Tropea-Short Trip To Space (1977)

Mayoritariamente desconocido en Europa, John Tropea es uno de los mas importantes guitarristas del jazz fusión norteamericano de los años 70. La carrera de este guitarrista ha estado marcada tanto por la suya propia, con mas de una docena de discos publicados, como la de músico de sesión en medio centenar de colaboraciones de diferentes artistas como Van Morrison, Deodato, Michael Franks o Eric Clapton. "Short Trip To Space" (1977), supuso su segundo álbum en solitario, en donde su estilo de jazz fusión con sonidos funk de influencia psicodélica se refleja en un trabajo deslumbrante de jazz sofisticado elegante y dinámico. Sin llegar a las complejidades del jazz progresivo, Tropea se acerca al jazz fusión con atmósferas espaciales y grandes desarrollos instrumentales de piano, guitarra, vientos y percusión, ejecutados sin muchas pretensiones de manera adictiva, tanto para los mas puristas como para los fans del jazz mas comercial.
Para este segundo álbum, Tropea contaría con varios colaboradores de lujo de la talla de Larry Fast, Michael Brecker, Lou Marini o Randy Brecker entre otros músicos de la incipiente escena jazz norteamericana de la época.

ICU-Now And Here (1997)

ICU fueron una banda alemana del genero neo progresivo, que durante la década de los 90 publicaron tres álbumes antes de disolverse definitivamente en 1997.
Esta banda tuvo su origen en la ciudad alemana de Sindelfingen en 1989, y su formación estaba compuesta por Ralf Großmann, vocalista y guitarras, Thomas Glönkler, guitarrista,  Steffen Herrmann, teclados, Eva-Marie Baumann, flauta, harmónica y voces, Hartwig Dieterich, bajo y Joachim Lauber, batería.  En 1993 publicaron su primer álbum bajo el sello germano Gaumoggel Records titulado "Moonlight Flit", el cual les da cierta popularidad en Alemania y Europa. Con el siguiente "Now And Here", lanzado varios años después ICU consigue su mejor obra, considerada por muchos críticos como una joya del rock progresivo de los noventa. "Now And Here", demuestra con ello las excelencias de este magnifico y excelente álbum, el cual esta repleto de melodiosas voces que se integran perfectamente con los extensos pasajes instrumentales, de complejos arreglos de guitarras y teclados atmosféricos. Un álbum que de principio a fin es un soberbio trabajo de rock progresivo sinfónico, con una producción impecable y ejecutado de manera magistral por unos músicos de un gran nivel instrumental.

Chris Squire-Fish Out Of Water (1975)

El primer álbum de Chirs Squire, es para muchos la continuación lógica, musicalmente hablando del álbum “Relayer” de Yes, en el cual se observaba el rumbo que tal vez hubieran seguido de haber publicado un disco en esos momentos. Y es que tras la publicación y la posterior gira del mencionado “Relayer”, Yes hicieron un paréntesis de dos años en los cuales aprovecharían para que cada integrante se dedicara a sus proyectos en solitario. Así mientras Alan White publicaba “Ramshackled”, Patrick Moraz haría lo mismo con “The Story Of I”, por su parte Steve Howe entregaba su “Beginnings” y Jon Anderson grabaría “Olias Of Sunhillow”. Sin embargo seria Chris Squire con su “Fish Out Of Water” quien obtendría las mejores criticas, junto al álbum de Jon Anderson, con un disco que seguía de alguna manera con el estilo inconfundible de su banda madre. Para esta grabación Squire se rodearía de algunos de los mejores músicos de la escena progresiva británica de la época, como el flautista Jimmy Hastings, reconocido músico de bandas como Caravan, Soft Machine o Hatfield and The North, el batería Bill Bruford, curtido en bandas como King Crimson o los propios Yes, su compañero de banda Patrick Moraz, Mel Collins, saxofonista en cientos de grabaciones y integrante de bandas como King Crimson o Camel, además de otros afamados músicos como Barry Rose o Andrew Pryce Jackman. Temas como la orquestal “Safe”, la bucólica “Silent Falling”, la jazzistica “Lucky Seven” o la progresiva “Hold Out Your Hand” certificaron un álbum que casi se encuentra a la misma altura que algunas de las obras del quinteto británico y una pequeña obra maestra del rock sinfónico.

Genesis-Seconds Out (1977)

La partida de Peter Gabriel había significado la perdida de la parte teatral y simbólica de Genesis, pero también significaría el reto que la banda tenia que superar para continuar hacia adelante sin que su ausencia fuera un lastre demasiado grande para dejar de seguir estando en la cumbre del rock progresivo.
Fue cuando entonces el resto del grupo movió ficha y en vez de buscar un nuevo vocalista (realmente sondearon el mercado, sin encontrar al vocalista ideal), optaron por darle ese rol al batería Phil Collins, el cual ya había mostrado en alguna ocasión su talento y carisma para ello. Sus dos álbumes posteriores post Gabriel fueron dos inmensos ejercicios de gran rock progresivo como son "A Trick Of The Tail" y "Wind and Wuthering". En ambos no solo la calidad instrumental se mantiene intacta, si no que incluso en muchos momentos igualan las obras realizadas con Peter Gabriel. Sin embargo ambos discos tuvieron una víctima colateral, Steve Hackett, el cual veía su protagonismo muy mermado tanto en las composiciones como en la instrumentación de ambas obras. Pero antes y para las giras posteriores de los álbumes mencionados, la banda optaría por contratar a un batería, quien liberara a Collins de esa tarea en los conciertos, el primer elegido seria Bill Bruford, el cual apenas estuvo una serie de conciertos, siendo posteriormente sustituido por Chester Thompson.
En 1977 la banda decidió publicar su segundo álbum en vivo  justo después de la gira mundial del mencionado "Wind and Wuthering", sin embargo en este doble álbum aparecen temas pertenecientes a la gira del "A Trick Of the Tail". De esta gira en concreto aparece "Cinema Show", la cual pertenece al concierto en el Pavillon de Paris el 23 de junio de 1976, con Bill Bruford a las baquetas, el resto fue extraído de los conciertos ofrecidos por la banda los días 11 y 14 de junio de 1977 durante el “Wind and Wuthering Tour" con Chester Thompson a la batería.
Por entonces la banda se había inclinado por unos shows con una puesta en escena espectacular, con un juego de luces apoteósico y diferente parafernalia, para acentuar la siempre dramática y latente música del grupo y una mayor importancia instrumental en el aspecto individual de cada músico, en contrapunto a los conciertos de la era Gabriel mas enfocados al aspecto teatral y casi monopolizados por las dotes interpretativas del cantante. Para muchos este directo incluso superaría las grabaciones originales de estudio de algunas de las piezas aquí recogidas. El repertorio grabado es sencillamente magistral desde la teatral "Robbery, Assault and Battery" hasta la instrumental "Los Endos". Las ejecuciones magistralmente ejecutadas se van sucediendo una tras otra; "Firth Of Fifth", "I Know What I Like", "The Lamb Lies Down On Broadway" o "The Musical Box". Sin embargo la banda lo borda en las omnipresentes "Dance on A Volcano", "The Cinema Show" y especialmente en la suite "Supper´s Ready", 20 minutos de excelsa instrumentación por parte de todos los integrantes, con una soberbia interpretación por parte de Collins que suple perfectamente a Gabriel en el rol de frontman en esta mítica pieza icónica del rock progresivo. "Seconds Out" se ha convertido en uno de los directos mas populares y grandiosos del siglo XX y un documento histórico del rock progresivo.

Bliss Band-Dinner With Raoul (1978)

Bliss Band fue una banda británica de finales de los 70 que lanzó dos álbumes hasta que se disolvieron en 1980. La banda fue formada por el vocalista y teclista Paul Bliss en 1976 después de su salida de la banda Dog Soldier, donde lanzó un álbum en 1975 con esta banda e incluso participaría en varios trabajos de los Moody Blues posteriormente. Para las labores de producción de este primer álbum publicado en 1978 “Dinner With Raoul”, Paul Bliss contaría con el guitarrista de Steely Dan y The Doobie Brothers, Jeff Baxter, además de Michael McDonald a las voces, Andy Brown al bajo, Alan Park a los teclados, Phil Plamer a las guitarras y Nigel Elliott a la batería. Este primer disco esta repleto de grandes composiciones al estilo mas puro del west coast, pasando por momentos más jazzísticos, rebosante de melodías adictivas y agradables, con partes melódicas combinadas gracias a la calidad vocal de Bliss y McDonald y los elementos de los teclados que hacen que este álbum sea un excelente disco de rock californiano de finales de los setenta. El resultado final es sorprendente, y no es de extrañar dado que el sonido se beneficia de la mano en la producción de Jeff "Skunk" Baxter, y las enormes apariciones de Michael McDonald, ("Slipaway" y "Stay A Little Longer"), las cuales nos dejan un sabor entre los primeros Steely Dan y The Doobies Brothers, lo que lo convierte en una joya perdida del rock melódico de la costa oeste. Temas como "Over The Hill", "Don't Do Me Any Favors", "Right Place, Right Time" o "Here Goes" solo les haria falta que estuviera Donald Fagen para convertir este “Dinner With Raoul” en un “Katy Lied” perdido, con esa suave, llamativa y sutil música que contiene. Incomprensiblemente cómo les ocurriría a tantos, este álbum se perdió en el abismo, y es que tal vez había demasiadas cosas de este estilo por esa época, (que las hubo sin duda alguna), motivo por el cual muchos de estos trabajos pasaban desapercibidos irremediablemente.

Bob Seger & The Silver Bullet Band-Live Bullet (1976)

En 1975 Bob Seger emprendería su primera gran gira por todos los Estados Unidos y para ello formó su primer grupo de apoyo; The Silver Bullet Band.
Fruto de esa agotadora gira es el disco "Live Bullet", grabado íntegramente durante uno de los conciertos en el Cobo Hall de Detroit, las noches del 4 y 5 de septiembre de 1975, siendo el primero de sus trabajos firmado con la banda.
La Silver Bullet Band estaba compuesta por el guitarrista Drew Abbott, el batería Charlie Allen Martin, el bajista Chris Campbell, el teclista Robyn Robinson y Alto Reed a los vientos. En este doble en directo se recoge parte de los grandes éxitos de su carrera hasta ese momento y terminaría convirtiéndose en uno de los álbumes en vivo clásicos de los setenta. Este mítico álbum contiene temas legendarios como la inicial y rabiosa versión de Tina Turner "Nutbush City Limits", la encantadora "Turn The Page" o la soberbia y exitosa "Ramblin Gamblin Man". También hay lugar para temas de rock poderoso como “Heavy Music”, la rock and roll "Get Out Of Denver" o las versiones "Let It Rock" de Chuck Berry, y "Bo Diddley" del mítico guitarrista de Rhythm and Blues.
Este álbum marco un hito en las radios FM norteamericanas al ser masivamente radiado por todo el país durante el año 1976 y ello le ayudaría a conseguir un disco de platino algún tiempo después por sus ventas, cantidad que se multiplicaría con los años hasta cerca de los 7 millones de copias vendidas a nivel mundial.
Un directo mítico donde el contenido emociona a un público con un Bob Seger y su banda en estado de gracia, haciéndoles disfrutar del mejor rock norteamericano.

Black Sabbath-Paranoid (1970)

Para cuando Black Sabbath lanzó su primer disco, introdujeron la parafernalia del género heavy metal como luego fue conocido, es decir,; el culto por el color negro, las indumentarias de cuero, el interés por todo lo satánico, lo lúgubre y funesto o las cruces invertidas en el escenario, y en esta banda en particular una afinación de una octava por debajo de lo habitual, debido al estilo de su guitarrista Tony Iommi, quien producto de un antiguo accidente en sus dedos, usaba una prótesis de goma, obteniendo con ello esa tonalidad tan característica en sus riffs y solos de guitarra. Con todo esto anteriormente mencionado, el público no salió de su asombro y estupor, y eso se tradujo en la primera posición que ocuparía su segundo disco "Paranoid" (1970), en las listas británicas, estando más de un año entre los cien primeros y a la postre su álbum mas vendido hasta la fecha, con mas de cinco millones de copias vendidas. Pero dejando atrás su enorme éxito comercial, "Paranoid" es uno de los discos de heavy metal más icónicos de la historia, con un repertorio tan siniestro como infernal, desde la lugrube "War Pigs" una reprobación a la guerra del Vietnam, hasta el heavy rock "Paranoid", sin olvidar himnos generacionales del heavy metal como la siniestra "Electric Funeral", el lisérgico "Planet Caravan", la instrumental “Rat Salad”, la apología a las drogas “Hand Of Doom” o la icónica "Iron Man".

Agitation Free-Malesch (1972)

Agitation Free fueron uno de los clásicos del genero krautrock alemán, realizando un estilo muy original con sonidos que combinaban la música electrónica repetitiva, elementos de la world music y la vanguardia europea con grandes solos de guitarra, música espacial y improvisaciones atmosféricas alucinantes.
Formados en 1967 en Berlin por Jörg Schwenke, guitarra, Lutz Ulbrich, guitarras, guitarra de 12 cuerdas y órgano Hammond, Michael Hoenig, sintetizadores, steel guitar y electrónica, Michael Günther, bajo y Burghard Rausch, batería, percusión y voces. En 1972 publicaron su primer álbum "Malesch" cuyo estilo esta fundamentado en los sonidos étnicos del medio oriente, producto de los extensos viajes que hizo la banda durante años por algunos de países como Egipto o Libia, todo ello empapado de psicodélica británica y norteamericana con solos de guitarras y sonidos hipnóticos. Un años después llegaría "Second" (1973) el segundo álbum, que a diferencia del primero los sonidos se vuelven mas “occidentales”, predominando el space rock con elementos de múltiples teclados y unas guitarras acidas muy cercanas hacia los sonidos de Ash Ra Tempel. Después de estos elocuentes y aterradores dos álbumes, se publicaría el directo "Last" en 1976, un disco mucho mas experimental que daba por acabada la primera aventura de esta magnifica banda hasta casi 25 años después cuando volverían a reunirse para grabar una serie de álbumes los cuales fueron bien recibidos por la comunidad progresiva.

Damn Yankees-Damn Yankees (1990)

Si ya antes habíamos hablado de algunas alianzas de grandes músicos para formar superbandas en la década de los ochenta, en los noventa ocurrirían casos muy parecidos, y Damn Yankees fueron un claro ejemplo de ello. Formada por el guitarrista de Styx, Tommy Shaw, el bajista de Night Ranger, Jack Blades, el batería Michael Cartellone y el icónico guitarrista Ted Nugent. Ellos publicaron dos de los mas exitosos álbumes de hard rock melódico de los años noventa. Con un estilo en donde las excelentes voces melódicas de Shaw y Blades fueron el contrapunto perfecto a los riffs incendiarios y viscerales de Ted Nugent como quedaba demostrado en su primer álbum publicado en 1990, el cual contenía memorables temas de hard rock como “Runaway”, “Bad Reputation” o Coming Of Age”, o explosivas y poderosas canciones como “Rock City”, “Pile Driver”, “Damn Yankees” o “Mystified”. Mientras la melódica “High Enough” les reportaría junto al resto del álbum, varios discos de platino y un segundo puesto en las listas de éxitos norteamericanas, lo que les llevaría a una extensa gira mundial, durante gran parte del año 1990 junto a Bad Company, Poison y Jackyl.
Dos años después llegaría el segundo álbum de la banda “Don´t Tread” el cual y pese a no conseguir el impacto de su debut, alcanzan el doble disco de platino por sus ventas. A partir de aquí Ted Nugent retomaría su carrera en solitario, mientras Shaw y Blades publicaron un álbum juntos “Hallucination” (1995), el cual obtuvo bastante notoriedad en los circuitos del AOR, para luego cada uno volver a sus bandas de origen y el batería Cartellone pasaría a engrosar parte de la banda de rock sureño Lynyrd Skynyrd.

Far Corporation-Division One (1985)

Durante la década de los ochenta hubieron muchos proyectos y reuniones paralelas de grandes músicos de diferentes bandas que formaron alianzas para crear discos o hacer giras, muchas de las veces por el simple hecho de diversión y liberar las tensiones habituales de sus grupos de origen o sus carreras en solitario.
Uno de esos grandes proyectos fue este "Far Corporation", formado por los componentes de Toto; Steve Lukather, Bobby Kimball y David Paich a mediados de los ochenta.
A ellos se unirán Curt Cress de Saga y el experimentado bateria Simon Phillips, el cual curiosamente se convertiría en parte de Toto algún tiempo después como baterista oficial para reemplazar al fallecido Jeff Porcaro. El resto de componentes fue un equipo de lujo donde destacaban Mel Collins, (Camel, King Crimson, Alan Parsons) o Robin McAuley de Michael Shenker Group, y fue producido por Frank Farian.
Este proyecto tendría un éxito abrumador en diferentes países europeos y Estados Unidos gracias en parte a una versión "modernizada" del clásico de Led Zeppelin "Stairway To Heaven". En este álbum el sonido era heredero del estilo de Toto, con grandes armonías, unas melodías perfectas y un AOR de alta calidad gracias a temas como la adictiva "One Of Your Lovers", la operística "Johnny Don't Go The Distance", el rock ochentero "Fire and Water” o la trepidante "Rock´n´Roll Connection”. Más tarde este lanzamiento se convirtió en un artículo de colección y de culto para los amantes del AOR y el rock clásico.
Nueve años después lanzarían otro álbum bajo el nombre de "Solitude", pero no obtendrían el mismo éxito que con este soberbio "Division One".

AC/DC-Let There Be Rock (1977)

“Let There Be Rock” es uno de los discos magistrales del hard rock, una obra maestra que catapultaría definitivamente a los australianos AC/DC hasta el estrellato mundial.
Para cuando se publico esta obra, AC/DC ya habian sorprendido al mundo con sus álbumes “High Voltage” y “Dirty Deeds Done Dirt Cheap”, ambos de 1976, y los primeros que se habían lanzado a nivel mundial, ya que sus anteriores trabajos publicados en el año anterior solo fueron lanzados en tierras australianas, “T.N.T” y “High Voltage”, este ultimo con un repertorio diferente a la versión internacional. En “Let There Be Rock” la banda demostraría la experiencia y madurez suficiente para crear una obra soberbia de magistrales riffs de guitarras, fantásticos acordes y unas sorprendentes composiciones de hard rock y heavy metal. Desde la inicial rock and roll “Go Down” pasando por la soberbia “Let There Be Rock”, con la voz salvaje de Bon Scott y unos riffs demoledores, hasta el blues “Problem Child”, que pone el freno al frenético devenir de los temas que se van sucediendo: “Dog Eat Dog”, “Hell Ain´t A Bad Place to Be” y “Whole Lotta Rosie”, mientras “Overdose” se torna el tema “suave” de este magistral álbum, sin duda una de las mejores obras de la historia del heavy metal y el hard rock.

Taste Of Blues-Schizofrenia (1969)

Taste of Blues fue una banda sueca formada a finales de los 60 en la ciudad de Malmoe, y que con un estilo que estaba encuadrado entre el sonido psicodélico de la época con elementos del krautrock alemán y sutiles sonidos orientales, les labraría una gran reputación en el ámbito progresivo europeo de aquellos años. Su primera formación estaba comprendida por el vocalista Anders Stridsberg, el guitarrista Fred Rolf Berg, el bajista Robert Moller y el batería Patrick Erixson, además del teclista Claes Ericsson. En 1969 grabarían su único álbum "Schizofrenia", en el cual ya no aparecería Stridberg sustituido por el cantante de color norteamericano Don Washington. Este único álbum pertenece a los clásicos discos de culto de la psicodelia de los sesenta, su tema principal es el inicial "Schizofrenia", un viaje épico de diecisiete minutos de sonidos cósmicos, metales, ritmos endiablados de groove, música hipnótica y apocalíptica. El resto son ejercicios mas convencionales basado en el blues psicodélico, incluida una versión del tema de John Mayall "Another Kinda Love". Una vez grabado este álbum algunos miembros se fueron para formar la banda de hard rock Asoka y el grupo de rock Lotus, terminando aquí la aventura de esta magnifica banda sueca.

From-0611 Cat Quarter (1971)

From fueron una banda oscura de jazz rock progresivo surgida en Alemania a principios de la década de los 70, que fue influenciada por los sonidos mas eclécticos de Miles Davis, fusionados con el estilo del jazz británico de la escuela de Canterbury. Formado por el bajista Dieter Von Goetze, el batería Kurt Bong, el saxofonista y otros instrumentos de viento, Gustl Mayr y el teclista Klaus Göbel. Ya en el Festival de Jazz de Frankfurt de 1970, causan una gran sensación, lo que les proporciona que un año después publiquen su primer álbum "0611 Cat Quarter" y al año siguiente "Power On!", bajo el sello CBS. Ambos discos son considerados dos joyas ocultas de rock fusión germinal con pasajes progresivos. Su estilo es un jazz progresivo, muy vivo y de una escucha agradable y sus desarrollos instrumentales demuestran la virtuosidad de todos sus miembros, desde Mayr quien marca unos parámetros muy en la onda al mencionado Miles Davis, hasta el organista Göbel, con un uso del piano eléctrico y del órgano Hammond espectacular, mientras el batería Bong extrae unas sonoridades muy cercanas al jazz clásico.

3-To The Power Of Three (1988)

Este proyecto nació siguiendo la estela de las grandes bandas de los 70 que se reinventaron para sonar mas accesibles al gran publico en la década de los 80, (Yes, Genesis, Kansas, King Crimson o Pink Floyd) o sus bandas herederas como Asia o GTR. En 1986 Keith Emerson y Greg Lake intentaron resucitar a Emerson Lake and Palmer con un sonido en donde los elementos progresivos se fusionasen con el rock mas melódico. Sin embargo esta reunión no pudo completarse por la negativa de Carl Palmer, inmerso contractualmente con el grupo Asia. Así las cosas la banda lo sustituiría por el batería Cozy Powell, mítico percusionista de bandas tan legendarias como Rainbow, Black Sabbath o Whitesnake entre otras muchas mas. De aquella reunión salió el disco homónimo publicado en 1986 "Emerson, Lake and Powell". Después de ese álbum el trío se disolvería, pero Keith Emerson seguirá empeñado en mantener el status de su power trío aún latente y así dos años después y ya liberado Carl Palmer de sus obligaciones con Asia deciden reactivar el grupo. Sin embargo seria Greg Lake quien esta vez no estaba por la labor, ocupando su lugar el guitarrista y bajo, Robert Berry quien se había dado a conocer en la banda Hush de principios de la década de los ochenta y en GTR, sustituyendo a Steve Hackett.
Esta vez Emerson, Palmer y Berry decidieron llamarse "3", tal vez por la imposibilidad de repetir las siglas ELP, y bajo este nombre publicaron el álbum "To The Power of Three" que apareció en 1988, en donde como era de esperar su música tiene un claro sonido a los mencionados ELP, pero también a un decidido rock corporativo y melódico, muy característico de los años 80. Un álbum que contiene momentos muy dignos y en algunos casos grandilocuentes, con ciertas partes que nos recuerdan a las epopeyas progresivas de los años 70 del clásico trío, especialmente en los sonidos de los omnipresentes teclados. Desde la inicial y dinámica "Talkin´About" un tema firmado por Berry que originalmente iba destinado al segundo álbum de GTR, las AOR "Chains", "Eight Miles High" y "Runaway", las cuales sutilmente tienes resquicios progresivos, hasta la soberbia e inmensa "De La vida", que dividida en tres partes, crean una pieza de autentico rock progresivo, con fantásticos fragmentos instrumentales y que junto con "On My Way Home" aparece de manera tenue el espíritu ELP y su época dorada de los 70.

Crawler-Crawler (1977)

El 19 de marzo de 1976 Paul Kossoff fallecía a consecuencia de un edema pulmonar en un vuelo nocturno en los Estados Unidos, viajaba desde los Ángeles a Nueva York para preparar la gira que su banda Back Street Crawler haría junto a AC/DC y que estaba prevista iniciarla el 25 de abril. Para muchos en esos momentos, este hecho presagiaba el final de Back Street Crawler. Pero sin embargo y contra todo pronostico, los miembros restantes, John "Rabbit" Bundrick, Tony Braunagel, Terry Wilson y Terry Wilson-Slesser, decidieron continuar sin su líder, pero deseaban hacerlo con otro nombre.
Pero antes de llegar a hacerlo, tuvieron las presiones de Ahmet Ertegun, presidente de la compañía Atlantic, con quien Back Street Crawler tenia un contrato, para que continuaran como hasta esos momentos bajo su sello discográfico. Incluso el propio Ertegun les propuso al guitarrista Mick Taylor como sustituto de Paul Kossoff. Taylor quien por aquella época había abandonado a los Rolling Stones, se opuso tajantemente, no le sedujo ni le hizo ninguna gracia la idea de reemplazar a un músico que había muerto. Otro de los que se negarían en redondo seria el ex Fleetwood Mac, Peter Green, el cual argumento el no estar preparado para subirse a un escenario después de años alejado de ellos. Luego de varios descartes mas, finalmente fue la banda quien unilateralmente se decidió por el ex guitarrista de If, Geoff Whitehorn. Pero este hecho no fue aceptado por la Atlantic Records quien rompe fulminantemente los acuerdos con la banda, argumentando que era con Paul Kossoff con quien tenían el contrato legalmente. Poco después y gracias a un ejecutivo de la Swan Song, propiedad de Led Zeppelin, fichan con la Epic Records y deciden acortar el nombre de la banda por Crawler.
En sus inicios y para foguearse, la banda realizo una extensa gira por el Reino Unido, a lo que seguiría la grabación de su primer álbum "Crawler" (1977), que fue muy bien recibido en los Estados Unidos, en parte gracias al tema "Stone Cold Sober" que tuvo muchísima repercusión en las emisoras FM americanas.
A partir de aquí la banda se concentra en el mercado estadounidense y publican su segundo álbum "Snake, Rattle & Roll", que fue seguido por un extenso tour por los Estados Unidos junto a bandas como Foreigner, Cheap Trick, Kansas o Robin Trower. Al final de la misma, la banda termina disolviendo en parte debido al abandono de John "Rabbit" Bundrick, quien fue contratado por The Who para tocar en su gira mundial presentando el álbum "Who Are You".
Pese a que solo publicaron dos soberbios álbumes, es sin embargo el primero su mejor obra, todo un clásico del hard rock y blues rock, en donde destacaban la melódica "Without You Babe", el boogie "Sold On Down The Line", la dramática "You Are My Saviour", la robusta "Pastime Dreamer" o la irresistible "Stone Cold Sober" con ese sonido medio latino deudor del mejor Santana. Con este álbum la banda demostraba que podían seguir haciendo un gran rock sin Kossoff y pese a que el nuevo guitarrista Whitehorn no tenia sus excelencias guitarrísticas, si imprimía a su estilo un gran feeling, con gran talento, tocando tanto temas rock como blues, a lo que le sumaba la brillante voz de Wilson-Slesser y el gran trabajo instrumental del resto de la banda.

Mike Rutherford-Smallcreep´s Day (1980)

Una vez Genesis había concluido la gira mundial promocionando el álbum "...And Then There Were Three..." sus tres miembros, Phil Collins, Mike Rutherford y Tony Banks, deciden tomarse una descanso lejos de la banda para acometer sus proyectos en solitario. Así en 1980 Mike Rutherford publicaba su primer trabajo en solitario "Smallcreep´s Day", para el cual tuvo las colaboraciones de su ex compañero en Genesis, Anthony Phillips, que aquí se encargaría de los teclados, lejos de su habitual guitarra, del baterista Simon Phillips, y del percusionista Morris Pert y el cantante Noel McCalla, mientras Rutherford se encargaba de las guitarras y el bajo. Grabado en los Polar Studios de Estocolmo, fue producido por el ingeniero habitual de los últimos trabajos de Genesis, David Hentschel, en los meses finales de 1977. Con "Smallcreep´s Day", Mike Rutherford demostraría su enorme talento a la hora de componer grandes piezas de excelentes melodías progresivas, junto a otras de claro acento pop sinfónico. En lo instrumental, la elección de un casi desconocido McCalla fue una acertada decisión, con unas interpretaciones vocales muy emotivas y convincentes, mientras Anthony Phillips realiza un trabajo excelente con un instrumento que no es el habitual suyo, mientras el resto muestra la solidez perfecta para la ejecución de las piezas de este álbum. Un disco que cuenta con dos partes bastante diferenciadas entre si, la primera esta compuesta por los sonidos progresivos y sinfónicos con la extensa suite "Smallcreeps´s Day", dividida en siete partes, aunque sin embargo ciertamente esta mas enfocada a piezas sueltas que a un tema conciso y cohesionado, pero en donde hay una gran variedad de ritmos, estilos y atmósferas progresivas, con muchos pasajes de guitarras de 12 cuerdas, solos de guitarras eléctricas y sublimes sintetizadores y mellotrón, todo ello secundado con un magnifico trabajo de una sección rítmica poderosa y las voces de Pert y McCalla que encajan perfectamente con la filosofía musical de este álbum y que finalizan con la maravillosa melodía "At The End Of The Day", una épica canción digna de cualquiera de las grandes de su banda madre. Mientras la segunda cara tiene una orientación mucho mas comercial con un trasfondo sinfónico, con temas potentes como "Moonshine", la apasionada "Time and Time Again" o la progresiva "Romani". Este es sin duda uno de los mejores álbumes en solitario de uno de los miembros de Genesis y uno de los grandes álbumes de la década de los ochenta, en donde aun se pueden escuchar los ecos de obras tan emblemáticas como "A Trick Of The Tail", "Wind & Wuthering" o " ...And Then There Were Three...".

West, Bruce and Laing -Why Dontcha (1972)

Mountain fueron una de las mas importantes bandas impulsoras del hard rock americano, compuesta por dos grandes leyendas como fueron Leslie West y Felix Pappalardi, que publicaron dos soberbios discos considerados parte fundamental del desarrollo del heavy metal; “Climbing!” (1970) y “Nantucket Sleighride" (1971).
Después de publicar este ultimo álbum en 1971, la banda se separa por algunos problemas de salud de Pappalardi. Sin embargo Leslie West decide continuar y llama al ex Cream Jack Bruce, que junto a su ex compañero de Mountain, Corky Laing funda la banda West, Bruce and Laing. Básicamente lo que West intento conseguir con ello, era la continuación de Mountain, con un estilo que bebiendo del blues y los sonidos sureños, se enfocaban en un potente hard rock de gran densidad y distorsión. Gracias a los manager de Jack Bruce y Leslie West (Robert Stigwood y Bud Prager respectivamente), consiguen un suculento contrato con la CBS/Polydor por un millón de dólares para la publicación de tres álbumes. Pero antes de entrar en los estudios la banda realiza varias giras interpretando temas de Cream y Mountain así como versiones de clásicos del rock y del blues. Ya en 1972 se publica el primer álbum y a la postre su mejor trabajo titulado "Why Dontcha", en el cual sobresalen las psicodélicas "Out Into The Fields" y "Pollution Woman", los rock and roll "The Doctor", "Pleasure" y "Shake Ma Thing", y los blues rock "Turn Me Over" y "Love Is Worth The Blues", conformando todas ellas un soberbio disco del mejor hard rock americano.

Sweet Smoke-Just A Poke (1970)

Al igual que ocurriría con otras bandas como Nektar o Barclay James Harvest, las cuales tuvieron que emigrar de Inglaterra a Alemania para que les llegara el exito masivo, Sweet Smoke se trasladaron hacia el pais teutón para ser enormemente reconocidos. Sweet Smoke se fundo en los Estados Unidos a finales de los sesenta por un grupo de jóvenes afincados en Nueva York, ellos eran Andy Dershin al bajo, Jay Dorfman a la batería, Marvin Kaminowitz como vocalista y guitarra, Michael Paris al saxo y voz y Steve Rosenstein a la guitarra. Su estilo era una de las mas holgados y arregladas del rock psicodélico. Su primer álbum fue lanzado bajo la subsidiaria alemana Columbia en 1970 con el titulo "Just A Poke", el cual contenía solo dos temas, uno por cada cara del LP. Ambas piezas son "Baby Night" en la cara A y "Silly Sally" en la B, sin embargo en realidad era al revés y por un error en la fabricación del disco fueron imprimidos en ese orden. Ambos temas tiene una duración que sobrepasa los 16 minutos, el primero "Silly Sally" es una especie de jam psicodélico con un comienzo medieval de sonidos jazzisticos y el predominio de la flauta para ir poco a poco en crescendo hacia una jam extendida con riffs de guitarras y una potente sección rítmica acida y desenfrenada. Mientras en "Baby Night" predominan  los sonidos mas groove y blues, con incluso un buen solo de batería, diferentes percusiones y grandes riffs de guitarras y instrumentos de viento. Debido a su localización desde la cual se dieron a conocer, a esta banda se le encuadro dentro del genero del Krautrock, sin embargo ellos nunca sonaron a ese movimiento alemán, debido principalmente a la falta de teclados, en donde las guitarras y los instrumentos de vientos eran los que dominaban la música de Sweet Smoke. Algún tiempo después publicarían dos álbumes mas "Darkness To Light" (1973) y "Live" (1974), antes de disolverse definitivamente, para terminar retornando a los Estados Unidos a mediados de la década de los 70.

Y&T-Earthshaker (1981)

Yestarday & Today son un famosa banda norteamericana de hard rock por haber contado entre sus filas al guitarrista Dave Meniketti y por algunos de los hits mas impactantes de los años 70 y 80 como “Don´t Wanna Lose”, “Black Tiger” o “Mean Streak”. Fundada en Oakland en 1974 por el guitarrista Dave Meniketti, el guitarra rítmico Joey Alves, el bajista Phil Kennemore y el batería Leonard Haze, consiguieron su primer contrato con el sello London con quienes publican su primer álbum en 1976. En este debut homónimo, Yesterday & Today muestran un interesante estilo de hard rock con pinceladas de heavy rock con un genuino sonido americano, fundamentados principalmente por la guitarra de un joven Meniketti, que muestra su demoledor estilo secundado las excelencias del resto del grupo. Ya en 1981 llegaría “Earthshaker”, su tercer larga duración, en el cual acortan su nombre por el de Y&T. Un álbum que logra captar la energía y el poder del hard rock norteamericano de manera simple y efectiva con enérgicas canciones como “Hungry For Rock”, “Shake It Loose”, “Hurricane”, “Knock You Out” o “Rescue Me” o épicas baladas como “I Believe In You”, en la cual Meniketti demuestra sus impresionantes dotes con las seis cuerdas.
Durante el resto de la década Y&T seguirán publicando grandes álbumes como “Black Tiger” (1982), “Mean Streak” (1983) o “In Rock We Trust” (1984), que sin embargo no contienen las excelencias musicales de este estupendo “Earthshaker”.

The Chick Corea Elektric Band-The Chick Corea Elektric Band (1986)

Cerca de diez años después del ultimo baluarte de Return To Forever, Chick Corea fundo una nueva banda, casi a semejanza de aquella pero con nuevos protagonistas en sus filas, un nuevo estilo de jazz (y no tan nuevo) y una forma diferente de enfocar un genero en el cual era un consumado maestro.
Estamos a mitad de los ochenta y el pianista originario de Massachusetts funda The Chick Corea Elektric Band junto al guitarrista Scott Henderson, el bajista John Patitucci y el batería Dave Welck, con los que publica el álbum homónimo “The Chick Corea Elektric Band” en 1986. En este primer trabajo aún no estaba conformada la banda mas clásica que estaría formada además de Welck y Patitucci, por el guitarrista Frank Gambale y el saxofonista Eric Marienthal, aparte de como es obvio, Chick Corea. A diferencia del estilo de Return to Forever, esta versión “electrificada” de la banda no mostraba el jazz rock con sonidos vanguardistas de RTF, aunque si conservaba de alguna manera la experimentación tan característica de casi todas las obras de Corea. En este debut destacaban sobremanera la latín jazz “Rumble” en donde Welck y Patitucci hacían un soberbio trabajo en la sección rítmica mientras Corea emulaba el estilo de Joe Zawinul. La jazz fusión “Cool Weasel Boogie” la jazz rock “King Cockroach”, la hipnótica “Side Walk”, o el ejercicio guitarrero de “Go Match?” con un Welck pletórico, dan paso a la mas solemne “India Town”, con unos sonidos exóticos y pasajes ambientales de sintetizador.

After Crying-After Crying 6 (1997)

Esta es una de esas bandas "raras" que son demasiado progresivos para los seguidores del rock convencional y demasiado extraños para los seguidores del progresivo, y es que After Crying hacen un prog rock tan complicado y de difícil acceso al oyente medio que es dificultoso cogerles el punto intermedio a su música, al menos si no le damos bastantes escuchas detenidas a sus discos. Uno de sus principales atractivos es precisamente la negativa a quedarse estancados en un estilo definido, por lo que constantemente están experimentando nuevas ideas y reconfigurando su sonido
Esta banda húngara fue formada a mediados de los ochenta y en el 2017 aún seguían activos, y la componen una pléyade de músicos que usan todo tipo de instrumentos, casi todos miembros de la Sinfónica de Bruselas. Con un estilo tan variado, no es de extrañar que su extensa discográfica esta repleta de discos de diferentes signos, unos mas conservadores y otros mas experimentales, sin embargo su principal influencia esta en el progresivo de los 70, el folk, la música clásica, el pop y casi cualquier otro genero.
Su primer álbum fue publicado en 1990 y lejos de contener una música sinfónica, es mas bien un disco vanguardista, la falta de una melodía consistente es la dinámica de este lanzamiento. El uso ecléctico de los temas le da un sentido mas vanguardista que sinfónico.
En 1997 publicaron “After Crying 6”, uno de sus trabajos mas “accesibles”, donde aparecen algunos elementos de jazz, grandes baterías, pasajes pastorales, voces siniestras y teclados sublimes al mas puro estilo Keith Emerson. A pesar de que sigue sonando excéntricos, su música se vuelve mas melódica y incluso adictiva en ciertas partes del disco. Aún así tienen álbumes de rock progresivo mas convencional como “Struggle For Life” (2000) o “Show” (2003).

Lynyrd Skynyrd-One More From The Road (1976)

“One More From The Road” de los Lynyrd Skynyrd es otro de esos legendarios dobles en directo de la historia del rock. Grabado íntegramente en el Fabulous Fox Theatre de Atlanta en julio de 1976, documenta fielmente a la banda de Jacksonville en la cima de su popularidad. Para cuando apareció este disco, Lynyrd Skynyrd ya había publicado cuatro soberbios álbumes de estudio, e incluso habían obtenido tres exitosos singles en las listas del Billboard; "Sweet Home Alabama", "Free Bird" y "Saturday Night Special". Incansables trovadores de la carretera, esta mítica agrupación se gano una amplísima legión de seguidores leales en todos los Estados Unidos, elevándolos hasta los altares de banda icónica y mediática.
Con un estilo en donde tomaban prestado el estilo sureño de The Allman Brothers, fusionado con sutiles dosis de gospel, el sonido pantanoso de los Creedence, el blues descarado de los Rolling y el hard rock de Steppenwolf, Lynyrd Skynyrd consiguió crear un rock melódico único y accesible. Por aquel entonces tuvieron que lidiar su estilo con grandes como Led Zeppelin, Deep Purple, Gran Funk, Foghat, Aerosmith o la Blue Oyster Cult entre otras muchísimas mas, todas ellas con un gran predominio de las guitarras, sin embargo gracias al talento, el impulso y la determinación, los Lynyrd Skynyrd consiguieron salir airosos. "One More From The Road" es la confirmación sonora de sus explosivos directos, de sus enérgicas actuaciones, con un sonido abrumador, en donde se absorbe el sudor y el entusiasmo, con esas jams de guitarras, con preciosos pasajes de piano y coros cautivadores que impregnan este directo.
Desde la oda áspera y enérgica de "Workin ´For MCA", el sombrío sentimiento de "Tuesday´s Gone", la divertida sureña "Gimme Three Steps", el grasiento rock "Whisky Rock´n´Roller" o las abrasadoras versiones de "Crossroads" del gran Robert Johnson y "Call Me The Breeze" de J.J.Cale, Lynyrd Skynyrd se las fuman, se las beben y las despachan con un hambre de gran ferocidad.
Para culminar el álbum, la banda acomete de manera vibrante las clásicas "Free Bird", "Sweet Home Alabama" y "Saturday Night Special", dejándonos un directo absolutamente increíble y magistral. El recibimiento del álbum fue apoteósico, con un triple disco de platino certificado casi diez años mas tarde. Un año después el destino golpeo a la banda con la tragedia; el 20 de octubre el cantante Ronnie Van Zant, el guitarrista Steve Gaines y la cantante Cassie Gaines murieron en un trágico accidente aéreo, mientras que los miembros supervivientes resultaron gravemente heridos. Algún tiempo después y a pesar de estas horribles perdidas, la banda finalmente continuarían grabando álbumes y ofreciendo multitudinarios conciertos por todos los Estados Unidos hasta prácticamente hoy en día. “One More From The Road” representa la era de oro de esta insuperable y legendaria banda de rock sureño.

David Sancious And Tone-Transformation (Speed Of Love) (1976)

Por la E Street Band de Bruce Springsteen han pasado algunos de los mejores músicos norteamericanos como por ejemplo Steven Van Zant, Nils Lofgren, Ernest Carter o Max Weinberg entre otros muchos, pero también ha sido el semillero de otros para iniciar su propia carrera en solitario, como Clarence Clemons o David Sancious. El trabajo de este ultimo quedaría plasmado en los tres primeros trabajos de Bruce Springsteen “Greetings from Asbury Park, N.J.”, “The Wild, The Innocent and the E Street Band” y “Born To Run”. Luego de ello Sancious formaría la banda David Sancious and Tone junto al batería Ernest Carter, también ex miembro de la banda de Springsteen, y el bajista Gerald Carboy. La música de Tone era una fusión de rock progresivo y jazz muy emparentado con los sonidos de Return to Forever o Jean Luc Ponty y otras bandas coetáneas del jazz rock de los años 70. La interpretación de los teclados de Sancious revelaría las muchas influencias que tenia en mente, como el piano neoclásico francés, la música gospel y los sonidos envolventes de los sintetizadores con un estilo muy cercano a los teclistas predominantes del genero del jazz rock como Jan Hammer o Chick Corea, pero también le dio la oportunidad de mostrar su talento con la guitarra eléctrica deudora de Jimi Hendrix o Jeff Beck.
“Transformation (The Speed Love)” apareció en 1976 y era la continuación de su primer álbum “Forest Of Feelings”, en esta nueva entrega a diferencia del primero, Sancious le da un mayor protagonismo a los sonidos de guitarras, estructurando el álbum en cuatro largos desarrollos centrado en el jazz rock con ligeros sonidos progresivos. La inicial “Metamorphosis” muestra una melodía jazz rock con muchas partes de teclados, mientras  “Sky Church Hymn # 9” es un tributo a Jimi Hendrix, aquí Sancious demuestra su grandes habilidades con la guitarra, por otro lado la suite con el nombre que da titulo al trabajo, es un ejercicio de 18 minutos de pleno jazz fusión, con un mayor protagonismo en el lucimiento de cada uno de los músicos de la banda. Este es en general un trabajo con grandes momentos de enérgico jazz, de enorme clase, demostrando una gran musicalidad, que pese a no tener un nexo común entre todos sus temas, el resultado final lo convierten en una obra completa.

Modrý Efekt-Svět Hledačů (1979)

Modrý Efekt es una de las bandas mas importantes de la antigua Checoslovaquia, que fue formada en 1968 y se disolvieron en 1990, posteriormente se reunirían en el 2004 hasta el 2016.
Originalmente llamados Blue Effect, tuvieron que cambiar el nombre por el de Modrý Efekt debido a las presiones del gobierno comunista checo, que desaprobaba enérgicamente los nombres en ingles en aquellos tiempos.
Fundados alrededor del guitarrista Radim Hladik, el resto estaba compuesto por Lesek Semelka teclados y voces, Oldřich Veselý teclados y el batería Vladimir Cech. En 1979 publicaron su sexto álbum "Svet Hledacu", considerado el trabajo mas progresivo del grupo junto al anterior “Svitanie (1977). Su estilo era una mezcla de rock sinfónico y jazz fusión, con hincapié en el trabajo del guitarrista Hladik, (considerado el mejor guitarrista checo), con intrincados cambios de ritmos, enfatizando los sintetizadores con sonidos espaciales y las guitarras. Su estilo a veces nos recuerdan a grupos como Yes por sus complejas composiciones, pero sin llegar ni de lejos a las excelencias de los británicos. 

Comus-Firts Utterance (1971)

Comus son otra de esas bandas británicas muy extrañas de principio de los 70, tanto que es casi imposible comparar su estilo con otras coetáneas debido a su temática única y original, por lo que fueron parte de la escena oscura de ese periodo. Aún así Comus son una de las bandas mas interesantes que surgieron de la escena del folk progresivo. Por buscar una supuesta comparación se podría decir que son una versión trastornada y experimental de Jethro Tull, sin embargo esta ambigua comparación no les haría justicia.
Comus se formo en Kent en 1967 por el guitarrista y voz Roger Wootton, el bajista Andy Hellaby, el violinista Colin Pearson, el baterista Bobby Watson, el flautista Rob Young y el guitarrista Glen Goring. Su único trabajo sin ser una obra conceptual al uso, habla de la fragilidad de la inocencia cuando se presenta al poder abusivo, (violencia, violaciones y terapias de choque). Dicho esto su música a menudo discurre entre los pasajes idílicos hasta los mas extraños sonidos tribales, con unas letras brutales y muy gráficas.
Su primer álbum y a la postre una creación monumental fue “Firts Utterance” (1971), considerado por los seguidores del prog rock como una obra alucinante y uno de los mejores discos del folk progresivo de los 70, con una letras demoniacas y oscuras junto a una música acústica y pastoral por momentos, lo cual contrasta enormemente con lo anterior. Aquí se mezclan lo pagano, los asesinatos brutales, el erotismo gótico, las enfermedades mentales, todo ello descrito con una inquietante franqueza. Su música es un rara amalgama de folk psicodélico, con retazos de música clásica y los sonidos inclasificables.

Jan Dukes de Grey-Mice And Rats In The Loft (1971)

Esta banda fue una de las mas originales surgidas en la escena del folk progresivo británico de principio de los setenta. Formada en Leeds en 1968, su núcleo principal eran el saxofonista y vientos Michael Bairstow y el guitarrista y otros instrumentos Derek Noy. Este dúo en un principio hacían un folk con sonidos ácidos y eran uno de los principales competidores de la banda Tyrannosaurus Rex. Ellos fueron una de las ultimas formaciones del estilo progresivo que ficharían con Decca en 1969. Con un primer álbum “Sorcerer” (1970), de folk extravagante con algún acercamiento a los sonidos progresivos, ambos músicos usan un arsenal de instrumentos de vientos y percusiones, con un estilo acústico en casi toda la grabación en donde se respira los aires hippies de la época con relatos interesantes y las cómplices voces de ambos músicos. Un año mas tarde llegaría el brillante “Mice And Rats In The Loft”, que cuenta con la incorporación del baterista Denis Conlan, en el cual la banda amplia sus horizontes con sonidos mas complejos y arriesgados. Aquí se sumergen en extensos desarrollos instrumentales y pasajes en ocasiones épicos y sinfónicos. Con solo tres temas, este lanzamiento se abría con la épica “Sun Symphonica”, 20 minutos en los que encarnan todas las excelencias de Jan Dukes de Grey, un tema brillante con muchas sonoridades, con el uso de una gran cantidad de instrumentos e incluso incorporaron una orquesta, con pasajes atmosféricos, extraños, siniestros y un final con sonidos improvisados, mientras en “Call Of The Wild” se utilizan armonías de múltiples voces para crear un sonido inquietante, con unas guitarras acústicas distorsionadas, riffs improvisados y solos atmosféricos brillantemente ejecutados. El ultimo corte es el tema homónimo, un ejercicio maestro de psicología musical, con una guitarra al mas puro estilo Hendrix que va llevando el sonido hacia los terrenos de la psicodelia, mientras se va narrando una escalofriante historia de sacrificios religiosos, lo que potencia el pasaje musical en sonidos muy intensos y atmosféricos. 

Goblin-Roller (1976)

Goblin fue una banda italiana que oriento su música principalmente a las bandas sonoras de películas de terror, con unos sonidos oscuros, intrigantes y progresivos, pero que también publico algunos discos al margen de la industria del cine.
Formados en Roma en 1972, durante su carrera se han disuelto en varias ocasiones y vuelto a reunirse durante los últimos 40 años.
Su primera y mas clásica formación estaba comprendida por el guitarrista Massimo Morante, el teclista Claudio Simonetti, el bajista Fabio Pignatelli y el baterista Walter Martino, sin embargo a lo largo de su larga carrera han habido innumerables cambios de formación, hasta el punto de que han habido discos que han sido grabados por alineaciones totalmente diferentes. Su primer trabajo fue para la banda sonora de la película “Profondo Rosso” de 1975, un trabajo de escasa duración, apenas 30 minutos, pero en donde ya se intuían los sonidos lúgubres repletos de órganos con un acercamientos a los sonidos jazz, pasajes atmosféricos y grandes momentos de guitarras, bajo y batería.
“Roller” publicado un año después ya era un álbum convencional sin la presión de un Dario Argento a sus espaldas, y mostraba un estilo progresivo influenciado por las bandas británicas del genero. Atmósferas pinkfloydianas, sonidos en la onda al “Tubular Bells” de Mike Oldfield, largos pasajes espaciosos con tonalidades funk y rock, todo ello con grandes interpretaciones instrumentales por los músicos de la banda. Convertido en un álbum de culto por los fans del progresivo, Goblin ha continuado publicando tanto discos dirigidos a las películas, como obras paralelas convencionales, hasta llegar a casi la veintena en todo estos años.

Anyone´s Daughter-Adonis (1979)

Anyone´s Daughter es una excelente banda alemana que hasta bien entrado el siglo 21 estaban aún activos. Fundados en 1972 en Stuttgart, su primera época estuvo enmarcada por los sonidos progresivos de los años 70, con una música compleja, arreglos enrevesados con grandes guitarras melódicas, una batería contundente y sofisticadas líneas de bajo.
Su formación estaba comprendida por el bajista y vocalista Harald Bareth, el guitarrista Uwe Karpa, el teclista Matthias Ulmer y el baterista Kono Konopick. En 1979 llegaría su primer álbum “Adonis” publicado por el progresivo sello alemán Brain, en donde la banda muestra un rock progresivo melancólico en una línea similar a los británicos Camel. La suite “Adonis” dividida en cuatro partes, contiene un delicioso estilo sinfónico con grandes solos de guitarras, colchones de teclados y complejos arreglos. El resto del álbum es una perfecta combinación de solos de moogs y guitarras como “The Blue House” o la sofisticada y acelerada “Anyone Daughter´s”. Durante los siguientes años seguirán publicando interesantísimos trabajos como “ Piktors Verwandlungen” (1981) “In Blau” (1982) o “Neue Sterne” (1983), hasta llegar a “Living The Future”, su ultimo álbum publicado en el 2018.

East Of Eden-Snafu (1970)

East Of Eden fue una interesantísima banda de rock progresivo digna de mención que tuvo una dilatada carrera de casi dos décadas. Formada en Bristol, Reino Unido en 1967, su formación estaba formada por Dave Arbus (violín eléctrico, flauta, saxofón), Ron Caines (saxo alto), Geoff Nicholson (guitarra y voz), Steve York (bajo) y Dave Dufont (baterísta). En 1969 son contratados por el sello Decca con quienes publicaron sus primeros discos "Mercator Projected" (1969) y "Snafu" (1970), ambos excelentes trabajos donde logran un gran sonido de violín eléctrico, flauta y saxofón combinado con Bela Bartok y otras melodías clásicas, orientales e incluso gitanas siempre sobre una base de hard rock. “Snafu” fue la continuación de la tendencia musical iniciada con su álbum debut con un sonido mas solido con una combinación de blues rock, música psicodélica y fusión. Aunque fueron etiquetados como proto-prog como otras bandas coetáneas, ellos mostraban menos interés en lo sofisticado y en el clasicismo para centrarse en sonidos mas ásperos y complejos. Ello esta demostrado en temas como la blues rock pegadiza “Have To Whack It Up”, la exótica “Leaping Beauties For Rudy/Marcus Junior”, las complejas “Xhorkhom” y “Ramadhan”, ambas con influencias árabes o la jazz-blues “In The Snow For A Blow”. La banda seguirá publicando discos hasta 1978 cuando se disuelven y volverían a reunificarse en 1996.

Status Quo-Live! (1977)

Durante el mes de octubre de 1976, Status Quo actuaron durante tres días seguidos en el Apollo Theatre de Glasgow como presentación de su noveno álbum de estudio “Blue For You”. De esos maratonianos conciertos se extrajeron el material que fue publicado un año después, y que seria el primer disco en directo de la banda; “Status Quo-Live!” el cual se convirtió en otra de esas imprescindibles grabaciones en directo de los años 70. Unos espectaculares conciertos basados en el sudoroso rock and roll y boogie rock que esta legendaria banda hacia en aquellos mágicos años, mostrando lo divertidos que eran sus enormes shows en donde la clase, el feeling, el ritmo y el publico con sus rugidos histéricos hacen de esta grabación un documento histórico. Desde la entusiasta presentación del speaker Jackie Lynton, este directo va transmitiendo durante los 90 minutos de duración, la grandeza de los grandes espectáculos. Compuesto por un repertorio de infarto, Status Quo desgranan lo mejor de su catalogo hasta esa fecha como las contundentes "Big Fat Mama" y "Is There a Better Way", la eterna y clásica "Caroline" o el medley "Blackwater / Just Like Me", sin olvidar los extensos “Forty Five Hundred Times" y "Roadhose Blues", esta ultima una vibrante versión del clásico de The Doors, que nos muestran lo geniales, viscerales y ardorosos directos que hacía esta inolvidable banda en la década de los setenta.