mas sofisticados, muy cercanos al jazz y al soul con pinceladas funkys. Por entonces la formación de la banda distaba mucho de la original de sus primeros años, además de McDonald también había entrado el guitarrista Jeff "Skink" Baxter, acompañando a Simmons y Johnston y al igual que el cantante, ambos procedían de los Steely Dan, igualmente la nueva sección rítmica estaba compuesta por el batería John Hartman y el bajista Keith Knudsen. Esta nueva formación publicaría el brillante "Takin´ It To The Streets" (1976), en el cual ya se encuentran los alicientes que mas tarde los harían incluso mas exitosos, y que tendrían continuación en el aún mas jazzistico "Livin´On The Fault Line" de un año después. Pero no seria hasta 1978 con el monumental "Minute By Minute", en el cual ya no interviene Tom Johnston, cuando The Doobie Brothers cambian radicalmente de estilo, con un sonido impregnado completamente de soul, funk y Rhythm and Blues, y en donde los teclados cobran mucho mayor protagonismo en detrimento de las guitarras con un resultado apoteósico. Las ricas armonías vocales, las letras ingeniosas y punzantes y las melodías pegadizas, se apoderan de la mayoría de temas aquí exhibidos, como queda demostrado en la melódica e irresistible "What A Fool Believes", todo un hit numero uno en las listas de éxitos, la jazzistica "Minute By Minute", o las pegadizas "Open Your Eyes" y "How Do The Fools Survive". Sin embargo no abandonan su lado mas rock con la gloriosa "Don´t Stop To Watch The Wheels", mientras las restantes mantienen el nivel bastante alto como la country instrumental "Streamer Lane Breakdown" o la festiva "Dependin´On You".
El cambio tan radical de estilo le valió a The Doobie Brothers su primer numero uno en álbumes, con un triple disco de platino por sus enormes ventas y tres premios Grammy.

The Jimi Hendrix Experience-Electric Ladyland (1968)

En apenas dos años Jimi Hendrix publicaría tres asombrosos álbumes de abrumadores sonidos de guitarra, los cuales asombraron al mundo con su estilo revolucionario y el uso de la guitarra eléctrica como instrumento principal, explorando todos los sonidos y estilos que con ella se podían realizar. Si ya con los antológicos "Are You Experienced" y "Axis: Bold As Love" ambos publicados en 1967, Hendrix había conseguido lo que nadie había desarrollado hasta ese momento con las seis cuerdas, demostrado en temas tan magistrales como "Purple Haze", "Highway Chile", "Stone Free", "Hey Joe", "Little Wing", o "Spanish Castle Magic", para su tercer lanzamiento, este "Electric Ladyland", el guitarrista fue mucho mas allá, tanto en su faceta creativa como en la instrumental. Sin embargo este tercer álbum fue lanzado con mal pie ya que su controvertida portada causaría bastante revuelo por su sugerente cubierta, (un supuesto harén de mujeres desnudas), carátula que generaría por razones evidentes unas feroces criticas por una gran parte de la sociedad conservadora norteamericana, hasta el punto de que muchos almacenes y tiendas de discos se negaron en rotundo ponerlo a la venta. Debido a esto finalmente su portada original fue sustituida en el mercado norteamericano por una del propio Hendrix con cierto aire psicodélico.
"Electric Ladyland" supuso la madurez de Hendrix como músico y compositor, evolucionando su estilo hacia terrenos mas experimentales con unas complejas composiciones innovadoras y sofisticadas. En esta nueva entrega Jimi Hendrix consigue crear líneas de guitarras casi inalcanzables, con sucesiones de acordes jazzisticos, fusionado con el blues y el funk como podemos apreciar en las soberbias "Burning Of The Midnight Lamp" o "...And The Gods Made Love", en las soul funk "Have Your Ever Been", la hipnótica "Voodoo Child", la compleja "1983…(A Mermain I Should Turn To Be)", o en la blues rock "Still Raining, Still Dreaming". El espectacular contenido de aquí expuesto se convirtió en todo un referente y un manual indispensable para cualquier guitarrista y a la vez en una obra maestra del rock.

The Temptations-Masterpiece (1973)

The Temptations fueron uno de los grupos mas exitosos de la factoría Motown, durante mas de cincuenta años publicaron una treintena de discos, obteniendo tres premios Grammy y numerosos números uno en álbumes y sencillos, con unas ventas globales que superan con creces los 60 millones de copias.
En 1973 The Temptations publicaron su décimo sexto álbum "Masterpiece", uno de sus últimos grandes éxitos grabado para la Motown y en el que se incluía la musculosa canción del mismo título de 14 minutos de duración, que lograría un aplastante éxito en las listas de US Billboard Pop y US Billboard R&B.
Para este álbum la banda contaría con la producción de Norman Whitfiel, uno de los pilares del sello de Detroit y considerado el padre del sonido Motown. Fruto del trabajo entre este productor y The Temptations, este disco logra estar a la altura de las mejores obras del soul y el funk psicodélico, empezando por el petulante titulo y la pretenciosa portada del disco con los rostros de los integrantes perfectamente alineados y petrificados, todo ello ya intuía lo que el productor quería demostrar con esta magna obra. "Masterpiece" es sin duda una obra maestra del soul psicodélico progresivo, con arreglos casi obsesivos, en donde sobresalen la poderosa sección rítmica con un sinuoso bajo, baterías contundentes adornado con instrumentos de vientos, cuerda, y unas sugestivas voces. La épica “Masterpiece”, un ejercicio de funk y soul progresivo con sonidos psicodélicos de guitarras, la soul con desarrollos complejos “Ma”, la funky bailable “Law Of The Land”, la funk “Plastic Man” o la atmosférica “Hurry Tomorrow”, componen un álbum sensacional realizado por una de las mejores bandas de soul de todos los tiempos.

Ray Owen´s Moon-Moon (1971)

En 1970 el guitarrista Ray Owen abandonaba la banda Juicy Lucy con quienes había grabado su álbum debut un año antes para comenzar su carrera en solitario. Para ello funda el grupo Ray Owen´s Moon junto a los guitarristas Dick Stubbs y Les Nicol, al bajista Sid Gardner y al batería In McLean. Ese mismo año son invitados a participar en el festival de la Isla de Wight y poco después en el Midnight Sun de Suecia junto a Elton John, Blue Mink, Chuck Berry, Canned Heat y Hawkwind. En 1971 publicaron su único LP titulado "Moon", el cual se perdería en el abismo musical, así como la posterior carrera en solitario de Owen. Sin embargo Owen en los sucesivos años colaboraría activamente con la banda Killing Floor, con Vicent Crane y a mediados de los 90 resucitaría a los Juicy Lucy con quienes grabaría varios álbumes durante esa década.
En "Moon" Ray Owen presentaba un rock psicodélico con influencias de blues y funk, repleto de grandes riffs en algunos momentos muy saturados producto del sonido de los tres guitarristas (Owen, Gardner y McLean). En la funk rock "Talk To Me", aúna todo lo mencionado con un ritmo de bajo funk, en contrapunto la hipnótica y atmosférica "Don´t Matter" pone la nota pausada al frenético ritmo del álbum que retoma con la poderosa funk “Ouiji", o la hard rock con tintes psicodélicos "Hey Sweety", para acabar con la acida versión del tema de Jimi Hendrix "Voodoo Chile", uno de los momentos cumbres de un trabajo que fue considerado por la prestigiosa revista Classic Rock, una joya perdida del rock.

Steve Marriott-Marriott (1976)

Como fundador y líder de los míticos Small Faces, pero sobre todo de la legendaria banda Humble Pie, Steve Marriott dejo un legado para la posteridad con un estilo que aparte de su fuerza vocal y su soberbio timbre, tenia una expresividad capaz de despertar cualquier sentimiento.
Nacido en Essex, cerca de Londres, en 1947, Marriott estuvo ligado con la música  desde muy temprana edad y a pesar de haber nacido en una familia de la clase trabajadora, su talento y una beca le permitieron participar incluso en el teatro musical con bastante éxito en los sesenta. Sin embargo su devoción por el blues fue su principal motivación y junto a Ronnie Lane y Kenney Jones, a quienes se sumaría más tarde Ian McLagan, fundaría una de las mejores bandas de la llamada invasión británica de la segunda mitad de los sesenta: Small Faces, con quienes en 1968 grabó un celebre álbum de pop y rock psicodélico, "Ogdens’ Nut Gone Flake".
Mas tarde el guitarrista se separó de sus compañeros para formar junto a Peter Frampton uno de los grupos de hard rock más explosivos de la historia, los extraordinarios Humble Pie. Fue a partir de aquí cuando Steve Marriott dio rienda suelta a su pasión por el blues y el rock. El sonido del Humble Pie era potente, duro, básico, e íntimamente ligado a la música negra estadounidense, con el extra de la fabulosa guitarra de Frampton y la poderosa voz de Marriott. Sus presentaciones resultaban espectaculares y de ellas hay un registro extraordinario en formato de doble álbum "Performance, Rocking the Fillmore" (1971), uno de los mejores directos de la historia del rock.
A mediados de la década Steve Marriott se decide publicar su primer álbum en solitario, titulado "Marriott" (1975), el cual se divide en dos partes bien diferenciadas, una británica y otra americana. En la cara británica, el hard rock es el predominante con trallazos del calibre de "East Side Struttin´", "Midnight Rollin´" o "Wam Bam Thank You Ma´ am", o la rock psicodélica "Help Me Tonight", todas ellas con sonidos dominados por las potentes guitarras. En cambio segunda cara el estilo se desvía hacia sonidos mas genuinamente americanos como queda demostrado en las soul "Star In Life", "You Don´t Know Me" o "Early Evening Light", y en las funky "Are You Lonely For Me Baby" y "Late Night Lady", en donde el mayor protagonismo están en las voces y en los teclados.
"Marriott" a pesar de este claro contraste musical es sin duda el mejor trabajo que Steve Marriott hizo en solitario y uno de los mas interesantes de la década de los 70.

Funkadelic-Maggot Brain (1971)

Junto a Parliament, Funkadelic fueron los máximos exponentes de la fusión entre rock psicodélico, el funk y el soul, una síntesis fascinante que Jimi Hendrix llevaría a la cúspide creativa y que músicos como George Clinton explotaron hasta límites insospechados. Fundada originalmente en 1964 por George Clinton con músicos de la banda del Parlamient. Su concepto innovador se canalizó a través de las dos bandas mencionadas.
Mientras Parliament hacía un funk más suave basado en el rhythm and blues y los arreglos de cuerda y viento, Funkadelic practicaba un funk rock experimental, con potentes guitarras fuzz influenciadas por Jimi Hendrix, con sonidos ásperos y crudos tomados de las bandas del hard rock de Detroit.
"Maggot Brain" sería el título de su tercer y definitivo álbum publicado en 1971, un disco imprescindible en la historia del funk rock psicodélico y que influiría decisivamente en cientos de artistas posteriores. Su tema estrella es precisamente el que da título al disco, una epopeya de diez minutos donde su fantástico guitarrista Eddie Hazel, desarrollando un impresionante solo de guitarra, aparentemente bajo los efectos de alucinógenos como el LSD. El resto del disco no se queda atrás con temas cautivadores como "Super Stupid", "Hit It And Quit It" o "Wars of Armageddon", esta última un sorprendente jam que cierra esta obra maestra del funk rock.

Sly & The Family Stone-Stand (1969)

Sly and The Family Stone fue la primera banda de color de la costa oeste americana. Ellos serian aceptados masivamente tanto por sus grabaciones, como por el tremendo éxito personal acontecido en el festival de Woodstock en 1969, a pesar de sus abundantes connotaciones raciales y políticas y el reto que suponía el desenfado y la tremenda agresividad de Sly Stone.
La carrera de Sly Stone se remonta a los primeros años de los sesenta cuando forma su primera banda The Stoner´s para en 1968 configurar lo que finalmente seria Sly and The Family Stone.
La aparición de Sly and The Family Stone es fulgurante, su música bautizada como Psychodelic Soul, junto a una explosiva descarga rítmica y comercial tiene una clara ideología racial que la destaca por encima de otros valores.
Su mencionado triunfo en Woodstock es sin duda la mas clara prueba de su aceptación masiva. Esta banda estaba formada siete miembros, de los cuales tres eran hermanos del propio Sly, Rose, Vaetta y Freddie Stone, teclados, voces y guitarra respectivamente, además de Jerry Martini (saxo), Cynthia Robinson (trompeta), Larry Graham (bajo), y Gregg Errico (batería). En el destacan  cuatro vocalistas principales, a todos ellos habría que sumarles un grupo de coristas llamadas "The Little Sister", sin embargo Errico y Martini, eran los dos únicos músicos de raza blanca de la banda.
Con semejante tropa de componentes de voces y instrumentos, no era de extrañar la sensación que producía la banda entonces.
En 1969 llegaría el cuarto álbum de la banda, "Stand", el cual consagra definitivamente a Sly & The Family Stone, un disco con una inmejorable fusión de soul, funk, rock, jazz y la psicodélica imperante. Aquí mostraron la calidad necesaria para que de inmediato fueran invitados ese mismo año al mencionado Woodstock.
"Stand" es un perfecto equilibrio entre soberbios ritmos funk con coros gospel, con la temática anti-racial como estandarte: "Don´t Call Me Nigger, Whitney", o la groove "I Want to take you Higher", que fue uno de los temas mas excitantes que hicieron furor en Woodstock, mientras la funk "Sing a Simple son" muestra el virtuosismo de Larry Graham con el bajo.
La versión de "Sex Machine" es sin duda el momento cumbre del álbum, un torbellino de funk experimental de 14 minutos en donde toda la banda tiene su momento de lucidez.
A partir de aquí, el éxito y el estilo sociopolítico de su soul les pasaría factura, relacionado con el consumo de drogas por parte de algunos de sus miembros, o llegando a formar parte de los famosos "Black Panthers" (Panteras Negras) quienes empezaron a tomar decisiones en el seno de la banda como expulsar a los músicos blancos entre otras cuestiones raciales.