ZZ Top-Degüello (1979)

ZZ Top gozaron de un prestigioso status durante las cinco décadas que se mantuvieron bajo una formación invariable. Como auténticos músicos de raíces sureñas, ellos han sido imbatibles mostrando desde el blues tejano, hasta el rock sureño, pasando por el rock and roll, el boggie rock e incluso los sonidos mas mainstream que ofrecieron en los años 80. Este poderoso trío compuesto por Billy Gibbons, Dusty Hill y Frank Beard siempre se han caracterizado por sus letras humorísticas y sus claras insinuaciones, además de sus odas al motor y a las groupies, todo ello aderezado por su contundente estilo polvoriento. Algunas de sus canciones como "Tush", "Jailhouse Rock" o "La Grange", pertenecientes a sus primeros discos son considerados clásicos del rock norteamericano. En 1979 con su álbum "Degüello", lograrían su primer disco de platino gracias a un trabajo que equilibra su estilo de blues y boogie rock de sus primeros lanzamientos con los sonidos del hard rock que a partir de aquí serán su seña de identidad. Aun así en este sexto álbum todavía hay resquicios del pasado reciente como el boogie sureño "Cheap Sunglasses", el blues arenoso de "Fool For Your Stockings" o la versión bluesy que hacen del tema del original de Robert Johnson "Dust My Broom", el rhythm and blues "She´s Loves My Automobile" o la rock and roll "Hi Fi-Mama", mientras que "Esther Be The One" y "Manic Mechanic", ya dejan entrever por dónde irán los derroteros musicales en sus próximos años, evolucionando hacia un desarrollo musical más hard & heavy rock.

Buddy Guy & Junior Wells-Play The Blues (1972)

"Play The Blues" es uno de los álbumes históricos del blues, un memorable trabajo brindado por dos de los grandes del genero como Buddy Guy y Junior Wells. Este formidable dúo daría grandes momentos eternos a la historia del genero con grabaciones como esta que nos ocupa, publicado en 1972. En este séptimo trabajo firmado como Buddy Guy with Junior Wells, contaron con la participación de entre otros músicos legendarios, con Eric Clapton, Jim Gordon, Dr. John, A.C. Reed y de algunos miembros de la J.Geils Band. Compuesto por temas propios del dúo Guy-Wells y versiones de algunos de los grandes bluesman de la historia, fue grabado en los estudios de la Atlantic Records de Nueva York en octubre de 1970. Clásicos como "My Baby She Left Me (She Left Me a Mule to Ride) de Sonny Boy Williamson, "T-Bone Shuffle" de T-Bone Walker o "Honeydripper" de Joe Liggins, comparten repertorio con los irresistible blues de su propia cosecha como "A Man of Many Words", "Come on in This House/Have Mercy Baby" o "This Old Fold", logrando con todos ellos un irrepetible disco del mejor blues.

Ry Cooder-Paris,Texas-Original Motion Picture Soundtrack (1985)

Ry Cooder nunca será famoso por el computo habitual de los millones de discos vendidos, pero sin embargo lo es por haber sido uno de los grandes artesanos de la música rock, profundizando en los sonidos mestizos y de exploración y sus raíces mas profundas de la música americana.
Su discográfica es extensa y rica, desde sus múltiples composiciones para bandas sonoras, hasta sus proyectos en solitario, pasando por sus trabajos para otros artistas.
Ganador de seis Grammy, además de otros galardones importantes como el doctorado honorario en las Universidades de Queen en Canadá o el de las Artes de California, Cooder ha dejado para la posteridad obras de gran envergadura, consideradas como fundamentales en el devenir de la música contemporánea.
Una de ellas es la banda sonora de la película de Win Wenders, “Paris Texas”, un memorable recorrido por los paisajes tejanos en donde imprime a su guitarra esos sonidos áridos y polvorientos típicos del sur de los Estados Unidos, en un álbum tan emocionante como brillante y con el cual su popularidad se dispararía aún mas, demostrando su enorme talento y su genialidad.

Muddy Waters-The London Muddy Waters Sessions (1972)

Hablar del blues de Chicago es hablar de Muddy Waters, que afianzado en las raíces del profundo blues del Mississippi, siempre mantuvo viva la esencia del genero a través de las todas las modas musicales de su época, desde el rock´n´roll, hasta el boom del folk, pasando por el flower power, la psicodelia o los sonidos del pop británico de los 60.
Nacido y criado en el delta del Mississippi en 1913, su comienzo fue junto algunos bluesman de la talla de Son House o Robert Johnson a mediados de los años 30.
En 1947 lograría firmar con el sello especializado en el blues, Chess Records, con los que empezaría a grabar junto a Little Walter, Jimmy Rogers y Otis Spann.
Después de una interminable sucesión de discos sencillos y álbumes, grabaría el disco “The London Muddy Waters Sessions” en 1972, junto a una serie de músicos blancos de gran prestigio.
Estos músicos eran Rory Gallagher, Georgie Fame, Rick Grech, Steve Winwood o Mitch Mitchell entre otros. De esta legendaria grabación salieron unas arrebatadoras sesiones de gran blues como las versiones de Wliie Dixon “Young Fashioned Ways”, “Walkin´ Blues” y “I´m Ready” o “Key To The Highway” del legendario Big Bill Broonzy.
“The London Muddy Waters Sessions”, es uno de los documentos históricos del blues que hoy en día esta considerado como uno de los momentos cumbres del genero.  

Rare Earth-One World (1971)

Si con su tercer álbum Rare Earth volvieron a impactar en las listas del Billboard de R&B, logrando un disco de oro y un top ten con el clásico de la Motown “(I Know) I´m Losing You”, con el siguiente “One World”, no le irían a la zaga, de hecho igualarían sus registros e incluso produjeron otro éxito mundial con la canción de cosecha propia “I Just Want to Celebrate”.
Grabado con la misma formación que el anterior “Ecology”, con la excepción del guitarrista Rod Richards, sustituido aquí por el músico de sesión de la factoría Motown Ray Monette, el resto estaba formado por Mark Olson, Ed Guzman, Gil Bridges, John Persh y Pete Rivera, los tres últimos, supervivientes de la formación original que grabaría el apoteósico y monumental “Get Ready”, de varios años antes.
Producido por Tom Baird, muestra el sonido característico de Rare Earth con ese musculoso y vigoroso soul, jazz, blues y rhythm and blues, con notables cortes como la extensa versión de Ray Charles “What I´d Say”, la funk rock con rasgos bluesy “The Seed”, la robusta “Someone Of Love”, la soul rock “Any Man Can Be A Fool”, la country/folk rock “If Die”, la melódica “The Road” o la mencionada funk rock “I Just Want to Celebrate”.

Cream-Goodbye (1969)

Publicado como colofón a su espectacular trayectoria, el trío compuesto por Eric Clapton, Jack Bruce y Ginger Baker lanzaron su cuarto y ultimo trabajo a mediados de 1969, titulado irónicamente “Goodbye”, el cual contiene seis temas divididos entre directos y en estudio, los tres primeros grabados en el Fórum de Los Ángeles el 19 de octubre de 1968 y los tres restantes en los estudios IBC de Londres varias semanas antes.
El álbum comienza con las versiones en directo y se inicia con la enérgica y pegajosa “I´m So Glad”, nueve minutos de puro tour de forcé en donde cada uno de los músicos muestra sus excelencias instrumentales, a la que le siguen la blues rock “Politician” y la rudimentaria y cruda bluesy “Sitting On Top Of The World".
Mientras en los temas de estudio, cada uno de los integrantes aportan los restantes, por un lado “Badge”, una canción coescrita por Eric Clapton y George Harrison, y en la cual resuenan sutiles toques Beatle, y por otra la extravagante “Doing That Scrapyard Thing” de Bruce y la vibrante y dramática “What a Bringdown” de Baker, todas ellas con un mismo patrón estilístico, las habituales líneas psicodélicas de la banda.
Para cuando se publico el álbum, Cream ya estaban disueltos, por  lo que en cierto modo fue un ultimo esfuerzo comercial por parte de la Polydor Records, la cual acertaría plenamente ya que vendería cerca del millón de copias a nivel mundial.

Canned Heat-Living The Blues (1968)

En 1968 Canned Heat entregaban su tercer trabajo titulado "Living The Blues", un ambicioso doble álbum en donde aparecían entre otros soberbios temas, uno de sus hits mas emblemáticos, el himno rural hippie "Going Up The Country".
En esta tercera entrega del grupo liderado por Alan Wilson y Bob Hite, muestran una clara evolución hacia el blues experimental, modernizando su sonido y demostrando la destreza y el conocimiento de las pasiones musicales de todos sus integrantes.
Llegados a este punto la banda ya estaba consolidada con su formación mas clásica, además de los citados Alan Wilson guitarra, voz y armónica y Bob Hite, vocalista, se encontraban Larry Taylor al bajo, Henry Vestine a la guitarra y Adolfo Fido de la Parra a la batería.
Este monumental doble álbum contiene algunos de los mejores logros del blues y boogie blues de toda su historia, impregnados de sonidos jazzisticos, acid rock y psicodélica, todo ello interpretado con una gran sabiduría, destreza, pasión y energía.
Desde la mencionada y fabulosa "Going Up The Country", hasta la jam vorágine "Refried Boogie", 40 minutos de alucinante blues rock, en cierta medida también algo indulgente, pasando por las tremendas versiones de artistas como Jimmy Rogers "Walking By Myself", o "Pony Blues", una revisión del clásico de Charly Patton, o apabullantes blues "Sandy´s Blues", "Boogie Music" y "One Kind Favor", sin olvidarnos del magnifico y talentoso medley "Parthenogenesis", toda una epopeya sublime de acid rock, experimentación y blues
"Living The Blues" es la obra cumbre de una banda como Canned Heat antes de que la muerte, las drogas y las disputas internas comenzasen a hacer mella entre sus integrantes. Pero antes de que esto sucediese aún tuvieron tiempo de publicar dos alucinantes álbumes mas como fueron "Hallelujah" (1969) y "Future Blues" (1970).

Jethro Tull-Living In The Past (1972)

"Living In The Past", el quinto álbum de Jethro Tull, es un semi-recopilatorio que presenta una gran cantidad de canciones inéditas que no pertenecen a ningún álbum anterior, algunas de ellas publicadas originalmente en las caras B de los singles, además de otras que fueron desechadas para sus discos oficiales, que fue lanzado en 1972 en formato de doble LP.
Este doble álbum contiene una serie de temas que no conocían previamente muchos de los aficionados de la época, pertenecientes al periodo comprendido entre 1968 y 1971, por lo que para la gran mayoría fue visto como un nuevo álbum oficial y no una mera recopilación al uso.
Al tratarse de un disco que contiene obras de diferentes épocas, es sumamente interesante observar la evolución de la banda desde sus comienzos de blues y folk hasta los sonidos hard rock y progresivos que fueron imprimiendo a medida que fueron transcurriendo esos primeros años de la carrera de la banda.
El folk, el blues y las influencias de jazz están presentes en cortes como "Song for Jeffrey", "Love Story", "Bourée", "Driving Song" o "Witch´s Promise", mientras la vena mas experimental la encontramos en "Sweet Dream", "Singing all Day", "Life Is A Long Song", "Dr. Bogenbroom" o la progresiva "Living In The Past".
Por derecho propio "Living in the Past" se ha convertido en un disco imprescindible en la discográfica de Jethro Tull y probablemente uno de sus mejores trabajos, pese a llevar la camuflada etiqueta de recopilatorio.

Levon Helm-Dirt Farmer (2007)

Después de superar un cáncer de garganta y una intensa radioterapia; Levon Helm a sus 67 años volvió a publicar un nuevo álbum, casi 25 después de su ultimo trabajo en solitario.
“Dirt Farmer” es uno de esos soberbios y palpitantes discos que demuestra la sangre que lleva dentro este legendario músico impregnada de blues, gospel, folk, country y rock and roll y que interpreta de manera natural y asombrosa.
Compuesto por temas tradicionales que van desde canciones rurales hasta bluegrass, pasando los senderos del folk o versiones de artistas del calibre de Steve Earle, Budy Miller, The Carter Family o Stanley Brothers, Helm nos deja otro álbum que lleva camino de convertirse en un clásico atemporal.
Acompañado de su hija Amy Helm, cuenta con la valiosísima colaboración entre otros de Larry Campbell, un músico curtido en mil batallas que formo parte de la banda de Bob Dylan durante años.
El desparpajo y la combinación de estilos demuestran que aun Helm conserva aquí su innegable capacidad para poner en asombro a cualquiera con su voz rasposa y esta vez debido al cáncer, desgastada y en cierto modo cansada.
El rock esta presente en cortes como “False Hearted Lover Blues”, mientras el viejo cajun aparece en “Poor Old Dirt Farmer”, dos temas en donde además demuestra su talento con la batería.
El resto esta relleno de sentimientos como queda demostrado en los cortes “The Mountain”, “Single Girl, Married Girl” o “Wide River To Cross”.
“Dirt Farmer” obtuvo su merecido reconocimiento logrando el premio Grammy al mejor álbum de folk tradicional en el 2008, haciendo así justicia a la innegable labor de uno de los patriarcas de la música de raíces norteamericana.

The Doors-L.A.Woman (1971)

En febrero de 1971 la banda norteamericana The Doors, terminaba de grabar su sexto álbum “L.A.Woman”, y justo después de las sesiones de grabación, su cantante y líder, el carismático Jim Morrison, decidiría abandonar para dedicarse a la poesía, lejos del caótico mundo de súper estrella de la música rock.
Para ello se trasladaría a Paris, mientras el resto de la banda permaneció en Los Ángeles, esperando que de alguna manera Morrison pronto se aburriera de escribir poemas a la orilla del Sena y regresara para seguir con la carrera del grupo.
Apenas tres meses después, el 3 de julio, Jim Morrison fallecería de un supuesto infarto, en una de las muertes mas polémicas y misteriosas de la historia de la música moderna.
Pero antes de este luctuoso suceso, en abril se publicaba oficialmente “L.A.Woman”, para muchos el canto del cisne de The Doors y toda una obra maestra de la música contemporánea.
Un álbum que muestra a un Jim Morrison con un claro acento blues decrépito, debido sin duda a sus años de abuso de sustancias derivadas de las drogas y a su autodestrucción, pero que sin embargo de alguna manera ayuda a que la música aquí sea mas mezquina y cruda y al mismo tiempo incluso mas refinada.
Con un papel todavía bastante dominante en las composiciones por parte de Jim Morrison, a pesar de ello se denota un menor entusiasmo y a la postre un mayor protagonismo de Manzarek, Desnmore y Krieger, en el que es sin duda el trabajo donde mas brillan sin estar oscurecidos por el rol de su líder.
También es el álbum en el que cuentan con un bajista de manera oficial, papel que recaería en Jerry Scheff, además de contar con un segundo guitarrista, Marc Benno.
Ambas contribuciones, sobre todo la primera, liberaba a Ray Manzarek en el rol de teclista, otorgándole un mayor protagonismo instrumental.
En “L.A.Woman” no hay ningún corte que sobresalga sobre el resto si exceptuamos a esa antología que es “Riders on The Storm”, desde la inicial “The Changeling”, con sus patrones rítmicos en evolución y esos teclados funkys (curiosamente una década después la banda Lipstick, tomaría “prestada” la base rítmica de esta canción para su hit mundial “Funkytown”), hasta temas blues con acordes jazzisticos, “Been Down So Long”, “Cars Hiss By My Windows” o “Crawling King Snake”, pasando por cortes proto prog como la vertiginosa canción principal, la melódica y con un gran trabajo de percusión y órgano “The Wasp” o la impresionante “Riders On The Storm”, una deslumbrante epopeya que ha pasado a los anales del rock como todo un clásico atemporal.
Quince discos de platino, media docena de discos de oro y cerca de 7 millones de copias vendidas alrededor del mundo, fueron los impresionantes registros de este asombroso ultimo álbum de The Doors con Jim Morrison al frente de la banda.

Taj Mahal-Giant Step/De Ole Folks at Home (1969)

Taj Mahal es uno de los grandes pilares del blues, sin embargo nunca ha tenido la fama ni el mismo reconocimiento que otros bluesman mas mediáticos como B.B.King, John Lee Hooker o Muddy Waters.
Nacido a mediados de la década de los 40, sus inicios artísticos fueron bastantes dubitativos practicando un estilo de blues que no tenia demasiado relación con el estilo habitual, impregnado de sonidos gospel, jazz, swamp o zydeco, siendo por lo tanto los mas puristas los primeros en minimizar su estilo al comienzo de su carrera.
Sin embargo todas esas opiniones quedaron desfasadas cuando los propios The Rolling Stones le invitaron a participar en su show “Rolling Stones Rock and Roll Circus” en 1968. Este transcendental hecho fue el principio de la reconsideración de su particular estilo, lo que contribuiría a la difusión masiva de su obra y el reconocimiento de los primeros discos de Taj Mahal de finales de los 60.
Ya con su segundo álbum “The Natch´t Blues”, adquirió la suficiente fama para arriesgarse a lanzar un doble disco que acabaría encumbrando definitivamente su carrera entre los grandes bluesman de la época.
Titulado genéricamente “Giant Step/De Ole Folks at Home” (1969), este doble álbum contaba con dos discos bien diferenciados, en el primero “The Gian Step”, Taj Mahal (voz, armónica, banjo y steel-guitar), acompañado del potente trío compuesto por Jesse Ed Davis a la guitarra eléctrica y acústica y el órgano, Gary Gilmore al bajo y Chuck Blackwell a la batería, muestra su ecléctica esencia blues en cortes como la rock and roll “Keep Your Hands Off Her”, los clásicos blues “Give Your Woman What She Want”, “Good Morning Little Schoolgirl” o “Bacon Fat”, la sureña “Six Days On The Road” o la fronteriza “Further On Down The Road”.
Mientras el segundo disco es un tour de forcé de Taj Mahal en solitario con su guitarra, su armónica y su voz, reviviendo el primitivo blues de principios de siglo con varias influencias como el gospel o diferentes sonidos tribales.
Con este doble álbum considerado uno de los mejores de la historia del blues,
Taj Mahal entraría en la leyenda del genero y de paso su carrera se revalorizaría, convirtiéndose en uno de los iconos del genero en las siguientes tres décadas.

The Doors-An American Prayer (1978)

El noveno álbum de The Doors, publicado seis años después de la disolución de la banda y ocho desde la muerte de su cantante, es una colección póstuma de las obras poéticas del propio Jim Morrison, mientras que el resto de la banda contribuyó en la composición musical. Fue lanzado a finales de 1978 y esta considerado como el canto del cisne de la mítica banda californiana.
En el momento de la publicación de este álbum, para muchos críticos y fans fue bastante discutible, alegando entre otras cuestiones, hasta qué punto este lanzamiento era de interés para el publico en general. En el caso de este álbum, la música está más en segundo plano que en un primero, por razones obvias. Sin embargo, hay algunas notables excepciones, y por lo general son bastante brillantes.
Para otros, este registro es un buen ejemplo de la posible evolución de la banda y su sonido, si hubieran logrado seguir en activo algunos años mas, ya que la música se distancia de la psicodelia de la costa oeste de finales de los sesenta y se mueve hacia un sonido más moderno, mezclando el rock con los sutiles sonidos latinos, ("Black Polished Chrome/Latino Chrome"), el funk (“Newborn Awakening”), el jazz (“Curses, Invocations”), el blues (“Stoned Immaculate”), los sonidos vanguardistas (“An American Prayer” o “Hour For Magic”), la música clásica (“A Feast of Friends”), e incluso rastros de los sonidos de la imperante música disco de finales de la década de los 70, (“The Ghost Song”). El sonido y la producción son realmente exquisitos, especialmente considerando el hecho de que la banda estaba usando cintas grabadas con la voz de Jim Morrison de 1970.
Además de todo ello Ray Manzarek reemplazó su órgano Vox por un órgano Hammond y los sintetizadores modernos también están muy presentes, además ya no hay un piano bajo Fender, (hay un bajo real tocado por varios músicos de sesión; Jerry Scheff y Bob Glaub), y la guitarra de Krieger ya no es tan psicodélica y difusa como antaño, sonando en todo momento mas jazzistica y melódica.
El énfasis principal del álbum es la poesía de Jim Morrison, y eso es realmente, de lo que se trata este álbum. Sin entrar en los detalles sobre los textos poéticos, lo cierto es que encajan muy bien con la música (en realidad, mejor seria decir a la viceversa), creando atmósferas diferentes y efectivas a lo largo de todo el álbum. Ciertamente, esta es una obra de arte sin paliativos.
Ninguna de las pistas aquí está cantada a diferencia de la música habitual de The Doors, excepto una curiosa versión en vivo de “Roadhouse Blues”, en donde Morrison canta improvisando con alusiones poéticas ya que se había olvidado de la letra debido a su estado de embriaguez durante ese concierto.
Uno de los puntos principales de este álbum, es subrayar y resaltar algunas de las poesías más llamativas de Morrison, y se usaron algunos de sus pasajes más impactantes, principalmente cuando expresaba su odio por el puesto de almirante de la marina norteamericana de su padre. Otros pasajes contienen algunos pensamientos inquietantes sobre la muerte y su vínculo con el sexo, mientras que una larga búsqueda del alma parece ser el hilo conductor del álbum.
Pese a lo inusual de este álbum, “American Prayer” lograría alcanzar un disco de oro, una nominación a los premios Grammy y años después obtendría un disco de platino por sus millonarias ventas en el mercado norteamericano.

 

Alexis Korner´s Blues Incorporated-R&B From The Marquee (1962)

Si en el anterior post hablamos de Graham Bond, un alumno aventajado de Alexis Korner, que mejor manera el dedicarle unas letras al músico que esta considerado el impulsor del resurgimiento del blues británico.
Alexis Korner es uno de los músicos que mas han influido en las generaciones de los bluesman ingleses de la primera mitad de la década de los sesenta. Su obra por desgracia no ha sido difundida tan ampliamente fuera del Reino Unido y Norteamérica, todo lo contrario que ha ocurrido con toda la serie de músicos que estuvieron bajo su influencia directa como Jack Bruce y Ginger Baker (Cream), Charlie Watts (Rolling Stones), Long John Baldry, un cantante de un talento impresionante, Dick Heckstall-Smith (Colosseum) o el mencionado Graham Bond, o repercutir indirectamente en músicos como John Mayall o Al Kooper, entre otros muchos mas.
Sin embargo la carrera de Korner había empezado una década antes cuando junto a Cyril Davies formaría un dúo de blues y jazz, comenzando actuar con mucha frecuencia en el circuito de clubs de Londres.
Posteriormente ambos músicos abrirían su propio club, el “London Blues and Barrelhousem”, en donde solían invitar a tocar a jóvenes músicos británicos y norteamericanos de jazz y blues.
Fue entonces cuando conocerían a Jack Bruce, Charlie Watts y Long John Bladry, lo que les animaría a fundar su propia banda llamada Blues Incorporated (1961), la cual se convirtió en la primera banda banda amplificada de blues de Inglaterra.
Con la incorporación del saxofonista Dick Heckstall-Smith, la banda se labraría una gran reputación en toda Inglaterra gracias a sus famosos conciertos y era frecuente ver entre su publico a prometedores músicos como Mick Jagger, Brian Jones y Keith Richards (Rolling Stones), Jimmy Page y Paul Jones (Led Zeppelin), Rod Stewart, Eric Clapton o John Mayall, entre otros muchos mas.
Blues Incorporated se concentró principalmente en actuar en vivo en lugar de grabar discos y el grupo solo lanzó dos sencillos en Parlophone, "I Need Your Loving"  (1964) y "Little Baby" (1965).
Ese mismo año Graham Bond decide abandonar y fundar su propia banda para lo cual recluta a todos sus compañeros de la Blues Incorporated.
En 1964, Alexis Korner con una nueva versión de sus Blues Incorporated, publicaría los álbumes “At The Cavern” y “Red Hot From Alex”, con el estadounidense Herbie Goins como cantante principal y Danny Thompson, más tarde miembro del grupo de folk Pentangle al bajo. Después del tercer y ultimo trabajo para el grupo, “Sky High” lanzado en 1965,  con un nuevo cantante, Duffy Power, Alexis Korner disolvería definitivamente el grupo un año mas tarde en 1966.
En 1967 Korner fundaría la banda de corto recorrido Free At Last junto al ex batería de los Bluesbreakers, Hughie Flint y el bajista Binky McKenzie, sin apenas repercusión mediática.
No seria hasta 1971 cuando Alexis Korner volviera a estar de actualidad al pasar a engrosar la numerosa banda de jazz, rock y blues, C.C.S, formada a semejanza de las bandas de jazz rock norteamericanas, Chicago Transit Authority y Blood Sweat and Tears.
Con esta banda Korner lograría algunos éxitos notables en las listas británicas basados principalmente en versiones en clave de jazz rock, como “Whole Lotta Love” de Led Zeppelin o “Walking” de Donovan.
En 1973 una vez disuelta C.C.S., Korner fundaría otra superbanda junto a Mel Collins, Boz Burrell y Ian Wallace, todos ellos ex King Crimson, con la cual lanzaría dos álbumes, además de comenzar su propia carrera en solitario y dedicarse a la radio fusión en la BBC, dirigiendo programas de blues, soul y jazz con una gran aceptación de audiencia.
En 1978 se celebraría un multitudinario concierto para festejar su 50 aniversario con un plantel de grandes estrellas como Eric Clapton, Chris Farlowe, Zoot Money o Paul Jones entre otros.
En 1981 Korner se uniría al grupo liderado por Ian Stewart, Rocket 88, en donde se encontraría con viejos compañeros como Jack Bruce o Colin Hodgkinson. Tres años mas tarde Korner fallecería a la edad de 55 años en Londres, dejando tras de si una de las mas intensas e influyentes carreras dentro de la historia de la música rock.

Traffic-Mr.Fantasy (1967)

1967 seria el año en el que nacería una de las bandas mas importantes y fundamentales que haya dado el mundo del rock, Traffic, formada por cuatro formidables músicos de una dilatada carrera como eran Jim Capaldi batería, Chris Wood teclados y saxofones, Steve Winwood  guitarras, teclados y voz y Dave Mason bajista, guitarra y voz.
Ese mismo año se publicaría su primer y grandioso álbum titulado “Mr.Fantasy”, que grabado durante gran parte de 1967 en los estudios Olympic de Londres bajo la supervisión del productor Jimmy Miller, se convirtió en uno de los mas sorprendentes debut de la historia de la música contemporánea.
En este primer álbum Traffic mostró un estilo innovador, con toques de pop muy elaborado y un estilo psicodélico, todo ello fusionado con el music hall, ecos de música hindú, blues rock y ecos del soul y el jazz como se demuestra en temas tan fantásticos como "Heaven Is In Your Mind", "House For Everyone", "Dear Mr. Fantasy" o "Dealer".
Sin embargo, y a pesar del monumental éxito de este álbum, pronto llegan las discrepancias entre Dave Mason y Steve Winwood, entre otros motivos, los celos y el ego de ambos músicos, lo que llevaría al abandono momentáneo de Mason, quien regresaría para la grabación del segundo disco de la banda.
Un año más tarde publicaron el segundo álbum "Traffic" que contenía varios de sus temas más celebres como "You Can All Join in", "Pearly Queen", "Forty Thousand Headman", o la clásica "Feelin Alright", que junto a otras de naturaleza psicodélica e influencias de claro acento folk, marcaron una progresión donde se destacó la habilidad instrumental y el talento compositivo de toda la banda.

Little Feat-Little Feat (1971)

Little Feat fueron una de las bandas icónicas del rock norteamericano, que guiados sabiamente por su líder Lowell George, supieron hacerse un hueco entre las mejores bandas estadounidenses de la historia, gracias a su atrayente combinación de blues, jazz, country y rock.
Formada a finales de los 60 en los Ángeles, su primera formación estaba compuesta por el mencionado Lowell George (guitarra, voz y harmónica), Bill Payne (teclados y voces), Roy Estrada (bajo y voces) y Richie Hayward (batería y voces).
Todos ellos eran músicos contrastados que habían pertenecido a bandas como los Mothers of Invention de Frank Zappa o afamados instrumentistas de sesión para otros artistas. 
Gracias al productor Russ Titelman, en 1970 lograron un contrato con el sello Warner, y un año después vería la luz el primer álbum titulado homónimamente y compuesto por un total de once temas, la mayoría escritas por Payne y George, el cual sentaría las bases de lo que la banda haría en los años sucesivos.
Pese a no tener un estilo aún muy definido, “Little Feat”, es uno de los debuts mas interesantes del rock norteamericano de principios de los 70, con una gran variedad de estilos e influencias.
Temas puramente rock como “Snakes On Everything”, “Hamburger Midnight" o “Strawberry Flats”, contrastan con las country rock “Truck Stop Girl” o “I´Ve Been The One”, las brillantes “Brides Of Jesus” y “Willin´”, este ultimo uno de los temas estandarte de Little Feat o temas blues como la versión del mítico Howlin´Wolf, “Forty-Four Blues/How Many More Years”, en donde sobresale la inconfundible voz de George y la slide guitar de Ry Cooder.


 

Van Morrison-Moondance (1970)

Para los mas acérrimos fans de Van Morrison, “Astral Weeks” es su obra cumbre y la mas fundamental de toda su carrera, un álbum en donde el irlandés fusionaba perfectamente el folk acústico, el jazz y el blues americano, todo ello bajo el aura de una serie de músicos que habían tocado con grandes artistas como Miles Davis, Harry Belafonte, Ron Carter o Archie Shepp. Sin embargo es el siguiente “Moondance”, con el que consigue el beneplácito del gran publico debido a un repertorio mas equilibrado y variado de canciones.
También es el álbum en donde se encuentran muchos de sus grandes clásicos como “Moondance”, una soberbia pieza bajo el embrujo del swing, o la gospel “Brand New Day”, sin dejar de mencionar otras soberbias canciones como la country “And It Stoned Me”, la soul “Crazy Love”, la R&B “These Dream Of You”, la animada “Glad Tidings” o la melódica “Caravan”, además de acercamientos a sus raíces folk como queda demostrado en la hermosa “Into The Mystic”.
La gran aceptación del álbum por parte del gran publico le llevaría a conseguir varios discos de platino a ambos lados del Atlántico y unas asombrosas ventas con mas de tres millones de copias vendidas solo en el mercado norteamericano.

Jackie McAuley-Jackie McAuley (1971)

Este es otro de esos álbumes injustamente pasados por alto dentro de la historia de la música rock, una obra maestra menor de diversos estilos fusionado con maestría como el jazz, el folk rock y el blues.
Jackie McAuley es un personaje bastante desconocido para la gran mayoría, sin embargo fue uno de los miembros de los míticos Them de Van Morrison y con ellos publicaría algunos de los mejores discos de la banda irlandesa.
Después de abandonar Them, McAuley participaría en dispares proyectos como por ejemplo el dúo Trade Home junto a la ex componente de Fairport Convention, Judy Dyble con la cual grabaría el estupendo “Morning Way” en 1970.
En 1971 lanzaría su primer álbum en solitario junto algunos de los jóvenes prometedores músicos del jazz británico de la época. Músicos como Tony Roberts, Mike Travis o Mike McNaught, todos ellos pertenecientes a la Henry Lowther Band.
En este debut McAuley muestra un ecléctico sonido en donde las melodías agradables y sus sutiles ritmos hacen de este álbum un compendio de canciones repletas de calidad e ingenio.
Ya desde la inicial y portentosa “Turning Green”, nos muestra las capacidades instrumentales y compositivas de este guitarrista y teclista algo olvidado hoy en día.
El resto sigue por una tónica parecida con cortes como la hipnótica “Boy On The Bayou” o la medio progresiva “Away”, conformando un álbum delicioso y una obra que se mereció mucho mas reconocimiento que el que tuvo en su época.

Vinegar Joe-Rock´n´Roll Gypsies (1972)

Vinegar Joe fueron otra de esas grandes bandas británicas de corto recorrido de la década de los setenta, que sentaron cátedra con apenas tres álbumes publicados.
Formados en 1970 bajo el nombre de Dada, su primera formación estuvo comprendida por una docena de músicos entre los que destacaban la vocalista Elkie Brooks, el guitarrista Pete Gage, el bajista Steve York, el batería Conrad Isidore, el teclista Dave Thompson o el saxofonista Dave Brooks.
Con esta formación grabarían bajo el sello Atlantic Records, el álbum homónimo “Dada” en 1970, un trabajo repleto de sonidos de jazz, soul, psicodelia y blues, influenciados por el estilo negroide de los artistas del sello norteamericano Stax Records.
Después de una larga gira por Estados Unidos, la banda regresa al Reino Unido y cambia su nombre por el de Vinegar Joe, además de reestructurar la formación entrando el cantante Robert Palmer, el teclista Tim Hinkley y el bateria Rob Tait.
Con un nuevo contrato, esta vez con el sello Islands Records, graban su primer disco bajo su nuevo nombre y titulado “Vinegar Joe”, el cual se convierte en uno de los mejores álbumes del año 1972 en las islas británicas.
Pero después de este disco vuelven a producirse nuevos cambios de integrantes, entrando el guitarrista Jim Mullen, el teclista Mike Deacon y el ex batería de John Mayall, Keef Hartley.
Con esta nueva formación graban su segundo álbum, “Rock´n´Gypsies”, en donde el habitual estilo de la banda de soul y blues, es reforzado por un mayor énfasis en los elementos del rock. Temas como la bluesy “Angel” una versión de un tema de Jimi Hendrix o cortes como las brillantes rock “So Long”, “Buddy Can You Spare Me A Line”, “Falling” o “It´s Getting To The Point”, conforman un trabajo sobresaliente, en donde además de las soberbias interpretaciones vocales de Elkie Brooks y Robert Palmer, es apoyada por una banda excelente en un estado de gracia extraordinaria.
Luego de una exitosa gira por tierras norteamericanas, la banda publicaría el tercer y ultimo disco, “Six Star General”, el cual adolecía en parte de la energía y creatividad de sus dos primeras obras.
Algún tiempo después la banda se disuelve definitivamente, dedicándose casi todos sus integrantes a sus carreras en solitario, destacando sobre todos ellos Robert Palmer, el cual obtuvo un notable éxito con algunos de sus álbumes como “Secrets” (1979), el multi platino “Riptide” (1985) y “Heavy Nova” (1988) o Elkie Brooks, la cual iniciaría una larga y exitosa carrera muy prolífica, logrando situarse entre las mejores cantantes británicas de todos los tiempos.

 

 

Manassas-Manassas (1972)

Una vez había acabado la multitudinaria, (al mismo tiempo que conflictiva entre sus integrantes), gira posterior al álbum “Deja Vu” de Crosby, Stills, Nash and Young, cada uno de sus miembros decidió seguir sus propios caminos, dejando atrás y de manera momentánea una de las mayores súper bandas jamás creadas.
Y seria Stephen Stills quien primero moviera ficha creando una nueva banda llamada Manassas, para lo cual llamaría al ex Byrds y ex Flying Burrito Brothers, Chris Hillman, al también ex Flying Burrito Brothers, Al Perkins y algunos de los músicos que habían participado en las grabaciónes de “Deja Vu”, como el batería Dallas Taylor y el bajista Fuzzy Samuels.
Con la incorporación de varios integrantes mas, entre los que estaban Paul Harris, quien por entonces pertenecía a la banda de B.B.King como organista y al percusionista ex Pacific Gas and Electric, Joe Lala, además de las colaboraciones especiales de varios músicos invitados como el bajista de los Rolling Stones, Bill Wyman, el líder de Grateful Dead, Jerry Garcia a la pedal steel guitar y Malcolm Cecil en los teclados, entran en los estudios Criteria de Miami y graban el doble álbum “Manassas”, el primer trabajo de esta súper banda de country y rock.
Dividido en cuatro caras con diferentes subtítulos, este primer álbum titulado homónimamente fue uno de los grandes lanzamientos de la década y aún hoy en día sigue considerado un lanzamiento extraordinario.
En la cara A del primer disco, titulado “The Raven”, podemos disfrutar de una mezcla de rock con fusiones latinas y entre las que destacan “Song Of Love”, con el sonido inmenso de las guitarras de Stills y Perkins, la fascinante “Rock & Roll Crazies / Cuban Bluegrass”, la jam rock “Both of Us” o la meritoria “Anyway”. Los sonidos campestres y rurales aparecen en el segundo disco “The Wilderness”, en ella aparecen cortes que se mueven entre los sonidos del country y el bluegrass como “So Begins the Task”, “Fallen Eagle, “Colorado” o “Don´t Look at My Shadow”.
Para el tercer disco titulado “Consider” los sonidos son orientados al folk rock con destacados temas como “Johnny´s Garden”, “It´s Doesn´t Matter” o "The Love Gangster”.
Cerrando este doble álbum con el cuarto disco subtitulado “Rock & Roll Is Here”, que como su titulo deja entrever es un homenaje a los sonidos blues y rock que comienza con las deudoras a los sonidos de los mejores CSNY, “Waht to Do” y “Right Now”, la epopeya jam “The Treasure” y la blues acústica “Blue Man”, esta ultima dedicada a tres de los grandes rockeros que habían fallecido en los anteriores dos años, el guitarrista Jimi Hendrix, el cantante Al Wilson de los Canned Heat y el guitarrista de los Allman Brothers, Duane Allman, todo un soberbio colofón a un álbum tan grande y apoteósico como la carrera de todos los legendarios músicos que intervinieron en su elaboración.

Manfred Mann Chapter Three-Manfred Mann Chapter Three (1969)

Manfred Mann Chapter Three, fue la continuación de la banda de pop Chapter Two, que encabezaron las listas de éxitos durante gran parte de la década de lo 60.
Este tercera dinastía estaba mas enfocada a los sonidos jazzisticos y progresivos, la cual solo lanzaron dos álbumes, este “Manfred Mann Chapter Three” (1969) y el siguiente “Volumen Two” (1970).
Fundada en 1969, su formación además del núcleo principal y líderes de la banda eran Manfred Mann y Mike Hugg (ambos teclados, voces y arreglos de cuerda), y el resto estaba compuesto por el baterista Craig Collinge, el bajista y arpa eléctrica Steve York y el saxo y flauta Bernie Living.
Igualmente en sus dos álbumes participarían diferentes músicos colaboradores como el guitarrista Brian Hugg, o una amplia sección de vientos.
Esta segunda encarnación es un claro ejemplo de como la banda fue progresando estilísticamente de los sonidos pop de principios de los 60 con éxitos como “Do Wah Diddy” o “Sha La la”, hacia un estilo progresivo y espacial con la versión posterior y definitiva denominada Manfred Mann´s Earth Band.
Por lo tanto podríamos definir estos dos álbumes como transitorios, pero con un fascinante sonido de jazz rock progresivo, con grandes metales y órganos fuzz distorsionados, que le otorgan una gran profundidad musical.
El estilo de su primer álbum esta basado fundamentalmente en temas de formato verso y coro antes de explotar en excursiones instrumentales, lo que las hace mas inteligentes que llamativas.
El tono blues de la inicial “Travelling Lady”, ya nos deja de entrada entrever el sendero por el cual discurrirá el resto del álbum, en donde sobresalen la psicodélica “You´re A Better Man Than I”, la instrumental jazzistica y progresiva “Konekuff”, la siniestra free jazz “Devil Woman”, o la blues jazz “Time”, con esos segmentos vocales y una instrumentación de vientos y metales magníficos. El resto mantiene el tono psicodélico, aunque con menos complejidad instrumental, como “One Way Glass” o “Ain´t It Sad”, que le otorgan bastante variedad y equilibrio.
Un año después saldría el segundo y ultimo álbum, en donde seguían en una línea musical continuista, antes de reconvertirse en los mencionados Manfred Mann´s Earth Band.